电影鲨鱼黑帮分析叙事结构

㈠ 好看的电影推荐

豆瓣排名top500的电影有战狼2、流浪地球、变形金刚5：最后的骑士、神偷奶爸3、加勒比海盗5：死无对证、哪吒之魔童降世、红海行动、摔跤吧！爸爸、悟空传、复仇者联盟4：终局之战、速度与激情7等。

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1、战狼2

《战狼Ⅱ》是吴京执导的动作军事电影，由吴京、弗兰克·格里罗、吴刚、张翰、卢靖姗、淳于珊珊、丁海峰等主演。该片于2017年7月27日在中国内地上映。2020年3月20日，《战狼Ⅱ》重映。

该片讲述了脱下军装的冷锋被卷入了一场非洲国家的叛乱，本来能够安全撤离的他无法忘记军人的职责，重回战场展开救援的故事。

2、变形金刚5：最后的骑士

《变形金刚5：最后的骑士》是《变形金刚》系列第五部电影，是由美国派拉蒙影业公司出品的科幻动作片，由迈克尔·贝执导，马克·沃尔伯格、乔什·杜哈明、斯坦利·图齐、安东尼·霍普金斯、劳拉·哈德克、杰洛·卡迈克尔、伊莎贝拉·莫奈、约翰·特托罗联合主演。

3、神偷奶爸3

《神偷奶爸3》（Despicable Me 3）是由环球影业及照明娱乐公司联合制作，凯尔·巴尔达、皮艾尔·柯芬、埃里克·吉隆联合执导，史蒂夫·卡瑞尔、克里斯汀·韦格、崔·帕克等主要配音的3D动画电影。

该片讲述了格鲁因一次行动失利被反坏蛋联盟开除后，意外得知自己有个孪生兄弟，在亲兄弟德鲁的劝说下，重新开始坏蛋生涯的故事。

㈡ 如何评价电影《守望者》

记得一次吃饭的时候与周舟学姐聊到超级英雄的话题，她当时指出的一个点对我来说很有启发。她认为从《黑暗骑士》后，超级英雄所面对的困境就是越来越多的现实主义因素融入进超级英雄片的叙事语境中。

其实不仅仅是超级英雄片，所谓好莱坞类型电影发展到后期，导演们所进行的突破性尝试就是在原本的类型化语境中融入越来越多的非类型元素。现实主义这个概念太危险而且太含糊，我不敢随便使用，事实上有时候侵入类型片语境里的也未必就是现实主义，比如《谁陷害了兔子罗杰》和《鲨鱼黑帮》里的异质元素就是黑色电影和黑帮片的元素。

但直觉里我认为那些融入进类型片里的异质元素最具破坏和颠覆性的，的确就是现实主义。当然这需要首先要说明现实主义这个概念到底应该怎么认定。帕特里克·富尔赖对这个概念的观点是具有启发性的，他认为现实主义与现实毫无关系，现实主义真正强调的是“现实感”或者说“真实效果”，现实主义不是对现实完全地照搬，而是让接受者（读者、观众）“认为这是真的”。

李一鸣老师对这个问题也有相类似的看法，在他看来，电影不是对现实的还原，而是对经验的还原。一部电影看完后我们觉得好，不是因为它完全模拟了我们生活中的一段现实，而是印证了我们内心情感中的一些经验。电影中的故事未必都是真的，但我们的经验告诉我们事实就是如此。有趣的是，李一鸣老师把这称之为“好莱坞的技术主义”，而富尔赖则直截了当地称之为“现实主义”。如果我们参考延安和上海左翼对现实主义的一些提法，相信会同意富尔赖的观点。

我们以《守望者》这部电影为分析对象的话，就能清楚地看到现实主义这个概念在叙事电影中的用法，以及现实主义是如何颠覆类型化叙事的。

几乎每个看完这部电影的人都会承认该片是一部反英雄主义的超级英雄片。我认为该片导演扎克·施奈德一定是看过诺兰的《黑暗骑士》并且受到它启示了的，因为影片最后与漫画原著不相符的结局，几乎就是黑暗骑士的翻版。但我认为导演走得比《黑暗骑士》还要远，因为犯罪者事实上也是超级英雄。一个无辜的超级英雄最后替另一个犯罪的超级英雄顶罪，而为了实现瞒天过海的计划，这个无辜的超级英雄最后也让自己双手沾满了罪恶的鲜血，他杀害了一个不愿保守秘密的人。

因此在《守望者》中，超级英雄本质上的疯狂性被暴露无疑，而不需要像《黑暗骑士》那样用小丑和双面人这样的符号来暗示（蝙蝠侠本质上就是小丑，也是双面人，他们三人其实是三位一体的）。《守望者》中有一个表面上与叙事无关，其实是作为隐喻性文本而存在的动画故事（这是电影中的一个小孩一直在翻看的一本漫画书里的故事）。在这个故事中，一个船长在航海回家的途中被一艘黑货船所狙杀，他所有船员全部遇难，只有他一个人幸存。这个船长知道那艘黑货船的航行路线一定会经过他居住的小镇，他担心自己的小镇也会遭到黑货船的袭击，于是他历经千辛万苦回到了自己的小镇。在他神经质地凝视下，这个小镇已经被黑货船的罪恶所侵占，于是他肆无忌惮地袭击杀害那些他所臆想中的坏人，直到他发现他一直想回小镇救出的妻子居然被他亲手杀害。原来小镇根本没有遭到黑货船的袭击。

这个故事的核心隐喻是，英雄会臆想出一个语境（比如罪恶横生的城市、腐败的司法、被黑货船侵占的小镇），在这个语境下，他原本非法的私刑行为成为了合法的。

电影其实正是营造并支持这种臆想的最佳机制，只有在电影中，我们才可以带着一种愉悦的心情欣赏着屏幕上的主角如同砍瓜切菜般地杀死那些“坏人”，而无需负担任何道德上的愧疚感。因为在电影刻意营造的类型化语境中，那些坏人成为了一个纯粹的客体、一件造恶的工具，而他们的数量庞大和易于消灭更是让他们产生了一种电子游戏中的小怪兽的感觉。消灭他们只是为了更好地推动向前发展的叙事。《印第安纳琼斯》系列是这种类型化语境的典型代表。

如果更包装一点，对于超级英雄的私刑行为的辩护则是他们不会杀人。无论是超人、蜘蛛侠还是蝙蝠侠，他们都恪守着这个底线，把坏人抓住后送交警察，从而保证自己行为的合法性。

《黑暗骑士》的高明之处是巧妙地用第一个语境逼疯了第二个语境。小丑毫无疑问是一个纯粹的恶的化身，他作恶毫无理由，仅仅就是要破坏秩序（这种秩序既是法律的也是道德的，以至于让盗亦有道的黑帮分子都无法容忍他）。毫无疑问，小丑这个角色如果出现在《第一滴血》或者《印第安纳琼斯》之类的故事中，肯定是那种没有内涵、仅仅是疯子的大反派，而主角们的解决办法则是简单地消灭掉他就够了。但因为他身处的是《黑暗骑士》的故事、一个主角恪守着超级英雄不可杀人的底线的语境中，他的疯狂所具备的颠覆类型片的内涵则被凸显了出来。小丑的存在本身就是对超级英雄片里所坚定恪守的原则的质疑，甚至会反过来让我们怀疑，蝙蝠侠之所以一定要恪守这个原则，其实是因为他害怕暴露自己本质上与小丑是同类的事实。蝙蝠侠所坚守的原则，如同他的制服和面具一样，保护他仍能被社会秩序所认可，不被当成一个怪物。

而《守望者》则与之相反，它不是通过强调类型化叙事的某个方面（比如反派的极恶）来质疑另一个方面，而是对整个类型化叙事的语境进行了质疑。这种质疑是通过直接把历史、现实与超级英雄片的故事进行奇妙地混合而产生的效果。

在《守望者》的片头字幕部分，导演通过剪辑，把超级英雄们（也就是守望者联盟）的历史与美国的整个历史结合了起来，而且超级英雄本身参与了历史的构建（守望者之一的笑匠刺杀了肯尼迪，笑匠和曼哈顿博士一起帮助美国赢得了越南战争）。但正是在这个过程中，超级英雄的存在才越发显得滑稽。我们无法想象，脱离了好莱坞的类型化叙事，置身于现实和历史语境下的超级英雄，是多么的尴尬和不合时宜。于是在故事开始，超级英雄的联盟就已经消失了，取而代之的是尼克松的《基恩法案》，超级英雄要么必须臣服于政府（完全融入秩序），要么就必须解散，否则就是非法的。

故事中导演还借守望者之一的罗夏之口说出，为什么身心正常的超级英雄这么少？讽刺的是，说这话的罗夏本身就是最极端的反社会者和心理不正常。事实上，超级英雄的心理不正常恰恰是超级英雄在现实中得以存在的必要条件，就如同那个动画故事里的船长一样，正是因为他们把这个城市臆想为黑暗、腐败、混乱和充满末世危机，他们才可以为自己的私刑行为获得合理性。

当然，也有人可以反驳说，这部电影中美苏冷战的背景为超级英雄的愤世嫉俗行为找到了合理性，甚至也为最后超级英雄之一的维特的疯狂行为所辩护（维特恰恰是所有守望者里最聪明的一个）。但正如片头所说，事实上美苏矛盾的升级很大程度上就是因为守望者之一的曼哈顿博士的存在而导致的。

于是在一个现实的、历史的语境下，我们发现超级英雄一方面抱怨社会的堕落和自己不得不替天行道（代替法律）的无可奈何，但另一方面却发现其实社会的问题要么是超级英雄的妄想症，要么本身就是由超级英雄所引起的。他们就如同那个动画片中的船长，他们才是破坏小镇安宁的刽子手，而他们还以为自己是在把小镇从黑货船的魔掌中拯救出来呢。

故事最后，我们才能真正懂得那个看似最疯狂的笑匠才是最明智的，他说过，守望者其实就是个笑话。然而笑话中的人看不穿这个笑话，他们依然严肃而艰辛地维护着自己所臆想的那个世界。

㈢ 欧美好看轻松剧情电影

1.在《冒牌天神》中，著名喜剧明星吉姆-凯瑞(Jim Carrey)饰演纽约布法罗城(Buffalo)电视台“人性聚焦”栏目的记者布鲁斯-诺兰(Bruce Nolan)。虽然布鲁斯-诺兰很有些名气，而且女友格雷斯(Grace，詹妮弗-安妮斯顿饰，Jennifer Aniston)也相当爱他，但生活中的一切似乎总是那么不尽如人意。他终日怨天尤人、愤世嫉俗。

在生活中最倒霉的一天，布鲁斯-诺兰终于忍无可忍，愤而诅咒上帝(摩根-弗里曼饰，
Morgan Freeman)，没曾想上帝竟也做出了回应。上帝以人类的模样出现在布鲁斯-诺兰的面前，给予了布鲁斯所有上帝的超自然能力，让布鲁斯当了一回“上帝”，看他能否把世界管理得更好。这部构思巧妙的影片，不知是否给吉姆-凯瑞带来好运
2.《好好先生》
卡尔·阿伦(金·凯瑞饰)很长一段时间以来都诸事不顺，因为他总是以消极的“不，不行”式的态度跟人打交道。直到他参加了一个自助课程才有所改变，他在导师泰伦斯的压力下发誓：在一年时间里都只能说“好的”，而不管对方是谁，要求他做的是什么事情。令他惊奇的是，当他开始实践自己的誓言的时候，生活发生了不可思议的变化，他不仅得到了升职，赢得了45000美元的奖金，得到了一只人人爱的小狗，获得了护理学的学位，甚至一次环游世界的大好机会也落到他头上，但这些还不是最美妙的，最终，他还与一个叫蕾妮的美丽女孩(佐伊·德斯夏奈尔饰)共堕爱河。然而，当他满怀信心地准备拥抱更多的机会时，却没有预料到，他根本消受不了如此之多的好事。
3。《人生遥控器》
迈克尔·纽曼是一个工作繁忙的建筑师设计师，家里有两个调皮的孩子，唠叨的妻子唐娜。工作中被上司压迫，回家被老婆责骂，不时还会受到两个孩子的恶作剧和排挤，迈克尔的生活一团糟，更可怕的是家里的电视遥控器不见了。

在奇怪店员莫蒂的推荐下，迈克尔买下号称能控制一切的万用遥控器。回家后，他无意对狂吠不止的狗试了一下，随着他按下降音键，狗叫声神奇般的越来越小。之后他又对着发牢骚的唐娜用了快进键，眼前的老婆就像机器人一样快速运转起来，没过一会就在床上睡着了，这些神奇的功能让迈克尔的生活变得轻松不已。然而正当他掌握全局过着上帝般的生活时，万能遥控器却不听使唤了。还胡乱遥控起迈克尔的生活，他到底能不能把自己的生活从遥控器手中夺回来呢
4《儿女一箩筐》
影片简介
当代美国平均每个家庭有1.87个孩子。而汤姆·贝克(斯蒂夫·马丁饰)和他的妻子凯特(伯尼·亨特饰)却拥有12个孩子，他们始终觉得孩子越多，生活就越幸福。这12个孩子既有已经22岁独立生活的大女儿安妮(派帕·佩拉度饰)，也有刚5岁大的顽皮双胞胎兄弟，尼格尔和肖恩。

这个充满温馨但又不免有点混乱的大家庭同住在伊利诺斯州的一个小镇上。汤姆在当地学校的一支橄榄球队当教练。突然有一天，汤姆得到了他梦寐以求的工作，被邀出任芝加哥西北大学橄榄球队的教练。尽管他的12个孩子都不乐意，一家人还是搬到了这个大城市。而就在此时，妻子凯特也得知自己的文集即将出版发行。她越来越觉得自己要和丈夫一样，走出家门，追求自己的事业。他们在家里照顾孩子的时间变少了，于是夫妻二人都尝试着用新的方法来和他们的12个孩子交流沟通。结果他们发现自己的方法并没有原本设想的那么实用。更加凑巧的是，妻子凯特的经纪人还安排她到纽约为自己的作品做为期数周的宣传。于是，汤姆不得不一边努力地和他的新球队进行磨合，一边挑起照顾这个乱七八糟的家的重任。

汤姆的工作走上了正轨，凯特依然在外面宣传她的新书，而家里已经是矛盾重重。面对这一切，贝克一家人最后毅然决定放弃现在的所有，回到了他们以前的生活
5。《大话王》
弗莱彻是个炙手可热的大律师，他追求的物质生活，跟他在法庭上追求的真相一样：一切都能以金钱来衡量。事实对他来说，远不及有力的辩词来得重要，于是他为了胜诉，在法庭上说谎骗人，丝毫不以为意。久而久之，他在日常生活上也变得口是心非，成为不可救药的大骗子。就连他和前妻所生的5岁小儿子麦克斯，都对他的谎言习以为常，虽然如此，每次麦克斯遇到父亲爽约，却编造谎言当藉口时，他还是会伤心难过。 麦克斯生日那天，弗莱彻又因事失约，没有能前往参加他的生日派对，失望的麦克斯于是在许愿时许下父亲能有一天不能说谎的心愿，一连串神奇的事情也因此发生了…… 爱说谎的弗莱彻陷入空前的混乱——他在法庭上出尽洋相、差点输掉官司、得罪风骚的女上司，但最后，他赢回了家庭、亲情及信任。

冒牌天神有2部，都很好看。儿女一箩筐也有2部，也很不错。
其中有3部是金凯瑞的电影，我个人认为他的电影都很搞笑，但是又不是低级趣味，前期很让觉得很搞笑，但后面都很感人。头一次写这么多，可以给分吗？

㈣ 什么是儿童文学情节

儿童文学情节指的就是儿童文学的故事性。可参照以下文段：
故事性与儿童阅读
故事性是指文学作品中完整和生动的故事情节所形成的叙事特质。喜爱故事是人的欣赏特性，因此，讲故事无论是在东方还是在西方都是古已有之的。日本、欧洲各民族就有“讲谈”的传统；阿拉伯民族更是以“夜谈”而闻名于世。在中国，早在周朝就出现了以讲故事谋生的人，至唐朝时讲故事已成为一种专门的职业。由此可见，很久以来，故事与人们的精神生活就有着密切的联系。??
对于儿童来说，喜爱故事、热衷于了解故事情节是其阅读的天性。正是出于对故事的喜爱和追求，现代儿童文学诞生之前，儿童就是凭借着对故事的直觉与喜爱，从民间文学和古典文学中选择具有浓郁故事性的作品作为自己的读物。如中国民问神话《精卫填海》、《女娲补天》；民间传说《大禹治水》、《诸葛亮的传说》、《十二生肖》；民间故事《牛郎织女》、《田弯凯螺姑娘》、《老虎外婆》、《青蛙王子》；中国古典文学《水浒传》中的“武松打虎”故事、英国小说《格列佛游记》中的“大人国”、“小人国”故事等。在今天，故事性仍是儿童特别看重的文学特质之一。儿童的阅读之所以尤其注重故事性，是因为他们的文学阅读有其不同于成人的特殊性。儿童读者的感性认识强于理性认识、形象思维强于抽象思维，所以他们更喜欢环环相扣、娓娓道来的故事阅读。故事性强的作品对于他们来说比对成年读者更具吸引力。

二、故事性的构成
(一)“故事元”和叙事技巧中的“矛盾体现物”
任何叙事性的作品首先都存在着一个基本故事，我们将其称之为“故事元”。故事元是故事发生的中心，是故事的母体，而其他内容和形式都是为故事元这个中心服务的。如安伟邦的儿童故事《圈儿，圈儿，圈儿》的故事元是“大成写错别字出洋相”。腔闹毁至于他出什么洋相，怎么出洋相，都是从故事元“大成写错别字出洋相”派生出来的。同样，徐光耀的儿童电影剧本《小兵张嘎》，故事元是“张嘎子参加八路打日本鬼子”；台湾儿童诗人戴惠华的儿童诗《偷糖吃》的故事元是“玲玲上课不专心受老师批评”；丹麦作家安徒生的童话《丑小鸭》的故事元是“丑小鸭成为小天鹅”；美国作家欧·亨利的儿童小说《最后一片藤叶》的故事元是“贝尔曼先生用生命鼓励生病的珍妮”；毕淑敏散文《关爱》的故事元是“儿子芦淼语文测验考坏了”；伊索寓言《老鼠的好主意》的故事元是“老鼠协商对付猫的办法”。
讲述不同故事的作品，其故伍备事元可以不同，也可以是相同的。民间故事中的“灰姑娘型童话”、“羽衣型童话”、“田螺姑娘型童话”、“三兄弟型童话”、“狼外婆型童话”、“动物报恩型童话”、“蛇郎型童话”等，之所以成为一种类型，就是因为每种类型的故事元都是相同的。故事要靠生动的情节和细节来完善。情节和细节的安排不同，即使是相同的故事元，作品也会具有不同的个性特征。如俄国列夫·托尔斯泰的《跳水》和《鲨鱼》，这两个作品的故事元都是父亲救儿子。然而因为《跳水》和《鲨鱼》这两篇故事中“父亲救儿子”的具体情节、细节等其他内容和表达形式不同，就演绎出了完全不同的故事。这说明，故事元可以是没有个性特征的，它只不过是叙事性作品中的人物在特定环境中活动而产生的中心事件；而情节却是具有个性特征的，它运用其构成的最小元素细节对中心事件进行演绎。儿童文学作品被分为不同体裁，就是因为它们在运用细节演绎中心事件过程中的完善程度和方式不同，因而决定了作品故事性强弱的不同，演绎得比较完善的，如儿童故事、儿童小说、童话、寓言、儿童戏剧、科幻文学、儿童叙事诗歌等，这些体裁的作品其故事性就显得强一些；演绎得比较粗略的，如儿童抒情诗、儿童抒情散文等，则其故事性也就弱些。因此，要想强化作品的故事性，就得力求在情节、细节上下功夫。
故事情节的展开还常常需要一种“矛盾体现物”来支撑，这种“矛盾体现物”在民间故事中也称“道具”，如动画片《过猴山》中的草帽，安徒生童话《卖火柴的小女孩》中的火柴，列夫·托尔斯泰《跳水》中的帽子、枪，《鲨鱼》中的炮等。如果没有草帽、火柴、帽子、枪、炮等“矛盾体现物”，这些作品的情节则难以展开。因此可以认为，作品中的“矛盾体现物”实际也是构成故事性不可或缺的一个因素。
(二)叙事技巧中的传奇性与意外性
评价一篇作品的传奇性和传奇色彩，一般是指它的情节曲折离奇，具有某种怪异性和神秘色彩。具有传奇性的故事往往采用变形的艺术手段，通过夸张，将生活特异化、漫画化或理想化，因而能够引人入胜。
俗话说“非奇不传”。奇的事件、奇的人物，往往能够引起读者兴趣，给人留下难忘的印象。传奇性在情节的展开上，往往表现出离奇曲折、不同寻常的特色。具体而言，就是在故事发展过程中往往通过偶然、巧合、夸张乃至超常的形式来促成情节变化，从而使故事情节的发展既在情理之中，又出意料之外，产生强烈的艺术效果。
传奇性也是艺术想像的产物。它是作者运用想像对社会生活进行集中、夸张、渲染、虚拟后而达到的艺术高度，是构成作品故事恒久魅力的重要因素。如英国作家罗尔德·达尔的童话《奇异的巧克力工厂》，写五个思想、性格不同的孩子在参观一座巧克力工厂时的种种奇遇。贪吃的奥古斯塔掉进漾满巧克力溶液的大河；被宠坏的薇鲁卡掉进运送垃圾的管道；整日口香糖不离嘴、胖得发紫的维奥莱特被送进榨干机；电视迷迈克闯进传送巧克力的电视机而变成微型人；只有在贫寒中长大、受过良好家庭教育的查理安然无恙。作品以大胆的想像、高度的夸张、极力的渲染，把现实、幻想和当代科技完美融合，使故事离奇曲折，事件、人物奇特，创造出一种虚实相间、怪诞离奇的童话氛围和富有传奇色彩的艺术世界，童话人物活跃在这个独特的环境中，对儿童读者产生极强的吸引力。
传奇性是艺术虚构的独特表现。它通过营构离奇曲折的情节，表现社会生活中多方面的奇情异象，有利于充分显示社会生活中复杂、尖锐的矛盾。但是传奇性虽然包含着较多的虚构，却不能脱离现实，不能随心所欲地瞎编滥造。因为构成传奇性的偶然和巧合的情节是建立在必然和可能的基础之上的。传奇性之所以能做到奇而可信，关键就在于它准确地表达了这种人心所向的必然和可能，这是传奇的精魂所在，也是它能感人至深的根本原因。正是基于这一点，人们即使知道故事不是真的，也愿意相信它。如科洛迪的《木偶奇遇记》，主人公匹诺曹一出生就颇具传奇性，一段又会哭又会笑的木头，被樱桃师傅找到后送给他的老朋友杰佩托，杰佩托将木头刻成一个木偶，眼睛刚刻好，就会骨碌碌地转动；鼻子刚做好，就开始长起来；嘴巴还没做好，就张开来笑了；手刚做好，就把雕刻他的杰佩托的假发套拉掉了；等到腿一会动，他就满屋子乱跑……以后的情节就更奇了，他一说谎鼻子就长一截；他正想吃煎鸡蛋，煎鸡蛋从窗口飞走了；由于贪玩，他长出一双驴耳朵，并真的变成一头驴；他在大鲨鱼的肚子里找到了“爸爸”杰佩托……作品以它变化无穷的传奇性情节，使得儿童读者和成人读者对它所讲述的匹诺曹的故事，宁信其有，不疑其无。
同时，叙事技巧中还常常利用偶然、巧合、夸张、幻想等手段来强化传奇性，使故事情节跌宕有致、扣人心弦，收到出人意料和出奇制胜的艺术效果。
(三)叙事技巧中的完整性、连贯性、生动性与曲折性
儿童文学作品的叙事，必须是完整、连贯、生动、曲折的。从某种意义上说，儿童文学作品就是靠完整、连贯、生动、曲折的故事来抓住儿童读者的。动物小说作家沈石溪就认为，他的作品从来就是以故事吸引读者。被称为20世纪最具想像力的故事大王达尔也很注重情节性、故事性，他曾专门就童话的故事性发表过意见：
儿童书籍作者首要的职责，是写这样的书，它应该是引人入胜的，激动人心的，有趣的，通畅的和优美的。只要孩子一读到它，就爱不释手。我发现为儿童写书并不容易。对我来说，同写给成人看的小说一样难，或许还要更难些，因为构思一个色彩分明、十分奇丽而又十分新鲜的情节，是一件苦差事。我可能不得不花费许多时间，甚至一年才想出一个情节。我绕着房子、花园、村子和村里的街道溜达，一次又一次地寻觅那鲜明、独特的新构想。
怎样写好一个满意的开头，这对我太难了……小小的萌芽逐渐长大了，故事的色彩鲜明起来，一种创造激情慢慢到来。握笔的手也颤抖起来，这时，写书的工作才真正开始了。
两位作家的看法都说明，写出故事是为儿童读者创作作品的重要一环，倘若故事平淡、缺少曲折和波澜，就难以吸引儿童读者。因此，完整、生动、连贯、曲折之于故事性就必不可少。
完整性是故事情节的重要特征。它是指故事要反映事件产生的原因、中间的曲折、最后的结局等，即故事要反映’出一个特定矛盾冲突的发生、发展、转化的全部过程。故事的连贯性即指情节节奏紧凑明快，无松散、拖沓；情节的推进一环扣一环，波波相连，无较大跨度的跳跃性。生动性主要是指情节因其新奇、丰富、曲折、有趣、惊险、动情等特点而达到的令人难忘、引人人胜的效果。巧合、误会等艺术手法可以促成情节的生动性效果。
一篇作品所讲述的故事是否具有曲折性，直接影响到其故事性的强弱。而故事性不强的作品，将直接影响儿童读者对作品的记忆和传播。因此，曲折性也成为故事性不可或缺的因素。这里，曲折性指在以人物和情节为中心来安排整个作品内容时，尽量避免平铺直叙的结构方式，而注重情节的起伏和悬念的设置。如被称为“当代的格林”的伊泰罗·卡尔维诺采集的意大利童话《小鹅》，一开始就交代了小鹅独自留下，离开鹅群的原因，为小鹅以后被迫独自同狐狸周旋埋下伏笔。为了得到铁屋而满足铁匠的条件，作品安排了“锤子每敲一下，它就下一只蛋，”一气下了200只蛋的情节，新奇而有趣。在写小鹅同狡猾的狐狸三次智斗时可谓一环扣一环，波澜迭出，一个回合比一个回合难对付。在这一情节中，小鹅都因地、因条件制宜，随机应变，沉着对敌，特别是三次智斗中小鹅钻进大瓜躲避狐狸的细节，曲折而又惊险。整篇作品就以故事的曲折性而深深地吸引着儿童读者，他们因小鹅小胜而小快，也随小鹅的大胜而大快。而当情节发展到一心想吃小鹅的狐狸被小鹅使计用绳套住脖子时，儿童读者会为之而欢呼雀跃。
(四)叙事技巧中的悬念与气氛控制
悬念是叙事性文学作品的一种特有的创作技巧，是作家在情节发展中所铺设的悬而待解的疑端。对于内容复杂的叙事性文学作品来说，悬念可以激发读者的阅读兴趣和期待心理，控制作品情节的气氛，并增强情节的生动性，从而满足儿童读者的好奇心，把他们的注意力和思想感情引向对作品人物命运的关注上来。若无悬念，一看故事开头就知道结尾，这样的作品通常很难受到儿童读者的欢迎。因此，为了加强故事性，儿童文学作家常常在故事叙述中设置悬念，以抓住读者的注意。
在通常情况下，悬念常见于情节发展的紧要关头。换言之，就是在紧张时刻把一些问题悬在那里暂时不要管，“卖关子”埋下伏笔，以引起读者和听众的注意和思考，促使他们寻根问底。一般来说，人物的命运、扣人心弦的事件起因、奇特的事件结局、包含机密的“道具”、引人关注的问题等，都可以作为构成悬念的因素。而故弄玄虚、设“迷魂阵”则是设置悬念、控制气氛常用的方法。在一篇作品中，有贯穿全篇的悬念，也有在作品的进展中各成单元的悬念。苏格兰作家史蒂文森的冒险小说《宝岛》就是悬念设置的典范之作。小说第一章，写船长毕尔成天喝酒，唱古怪歌曲，在海边嘹望，怀着极度恐慌的心情等待着一个“独脚航海人”的出现。一个强烈的悬念就这样产生了：毕尔是什么人?为什么住到“彭保大将”旅馆?为什么提心吊胆地等待“独脚航海人”的出现?这就给了儿童读者一种暗示：这里将要发生惊心动魄的事件。于是小读者的心就这样被“悬挂”起来。接下来，小说中“种种别出心裁的阴谋诡计在作家笔下都变成灵活的特种游戏。读者读来，似乎感觉到已经揭开秘密内幕的一角了，可到下一章又出现一个新的圈套。直到最后一章，读者还难 于猜测下面将如何结局。”可以说，《宝岛》的情节就是在不断的悬念设置中展开的，而作品那让读者提心吊胆地焦虑的效果，无疑是这部冒险小说的一大成功。史蒂文森堪称悬念大师，他的作品说明，儿童文学作品能否吸引儿童读者，并且把这种吸引力维持到读完作品，主要看情节中是否有明确、强烈的悬念。因此，叙事性文学作品中，悬念的强弱直接关系到儿童读者对作品的态度。好的悬念设置可以调节儿童读者的情绪，可以让儿童读者在一张一弛的心理节奏下，满怀兴趣地读下去。
(五)叙事语言的口语化与生活化
儿童文学作品特别是幻想色彩浓厚的叙事性作品，具有较多的“原始性”成分。即使是在文明社会中，儿童文学在很大程度上主要在“没有多少文化”、“半开化”的儿童中流传，而且其传播方式在相当一部分儿童中主要是第一传播媒介——口头语言。也因此，儿童文学的叙述方式自然要建立在以口头语言为媒介的“说”、“唱”、“讲”、“听”的传播方式基础上。口头语言在负载信息的性能上和书面语言不完全相同，它分为日常口语和文学口语。日常口语又称口头语，是人们在社会生活中进行口头交际时所使用的语言，它与书面语相对立而存在，具有生活化的特点。这种生活化的日常口语虽然没有书面语言准确周密，但却比书面语通俗、简短、灵活，富于浓郁的生活气息。口头语、书面语两种语言可以相互影响、相互转化，形成文学口语。
儿童文学的叙事性语言是一种充分儿童化的文学口语形式，它以简明为前提，以生动为根本。其用词通俗明白，语句结构简单，还含有富于情态表现力的对话性语气，所以往往能使作品产生一种将作者和儿童读者置于一个场景中进行直接对话和交流的特殊效果，从而拉近了作者和儿童读者的距离。
儿童文学作品的接受主体是儿童读者，一般来说，儿童运用语言的能力较成人低，文学接受能力也相对较弱，尤其年龄较小的儿童的阅读，还需要借助成人讲述的帮助。这就要求儿童文学作品在相当程度上保留着口头文学的许多叙述特点。因此当作家为儿童创作之时，他们会更理性地使用通俗易懂、生动传神的“儿童文学口语”去进行艺术的表现，这种儿童口语，我们也称之为“故事语言”。对此，我们不妨以英国怪味童话作家唐纳德·比塞特的《一个唬老虎的小男孩》为例以窥其一斑。
……老虎只等沙奇一走近，就“崩”一下蹦了出来，嘴里吼叫着：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／沙奇也对着老虎吼叫：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／老虎生气了。“他把我当成什么啦?”他寻思道：“当成猫?当成兔子?当成玩熊?唔，不对，应该叫‘浣熊’?”／过了几天，沙奇又到外面去，他正在路上走着，被老虎看见了，他一下从大树后头蹦了出来，这回叫得比前回更响了：“呼尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔尔!”／“您好，老虎!”沙奇说着，用手拍了拍老虎的肩膀。沙奇拍老虎的肩膀，老虎觉得太受不了啦，就撒腿跑了。它灰溜溜的，尾巴拖在地上。它磨了一阵瓜子，学着吼得更响：“我是老虎呀!”它说。“老虎!老虎虎虎虎!”……
这篇作品的用词通俗易懂，语气亲切，而且完全是儿童的口语，表现出较强的对话性和情态性。这样叙述语言，能使人感受到浓郁的生活化气息，是生动传神的“儿童文学口语”。而诸如此类文学口语的运用，在儿童文学中是俯拾皆是的。
(六)几种常见的故事构成方式
一般来讲，叙事性儿童文学作品故事的构成方式主要有“纵式结构”和“横式结构”两种。“纵式结构”即按事件发生发展的自然进程和时间的先后顺序来安排情节。“横式结构”是按空间顺序将若干前后并无直接联系的生活场景或情节并列安排，从不同的侧面或角度共同表现主题。除此之外，还有一些特殊的构成方式。
1．三迭式结构
“三迭式”又称“三段法”，在故事情节的安排上，重在表现人物活动和事件发展前后三次的重叠变化，是中外民间儿童文学作品常用的传统方式。深受儿童读者欢迎的中国古典小说《西游记》中的“三打白骨精”便是用三迭式结构来组织故事情节的典型例子。但三迭式结构的作品，其情节的反复，不是简单的重复，而是在反复中体现出变化和发展，而且这种变化中又能体现出整体的美。这种结构方式很能适应儿童读者对文学作品的欣赏要求。三迭式结构的运用，能造成回环曲折的艺术效果。
2．连环式结构
“连环式”结构也叫做多段式的情节反复，其特点是情节在三段式反复的基础上再一环扣一环地向前延伸、发展，因此，这种结构的作品其情节反复的次数至少有四次，直到故事情节结束为止。连环式结构主要有直串式(顺序反复程式)、头尾串式(循环反复程式)、双串式、一串一解式四种情况。幼儿文学作品为适应幼儿理解能力较低的特点，常采用这种结构以反复加深孩子的印象。如苏联动物故事作家比安基的科学童话《尾巴》，连续写苍蝇把蜻蜒、金鱼、虾、梅花鹿、狐狸等动物的尾巴当成没用的尾巴，反复寻找都失败了，最后死在牛尾巴之下。作品通过多次寻找的情节反复和由此带来的层层递进的演化，既增强了故事性，把作品的情节推向高潮，又形象地再现了苍蝇的霸蛮可恶，揭示了科学的主题。
3．对立式结构
“对立式结构”即从正反、左右、前后、上下等相互对立的两个方面来组织情节。它有利于情节展开和人物性格的鲜明对照，能体现较强的故事性，符合儿童读者在比较中清晰认识事物并把握其发展规律的心理特点。因此对立式结构在儿童文学创作中运用极其普遍。张铁苏的儿歌《没耳朵变尖耳朵》具有一定的情节性，正是采用了这种结构方式。作品前面写多多“没耳朵”，后面写多多“尖耳朵”，由“没耳朵”到“尖耳朵”采用的就是对立式结构方式，并通过这种方式把作品暗含的思想内容形象地表达了出来。

㈤ 威尔史密斯的有几部电影都带有“全民”儿子，是一个系列的吗

这只是翻译的问题，很误导观众的。请看这篇文章。

说到电影片名的译法，却是越看越不顺眼，不得不说几句。现在外来影片的译名，顺意性太大，太过于自由发挥，把很多本来美妙的名称糟蹋得一塌糊涂，其中以台湾、香港两地的电影翻译工作者们“贡献”最大。粗粗归纳，大概有以下十种情况：

1、四字情结
看多了影片，会发现四字译名最多，估计感觉叫起来好听，容易上口，但大量的译名都是四字，未免过于单调吧。像：莎翁情史、烈火悍将、死亡诗社、夺面双雄、帝国骄雄、木马屠城、金刚屠龙、狂蟒之灾、越战忠魂……莎翁情史，不如直译为“恋爱中的莎士比亚”（原名：Shakespeare in Love），情史，按我的理解是整个感情历史；而“恋爱中的莎士比亚”仅仅是一种状态。死亡诗社，原片名是Dead Poets Society，正确的译法应该是“死亡诗人俱乐部”，死亡修饰诗人，而非诗社，而且片中，“死亡诗人”确是一个群体的称呼。上面两个例子都是“硬压缩”的典型。
Mystic River神秘河，意境很好，译成“悬河杀机”，完全破坏掉了。
《钢琴家》译为“钢琴战曲”、“战地琴人”，特别是后一个，笑破肚皮，什么玩意儿呢？有叫琴人的吗？
奇怪的是，《杀死比尔》好好四个字，却非要弄成“标杀令”，简单问题复杂化。

2、寻亲情结
还有喜欢把本土的一些片名直接改用于外来影片的译名。像梅尔.吉布逊的《勇敢的心》，被译为《英雄本色》，跟吴宇森导演、周润发主演的黑帮片同名，甚至连一个字都懒得改，“英雄本色”这个叫法倒是有气势，但吴导演已用过，再次拿出来套在别人头上，就逊色很多了。还有《最后一个莫希干人》（下面将说到），显然，可怜的灵感来源于《满清最后一个太监》。

3、片面追求气势，装神弄鬼
还有喜欢片面追求名称的气势，故弄玄虚，却不知强奸了多少原意。《独立日》，译为“天煞：地球反击战”，什么叫天煞啊？恐怕大多数人不知所云吧。好好的名字非要装神弄鬼一番。奇幻电影《伊拉贡》（Eragon，也有译成龙骑士，倒说得去）拍得臭哄哄，本不值一提，但因为另一个译名实在太恶心了，不得不说，听好：《侠影魔龙》就是港译法的最新贡献！把正义的龙变成魔，估计导演知道后会吐血吧。
《最后的苏格兰王》，原名“The Last King of Scotland”，这个名称本来是乌干达独裁者阿敏给自己的称号，因为他一直仇视英国，亲近苏格兰，还曾经狂妄地宣称将组织解放军去把苏格兰从英国统治下解放出来，在片中最后有记者也问起这个问题。另外，片中另一个男主角，来自苏格兰的青年医生尼古拉斯，从一个毕业生直接变为备受宠爱的总统私人医生，享受荣华富贵，甚至坐在总统车中，乌干达老百姓以为是总统本人，欢叫着追捧着，让他享受片刻的帝王待遇，片名也对此暗中有所映射，所以直译为“最后的苏格兰王”可谓非常切题。港译为《末代独裁》或《末世独裁》，就离题了，独裁未必末代吧。港译中，凡有LAST都喜欢译为“末代”、“末世”、“末日”，所以另一部小成本影片《The Last legion》（最后的兵团）又被翻译成“末日兵团”就不奇怪了。
当然，也有例外，比如《The Last of the Mohicans》（最后的莫希干人），不译为“末代”啦，译成“最后一个莫希干人”，初一看觉得不错，仔细一瞧，不对，Mohicans是复数，而且片中讲的绝对不仅仅是最后一个莫希干人，而是三个（尽管其中男主角拥有白人血统），港译的来源估计是受到港片《最后一个太监》的影响，可是不动脑子，直接套用。

4、缺乏常识
港台弱智翻译的最高境界莫过于尼古拉斯主演的《8MM》（8毫米），稍读过数学的人都知道，MM是毫米的简称，港译偏要译成“8厘米”，厘米的简称应该是CM。而且8毫米，是一种胶片的规格。对于这个最基本的译名错误，很多人却舍不得花点精力去求证纠正，而是直接引用，于是错误越来用越广，人心的浮躁可见一斑。
Contact《接触》讲的是跟外星人的接触，译成“接触未来”，我怀疑翻译工作者根本就没有看完全片，因为整片似乎没有涉及到“未来”，都是讲当前的接触。
《风语者》是人们对二战中用民族语言为情报作贡献的纳瓦霍族人的称呼，翻译成“追风战士”，太搞笑了，初一看以为是青春偶像剧。

5、牵强附会
把“Enemy of the State”（国家的敌人）译成“全民公敌”本来就有问题，“国家”等同于“公民”么？这里STATE特别应该是国家机构，大概觉得“全民公敌”，又是四字，叫起来顺口吧。如果事情到此为止，那就算了，不行，接下来，威尔史密尔和他的电影连续被强奸了，“我，机器人”被译为“机械公敌”，“hitch”译为“全民情敌”，就仅仅为了硬凑成一个系列，不伦不类。
另一个硬凑的例子是塞尔吉奥•莱昂内的所谓“往事三部曲”，简直是瞎扯。严格来说，只有《美国往事》和《西部往事》才是直译名，另一部所谓的《革命往事》根本就是乱翻，本名是A Fistful of Dynamite，一束火药。据说莱昂内本人也从来也不知道自己有过什么往事三部内的事。
西部片译名喜欢用“狂沙”一词，像西部往事，有译成“狂沙十万里”，莎朗•斯通和莱昂纳多•迪卡普里奥的The Quick and the Dead，应该指两个杀手的特点，一个QUICK，一个DEAD，却被译成“凤舞狂沙”，更莫名其妙的是“致命快感”一说。讲述沙漠骑士的《Hidalgo》译为“狂沙神驹”，此外，还有：车舞狂沙、凤囚狂沙、日落狂沙……怎么听怎么拗口。
由此“联想”到，美国男篮，自从梦一队以来，一直被我们称到现在的梦七队，其实从第四届后，美国人已经不称自己为梦之队了，倒是我们自己一厢情愿。

6、画蛇添足
“The Deer Hunter”本来直译《猎鹿人》挺好嘛，非要加多两个字，“越战猎鹿人”，把观众当作白痴？《第六感》，大家都知道是什么回事，非要叫“灵异第六感”。类似的还有Munich《慕尼黑》，译为“慕尼黑惨案”，Crash《撞车》译成“冲击效应”，

7、以偏概全
《特洛伊》，本来三个字言简意赅，符合这种历史战争巨片的命名，非要变成“木马屠城”，可知，木马屠城仅仅是这整场战争的最后一部分，根本无法概括全貌。《金刚》译成“金刚屠龙”，同样的，屠龙只是其中一个小片段，整个影片这么长，用这么短的片段来概括，太莫名其妙了。

8、起哄
不知从什么时候开始，“风云”开始流行，像赌城风云、白宫风云、迈阿密风云、监狱风云、无间风云、西部风云、纽约风云……任何跟黑帮，或者宏大叙事相关的，都要用上“风云”两字，想象力极其贫乏。
“黑帮”一词的使用频率也颇高，像纽约黑帮、黑帮暴徒、鲨鱼黑帮、黑帮悍将、黑帮风云……
“追缉令”也常用，像《低俗小说》译成“黑色追缉令”，《七宗罪》译成“火线追缉令”，此外还有：媚力追缉令、红粉追缉令、杀戮追缉令、外星追缉令……
还有，我发现“悍将”一词也极为常见，这样一个看似强悍、实是拗口至极的叫法出现频率高得惊人，像悍将情仇、追命悍将、摩天悍将、烈火悍将、 魔鬼悍将、时空悍将、 超时空悍将、执法悍将、催眠悍将、头号悍将、星际悍将、城市悍将……不行，再列举下去，我感觉就要呕吐了。
对了，还有“神鬼”两字，神鬼传奇（木乃伊）、神鬼奇航（加勒比海盗）、神鬼无间（无间道）、神鬼玩家（飞行者）、神鬼追缉、神鬼帝国、神鬼战神、神鬼战将、神鬼战士（角斗士）、神鬼悍将……不行了，已经吐了。
题外一下，受此影响，我发现新浪NBA频道的标题也动不动用“悍将”，随手一查，比比皆是：霍里恶肘掀翻纳什 火爆主帅悍将贝尔险酿斗殴/马刺夺冠功臣心生离意 阿根廷悍将欲试水自由市场/火箭大前锋终有着落 3年1000万签阿根廷悍将斯科拉/前瞻：背靠背火箭遇巨人杀手 山猫悍将瞄准纪录/火箭夏季全力追逐得分后卫 国王悍将是最佳选择。
此外，“煞星”、“至尊”等译名也很常见。

9、自作聪明
《英国病人》译成《英伦情人》，恶俗无比，离题万里，又另有个恶心译名叫《别问我是谁》。《洛丽塔》是把同名小说搬上银幕，小说已经名扬天下了，洛丽塔三字也已经成为特定含义，可是非要掉书袋，译成“一树梨花压海棠”，这下，又顺手糟蹋了苏东坡大人。类似的有《安娜-卡列尼娜》译成“浮世一生情”。《City of God 》上帝之城是人们对巴西里约热内卢的称呼，却自作主张译成“无主之城”，大概自以为了解剧情，提前发布简介吧。Million Dollar Baby百万宝贝，译成“登峰造击”，拗口得要命。
Sleepy Hollow沉睡谷是故事发生的地方，却帮它改名为断头谷，要用血腥字眼才能引人注意。
《沉默的羔羊》已经出名了，其实原意是“羔羊的沉默”，不同的译名，含义完全不同了。
《21克》是一部结构很棒的影片，传说灵魂的重量为21克，于是翻译工作者心急如焚，以为观众不懂，直接把片名译为《灵魂的重量》！这就像看悬念片之前，别人提前把结果告诉你一样，令人讨厌。
《银河系漫游指南》出自同名著名小说，却成“星际大奇航”。

10、恶俗口语化
《离开拉斯维加斯》译成“两颗寂寞的心”，《杀手莱昂》译成“这个杀手不太冷”，《墨西哥往事》译成“英雄不回头”，变得一点都不好玩了。更恶心的莫过于“刺激1995”，其实就是《肖申克的救赎》，我不知道前一个译名是怎么来的。《西西里的美丽传说》原名是Malèna，我觉得这个翻译得倒不错，但又有另一个译法了，叫“真爱伴我行”，俗得不能再俗了。似乎要与此响应，《天堂电影院》叫“星光伴我心”，《放牛班的春天》叫“歌声伴我心”，原来是三部曲！

我还发现，热门的影片受糟蹋的可能性更大，冷门的影片一般翻译得中规中矩，估计港台翻译工作者分身乏术吧，正好，留一部分给人试试吧。

太多了，无法一一简述，列表如下吧，欢迎补充：
12猴子---->未来总动员
人类之子---->绝种浩劫/硕果仅存
火龙帝国---->火焰末日
剪刀手爱德华---->幻海奇缘
美丽心灵---->有你终生美丽
飞行者---->神鬼玩家
亚瑟王---->王者无敌
圣徒指南---->放下屠刀
好家伙---->盗亦有道
阿拉伯的劳伦斯---->为阿拉伯世界而战（哈哈，这个太有才了）
角斗士---->帝国骄雄/神鬼战士
天国王朝---->王者天下/天国骄雄
不可饶恕---->豪情盖天
墓碑镇---->绝命终极者
300勇士---->战狼300/300壮士:斯巴达的逆袭
硫磺岛来信---->硫磺岛战书（战书？MY GOD）
父辈的旗帜---->硫磺岛的英雄们
全金属外壳---->烈血焚城
史密斯夫妇---->史密斯行动
美国丽人---->四季开花的红蔷薇
我们曾是战士---->越战忠魂
黑鹰坠落---->黑鹰计划

㈥ 汉斯 齐默尔是谁

汉斯·齐默尔Krystian Zimerman 艺术家
电影：《鲨鱼黑帮》 曲：汉斯·齐默尔

我从导演停下来的地方接手工作，讲述那些你不能用画面或字词表达的东西，而且还要作得优雅。———汉斯·齐默尔

“你看过没有音乐的《火的战车》(1981)吗?”作曲家汉斯·齐默尔的微笑意味深长。这里是他的音乐工作室，环绕他的是穷尽你的词汇也难以描述其形状的古怪乐器，更不用说那一大溜能制作出任何音响的合成器和计算机了。齐默尔来自德国，虽然他的口音透露出他经过伦敦的岁月。

你是导演无法指挥并预料工作效果的第一人。他不知道会发生什么。他能谈剧本，谈表演，也能看看摄影机的取景器。但一说到音慎灶乐，他就瘪了。

只要看一看齐默尔的工作，就很容易明白他的意思。要进入影片的世界，作曲家就要先进入一个技术的世界。它与其他合作者的世界完全不同。为缓解这一难题，齐默尔着手工作时总是尽可能多地了解他的导演。

我尽量和导演呆在一块儿，弄明白他的工作方式。在制作《塞尔玛与露易丝》(又译《末路狂花》，1991)时，我经常和导演里德利·斯科特出去吃饭，谈论朋友，谈论其它一些我们读过的书，而且总是不知不觉就谈到影片的主题上了。

一般讲，作为最后进入影片制作的艺术家，别人都完活儿了，作曲家才刚刚开始干。导演交给作曲家影片的“最后”版本。“最后”——当然没包括音乐。走在最后自然有其风险。好莱坞大公司制片过程中不可避免的艺术与商业的碰撞随着项目接近完成而愈加激烈。现在比以往有过之而无不及。由于关系到成百上千万美元能否收回，影片制作最后阶段所承受的压力是非常大的。

“十有九次都是因为我们上任太迟，而不得不在三周内做八周的工作”，资深作曲家戴维·拉斯金微笑着说：“做一个电影作曲家，你必须多才多艺并且，具备白痴般的天真”。

音乐之声

拉斯金，人们永远会记住他为奥托·普莱明格经典的谋杀谜案影片《劳拉》(1944)创作的令人难忘的主题音乐。好莱坞很多优秀的导演都同他合作过。几十年的职业生涯教给他一条关于电影作曲的基本真理：“我们是操作者。这种操作是在潜意识里影响：观众。音乐，作为操作的工具，还要有助于叙事。”

唐·雷用五个字概括他的工作——“为故事服务”。他解释说：“我的音乐既服务于戏剧的用意，也有自身独立的价值。”戴维·纽曼说：“你的工作永远是了解导演想说什么。你要寻找影片的内涵。”

比尔·孔蒂有一个得知“影片内涵”的诀窍。虽然他为许多影片作过曲，但使他跃至事业顶峰并且进入高收入阶层的却是影片《洛奇》(1976)。当这部影片获得票房成功的时候，作曲——这项“低预算工作”就变成了电影作曲家千载难逢的一个机会。

其结果是一个凌乱不堪的家，屋里挂着中世纪的绘画和来自欧洲边远地区的挂毯。“这是洛奇建造的房子”，他大笑着说“虽然很难想象西尔维斯特·斯泰龙富了之后在这类华丽的地方会是什么样儿”。当话题转到音乐上时，孔蒂小心地选择字眼儿来表明“带着领地走路”这一悖论的本质。

它(指音乐)发自内心。它是独一无二的、原创的和阐释性的。总之，它是娱乐。我们就是想娱乐人。你不得不用艺术手段去做的确算不上艺术的事。当然，这里说的“艺术”是指古典意义上的艺术。莫扎特写曲子并不是为了娱乐人。他为艺术而作曲，但这些曲子有娱乐性。我们对“为什么要这样做”的问题并不感到困惑———我们就是给人们带来娱乐的人。

读，还是不读?

其他人都是从读剧本开始着手自己的工作。作曲家则不尽然。有些作曲家事先读剧本，以使自己熟悉故事。有些人则宁愿先看一下影片，然后再与导演会面。巴迪·贝克的音乐曾赋予许多经典的沃尔特·迪斯尼影片以魔力。现在，他是南加州大学电影配乐系(film scoring department)的主任。

读剧本花的时间要比看影片长，所以我更多地用读剧本的方式了解故事，要写音乐，你得先熟悉一下人物才行。

你还要拿到导演笔记——上面记着这个人的想法。什么正在发生，什么将要发生，以及应该怎样拍摄。有些对白需要标出来。有些情境我自己也作一点笔记。

在戴维·拉斯金看来，关此漏键在于剧本内容与影片内容之间的对照。

剧本和影片之间有很大森孝烂差异。我通常也读剧本，但不是每次都读。导演们常常确信他们说过或做过某某事，但实际上影片里根本没有那些事。

如果你着手工作时根本不理他那一套，反而对导演更有帮助。我想让银幕上的东西而不是他们以为银幕上有的东西来激发我的灵感。

有时候导演愿意在影片拍摄前就写出一部分音乐。导演巴里·莱文森讲述了他在拍摄抱负不凡的《玩具》(1992)时这种方法所起的作用。

我们需要为圣诞节的盛大场面配一段音乐，大约需要四五首歌，还要提前写出来，以便我们能在拍摄时使用。从配乐角度讲，这些歌变成了贯穿这个音乐段落的主题。

亨利·曼奇尼在为系列影片《粉红豹》(1963，1964，1974，1976，1978)作曲之后，他的名字就成为令人难忘的电影配乐的同义词。“读剧本的主要原因是要找到那些必须在拍摄前就写出来的原始资料”，他解释说“但只要是提前读的剧本，我会把它忘掉，因为，在剧本与银幕之间会有很多差异”。

南加州大学的唐·雷则劝告他的学生在着手工作前不要读剧本。

出于好心，制片办公室会给你提供一个剧本。你要感激地接受但不要去读。如果你读了剧本，你就会有先入之见。你需要看的是拍出来的影片，而不是想要拍的影片。

比尔·孔蒂说，当影片还在拍摄时，就可以着手工作了。“有时导演会把工作样片的录像带叫人带给我，以便让我熟悉一下影片的进展情况。编剧是影片创作过程的开端，而我却是同导演的创作打交道。”

巴迪·贝克也意识到了编剧与作曲——电影创作中第一个和最后一个合作者——之间的联系。“我们全都是以某种可笑的方式取悦编剧。是编剧开的头，没有剧本便没有一切。”

汉斯·齐默尔则说，“你要对影片负责，它是导演的影片，不是编剧的”。但他也慨叹，“电影制作中的一桩不幸之事就是：人们对文字的精妙并不看重。一部影片应该做的只是给你讲一个故事，音乐的确有助于此，但你仍要小心谨慎，因为音乐也能毁掉一部影片”。

素材小样

在作曲家开始工作之前，导演或音乐编辑会做一个素材小样。其中的音乐听上去要适合影片，并且会就完成片配乐的大致定位提供一些暗示。对巴里·莱文森来说，素材小样变成了拍摄《雨人》时各部门合作的重要环节。这部奥斯卡获奖影片讲述的是一个孤独症患者(达斯廷·霍夫曼饰)和他的能说善骗的兄弟(汤姆·克鲁斯饰)一路游荡的故事。

当我做素材小样的时候，总是分别与不同的音乐编辑一起工作。我会表明我的想法。然后音乐编辑会给我许多建议。我可能会调集600首歌，而只寻找两首。听的东西多可以启发创意。

拍《雨人》时，我就琢磨怎样在配乐中避免用弦乐，因为我觉得弦乐太伤感了。而且我想取消吉他，因为吉他总是同公路电影联系在一起。

有人给我送来几支约翰尼·克莱格的曲子，叫“非洲散曲”。我很喜欢它们，并对人说，影片中汽车正驶向棕榈泉、路边是一片风车那个场景，用这几支曲子一定很棒。我告诉汉斯·齐默尔，“这就是这部影片的声音。这音乐很有节奏”。它很合适是因为，我有一次同研究孤独症的人讨论时，他们谈到孤独症患者对节奏的反映。

这样，在我拍这部影片之前，我就知道我会使用“散曲”和“瘦小枯干的人”。我把配上素材小样的影片放给汉斯看。他也带来了一些东西，我们听了听，然后再去看影片，并且不断对音乐进行调整、修改，直到它变成一部和谐的作品。

如果素材小样中的音乐显得很对路，导演就会保留它。拍《野战排》(1986)时，奥利弗·斯通选了塞缪尔·巴伯的“弦乐慢板”作为素材小样。当这段音乐与燃烧的村庄的画面结合时，产生了极强的冲击力。“有人建议我用这段慢板，尽管乔治·德莱吕是这部影片的作曲，但我们还是用了素材小样中的不少音乐，而且把它们同德莱吕的音乐结合起来。”

彼德·威尔在《绿卡》(1990)中对莫扎特音乐的使用很典型地说明了当一个导演爱上素材小样时所发生的情况。很多作曲家一致认为，如果他们已被雇佣(并且足够聪明)的话，会尽量不用有90人的交响乐队演奏的莫扎特的素材小样。巴迪·贝克的忠告很有道理，“我请音乐编辑尽量辑入我的音乐，即选取我为其它影片作的音乐。别给他费城交响乐团演奏的莫扎特，因为他一准会爱上那音乐”。

阿莱克斯·诺思为《2001：太空漫游》(1968)配乐的经历提供了另一个例子。诺思为影片写了原始音乐，但导演斯坦利·库布里克把它抛在一边，并保留了如今非常著名的素材小样，其中包括约翰·施特劳斯的“蓝色多瑙河”和理查德·施特劳斯的交响诗。

但也有很多次素材小样的音乐选得很不恰当。作曲家戴维·纽曼听了为《霍法》(又译《人间好汉》，1992)选辑的素材小样后，觉得它根本不灵，因为它“不是太匪气，就是不够丰富”。

有些作曲家则宁愿根本没有素材小样，因为所用的任何音乐都会产生太多的联想。当戴维·拉斯金应邀为《劳拉》作曲时，他们竟想把“矫揉造作的小姐”放进素材小样。“我看得出来，他们使用‘矫揉造作的小姐’，只是为了很老套地用一下萨克管或加了弱音器的小号。依我看，主旋律用不着太复杂。”结果，拉斯金只是利用周末时间作了一首主题歌算是完成任务，影片因而避免了“配错了音乐”的场景。

定位会

至少从理论上讲，作曲家的实际工作开始于“定位会”，会上她(他)要同导演(有时是制片人)坐在一起观看影片并且决定音乐的定位。像大多数作曲家一样，比尔·孔蒂宁愿先看影片。“我会在定位会前看影片。当你反复观看影片时，你的创作想法才会逐渐定型。”

巴迪·贝克解释说，当定位会开始时，音乐指导的作用是极其重要的：

音乐编辑是作曲家的左右手。在定位会上，导演阐述他对某个情境的想法，应该配什么样的音乐等等。他甚至会问“你觉得这些想法怎么样?”

我虽是个作曲家，可并没带着五线谱纸来开会，我只能坐在那儿记笔记。但我的音乐编辑并不是只带着耳朵来听我们说什么的，他正盯着英尺数计数器并作着始点标记位置的记录。他还要作一张将在影片中出现的所有音乐的简图。在我们明了所有这些笔记之后，他甚至还要记录一点制片人或导演的看法。

作曲家雪莉·沃克《一个隐形人的回忆录》[1992])(透露，一旦以后对曾经一致同意的事情发生争论，这些笔记就变得非常重要。

这些笔记对我们所有人都是一种保护，所以要把它们送交导演和制片人。以后当我们讨论这些事情时，如果有人说，“我觉得那会儿真是剑拔弩张”，我们就可以查查定位会的笔记，没准儿上面记着那会儿大家意见一致，关系融洽。当然，我们可能会协商一下，重新思考一下所提出的问题。

巴迪·贝克描述了当工作接近实录阶段时大家所采取的互谅互让的态度。

我们把全片配乐确定之后，还要作些微调，这就要回过头来靠笔记来查找。也许始点标记并不在音乐编辑的笔记所记的地方，也许它稍稍靠前了一点。

这时我就得当机立断，并向音乐编辑补充提供所有有关资料，以使他对影片胸有成竹。随后我们便可以录音了。

桥梁和房屋

定位会一结束，作曲家就开始搜寻并选出可用于影片的音乐。唐·雷总在探索各种可行性。

你也许只寻找能用于连接上下场景的很短的乐桥就行了，较大型的配乐不过是一个偶发的爱情场景或追击场景。你也许使某些场景充满音乐以增强戏剧张力而让另一些场景一点音乐都没有。

你也许决定很有节制地使用音乐，这种方法在话多的影片里特别有效果，比如在法庭剧或自然主义风格的影片中，沉默往往有很深的含义。

由于影片各不相同，作曲家必须能识别故事的精髓并将其贯穿于音乐之中，这是电影配乐工作的关键所在。雪莉·沃克就是从确认她所说的“核心概念”入手开始她的工作。

如果我没掌握故事和人物的核心概念，我制作的就是一大堆音符垃圾。核心概念总是相关于故事和故事的讲述。

一旦我准确领悟了核心概念，我就开始让它变成音乐。这就像先有骨架后有血肉。我会坐在那儿创作出好多不同的、抒情性的背景音乐。我喜欢把这些东西录下来并在之后的几天中再听一遍，让这些素材周而复始地转一圈。然后我把它交给导演，告诉他，“这就是我以后配乐的基础”。

巴迪·贝克则宁愿先找到速度(tempo)，然后再往上搭东西。

你先看影片，看到一个场景后就开始琢磨“啦，嘀哒……这速度感觉挺好”。这是一种直觉。然后你告诉音乐编辑，你想从这种速度着手。随后他计算出为一段两分钟的场景你需要照这种速度写多少小节音乐。

一旦你完成了技术部分，音符自然会奔涌而来，因为全都设计好了。你会营造你的主题或者说你的表现方式。这就像一张蓝图。你在蓝图上设计每段音乐并使音乐(成品)与蓝图相吻合，就像盖房。

“我可能要花几天时间搞出我认为对路的素材”，亨利·曼奇尼说“一旦有了这套素材，其余的就好办，了，就像你要盖一所房子，要有风格，有样儿，还要有节奏”。

拉斯金对于电影作曲之内在结构的描述再次印证了盖房的类比。

建筑无处不在。什么东西都有特定的结构。你要探知这个场景讲述了什么，它在整部影片中占据什么位置。当我对这个场景作完分析时，我会把真正重要的、我不能忽视的东西画上红圈。

像编剧、导演以及其他电影合作者一样，拉斯金会找出故事中富于情感的段落，并且琢磨出把它们忠实描绘出来的办法。不经过创作时的内心斗争是做不到这一点的。

你必须阐发出场景中的情感，并设定情感的流动方向。你希望能随着故事的前后顺序作曲，以使音乐有一种发展的感觉。当我为一个较长的场景作曲时，我会对自己说“这听上去好象不大灵啊”，但我还是坚持写下去。

在为《劳拉》作曲的那个周末，我想必写了四五十个主题，还不算我已经想到但因不够好而没写下来的。最后弄到星期天晚上，我终于有了灵感。当我把曲子弹给奥托·普莱明格听时，他觉得这玩意儿的确别出心裁。

主题音乐的功能

许多作曲家都认为，为主要人物所作的主题音乐可以用许多不同的风格来演奏。有时它用大管演奏，令人害怕，有时则用小提琴演奏，洋溢着浪漫。随着影片故事的进展，主题音乐可以转成小调或配以不同的和声。

谈到《霍法》，戴维·纽曼回忆道：“我为霍法这个人物使用了三个主题：一个用低音——强劲但仍然是抒情的;然后是他开车行进的主题和他的激情主题。我选择某个主题，重复地使用，以不同的方式配器，将其展开，在主题中加进一些音符，把它扩展开来，让它在新的高音上重复出现，其它音乐成分均围绕它行进。”

汉斯·齐默尔则尽量使这一过程富于灵活性。我常常把主题音乐同人物当时的经历结合起来，但我从不死盯着一些主题没完没了地用。我的主题总在不断地变化。

《雨人》的主题在我创作的所有电影主题音乐中可以说是最邪门儿的。因为你压根儿听不出来有什么主题。你只有把影片中的每段音乐都串在一起，才会对整个曲调有一个完整的印象。

由此可以看出，音乐的作用远远不止于为影作情感的诠释。它实际上是用来说明并强调故事的，或者说，音乐是为叙事编配的。

其总的创意在于，雷蒙(患狐独症的哥哥)身上总有人们预料不到的事情发生，你根本得不到一个总的概念。因此，从第一本的第一个音符开始到片尾字幕的最后一个音符结束，就没有过一段完整的曲调，就像一条长长的弧线总是被故意打断。

一些最令人难忘的电影主题音乐往往出自其他人物甚至其它设想。事实上，亨利·曼奇尼在写《粉红豹》主题音乐时，那只“豹子”(实际上是一颗粉红色的钻石)还没构想出来呢。

“粉红豹”实际上是为大卫·尼文(饰珠宝窃贼)写的一段主题音乐。他是个流氓型的人物，脚步很轻，而我恰好采用“哒当，哒嗒”开头，然后萨克管进入。后来导演布莱克·爱德华兹想要一个很活泼的片头字幕，而这首由萨克管和长笛演奏的主题曲非常合适。此后，它婉转多变地贯穿于整部影片之中。

在最好的情况下，主题音乐的变化会连同主要情节一起帮助观众把故事联缀起来。戴维·拉斯金在为《劳拉》作曲时，曾努力想达到这一点。

《劳拉》的配乐实际上只有一个主题。其它的主题都是一些我没有将其展开的片断。《劳拉》中大概有五六个这样的片断。你还记得么，劳拉这个人物直到第六本才出现。影片基本上都是闪回。

因此，你努力想做到的是，用特定的音乐使你感觉到她的魂灵的存在，并且在其他人身上也唤起这种感觉。我觉得这应该是一种很精致的音乐，能使人想到一位美妙绝伦的姑娘。由于这位姑娘已经去世，因而音乐中这种眷恋的感觉有着很独特的浪漫气质。我还要点出，那位侦探竟爱上了她。虽然影片讲的是侦探故事，但在音乐上，我是把它当作爱情故事来处理的。

汉斯·齐默尔解释说，同其他搞创作的人一样，作曲家也是自萌发意念开始便与其朝夕相伴。在难以想象的时间压力下，他们倾尽全力投入创作。在创作过程中，也是多凭感觉而不是思考。每次投入都是全心全意，夜以继日。

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