电影大师分析

『壹』 成为世界级电影大师的五个诱因

在选择电影的时候，每个人都有自己的标准，有些人看电影是为了颜值，有些人看电影是为了大爆炸，有些人则干脆人云亦云。然而，成熟的电影迷在选择电影时都有一条心照不宣的参考标准：导演。纵观电影故事讲述者的全部工种，诸如24帧APP上分类的摄影师、美工师、特效师、音效师、剪辑师、作曲、编剧、演员、制片等等，导演是电影制作过程中最具创造力的个体，是电影质量的最大保证。

也许，发源于新浪潮的作者论才是大师级导演最重要的特征。按照美国影评人安德鲁·萨里斯的说法，作者论有三点假设：第一种是可以彰显导演表现化地理解并应用电影制作技艺的技能水平；第二种是连贯的个人风格，即可以在每部影片中被甄别出来的一系列视觉和叙事特性；第三种是一种统一的世界观、一系列连贯的心态和意念。简而言之，一旦你看过某位导演的某几部作品，你就能在这位导演的任何其它作品中找到相同或类似的元素。再简化一点，便是大师级导演都有个人强烈得风格，你可以轻易地在没有任何资料的情况下判断什么是诺兰电影，什么是昆汀电影。而作者论，对于导演由很高要求，要求导演掌握剪辑、编剧、摄影、服装、道具等等电影分工。最近几年最典型的作者论电影莫过于韦斯·安德森的《布达佩斯大饭店》，毫不夸张地说，韦斯·安德森在拍摄《布达佩斯大饭店》时基本上参与了上述列举的全部电影分工。

『贰』 电影大师的评价标准，每人心中都有大师，谈谈你对电影大师的评判。谢谢

有自己的独特的风格和独到的见解，场面不一定需要华丽，但一定要有思想，其思想能透过电影中的人物表现出来，让人能在观赏过后有所思，心中有一种不可言状的感觉（马丁斯科塞斯的《禁闭岛》个人觉得在这点上做得很好）；故事的叙述不拖沓冗长，不刻意营造玄妙之感也不无病呻吟，也不流于固有套路的限制，像那些解释不清楚自己电影和内在就把一切归于主角人物有严重精神疾患的导演，不用说都知道那是什么等级的导演。就我个人而言，不赞成那种认为让人无法看懂和理解的电影就是深奥的电影的说法，如果一部作品在那么几十亿人中几乎无法让其中哪怕只是一个人明白的话，那只能反映出连导演本人也无法理解该作品；然后就是对电影有自己的坚持，不趋从于短暂的市场需求，毕竟大师也不是由票房的多少来划分的，市场是有尽的而电影是永恒的。我觉得大卫芬奇就很大师
我的理解大概就这些吧，可能比较乱

『叁』 电影大师为什么要杀掉杀手

电影《大师2021》是一部由尼克·斯塔利亚诺导演,安东尼·霍普金斯、安森·蒙特主演的惊悚片,片中展现了一种很难得的情节转折,出人意料。

『肆』 电影大师安东尼奥尼

1942年，他与罗伯托·罗塞里尼（Roberto Rossellini）合作写出《飞行员的归来》（Un pilota ritorna）的剧本，也在Enrico Fulchignoni的电影《I e Foscari》之中担任助理导演。1943年，安东尼奥尼去法国协助马赛尔·卡尔内拍摄《夜来恶魔》（Les Visiteurs soir，又译为《夜间访客》或《夜间来客》）。安东尼奥尼在1940年代开始拍摄短片，《波河的人们》（Gente del Po）是说在波河贫穷渔夫的故事（安东尼奥尼自1943年到1947年在波河工作）。这些短片是新写实主义（Neorealism）的风格，有着对当地居民的生活作半纪录片的研究。
然而，安东尼奥尼的第一部长片《爱情编年史》（Cronaca di un amore，又译为《爱情纪录》、《爱情故事》、《爱的故事》、《爱情纪事录》或《某种爱的记录》，1950年）借由描写中产阶级而逃脱了新写实主义。他继续创作一系列的影片：《失败者》（I Vinti，1953年），是叙说在不同国家（法国、意大利与英国）所发生的青少年犯罪系列故事；《不戴茶花的茶花女》（La Signora senza camelie，1953年）描述一个年轻的电影明星与她的堕落；以及《女朋友》（Le Amiche，1955年）叙述都灵的中产阶级妇女。《公路之王》（Il Grido，又译为《喊叫》、《流浪者》、《呐喊》，1957年 ）重新回到工人阶级的故事，叙述一个工厂的工人和他的女儿。每一个故事都与社会异化（social alienation）相关。

1972年，在《无限春光在险峰》与《过客》之间，安东尼奥尼受中华人民共和国政府的邀请，在文革结束之后访问中国。他拍了纪录片《中国》（Chung Kuo - Cina），但是该片却被中国当局以“反华”与“反共”为理由严厉谴责。这部纪录片在中国的第一次放映是2004年11月25日在北京，由北京电影学院举办的一个纪念安东尼奥尼贡献的影展之中。

1980年，安东尼奥尼拍了《奥伯瓦尔德的秘密》（Il Mistero di Oberwald），这是一部在色彩电子处理上的实验：先用电视摄影机拍摄（使用625线、50图场的格式），再转成胶卷，跟一般直接用胶卷底片拍摄的手法不同。这也是首度用电视摄影机（video）拍摄一部长片，可说是数位电影的先锋。该片由时常与安东尼奥尼合作的女星莫妮卡·维蒂（Monica Vitti）主演，改编自尚·科克托（Jean Cocteau）的故事《双头鹰之死》（L'aigle à deux têtes）（尚·科克托于1948年拍过同名电影《双头鹰之死》）。
电影《一个女人的身份证明》（Identificazione di una donna，1982年 ）在意大利拍摄，主题又再次处理三部曲系列的相同议题。
1985年，安东尼奥尼中风，让他半身瘫痪，无法言语。然而，他继续拍片，包括与文.温德斯（Wim Wenders）合拍的《云上的日子》（Al di là delle nuvole，又译为《在云端上的情与欲》，1995年），将他的四个短篇故事改编搬上银幕。文.温德斯担任候补导演，并负责拍摄四段影片中的桥段。这部影片在威尼斯影展中与《三轮车夫》（Cyclo）同时获得影评人费比西奖（FIPRESCI Prize）。
同年，他获得美国奥斯卡终身成就奖。颁给他的是杰克·尼科尔森。数月之后，小金人被夜贼偷走，后来又被偿还。在这之前，他曾因《春光乍现》入围奥斯卡最佳导演与最佳剧本奖。
安东尼奥尼最后一部电影，是在他90多岁时拍的，是一部电电视系列剧（anthology film）《爱神》（Eros，2004年）的其中一段〈欲〉（Il filo pericoloso delle cose）。本片制作的原始动机是向安东尼奥尼致敬，最终由三部短片构成；公开表明深受安东尼奥尼影响的导演王家卫和史蒂文·索德伯格各拍了一段，加上安东尼奥尼自己的注脚。这个短片集是由许多朦胧的构图与卡耶塔诺·维罗索（Caetano Veloso）所作曲并演唱的歌曲〈米开朗基罗·安东尼奥尼〉所架构而成。
这部影片的美国DVD发行时包含了安东尼奥尼另一部在2004年拍的短片《米开朗基罗的凝视》（Lo Sguardo di Michelangelo）。
安东尼奥尼于2007年7月30日逝世于罗马，享年94岁，另一个伟大的电影导演英格玛·伯格曼也在同一天过世。安东尼奥尼的遗体目前放置在罗马市政府，直到2007年8月2日的丧礼。市政府也在灵堂设了大萤幕呈现安东尼奥尼黑白的连续画面，包括了影片的背景与后台。

电影历史学家弗吉尼亚·莱特·魏克斯曼（Virginia Wright Wexman）叙述安东尼奥尼对于世界的观点，是一种“后马克思主义（postreligious Marxism）与存在主义知识份子”的方式。[10] 安东尼奥尼在戛纳的一段致词说到关于《情事》（L'Avventura，1960年）。他说在这个理性与科学的现代世代，人类始终借由著“苛刻且死板的道德被认为且承担了懦弱与全然的怠惰”存活。他说电影能够洞悉矛盾－我们非常仔细的去审视那些道德看法，我们细心研究且分析他们直到筋疲力尽。我们有能力作，但我们没有能力去发现新的方式。[11]九年后他在一个访谈上也表示了相同的看法，他说，他蹭恨道德这个字：当人变得安于自然，当精神空间变成他真正的背景，这些字和看法（指道德）将会失去它们的意义，而且我们也不再需要使用它们。
因此，安东尼奥尼电影当中循环的主题之一，就是忍受倦怠（ennui）的主角们的生活除了声色之娱的满足或物质财富的追求之外，皆空虚且毫无目标。电影史家大卫·鲍得威尔（David Bordwell）写说，在安东尼奥尼的电影中，假期、派对、以及艺术的消遣追求，都无法掩饰主角目标与情感的缺乏。性行为是随意的诱惑，且主角不惜任何代价地追求财富。
安东尼奥尼的电影倾向于省略情节与对话，且大部分的时间都花费在徘徊特定的境景，例如在《过客》（Professione: reporter，1975年） 中十分钟的长镜头，或者在《欲海含羞花》（L'Eclisse，1962年）中莫妮卡·维蒂（Monica Vitti）好奇的瞪著电子看板，搭配着环境音与电路当啷声。弗吉尼亚·莱特·魏克斯曼（Virginia Wright Wexman）是如此解释他的风格的：
“...摄影机放置在中景远比特写多，频繁地缓慢移动，镜头容许借由著剪接以延长连续性。如此一来每个画面会更复杂，比一般较小环境被构筑的那种风格，能够乘载更多的资讯…在安东尼奥尼的作品中我们必须详细的了解他的画面，他迫使我们所有的注意力借由著持续的镜头，直到镜头被剪断...”
安东尼奥尼也被受瞩目，因其在他的电影风格中开发了色彩为重要的表现元素，特别在他的第一部彩色电影，《红色沙漠》（Il Deserto rosso，1964年）片中。

大卫·鲍得威尔（David Bordwell）认为安东尼奥尼的电影在艺术电影有巨大的影响力：“比起其他导演，他更能鼓励电影工作者去探索简约风格且开放结局的叙事方式”。
安东尼奥尼的简约风格与无目的的角色并不被所有的评论者所欣赏。英格玛·伯格曼曾说他欣赏一部分安东尼奥尼的电影因为影片中不带感情且有时带有朦胧的特质。然而当他想到《春光乍现》与《夜》时，他称安东尼奥尼其他的电影很无聊，并说他不了解为什么安东尼奥尼这么受尊敬。

『伍』 电影大师的介绍

“电影大师”（Masters of Cinema，简称MOC）是英国公司尤里卡（eureka）发行的一个系列产品，始于2004年英国尤里卡公司（Eureka Video）以出品早期默片和经典电影为主，原本该公司将DVD划分为5个类型，如经典与默片系列、战争记录系列等，对于早期电影的整理、修复，尤里卡公司可谓煞费苦心，通过各种手段修复后的胶片甚至可以和当年原始胶片相媲美，而且有些也胜过美国一区所出品的。

『陆』 简述电影史上真正的大师，每位介绍两部最经典最值得看的

楼主说的是大师级的导演还是演员,而且有些编剧,作曲,摄影都有各的大师级的人物存在的.

另外有些人虽然有大师之名,但是最经典的往往达不到两部这个标准,还有就是有些经典影片不了解背景也很难理解为什么你看的很一般的片子也会是经典.

最后,提供一个经典电影的专题片,崔永元主持的<电影传奇>,网上的视频网站上可以找到一部分,我看过一些,很有学习意义,本身已经可以算是经典.有些听说已经收入了电影博物馆.

补充:在我乐网上有人发了CCTV3制作的香港电影的专题片<香港电影传奇>楼主可以去按图索骥,太长了,你有时间自己去慢慢看吧.
我对于外国电影一向看的少,只能用无知来形容.

『柒』 能否说说您对于电影大师的看法中国现在有无这样的人物存在呢

对于电影而言，个人觉得是见仁见智的问题，电影大师是可以通过那些镜头细腻的表达，是观众可以与之产生共鸣，或许有人认为王晶是电影大师因为他可以为自己带来欢笑，又或许有人认为徐克是电影大师，喜欢他的天马行空般艳丽的电影风格，又或许是其他的一些人。对于中国现在的电影发展，我个人觉得有些太过浮躁，很多电影不得不靠宣传，带的有一种功利的色彩，好的电影需要慢慢的静下心来去琢磨，其实中国是一个拥有人才的国家，或许有一天它会有属于自己的电影大师

『捌』 电影大师好看吗 电影大师怎么样

《大师》
是由保罗·托马斯·安德森执导，
杰昆·菲尼克斯、菲利普·塞默·霍夫曼等主演的剧情片。片子好看！12年的一部电影！

『玖』 张艺谋导演的艺术风格分析

没有固定的艺术风格是张艺谋的最大风格！
世界上所有的电影大师都能游刃自如地在各种艺术风格之间！
比如张艺谋，即能拍《活着》之类wg史诗巨品，又能拍《一个都不能少》，还能拍《英雄》；斯皮尔伯格，能拍《辛德勒名单》之类的文艺巨作，还能拍《外星人》《侏罗纪公园》；詹姆斯.卡梅隆，即能拍《泰坦尼克号》，又能拍《阿凡达》等等，无不如此！
如果你非得说风格的话，那么画面的营造和音乐的完美结合，加上中国元素呈现便是张艺谋的风格，之一！

『拾』 分析大师电影！！！急！

这个是我豆瓣影评中的一篇，不知可否
杰出的诗电影（塔可夫斯基导演牺牲）
牺牲中情节开展的具体地点与导
演的其它影片相比，显得更为抽象，也显得更具象征意义：简洁的线条，景
色的和谐，色彩的清新，光线的延伸，都变得那么质朴自然，给人以一种天
堂美景的印象。导演似乎在告诉观众，这就是人类应该过的生活。然而，导
演又在单一意义上强调主人公活动地点的现实性，并以主人公的对话，抒发
了对人类有可能失去这样的生活的忧虑。就这样，安德烈·塔尔可夫斯基在
他的第一部也是最后一部非俄罗斯影片《牺牲》中，重建了他的个人的和精
神的世界，并在这个世界里找到了自己。而这个世界，仍然把他与俄罗斯文
化艺术的传统联系在一起。
可以说，《牺牲》的主人公亚历山大是导演的第二个自我。导演通过亚
历山大，抒发了一个身患绝症，远离祖国，为世事忧心如焚的俄罗斯艺术家
对核灾难临近的恐慌和为拯救人类而牺牲自己的渴望。影片中，当亚历山大
说“人类正走上一条错误的道路，这条道路是非常危险的”这句话时，静止
的镜头长时间地远远地对着他，造成强烈的视觉效果。亚历山大种树的画面
也几乎是静默的，只有戴着一顶白帽子的孩子默默地在父亲身边玩耍。导演
以这个男孩暗示随时都处于核威胁之中的人类的未来。亚历山大祈求女巫玛
丽亚解救人类的那场戏被处理得相当有力度，在亚历山大诉说母亲临终时他
的痛苦的大段独白中，他回忆自己想把老家的花园收拾整齐，却事与愿违地
把自然美景破坏殆尽。这段独白印证了主人公在影片中的话：“人类一旦有
了重大发现，就把这些变成武器。所有为生活所不必需的就是罪恶。”亚
历山大为了获得超乎日常生活、超乎物质之上的一切，烧毁了自己的家，并
把自己的信念传递给孩子，影片中的一个镜头令人备感震惊：亚历山大突然
看见自己的家脱离了自己，像小火柴盒似的座落在他的脚下——他注视着这
一小块安乐场，就像造物主注视着罪恶的大地，把牺牲的屠刀举在他头上。
而为了人类的博爱，他准备担当牺牲，把这一切，连同自己的家人和自己都
付之一炬。
在塔尔可夫斯基设计的影片里，直观的世界从来不是布景、道具或者社
会学意义上的大背景，也不服从于剧作。在他的影片里，演员不是在表演，
而是在继续着影片里那个世界里的人们的生活。在他的作品里，人和物都是
独立的、行动着的个体。它们都富于画面意义，它们在此时此地或彼时彼地
出现，决不是偶然的，而是因为它们与影片的作者的第二个自我，即主人公
有所联系。回忆一下在塔尔可夫斯基所有的影片中时常出现的那些旧书籍、
木房子、圣像画、镜子、雨等等，就可以意识到，在塔尔可夫斯基的精神世
界里，在他的影片的艺术氛围里，这些物体都是必需的，而且，经过塔尔可
夫斯基的导演组合，所有这些普通而平凡的物体变得敏感而易于接受。
安德烈·塔尔可夫斯基的处世态度应该被认为是动态的。具有这种处世
态度的人必定被运动中的、成长中的、发展中的一切所吸引。静止，在他看
来是反自然的，是生命的终止。导演经常把自己的观点转托给影片的主人公
们。《潜行者》中的主人公的独白中说：“当一个人诞生时，他是软弱的、
柔顺的；当一个人死亡时，他是坚强的、冷酷的。当树木成长时，它是柔软
的、柔性的，而当它变得干枯、坚硬时，它即将死去。”实际上，这段独白
阐述的是古代中国哲人老子的《道德经》中的思想：“人之生也柔弱，其死也坚强。草木之生也柔脆，其死也枯槁。故坚强者死之徒，柔弱者生之徒。”塔尔可夫斯基曾说，“我觉得，我更加接近东方的思维方式，那就是唤起人们内心的呼应，而不是诱使他们落入肤浅的饶舌的圈套。”看过影片《牺牲》之后再细品塔尔可夫斯基的这番话，观众可以体味到这位伟大的俄罗斯艺术家对世界的感受与东方艺术、东方哲学之间的共鸣：把现实理解为可变的，认为整个宇宙及宇宙中的每一个物体都是可变的。在《牺牲》中，塔尔可夫斯基把这种共鸣传达给影片的主人公。例如，亚历山大的生日宴会被一场雷电交加的暴风雨破坏。远处传来了神秘的叫声，电台播送了核灾难的消息??在塔尔可夫斯基的另外几部作品中，雨也曾作为一种重要的造型手段而多次出现。古代的中国哲人认为，雨，意味着天地之一统，体现出“阴”和“阳”的力量。“阴”和“阳”的统一会产生巨大的创造力，最终成为宇宙和现实存在的基础。也许，受东方思维影响颇深的塔尔可夫斯基正是这样在自己的作品中以“雨”这样一个自然现象为手段把现实引入动态，使其充满了内在的活力。由于雷雨的启示，亚历山大愿以个人的牺牲来拯救人类。还应该强调指出的是，《牺牲》中片首和片尾出现的那棵树。在这样首尾呼应的造型处理中，导演赋予“树”以形象的能量。“天天浇水，直到把树浇活为止”。这就是作为艺术家的塔尔可夫斯基动态的处世态度。安德烈·塔尔可夫斯基生前曾对《牺牲》作过如下阐述：“这部影片是一则诗的寓言。每一段情节都可以有不同的解释。我很清楚地意识到这部影片与当今人们所接受的观念是不符的”客观地说，表现核时代人的精神颓废问题的《牺牲》，的确是一部严肃然而令人困惑的影片。它似乎在表述着导演的一个未曾启口的愿望：让观众自己去读解影片所提供的素材的形象意义，从而理解这位伟大的俄罗斯艺术家在告别人世前对一切作出解释、唤醒世界、改变世界的渴望。《牺牲》作为一部优秀的诗电影和作者电影，将与安德烈·塔尔可夫斯基的名字一起，永载世界电影史册。