电影镜头空间案例分析

❶ 试分析电影《恋慕》中处理时间关系的手法，这种处理的手法产生何种艺术效果

全片大量运用特写，在影片开头时为观众制造悬念调动预期心理，也对影片中多次出现的合照、男主角的衣帽、桌上的饭菜、女儿打来的电话等戏剧元素起到突出强调的作用，盯咐将其作为线索以便故事情节进行串联并进一步推动剧情发展。

同时借助分散的固定镜头拍摄出许多中近景画面，以表现崔莲熙记忆力不断衰退后在生活中的不同形体动作。

影评中仅有的几次远景和全景画面被尽数用于描写在平壤时探亲团与边防军队发生冲突被拦截下来的场景，明确交代了当时由于人数众多所导致的混乱场面，并且不过分细化场景以便在情绪编排上弱化负面情绪。

在影片结尾处崔莲熙目送着金珉宇离开的远景画面剪辑出了几十年间沧海桑田的变迁，唯独不变的是道路中央崔莲熙苦苦等候恋人归来的孤独身影。

长年累月的等候，崔莲熙其实并不是忘记自己已经衰老，而是忘记她到底已经等了金珉宇多久，她相信他终究会回来的。此处利用固定镜头拍摄，对应影片题凯基纯目《恋慕》起到抒情作用。

(1)电影镜头空间案例分析扩展阅读

影视是一种时空高度自由化的艺术，与现实生活中连续的时间不同，影视中的时间是非连续的，是自由的，可以受导演主观意识的控制。

常用的时间表现手法进行介绍 ：

一、压缩时间

这是影视处理时间的最基础的方式。一部影视片可以将一天、几年甚至人的一生压缩在几十分钟的影片里（如《末代皇帝》），所以为了符合现实创作环境，所以我们通常将事件时间进行压缩处理。

二、停滞处理

根据表达需要或叙事结构中人物特定的心态，让时间暂时静止的一种屏幕表现方式，这是一种很主观化的人物心态的流露。

1、通过定格

其中画面的定格（也称静帧）是最为常见的用法。以定格技术把最值得关注的那一刻静止，静止时间任意取舍，令观众可以清楚看清，并且起到了强调作用。

2、通过音乐、剪辑和重复等

例如：2002年《无间道》天台锋昌，梁朝伟举枪对准刘德华时，剪辑切换了几个镜头重复了该动作。

三、扩展

把原有的实际时间，通过夸大的手法，有意延长时间的一种表现形式，来突出表现一种氛围，悬念，或者情绪。

1、利用多镜头切换

案例一：《码头风云》（Waterfront，1954年）结尾处马龙·白兰度穿越群集码头工人。

案例二：《老炮儿》结尾处六爷手持军刀杀向对岸的镜头。

2、利用升格（慢速）镜头

《黑客帝国》中著名的躲子弹的镜头早已成为经典，这里的时间就是利用放慢速度处理的，进而带给观众一种强烈的震撼感。

❷ 《西西里的美丽传说》：开头段蒙太奇分析

周传基老师不止一次提到过，在西方，电影名词起源与运动是分不开的，运动的画面对于观众的生理与心理上来说都具有不可抗拒的吸引力，电影本身就是运动，任何令观众感到乏味的电影，一定是在拍摄中没有处理好画面内容上下左右纵深三维方向的运动。《西西里》独具一格的原因，实在是因为在电影起源地欧洲上成长起来的朱塞佩多纳托雷导演对电影运动本质的深刻掌握。而运动，则构成《西西里》中蒙太奇运用的基本逻辑。

《西西里》的开场既是一个缓缓地降镜头，勾勒出西西里岛二战前期的小镇一隅，同时一辆军车载着高声宣传二战的军官由画面深处缓缓驶来。

这一个镜头已经包含上下纵深方向的运动，打破单一的二维平面空间，符合电影的运动美学需要。镜头结束时左右方向运动出现，军车右转向，同时近处路人在镜头前的一个遮挡，影片毫无剪辑痕迹的过渡到第二个镜头。

旁白于此时出现，并承担起起串联第二第三两镜头的重任。声音在蒙太奇剪辑中一直有着不容忽视的功用，导演在后半段还有应用。

在修自行车那场戏中，先给一个交代三人对话场景的关系镜头，同时利用当下一个镜头起幅吸引力大于上一个镜头落幅能自然擦出剪辑痕迹的理论，给修车大爷一个下蹲的动作自然衔接到小男主角的全景。再之后父亲的眼神跟老大爷搭上，形成轴线，一组正反打自然接上。

之后的一组镜头显得典型有趣。当然，所有的镜头都包含着自右向左的水平运动，剪辑顺势以此为骨架安排镜头。先是小主人公骑着自行车自右向左行来，下一个缓慢的升镜头因为画面内自右向左移动的人群与上一个镜头完美衔接。第三个镜头本身既是自右向左运动着的。越过本段中刺眼的第四和第五两个透过旗帜摄向群众镜头，你会发现之后的小男孩骑车子的段落依旧遵循着自右向左的运动原则，剪辑依旧舒畅无比。

    值得注意的是接下来的几个镜头。

诚然有惯用的镜头前遮挡这种擦出剪辑痕迹的手法，前两个镜头还有升镜头这种运动方向的吻合，但最终撑起整个叙事剪辑的却是影片中的不间断的声音。不论是群众的欢呼声还是广播的声音都使得镜头与镜头之间的组接合理化。上面三个镜头出现，因为广播声音的关系，观众会不由自主的想要探寻声音的来源，因此注意力绝对会放在音响上，这时像第三个镜头那样景深变化因为突出了观众一心探寻收音机而使其忽略镜头剪辑，自然的实现了剪辑痕迹的擦除。

声音的妙用还在于它可以作为时空的标杆。本小节的后半段，影片进入交叉剪辑阶段，小镇、男孩、玛莲娜、炙烤蚂蚁的小伙伴四个时空交错在一起，正是因为连续不断的广播的声音，才使得观众能够清楚的感知到这是在同一时间不同空间内发生的事件，给了本段交叉蒙太奇一个合理逻辑。

交叉剪辑之后，男孩的时空终于与小伙伴们的时空相遇，叙事线归一，经典的好莱坞三镜头法出现。视线对上，轴线形成，正反打开始。

本部电影多次运用正反打，最经典的一次运用在男孩第一次见到玛莲娜之时。

如果说镜头越多，戏剧张力越大，情结越接近高潮，玛莲娜的出场无疑掀起了一个小波峰，一段玛莲娜走过小男孩们的戏，导演雹袜中运用正反打，带关系越轴，整整剪出14个镜头。

之前介绍的镜头都属于叙事蒙太奇的范畴，镜头前后具有衔接性，连接方式不外乎镜头运动方向一致，镜头内部被摄物体运动方向一致，视线相遇自然发展出来的正反打，下一个镜头的起幅吸引力大于上一个镜头落幅的吸引力，遮挡等等方式。电影百年发展总结出的主流剪辑手法几乎都可以在这部影片中找到经典案例。相较于剪辑风格略显沉闷的《海上钢琴师》，《西西里》可以说快了太多太多。不过，平行蒙太奇也好，交叉蒙太奇也罢，都是为叙事做准备的，那么，第一小节主要讲了什么呢？

很简单，主要两件事。第一，二战即将爆发，墨索里尼政府宣布参战，意大利即将陷入战争泥潭。这是美丽传说的时代背好判景。第二，男主角和女主角相遇。还记得前源山面提到的不和谐的两个镜头吗？

   这两个镜头显然并不属于之前连贯的叙事蒙太奇的那组镜头中，放入其中甚至有些突兀。实际上，这两个镜头属于非叙事性蒙太奇。不妨结合本小节的叙事目的解释。第一小节前半段，主要想告诉我们，二战快开始了，轴心国之一的意大利即将步入战争泥潭。但贯穿始终的欢呼声似乎在提醒着观众，意大利的民众对此并没有反抗、恐惧等情绪，相反的，人们居然沉浸在亢奋中。这两个非叙事性蒙太奇镜头显然暗喻着，意大利民众，已经被墨索里尼政府代表的法西斯主义所笼罩，变得好战偏激不理智。

同样的，在交叉蒙太奇段落中，属于玛莲娜的镜头与其他镜头也并不和谐。

这三个片段虽然依旧以广播声作为串联，但是因为未遵守其他镜头自右向左的运动逻辑而跳脱开来，象征意义大于实际意义，因此把它归在非叙事性蒙太奇蒙太奇中，看似与本段叙事毫无关联，实际上内在有着深刻意义。

依旧结合叙事分析，接下来的任务就是让男女主人公相遇。而电影中重要人物出场必然要精心且特别。于是，导演为玛莲娜安排了一个极隆重的出场。秀发、高跟鞋、丝袜，恐怕一个正常男人对女子的所有关于想象都在于此，一个美丽女人致命杀伤力也近在于此。这三个符号化的片段概括出玛莲娜全部的特征，美丽。甚至人们还未见到她本人全貌，美丽的种子便悄悄埋在观众心底。有此铺垫，我们的小男主人公初见玛莲娜便为其倾倒，甚至整个小镇的男人都为其倾倒，虽然表现形式是荒诞的，但逻辑上却合情合理。

   在这里，非叙事性蒙太奇为叙事性蒙太奇做出了有理、有趣的补充。

最后想说的是，朱塞佩多纳托雷导演一直凭电影中满满的温情取胜，并非以独特的剪辑风格或新颖的蒙太奇手法见长。观看他的片子，能带来震撼的永远是情怀而非技巧。欧洲一向大师汇聚，艺术片盛行。朱塞佩多纳托雷导演的片子与之相比似乎略显直白，但就是用这样简单的叙事手法，他偏偏能拍出令人仰望的高度，别具一格的风情，这就是他的厉害之处吧。

❸ 谈谈电影里的“长镜头”

星期五言： 梁文道在《可以吹嘘是奇迹，也可以为浮夸造作惋惜》这篇文章中关于《地球最后的夜晚》长镜头的看法与论据本人着实不敢苟同，因为在我看来，长镜头也好，剪辑也罢，都是表现手段之一，根本不存在对错好坏的概念，我们与其谈论长镜头在电影中是否是炫技、标新立异，倒不如来分析它在某个情节中的应用会对观众造成什么样的反应、担当了怎样的叙述职能。至于这些反应与职能是让人犯困还是亢奋，那就是导演个人风格的问题了。

在此本人决定用个人粗鄙的电影知识谈下对那些电影中“长镜头”的看法。这些看法的依据纯粹从个人观感出发，而非依某个“电影手册”人物的评价或是某个大导演的从影资质再或是长镜头的技术含量为论据。

（注：此文需观看电影相对应的长镜头视频然后阅读，否则会影响理解）

按照 长镜头 在电影中的应用所产生的职能效果，我把它们分成五大类：

一、“看”的习惯；

二、心理暗示（联想空间）；

三、情节需要；

四、节奏需要；

五、艺术隐喻。

根据这五大类划分，我们以下文章将分别对照六部电影中的长镜头案例来分解与阐述 （每个案例附相关长镜头剪辑视频链接）。

一、“看”的习惯

★《死亡录像》（2007）

镜头长度：78’

导演：豪梅·巴拉格罗 / 帕科·普拉萨

国家：西班牙

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

这部西班牙恐怖片属于长镜头比较极端的案例：电影全程几乎一个镜头下来，全部采用模拟肩扛拍摄。

至于为什么要使用这种极端的方式，很简单：这是部恐怖片，讲的是一个记者去采访消防队，结果遭遇僵尸袭击的全过程。导演想造成一种跟踪采访的纪录片假象，从而惊悚的效果。而 这种假象便是利用了人眼看的习惯（遇到有吸引力的东西不眨眼）、看的角度（去除了那些大俯视、大全景随意选择焦点的非人视角）、看的运动特点（受速度、视力范围的局限，震动不稳定） 。

几乎所有恐怖惊悚片都会用到这种肩拍，但不一定所有长镜头都会用在恐怖片里。像索科洛夫的《俄罗斯方舟》（2002）年，它没有恐怖元素，讲的是一位艺术家在画廊参观的全过程，同样是一个镜头跟着主角走到底，同样是模拟了大家看的习惯。

注意， 这种看的习惯虽是左右游移，走走停停，但却是不间断的。一旦间断，那就叫剪辑了，就有创作者主观意识的介入 。

这就是为什么有些欧洲电影理论家说“剪辑即蒙太奇”的原因所在。

二、心理暗示

★《夺命狂凶》（1972）

镜头长度：1’30

导演：希区柯克

国家：英国

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

《夺命狂凶》里的这段长镜头从两人（一男一女）进楼、上楼到进门、关门，再到镜头倒退着下楼、出楼，直到最后退到大街上，长度约一分半钟。

我想在看这一分半时间的戏时，即便不知道前后剧情的观众也会感觉到危险了！这便是这个“长镜头”的魅力所在：它几乎没用什么台词，没用什么特殊道具，更没用剪辑蒙太奇，便把人物境况的以及情绪感觉传达给了观众。

希区柯克是那种典型的实验高于理论的导演， 对他来说用什么拍摄方法是次要的，重要的是这种拍摄方法能给观众带来什么反应，而这种反应多半是心理和生理上的，而非文学解读 。

三、情节交代

★《美国往事》（1984）

镜头长度：1’50

导演：赛尔乔·莱昂内

国家：意大利

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

《美国往事》里的这段长镜头的故事背景是主人公“面条”回到了自己阔别已久的城市，找到了自己当年的朋友“胖子”——

镜头从胖子所在酒吧外的牌子上起，透过玻璃窗，我们看到胖子在酒吧内打发走了客人，随即在前台拿起电话，进而又把最后一个客人送出了门，镜头随即跟着拉高、拉远，最后落到酒吧外不远处的电话亭，“面条”在里面拿着电话看向酒吧...

这段戏不到两分钟，而就在这短短的两分钟内，导演向我们交代了所有两人见面前该交代的东西 ——

我们能看到“胖子”在多年以后经营起了酒吧；那个酒吧并不是太景气；胖子似乎有心事，耿耿于怀的样子；胖子要提前打烊，情不由衷；而这不由衷似乎是因为那个电话；最终面条的出现让我们知道电话那头的人是谁，知道了胖子打发人以及耿耿于怀的原因，并且知道两人的见面似乎并不是太让人畅快的事情。

再次提醒，以上所有的信息用的是一个长镜头，一气呵成。大家可以试想以上元素如果用剪辑的方式是否能达到同样的效果。我自己尝试过，不是不可能，但那会完全变成另外一种感觉。而且那种效果完全没有这种长镜头来的简练，情感上更不会如此强烈。

四、节奏需要

★《刺杀肯尼迪》（1991）

镜头长度：1’

导演：奥利佛·斯通

国家：美国

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

《刺杀肯尼迪》的这段长镜头讲的是检察官巡视命案现场的过程，主观镜头代入，从进屋，到死者尸体出现、众警察记者现场勘查、死者桌面上的遗物展示，再到检察官拿着药瓶看向死者，进而起身走到镜子旁看到镜中的自己。

短短一分钟的时间， 那些一个个像抖包袱一样被镜头抖出来的线索，除了起到“情节交代”的职能外，还起到了“节奏重音”的作用，就好像那个长镜头的运动是一段音乐的主旋律，而这些“线索”是架子鼓打的节奏一样 。

这种处理方法跟“奥利佛·斯通”的风格再吻合不过了，你看他的电影就跟听节奏感很强的摇滚乐一样，几乎每个段落都像MV。即便是不用剪辑的方式而是长镜头，照样出来这种节奏感。

五、艺术隐喻

★ 《秋菊打官司》（1992）

镜头长度：1’30

导演：张艺谋

国家：中国

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

电影开端的这一分半的固定长镜头看似没什么内容：全景、没焦点，杂七杂八的赶集的人分成两部分不断地走进镜头、走出镜头。

如果非得说有什么不一样的，那就是有一些穿着红衣服的人了，可这简直是强词夺理。渐渐地，远处似乎又有个稍微显眼的穿红衣服的女人向我们走来，这次可不是强词夺理了，因为满屏幕的人就她裹着头巾。再渐渐地，直到演员巩俐走到镜头前，全景变成了“特写”，我们才知道主角出现了。这个长镜头到此结束。

这段长镜头设计十分高明，它高明之处不止在于起到了一种讲故事的代入感，还在于它让观众产生了一种“寻找”的心理反应 。寻找什么，当然是寻找故事的主角了，寻找镜头的焦点了，而这个主角和焦点就隐藏在茫茫人海中，准确的说是隐藏在茫茫的底层农民之中。而就当你在这种心理反应和思考中犹豫之时，产生视觉疲劳之前，主角恰好走到了镜头前，送上了门，导演火候拿捏的恰到好处。

当我们看完整部电影，了解了秋菊打官司的整个艰辛过程后，再回头来看开端这一分半钟的长镜头，便会产生一种不一样的效果：一种由主人公的个别遭遇上升到对主人公所代表的整个底层社会的联想。

这种联想也许是虚的，但开头那一分钟的戏给观众的“潜意识强加”是的的确确的。

六、长镜头的综合应用

★ 《罗马》（2018）

镜头长度：4’30

导演：阿方索·卡隆

国家：墨西哥

▼「视频链接」

▼「长镜头截图」

最后我们用这部去年威尼斯电影节大奖作品来对长镜头做个总结吧，它用在电影的开端，时长超过四分半。

前三分半钟镜头压根就没动，但镜头没动不代表镜头内没戏！透过地板水面的倒影，我们看到了天上的飞机：一个天上一个地上，俯视，好巧妙的 艺术隐喻 ；

之后“ROMA”的电影名出现，这个名字像是被那些洗地板的肥皂水冲出来的；

随之我们的主人公出现了。镜头的摇动遵循了我们“看”的习惯，从而向我们交代了主人公的身份、社会地位、人物性格以及精神状态（ 情节交代 ）；

又有那么接近30秒的“空镜头”——主人公进屋了。导演真的是处心积虑，他利用长镜头的不间断性以及开放式空间，给观众留足了喘息的气孔（ 联想空间 ），等你对他要讲的环境有了一定的缓冲后，主人公再出来，继续干她的活。

至此，这段长镜头结束了，电影故事正式进入了正文。可注意，这个“长镜头”的作用与职能还没有结束——

直到我们看完这部电影，才发现结尾还有一个长达六分钟的长镜头（包括片尾字幕）。而这段长镜头与电影开端的那个长镜头形成了超强的“艺术对比（ 艺术隐喻 ）”，我们来看——

一个俯拍，一个仰拍；一个是主人公在擦地板，一个是主人公登房顶晒被子；一个是飞机在水中的倒影，一个是真正的飞机在天上飞过...

把这一头一尾的戏放在一起来看，你会恍然发现，那位“女仆”的地位在这个家庭所有成员的心目中得到了升华，升华到你需要去仰视她的“伟大”了，哪怕她只是爬到楼顶去晒被子。

最后回到长镜头的主题上来，它当然不是不可替代的， 任何一种电影故事、电影情感、电影思想的表达都有 N 种可行方法，换句话说，任何一个导演都有自己看上去最舒服的一种镜头表达方式 。以上我们所举那些“长镜头案例”当然可以用剪辑手法替换。

可问题是，也许替换后那就不是奥利弗·斯通或者阿方索·卡隆、的电影了！就像戈达尔的电影要改的像好莱坞大片一样通俗易懂，那还是戈达尔的电影

因此，我们在看待一部电影的长镜头时，与其判断其对错好坏，不如去了解并接受导演的个性与拍摄习惯。当然，前提拍摄者得先达到艺术上的诚实。

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❹ 电影中，内反打与外反打的区别编剧能学习到

深入探讨电影中的内反打与外反打：镜头艺术的秘密

电影镜头中的内反打与外反打，是编剧与导演在叙事中运用的两种关键手法。它们不仅影响角色交流，更能塑造观众的情感体验。让我们一起探索这两种视角的区别，以及如何在剧本创作中巧妙运用。

1. 视角的差异

内反打（主观镜头），如同角色的内心独白，让观众跟随角色的眼睛观察世界，强化主观感受。它通常用于展现角色的内心世界和情感冲突，空间上保持人物的视觉中心。而外反打（背掏/越轴）则是从角色背后或侧面对话，形成视觉上的冲击，强调外部冲突和剧情转折。

2. 角色关系与观众感知

在对话场景中，选择反打视角可以调整观众与角色的关系。内反打让观众置身于角色内部，更容易产生共鸣；而外反打则拉开了距离，让观众观察角色互动，增加了悬念。编剧需要根据角色性格、情感冲突和剧本需求来决定何时使用哪种反打。

3. 创作策略

在选择对话戏的反打时，要考虑整体风格、演员的表演特点以及剧本情节的推进。例如，在《七宗罪》中，导演通过镜头调度展现了复杂的人物关系和剧情转折，值得深入研究。学习编剧不仅需要阅读《电影语言的语法》，还要通过实际案例来理解镜头语言的运用。

实践与学习

记住，技巧是工具，真正的价值在于故事讲述。理解空间的真实性原则，即在远距离使用内反打，近距离用外反打，是基础。同时，把握内反打的主观性与真实性平衡至关重要。作为编剧，理解视角和故事讲述方式才是关键，而非拘泥于单一的技法。

最后，学习反打并非一蹴而就，它需要不断拉片分析经典作品，亲身体验和实践。通过《七宗罪》这样的案例，你可以深化对视角、节奏和故事节奏控制的理解。记住，每一次镜头的切换，都是你剧本中剧情转折的魔力。

总结

内反打与外反打的巧妙运用，是电影语言中的艺术瑰宝。作为编剧，要善于结合剧情、角色和观众情感，灵活运用这两种视角。只有深入理解并实践，才能在创作中自如地编织出令人难忘的故事。现在，拿起你的剧本，开始你的视觉叙事之旅吧！