分析电影运用的画面语言的方式及效果

Ⅰ 怎么去分析影片的视听语言

同学你好，我们以《七宗罪》的开头做一个范例：

《七宗罪》是大卫芬奇导演33岁的长片作品，其成熟的视听造诣让人称赞，我们用最粗浅的视角，去尝试解读芬奇老师是如何用视听语言构建人物。

（本文涉及剧透）

电影中，主人公赛默塞特，我们简称S，是一个出色的警官，做事一丝不苟，思维缜密，刑侦技术高超，有一颗为美国人民服务的心。可人到晚年，无法根除的罪恶让他在即将退休的年纪心力交瘁。而米尔斯，我们姑且叫他M吧，掐指一算也就30出头，在地方上颇有建树，一时间让他忘乎所以，自以为自己是超级警察，其实性格急躁冲动，做事毛手毛脚。机缘巧合，这一“SM组合”便相遇了。

简单介绍人物之后，我们来对比影片，看看芬奇老师是如果悄悄塑造人物的。和文字不同的是，视听语言要紧扣视觉和听觉的表达，画面的信息量是具象且丰富的，加之有人类生活的经验，很多表达不言而喻，深谙此道的人便可以得心应手去创作。

《七宗罪》镜头五

M便接了个电话，从衬衣的口袋里掏出一支钢笔，随意的记在手心里。还记得上文里S的钢笔放在哪吗？整齐排列在桌子上。不能说导演刻意做对比，他只是把一些细节通过人物动作和美术陈设展现出来。删去这些细节或许对情节不会产生太多影响，但是会让故事与人物的逻辑更加合理。这便是视听的魅力。

视听语言包括很多方面，景别、角度、运动（摄影机运动）、照明、色彩、语言、音响、音乐，剪辑等，但所有的电影元素都是为人物和故事服务，如何突出人物性格形象，如何交代故事情节，如何让观众有代入感，才是电影各元素的目的。

Ⅱ 如何赏析一部电影赏析电影时要从哪些方面去理解电影所要表达的内容呢

• 正所谓，看电影，所以当然是从“看”，眼睛开始。动作片，那就紧紧的盯住他们的动作，情节片，那就要看他们的表情。但是，还要看到一点，那就是他们每个人物心。看上去很深奥，可其实并不难。电影为了表达出人物，演员们都会把表情尽可能的真实。好的演员，会把那个人物塑造得就像你身边一个朋友一样。通过他们的表情，就可以看得出人物的内心。是痛苦？挣扎？还是开心？幸福？跟着人物的内心，一起体验电影的精彩，是再美妙不过的事了。

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  电影，不仅仅只是想让我们看，还需要我们听。倾听什么呢？配乐，人物说话的语气，还有出现在其中细微的声音。配乐可以说是一部电影的一大亮点，（比如宫崎骏电影中就出了很多大家都很喜欢的配乐，也让我们记住了久石让。）配乐，主要为了烘托气氛的，成功的电影中成功的配乐，总能带着大家一起进入电影，配合着人物说话的语气，混合出或者悲伤，或者搞笑的情境。

• 3

  我们要带着我们的心去看电影，说的高雅些，就是欣赏。看懂了情节，听着音乐，了解每个人物的心之后，总会有一些感慨。走马观花的同志会评价这是部好片还是烂片，而真的用心去体会的，会从电影中的人物看到一些社会现实，或者——自己的影子。也许是自己从前的梦想，也许是和其中某个人物相似的生活经历。接着——会感情汹涌。那看电影的目的就达到了，给我们有些麻木的生活一些波澜，一些感动，或鼓舞，或安慰的情感。记住一些事，忘记一些人，然后轻装信心满满的继续生活。

Ⅲ 电影中声音与画面的组合方式有哪几种各有什么特点和作用

声画同步、声画对位、声画并行、声画对立、声画分立。

1、声画同步：

即声画统一，表现为音乐和画面紧密结合，音乐情绪与画面情绪基本一致，音乐节奏与画面节奏完全吻合。

两者是相辅相成的复合观赏性，两者组成有机的统一体。音乐强调了画面提供的视觉内容，祈祷烘托、渲染画面作用。

他可以以同一种持续进行的声音为纽带，把一系列表现不同场景、不同内容的画面组接起来、构成自成首尾的蒙太奇段落。

Ⅳ 分析电影《阿甘正传》中蒙太奇手法的运用及其艺术效果

一、 叙事蒙太奇

叙事蒙太奇是以交代情节、展示事件为主要目的,按照事件发展的时间流程、逻辑顺序、因果关系来分切和组合镜头、场面和段落,表现连贯的剧情。

把捕虾作为人生志愿的布巴、立誓要战死沙场的丹泰来中尉就是一些很好的蒙太奇手法的展现。导演在处理这些人物的时候用了很多的定格镜头来点缀。比如当布巴向阿甘介绍自己的时候，画面很自然地跟着话语转换到布巴的妈妈等一系列的场景。这些场景不是偶然的，而是构成和装配电影语言的关键笔墨。

因为它从不同的地点，从不同距离和角度，以不同方法拍摄的镜头排列组合起来的，从而来刻画人物，显示其所包含的不同含义。片中有一个情节是阿甘讲诉他名字的来由。从开始讲妈妈是怎样给他取的这个名字那一段都是阿甘的“一段回忆”，这里也是一个典型的“叙事蒙太奇”。

凭借蒙太奇的作用，该电影在叙事风格上享有了时空的极大自由，甚至可以构成与实际生活中的时间空间并不一致的电影时间和电影空间。比如，好几次重大历史事件，学校解除种族歧视政策，好几届总统被刺杀，乒乓外交，反战集会等等。这都是电影在拍摄中无法实现的，而如果要实现这一场景必须借助蒙太奇手法，把时间和空间不真实的拉入电影中来，从而叙述事件。

二、 连续式蒙太奇

连续式蒙太奇主要依先后顺序和因果关系发展进行叙述，按此方式叙述是最基本的思维方式，是绝大多数影视节目的基本结构方式。连续式蒙太奇以单一的线索和连贯动作为主要内容，其优点是有头有尾，脉络清楚。 这部影片最大的特点就是多次利用巴士的到站，来串连起不同的乘客，这些乘客被当作阿甘的听众，从而随着听众的变换而串连起不同的故事情节，通过阿甘的口来讲述这个故事，完整的讲述了阿甘传奇的一生。

三、 交叉式蒙太奇

交叉式蒙太奇是平行式蒙太奇的发展。交叉式蒙太奇强调两条或两条以上的线索，具有严格的同时性,密切的因果关系，其中一条线索往往影响或决定其他线索的发展。影片主要有两条线索，一条描写了阿甘从上大学到参军再到参加越战最后到退伍的一生，同时另一条线索是描写了珍妮的一生，写出了珍妮为了求得荣誉，为了出名，忍心离开阿甘自己去闯荡漂泊的一生。这两段虽然是发生在不同的空间，但是随着镜头的不断切换，使它们在叙事上呈现出互相关联的叙事段落，交叉剪接在一起，制造出一种让观众联想的氛围和情绪。

四、 重复蒙太奇

重复蒙太奇是把代表一定寓意的镜头、场面或类似的内容在关键的时候反复出现,构成强调,起到了深化主题的特殊效果。是在《阿甘正传》这部电影中使用的蒙太奇手法最多的一种：影片开始最令人印象深刻的飘飞的羽毛，影片一开头，一根羽毛飘飘荡荡，吹过民居、马路，最后落到阿甘脚下，优雅却平淡无奇;影片的结尾，阿甘坐在他母亲曾经送他上学的长凳上，目送儿子上了校车后，默默地想着什么，一根羽毛从他脚前飘起，飘向蓝天、白云之间。

影片的开头和结尾都描写了飘飞的羽毛：从这部电影我们看到更多的是人生，我们的人生就是这样子的，很多时候我们都在随波逐流，我们不能知道我们将来要干什么，我们也不能去改变这个社会。可是一个上下一个左右，我们总是可以改变的，我们只要尽力去做好我们自己就可以了，不必计较太多的得失，那么我们就可以如随风飘浮的羽毛越飞越高，越来越接近天堂。阿甘的成功并不偶然的，执著与努力，成就了阿甘!

拓展资料

《阿甘正传》是由罗伯特·泽米吉斯执导的电影，由汤姆·汉克斯、罗宾·怀特等人主演，于1994年7月6日在美国上映。

电影改编自美国作家温斯顿·格卢姆于1986年出版的同名小说，描绘了先天智障的小镇男孩福瑞斯特·甘自强不息，最终“傻人有傻福”地得到上天眷顾，在多个领域创造奇迹的励志故事。电影上映后，于1995年获得奥斯卡最佳影片奖、最佳男主角奖、最佳导演奖等6项大奖。

2014年9月5日，在该片上映20周年之际，《阿甘正传》IMAX版本开始在全美上映。

Ⅳ 尝试分析一部电影中镜头语言的运用

其实关注镜头语言的观众也是可以去了解娄烨的影片苏州河，因为在这部影片中就体现了导演本身对于这个镜头语言的一个运用，尤其是可以呈现这部影片的一个主题。在这部影片中，有一些镜头是会出现晃动的，有一些远景和近景也会呈现角色之间的这种特点。而这刚好也是想要呈现的一个主题这条河旁边的这些人所经历的人生。

对于观众来说去了解镜头，语言也是为了更好的了解影片，本身想要表达的是什么以及导演在这个创作的过程中是出于一种什么样的考量，才设计了这些镜头。

在这部影片中，镜头的这些晃动，反而就像这条影片想要呈现的这条河，因为河给人带来的感觉就是，有时候波光粼粼的，永远处于一个动态变化的过程。也同样是这部影片中的角色，所经历的这种人生的变化，会给观众带来的一种感受。

Ⅵ 阐述影视艺术基本的艺术语言、表现手法、文化特征和艺术特征

影视艺术基本的艺术语言、表现手法、文化特征和艺术特征

影视自发明以来，给我们带来了多姿多彩的生活，而音乐，这一人们表达感情的最原始而又最具活力的艺术形式，基于声音技术在影视中得以运用以后，使影视艺术不再是单一的视觉表达，在视听上满足了我们的需求，让我们的生活更丰富多彩。

影视艺术是一门视听艺术，人们同时运用着视觉和听觉这两个人体最重要的感觉器官进行欣赏电影、电视。画面与声音是影视艺术中不可划缺的部分。影视艺术的声音又包括：人物语言和音乐、音响。

音乐是人类文明史上经过数千年的发展，其艺术形式已趋完善。而音乐对于影视艺术来说，则是一门年轻的艺术。在无声电影时代，针对电影画面的内容与情节的需要，音乐的“声音”率先打破了无声的局面；当跨入有声电影时代后，影视音乐更是得到大力的推广与发挥。随着影视艺术一百余年来的发展，影视音乐已成为一种具有重要艺术价值、独具魅力的艺术表现形式。在影视音乐的创作或继承中，作曲家与编曲家们通过运用各种技法、各种音乐的表现手段，使影视音乐变得更加丰富多采。影视音乐的诞生与发展为影视剧的发展添上浓重的一笔。今天，影视音乐已成为影视剧创作的重要一环。

经过长时间的理论研究与定义，现在已经基本确定了声音的艺术构成：即语言、音乐和音响.音乐，在它还没有真正成为电影的一部分时，早已是电影的附庸了。因为在1927年之前，纯粹意义上的默片，即“百分之百的无声电影”似乎并没有。实际上，几乎所有的影片都有现场音乐的伴奏。有钱的影院用大型管弦乐，而小影院也许会用一架钢琴代替。这种现场演奏的主要目的是为了提供气氛背景，但所奏的曲目并非专为电影而作或是紧贴电影情绪的——它们大多是现成或当时流行的乐曲。现代意义上的电影音乐不仅包括无声源音乐——为影视作品专门创作和编配的音乐；还包括有声源音乐——那些在故事中存在的各种音源所放出的现实音乐，以及电影的主题曲和插曲。现在，电影音乐早已成为影视作品中煽情、烘托气氛的重要手段。

影视音乐是影视艺术语言的有机组成部分,对于鉴赏影视艺术有着重要的作用.影视艺术音乐语言在叙事过程中,一般根据剧情和画面语言长度,采取分节、分段的叙事法则.影视艺术音乐语言在影视艺术叙事过程中为表达感情服务,其美感层次有立意美、渲染美、过渡美、真实美、冲突美、情感美、故事美、幽默美、浪漫美.

音乐是记忆之门。它凝结着影片中最深刻的思想和最深沉的情感。丰子恺说：“作为时间艺术的音乐比作为空间艺术的绘画更为神秘。”

这种神秘使它包容了丰富的内涵，具有了直指人心的力量。面对人类复杂的情感，再出色的台词也显得苍白无力，惟有沉默是明智的选择。若辅之以婉转低回的音乐，这个片段定会成为影片中最撩动心弦的篇章。比如《结婚十年》。韩梦躺在沾染了十年风尘的地毯上回忆如烟往事，只有音乐才能解读她心头的百般滋味。比如《红河谷》。“宁静”死前面带微笑的高歌，远比慷慨陈词来得壮烈、凄美。画面是具象的，音乐则是精神层面的。音乐是对画面的升华。

这种神秘使它长于营造美好的意境，让影片韵味悠远。是音乐让《空镜子》中飘散在小树林里的“陶虹”的笑声更具感染力；是音乐让《誓言无声》中老旧时代的冬天场景对观众有莫名的吸引力。音乐似乎比画面有更长的保质期。当画面因岁月流逝而显得简陋粗糙时，音乐仍焕发着蓬勃的生命力，和初听时一样悦耳。

在影片中，有时音乐担当称职的配角，与影片相得益彰。尤其是名著改编的影视剧，恰如其分的音乐是对作品主题的最好诠释。电视剧《红楼梦》的配乐便是其中的杰出代表。王立平先生仿佛曹雪芹的隔代知己，无论是“一番风雨路三千”还是“天尽头，何处有香丘”，旋律与文字配合得天衣无缝。同样精彩的还有电视剧《日出》的主题歌。“播下了风花雪月，长出是爱恨情仇”，词作者似乎比万方更理解她父亲。有时音乐与影片相映成趣。“日出嵩山坳，晨钟惊飞鸟”，郑绪岚的歌声为一片打杀声中的少林寺增添了一丝柔情蜜意；《你是我心中忘不了的温存》让《我爱我家》在喧嚣落幕之后为观众送去几许温情；“只剩得马嵬坡前草青青”，阎肃笑看一代美人香消玉殒。

在这些与影片风格迥异的音乐中有一部分其实点出了影片的真正内涵。首先想到的《贫嘴张大民的幸福生活》。音乐诉说了张大民乐观背后的辛酸，笑容背后的泪水。而且小柯的潜吟低唱中没有过分的悲情，音乐中渗透着挥之不去的无奈与哀愁，就像本片的主色调灰色一样。音乐悲凉却不乏积极因素，无数次失望之后依然给自己、给生活留有一线希望。“分手的消息已飞出多远，愁烦的眼不妨把幸福翻开，天下的事亦如此的平淡，世上的人啊生死不孤单。”

还有一部分甚至超越了影片的主题。譬如《三国演义》中“貂婵已随着清风去”的浪漫和含蓄远胜于原著。而《牵手》中大气舒缓的主题音乐令一部反映婚姻家庭的电视剧摆脱了世俗的气息，具有了高贵的气质。剧中也有夫妻间的争吵，生活的琐碎，可三宝的音乐冲淡了其中的市井、烦乱，从整体上提高了影片的格调，使很长一段时间内《牵手》在同类题材中遥遥领先。

音乐更可以脱离影片被人欣赏传唱。此时音乐成了主角，影片退缩到被人遗忘的角落。人们差不多已经忘记《青藏高原》是《天路》的主题曲；有部分观众只为欣赏《嘎达梅林》的音乐重又走进电影院。

音乐与影视的关系是微妙的。它们相互扶助，相互影响。音乐是对影视的提炼，影视是对音乐的扩展。优秀的影视作品为音乐加入情感内核，使之更加动人；优秀的音乐令影视作品飘逸、灵动、回味无穷。许多观众是因为《永不瞑目》才那么喜爱《你快回来》，而我也会因为张信哲一句“把你的发丝当成戒指绕，温柔烙印再也抹不掉”把《梧桐雨》看完。

某导演说他最喜爱给电影配上音乐的瞬间，自己的作品在音乐中一下子鲜活了，艺术感觉也在音乐中被传达出来。而专家说，用“影像”指称影视作品是不准确的，因为影视剧不仅要为观众带来视觉享受，也要给观众奉上听觉盛宴。

如果《红十字方队》没有《相逢是首歌》，《便衣警察》没有《少年壮志不言愁》，这些作品不会那么流光溢彩，我们也不会有那么多的感动。没有音乐的影视是不可想象的。感谢那些优美的旋律让珍贵的影象在我们的记忆中永远闪亮。

贝多芬说过:"音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示."作为人类共有的精神食粮--音乐,在人们的生活中起着至关重要的作用.它可以使人们忙乱的生活多一份和谐,颠簸的旅途多一份安逸,烦躁的心情多一份宁静.所以说:"哪里有人类的足迹,哪里就有音乐."所以音乐在影视中的运用，不仅能达到影片所需要营造的氛围,还能消除人们长时间的视觉紧张所带来的疲劳。总之是有百利而无一害的。

Ⅶ 结合具体作品分析六种电视艺术语言的运用，说明这些艺术语言在作品中发挥了那些功能与作用。

。。你跟我一个年级一个系么。。。
发一个我刚做的，好多都是书上的，你参考参考？
1 电视艺术的本体语言
电视艺术的本体语言，也可以说是电视艺术的画面语言。由于电影是在照相的基础上发展起来的，因此视像性是它的基本属性。画面语言承担了电影或电视的基本构成，也就是说，如果一个电影或电视没有画面，那么它就不再是电视或电影，因此，画面的视觉元素始终是电视艺术形象构成的最基本要素。
以影片《追风筝的人》为例，在影片放风筝的一段中，风筝在天空中飞翔、战斗的这样一个镜头，既是影片主人翁童年的象征，又是他与朋友之间友谊的象征，同时也是对阿富汗未来的象征。整部影片都以放风筝来贯穿主题，这一个画面可以说它奠定了整个片子的基调和情感色彩，充满了忧伤和美丽，描绘了人与人之间纯真的感情、现实的残忍，战争的痛苦以及对和平的向往。
2 电视艺术的声音语言
电视作为一门综合艺术，画面和声音是构成电影的两大元素。由于声音本身的多层次感与立体性的特点，它比画面更容易营造空间的环境感。声音分为人声、音乐和音响三种类型。人声使电影剧情的表达更加细致、更加爱清晰更加复杂。音响则在于增强现场的真实感和画面的感染力，烘托环境氛围。也就是让画面更贴近生活、逼近真实。而音乐则是最为重要的一种，它能够表达主题、塑造形象、烘托气氛、表达情感和推动情节等。
以影片《海上钢琴师》为例，原本影片就是以音乐为题材的电影，因此片中优美的音乐也是本片的一大亮点和看点。影片1900幼年失去养父的这一情景中，在自己的养父海葬后，所有人都留下了眼泪，而年幼的1900却没有表现出半点悲哀，深夜时却一个人悄悄溜进餐厅，在钢琴上演奏，那质朴的音乐流露出深深的忧伤，充满了思念之情。这里除了表达1900的内心，渲染气氛外，还是影片向前推动的一个重要环节，正是从这第一支钢琴曲，人们才开始意识到1900对钢琴的喜爱，以及在音乐上的天赋，从而让他与钢琴形影不离，成为一代钢琴天才。
3 电视艺术的造型语言
传统概念上的造型艺术，是一门可视静态空间形象的艺术。它以来人的视觉感受，以可视的物质形象表现对象，存在于一定的空间内，以精致的形式表现动态过程。，造型艺术是空间的艺术、视觉的艺术和静止的艺术。造型艺术对画面而言，给予了艺术的超越和升华，具有较强的绘画性、雕塑性和可读性，给观众以立体感、凝固感和陌生感，寓意深刻，联想丰富，内涵充实，艺术冲击力强，并与有声语言相互结合。
以MJ的MV《remember the time》为例，由于MV是要讲述一个发生在埃及的故事，所以MV中所有的人物造型都是古代埃及的打扮，而主角MJ由于要边唱边跳，所以跟其他人穿同一类型的服装是肯定不适合的，于是做了一个巧妙的安排。MJ在此MV中的造型非常古代埃及的风格，但是只采用了它的元素，与现代非常有质感的服装相结合，使得MJ魅力四射，在造型上，发型也采用了与埃及壁画相似的发型，另外，整个MV的场景、演员等都采用一种较暗淡、古老、神秘的颜色，只有MJ的服装采用了绚丽的金黄色，使得MV所有的焦点都聚集在主角身上，也使得整个MV金碧辉煌，炫彩夺目。
4 电视艺术的镜头语言
如果说前三个电视艺术语言都是涉及被拍摄物体的内容，那么镜头语言，则是涉及摄像机与被拍摄物体之间的技术层次的问题。距离、运动镜头、焦距、角度、视点都是影响镜头语言表达的因素。镜头是模拟人眼的，因此摄像机如同人的眼镜一样去观看事物，因此，镜头的好坏直接影响人们对电视的理解程度。不同的镜头能表现不同的含义、情感以及内容，也能带动观众的视点，吸引观众的注意力。与此同时，镜头能弥补现实办不到的一些内容，例如拍摄一些大峡谷时，本身悬崖的高度可能不够，但是通过角度的调整，就能拍摄出影片需要的效果。
以影片《大红灯笼高高挂》为例，影片中用了很多俯拍镜头，由于用俯视角度拍摄的画面，景物或任务的竖向线条被压缩，景物的垂直方向感被忽略，环境进入摄像机的画面变多，使得人物被压缩显得渺小，而被环境包尾的感觉。在影片大红灯笼高高挂中，正是运用了这样一种拍摄手法，使得原本平淡无奇的画面充满了内涵，硕大的院子像是人突破不了的牢笼，冷清的色调象征了人与人之间的冷淡，而鲜红的红灯笼是主角个性的象征，在这里，寓意着院子里的人受到了环境的压抑与控制，充满了悲剧性与严肃性，也与电影主题相呼应。
5 电视艺术的编辑语言
编辑语言，又可以成为蒙太奇语言。蒙太奇是整个影片的思维方法、结构方法和全部艺术手段的总称。它的作用是对整部影片的叙事方法、叙述角度、时空结构、场景段落以及节奏的布局和把握。编辑语言包括时间和空间两种编辑：现实生活中时间是始终向前不可逆转的，而通过蒙太奇剪接，电视里的时间是可以再创造的，它可以压缩、停止、扩大或者延伸，过去与现在、未来可以自由的跳转和衔接，通过自由的组接，能够创造出不同的效果，例如急迫感、梦幻、奇异、超现实的效果；而空间编辑则能够创造观众看不到的画面，从而是空间在观众的脑海中无限延伸，并且能够将两个毫不相关的画面组接起来形成一定的戏剧效果。
以影片《生化危机》为例，在《生化危机2》中，影片一开始，就是一群丧尸追赶一位女孩的镜头，为了达到恐怖效果以及渲染压迫惊悚的气氛，导演使用了蒙太奇剪接的手法，在僵尸缓慢蠕动的镜头中插入女孩急速奔跑、惊慌失措的开门镜头以及女孩身体上伤口的特写，在两个画面中来回的切换，使得恐怖的气氛被表达得淋漓尽致。
6 电视艺术的特技语言
特技语言是指利用电子技术对图像进行特殊处理或者实现镜头转换，传递思想、表达感情和传递信息的特殊语言形态。特技语言通过改变画面影像正常形态，例如放大、缩小、切割、拉伸和扭转等，产生特殊的视觉效果和艺术效果，强化作品的思想感情。特技语言作为后期编辑的一种技巧，极大的丰富了电视的艺术表现力。常用的特技有切、淡、叠化、定格等方法，这些特技运用于各种电视节目的镜头衔接、场次转换、字幕运用和图像合成等，它可以给画面任意着色和随意改变图像构图并且制造各种特殊画面效果。各种形式的特技运用，应该与节目内容的情景诶发展、时空转换和节奏的欺负起伏变化巧妙的融合在一起，这也是特技效果的真正意义所在。
以MV《apologize》为例，这部MV中有两个空间，一个是乐队所在的空间，一个是歌曲中男女主人翁所在的空间。在这里，演唱者像旁观者一样的注视着故事里悲剧的发生，或者以上帝的视点见证了故事的发展，因此MV镜头的切换采用了淡出淡入的编辑手法，以此来区分两个空间不一样的发展。

Ⅷ 电影镜头语言

镜头语言————我们通常可经由摄影机所拍摄出来的画面看出拍摄者的意图，因为可从它拍摄的主题及画面的变化， 去感受拍摄者透过镜头所要表达的内容，这就是所谓‘我的镜头会说话’，也就是一般所讲的‘镜头语言’。 而大部份的入门者还是在婴儿‘学讲话的阶段’，所以无法透过‘言语’很清楚的表达他想说的话， 甚至于颠三倒四语焉不详，更甚至语无伦次令人摸不着头绪。所以你只要把‘镜头语言’搞懂， 你就能‘言之有物，畅所欲言’，三言两语的把你要表达的事情说得凊凊楚楚，不再让人有不知所云的感觉。以上用‘语言’当做比喻，来说明摄影就像在讲话，用词美不美倒是其次，要让人听得懂才是最重要的。 所以要透过镜头来表达一件事件，让别人很轻易的就可看出你的影片到底在表达什么， 例如你拍摄一个中正纪念堂的大门，大家只要一看到这画面马上就可以了解， 而有的人就是怕你没印象，左边拍一次右边再拍一次，这就好像得了老年痴呆症的老先生， 一直在你耳边一直重覆着同样一件事，你说烦不烦？ 还有许多人在拍摄静物时，如花朵、器皿、图画等，画面虽美但不很生动的主题，镜头却停滞很久， 这就好像明明三言两语可表达清楚的事情，却用了长篇大论来说明，当然你会没有耐心再听下去。 同样的在影像的世界里，虽然和平常讲话的表达方式不同，但目的是一样的， 所以你在拍摄时把它幻想成你在说故事，如此一来就不会脑袋空空，不知道要拍些什么画面及内容。

《乱》---镜头语言的颠覆

看完黑泽明的电影《乱》，我压抑得长久呼吸困难，虽然这部改变自莎士比亚《李尔王》的悲剧我早已熟知，但当结局到来，我仍心似刀绞。
情感如此强烈，镜头却如此冷静，冷静得让我无法承受！

《乱》的镜头，颠覆了我以前所学习的那些语言法则。
片子中的镜头几乎全部是远景和全镜，象老人的一双智慧的眼睛，远远的、平静的注视着故事的发生。人性中的欺骗、狭隘、自私等丑陋的一面，都赤裸裸暴露在这种宽容的注视之下。
在我们的经验当中，人物情感迸发的时候，要用特写来强调表现，既表达人物分明的情绪，也含蓄地表达导演的主观感情，让观众也达到一种情感的统一。
《乱》没有。
几乎找不到一个中景，更别说特写。
看不到演员的表情，让你感到，悲剧正在镜头前上演，阴郁的内心却隐藏在生活之下。
在我们的经验当中，故事发展到高潮的时候，一定要通过镜头的剪接率和景别的跳跃等手段来创造出紧张节奏，达到内在节奏与外在节奏的统一。
《乱》没有。
永远平视的长镜头，人物运动缓慢，镜头几乎没有外部运动，其景别也决定了没有景别的跳跃。
即使是表现残酷、壮烈的战争场面，仍然是长镜头、固定镜头、远景、全景。
如此缓慢而平静的述说。
这样的镜头语言，造成观众心理的强烈反差，让我难以通过镜头去发泄情绪而一再压抑，然后一再积累。
最后，当胜利到来，三太子却被冷箭射中，死在老王怀里时，死里逃生的老王放声痛哭。
悲剧达到最高潮，镜头仍然冷静地远远注视。
看不到老王的表情，只听见悲痛的号啕。
此时，积累已久的情感在冷静的镜头下终于爆发，我无法哭泣，却几乎因为呼吸困难而昏过去。
把一切镜头的、剪接的技巧降至最低，屏弃外在的表现，一切都让位给故事，让位给情感，让位给观众内心深处的思考。

镜头组接的一般规律和方法

我们都知道，无论是什么影视节目，都是由一系列的镜头按照一定的排列次序组接起来的。这些镜头所以能够延续下来，使观众能从影片中看出它们融合为一个完整的统一体，那是因为镜头的发展和变化要服从一定的规律，这些规律我们将在下面的内容里做详细的叙述。
（1）镜头的组接必须符合观众的思想方式和影视表现规律
镜头的组接要符合生活的逻辑、思维的逻辑。不符合逻辑观众就看不懂。做影视节目要表达的主题与中心思想一定要明确，在这个基础上我们才能确定根据观众的心理要求，即思维逻辑选用哪些镜头，怎么样将它们组合在一起。
（2）景别的变化要采用“循序渐进”的方法
一般来说，拍摄一个场面的时候，“景”的发展不宜过分剧烈，否则就不容易连接起来。相反，“景”的变化不大，同时拍摄角度变换亦不大，拍出的镜头也不容易组接。由于以上的原因我们在拍摄的时候“景”的发展变化需要采取循序渐进的方法。循序渐进地变换不同视觉距离的镜头，可以造成顺畅的连接，形成了各种蒙太奇句型。
·前进式句型：这种叙述句型是指景物由远景、全景向近景、特写过渡。用来表现由低沉到高昂向上的情绪和剧情的发展。
·后退式句型：这种叙述句型是由近到远，表示有高昂到低沉、压抑的情绪，在影片中表现由细节到扩展到全部。
·环行句型：是把前进式和后退式的句子结合在一起使用。由全景——中景——近景——特写，再由特写——近景——中景——远景，或者我们也可反过来运用。表现情绪由低沉到高昂，再由高昂转向低沉。这类的句型一般在影视故事片中较为常用。
在镜头组接的时候，如果遇到同一机位，同景别又是同一主体的画面是不能组接的。因为这样拍摄出来的镜头景物变化小，一副副画面看起来雷同，接在一起好像同一镜头不停地重复。在另一方面这种机位、景物变化不大的两个镜头接在一起，只要画面中的景物稍有一变化，就会在人的视觉中产生跳动或者好像一个长镜头断了好多次，有“拉洋片”、“走马灯”的感觉，破坏了画面的连续性。
如果我们遇到这样的情况，除了把这些镜头从头开始重拍以外（这对于镜头量少的节目片可以解决问题），对于其他同机位、同景物的时间持续长的影视片来说，采用重拍的方法就显得浪费时间和财力了。最好的办法是采用过渡镜头。如从不同角度拍摄再组接，穿插字幕过渡，让表演者的位置，动作变化后再组接。这样组接后的画面就不会产生跳动、断续和错位的感觉。
（3）镜头组接中的拍摄方向，轴线规律
主体物在进出画面时，我们拍摄需要注意拍摄的总方向，从轴线一侧拍，否则两个画面接在一起主体物就要“撞车”。
所谓的“轴线规律”是指拍摄的画面是否有“跳轴”现象。在拍摄的时候，如果拍摄机的位置始终在主体运动轴线的同一侧，那么构成画面的运动方向、放置方向都是一致的，否则应是“跳轴”了，跳轴的画面除了特殊的需要以外是无法组接的。
（4）镜头组接要遵循“动从动”、“静接静”的规律
如果画面中同一主体或不同主体的动作是连贯的，可以动作接动作，达到顺畅，简洁过渡的目的，我们简称为“动接动”。如果两个画面中的主体运动是不连贯的，或者它们中间有停顿时，那么这两个镜头的组接，必须在前一个画面主体做完一个完整动作停下来后，接上一个从静止到开始的运动镜头，这就是“静接静”。“静接静”组接时，前一个镜头结尾停止的片刻叫“落幅”，后一镜头运动前静止的片刻叫做“起幅”，起幅与落幅时间间隔大约为一二秒钟。运动镜头和固定镜头组接，同样需要遵循这个规律。如果一个固定镜头要接一个摇镜头，则摇镜头开始要有起幅；相反一个摇镜头接一个固定镜头，那么摇镜头要有“落幅”，否则画面就会给人一种跳动的视觉感。为了特殊效果，也有静接动或动接静的镜头。
（5）镜头组接的时间长度
我们在拍摄影视节目的时候，每个镜头的停滞时间长短，首先是根据要表达的内容难易程度，观众的接受能力来决定的，其次还要考虑到画面构图等因素。如由于画面选择景物不同，包含在画面的内容也不同。远景中景等镜头大的画面包含的内容较多，观众需要看清楚这些画面上的内容，所需要的时间就相对长些，而对于近景，特写等镜头小的画面，所包含的内容较少，观众只需要短时间即可看清，所以画面停留时间可短些。
另外，一幅或者一组画面中的其他因素，也对画面长短直到制约作用。如同一个画面亮度大的部分比亮度暗的部分能引起人们的注意。因此如果该幅画面要表现亮的部分时，长度应该短些，如果要表现暗部分的时候，则长度则应该长一些。在同一幅画面中，动的部分比静的部分先引起人们的视觉注意。因此如果重点要表现动的部分时，画面要短些；表现静的部分时，则画面持续长度应该稍微长一些。
（6）镜头组接的影调色彩的统一
影调是指以黑的画面而言。黑的画面上的景物，不论原来是什么颜色，都是由许多深浅不同的黑白层次组成软硬不同的影调来表现的。对于彩色画面来说，除了一个影调问题还有一个色彩问题。无论是黑白还是彩色画面组接都应该保持影调色彩的一致性。如果把明暗或者色彩对比强烈的两个镜头组接在一起（除了特殊的需要外），就会使人感到生硬和不连贯，影响内容通畅表达。
（7）镜头组接节奏
影视节目的题材、样式、风格以及情节的环境气氛、人物的情绪、情节的起伏跌宕等是影视节目节奏的总依据。影片节奏除了通过演员的表演、镜头的转换和运动、音乐的配合、场景的时间空间变化等因素体现以外，还需要运用组接手段，严格掌握镜头的尺寸和数量。整理调整镜头顺序，删除多余的枝节才能完成。也可以说，组接节奏是教学片总节奏的最后一个组成部分。
处理影片节目的任何一个情节或一组画面，都要从影片表达的内容出发来处理节奏问题。如果在一个宁静祥和的环境里用了快节奏的镜头转换，就会使得观众觉得突兀跳跃，心理难以接受。然而在一些节奏强烈，激荡人心的场面中，就应该考虑到种种冲击因素，使镜头的变化速率与青年观众的心理要求一致，以增强青年观众的激动情绪达到吸引和模仿的目的。
（8）镜头的组接方法
镜头画面的组接除了采用光学原理的手段以外，还可以通过衔接规律，使镜头之间直接切换，使情节更加自然顺畅，以下我们介绍几种有效的组接方法。
·连接组接：相连的两个或者两个以上的一系列镜头表现同一主体的动作。
·队列组接：相连镜头但不是同一主体的组接，由于主体的变化，下一个镜头主体的出现，观众会联想到上下画面的关系，起到呼应、对比、隐喻烘托的作用。往往能够创造性的揭示出一种新的含义。
·黑白格的组接：为造成一种特殊的视觉效果，如闪电、爆炸、照相馆中的闪光灯效果等。组接的时候，我们可以将所需要的闪亮部分用白色画格代替，在表现各种车辆相接的瞬间组接若干黑色画格，或者在合适的时候采用黑白相间画格交*，有助于加强影片的节奏、渲染气氛、增强悬念。
·两级镜头组接：是又特写镜头直接跳切到全景镜头或者从全景镜头直接切换到特写镜头的组接方式。这种方法能使情节的发展在动中转静或者在静中变动，给观众的直感极强，节奏上形成突如其来的变化，产生特殊的视觉和心理效果。
·闪回镜头组接：用闪回镜头，如插入人物回想往事的镜头，这种组接技巧可以用来揭示人物的内心变化。
·同镜头分析：将同一个镜头分别在几个地方使用。运用该种组接技巧的时候，往往是处于这样的考虑：或者是因为所需要的画面素材不够；或者是有意重复某一镜头，用来表现某一人物的青丝和追忆；或者是为了强调某一画面所特有的象征性的含义以印发观众的思考；或者还是为了造成首尾相互接应，从而达到艺术结构上给人一完整而严谨的感觉。
·拼接：有些时候，我们在户外拍摄虽然多次，拍摄的时间也相当长，但可以用的镜头却是很短，达不到我们所需要的长度和节奏。在这种情况下，如果有同样或相似内容的镜头的话，我们就可以把它们当中可用的部分组接，以达到节目画面必须的长度。
·插入镜头组接：在一个镜头中间切换，插入另一个表现不同主体的镜头。如一个人正在马路上走着或者坐在汽车里向外看，突然插入一个代表人物主观视线的镜头（主观镜头），以表现该人物意外的看到了什么和直观感想和引起联想的镜头。
·动作组接：借助人物、动物、交通工具等等动作和动势的可衔接性以及动作的连贯性相似性，作为镜头的转换手段。
·特写镜头组接：上个镜头以某一人物的某一局部（头或眼睛）或某个物件的特写画面结束，然后从这一特写画面开始，逐渐扩大视野，以展示另一情节的环境。目的是为了在观众注意力集中在某一个人的表情或者某一事物的时候，在不知不觉中就转换了场景和叙述内容，而不使人产生陡然跳动的不适合之感觉。
·景物镜头的组接：在两个镜头之间借助景物镜头作为过度，其中有以景为主，物为陪衬的镜头，可以展示不同的地理环境和景物风貌，也表示时间和季节的变换，又是以景抒情的表现手法。在另一方面，是以物为主，景为陪衬的镜头，这种镜头往往作为镜头转换的手段。
·声音转场：用解说词转场，这个技巧一般在科教片中比较常见。用画外音和画内音互相交替转场，像一些电话场景的表现。此外，还有利用歌唱来实现转场的效果，并且利用各种内容换景。
·多屏画面转场：这种技巧有多画屏、多画面、多画格和多银幕等多种叫法，是近代影片影视艺术的新手法。把银幕或者屏幕一分为多，可以使双重或多重的情节齐头并进，大大的压缩了时间。如在电话场景中，打电话时，两边的人都有了，打完电话，打电话的人戏没有了，但接电话人的戏开始了。
镜头的组接技法是多种多样瓣，按照创作者的意图，根据情节的内容和需要而创造，也没有具体的规定和限制。我们在具体的后期编辑中，可以尽量地根据情况发挥，但不要脱离实际的情况和需要。

Ⅸ 一些影片分析的问题，最好结合影片分析~~

镜头内部蒙太奇是在一个镜头中，视角、背景、什么的要有大的变化。例如是一个人物的中近景，然后镜头拉成远景或全景，这就是镜头内部蒙太奇，在上个例子中它起了交待特定人物所处环境的作用。而长镜头似乎是应该比较平缓一些，表达人物感情……以上纯属个人观点（本人属自学一类），如有不足之处，请高手指出，不胜感激！

电影场面调度（mise-en-scène ）：场面调度一词来自法语，原指舞台上处理演员表演活动位置的技巧。在电影艺术中，它包括演员调度和摄影机调度两个方面。构思和运用电影场面调度，须以剧情、人物性格、人物关系为依据 。利用场面调度 ，可以在银幕上刻画人物、渲染气氛、交待时间间隔和空间距离，对造型也起着重要作用。

演员调度分为：

①横向调度，即演员从画面的左或右方横向运动；

②正向或背向调度，即演员面向或背向镜头纵向运动；

③斜向调度，即演员沿与镜头水平线成夹角的线路作正向或背向运动；

④上下调度，即演员从画面上方或下方垂直向相反方向运动；

⑤斜上斜下调度，即演员在画面上方或下方沿与镜头垂线成夹角的线路向反方向运动；

⑥环形调度，即演员在画面中作环形运动；

⑦无定形调度，即演员可在画面上自由运动。演员调度的着眼点，不仅在于演员在画面中构图的美感，还应遵循人物特定情景下的动作逻辑。

摄影机调度的形式即摄影机的运动形式，如推、拉、摇、跟、移、升、降等；根据镜头位置可分为正拍、反拍、侧拍等；根据镜头角度分为平拍、仰拍、俯拍、旋转拍等。

电影场面调度是演员调度与摄影机调度的有机结合，它们相辅相成，都以剧情发展、人物性格和人物关系所决定的人物行为逻辑为依据。

这两种调度的结合，通常有以下 3 种方式：

①纵深调度，即在多层次的空间中配合演员位置的变化，充分运用摄影机的多种运动形式，例如跟拍一个人物从一间房间走到屋子深处的另外几个房间。这种调度利用透视关系使人和景的形态获得较强的造型表现力，加强三度空间感。

②重复调度。在同一部影片中，相同或近似的演员调度或摄影机调度重复出现，会引起观众的联想，领会其内在的联系，增强感染力。

③对比调度。如调度上的动与静、快与慢再配以音响的强弱、光影的明暗则会使气氛更为强烈。

场面调度与蒙太奇并不相悖，这两种特殊的表现手段如果能够相互结合相互融合，电影会具有更强的感染力和说服力。

随着电影技术的不断发展，场面调度的技巧和形式愈来愈丰富多彩。但是应避免两种倾向，一是过于追求画面构图效果的形式主义，另一是片面强调生活真实的自然主义。

Ⅹ 分析电影《智取威虎山》的画面,镜头,色彩,光线,语言,音乐

以该剧是上世纪50年代由上海京剧院原创的作品，经历了无数次的修改和打磨，终成为上海京剧院的经典保留剧目，也是京剧舞台上久演不衰的现代戏代表作。

电影内容及主题的传达，除银幕视觉形象和镜头的组接等手段外，言语性对白也是其不可或缺的表现渠道，而言语就是人们在实际交际中所说的话。

因此，不同类型的电影，必然会采用不同的言语策略，以最佳言语对白形式，来满足其内容表达的经济性和效果最优化要求。

本文将以电影中的言语性对白为研究视角，对徐克执导的电影《智取威虎山》的部分剧本进行考察，从地域方言、社会方言及临时言语三个角度探讨该片中的言语特点。

感受其言语魅力，从更深入地把握影片在同类题材电影中的独特之处，对其艺术价值产生更直观的认识。

(10)分析电影运用的画面语言的方式及效果扩展阅读：

编剧：陶雄、李桐森、黄正勤、曹寿春、申阳生（执笔）；

导演：陶雄为主，协助（李仲林、李桐森）；

乐队成员：王燮元、赵济羹等；

舞台美术设计：幸熙、周凡等；

主要演员：李仲林（饰杨子荣）、纪玉良（饰少剑波）、王正屏（饰李勇奇）、贺永华（饰座山雕)等。

1958年8月首演于南京中华剧场，其后又在苏州、上海等地公演，广受观众欢迎。

这一稿《智取威虎山》的剧本曾于1959年由上海人民出版社出版了单行本。

在上海京剧院以后的演出中，1966年文革开始后由沈金波饰少剑波，童祥苓饰杨子荣，施正泉饰李勇奇，齐淑芳饰常宝，孙正阳饰栾平，唱做繁重。曾经成为京剧样板戏剧目之一。