1. 简析动画电影的情感诉求与设计体现
简析动画电影的情感诉求与设计体现
导语:情感设计是动画片的灵魂所在,作为动画的情感设计创意,时常受到无意识的偶然因素或是非理性因素的影响等
华夏民族具有悠久深厚的历史传统与丰富多彩的情感品味,而中国动画设计普遍存在的一个严重问题就是情感意境的缺失。这是因为在动画创作中鲜少关注对情感的设计与挖掘,究其根本是缺少对中国传统文化的人文关照与活化应用。辜鸿铭在《中国人的精神》一书中讲道:“中国人完全过着一种心灵生活、一种情感或者人类情爱的生活。”①既然如此,不妨将这种心灵生活抽象地运用到动画情感创意中,并转化为鲜明的动画艺术形式。
一、动画创作中的情感元素剖析
情感,是人类思想活动的情绪集合,它时刻影响着人们的生活理念与行为方式。那么,如何通过动画设计的物体对象表现抽象的情感,是动画设计师需要关注的首要问题。
动画艺术形态一般传达两种信息:其一是理性信息的传达,如人物角色形态、场景环境布局、灯光照射,以及排列、色彩风格设定等动画设计的本体形态;其二是情感信息的传达,如人物的行为性格、台词语言、思想活动、内心矛盾、关系冲突等。理性信息是动画生成的基础,而情感信息是动画升华的关键,二者互为作用,为观众创造出丰富多彩的视听感受与无形的情感体验。当设计师使动画在角色、场景、动作、色彩上传递于人的真实感受是一种“美”的体验或使设计具有了“人性化”时,我们将此称之为动画的情感设计。也就是通常意义上所讲的“动画的生命力”表现。
二、动画创作中的情感诉求与设计体现
(一)从整体上把握动画情感环境
众所周知,动画片的创作是一个整体的系统概念。这个系统包含众多元素,诸如故事情节,场景造型、剧本语言、灯光色彩、动作设定、音乐音响、角色塑造等,这些基本因素在一起相互作用发展变化,经过设计师的精心设计策划,就形成了动画片的整体情感环境氛围。而这种情感环境的创意来源,在很大程度上是由动画设计师个人的专业修养、设计经验以及自我体验来决定的。观众通过物化的角色形象感受着动画片散发出的个性情感,并随着故事情节的发展而逐渐深入内心。从整体上把握动画情感环境,营造情感设计的意境氛围,来最终满足观众对自身的情感诉求,这是行之有效的动画情感创意设计途径。
(二)借助符号表达动画的情感意境
在动画创作中,情感的设计是通过丰富多彩的故事情节转化为特定的视听符号而呈现,也就是设计师对动画设计要素的全面整合,并以符号化的形式再现在观众的面前。观众对动画影片的情感感知,是通过视听的方式来获得,这种视觉与听觉又是情感物化的符号表现。综上所述,动画情感意境得以完美实现必须借助视觉符号和语音符号来共同建构。下面就以美国定格动画影片《鬼妈妈》为例,从三个方面来剖析情感意境符号化的具体体现。
1.借助人物语言的运用对情感进行表述
人物的语言对白是一部动画片中最易于出彩的地方,其中不乏神秘悬疑而又魂牵梦绕的台词语句。这不仅将感情抒发得淋漓尽致,并且幽默诙谐地流露出引人入胜的领悟。经典的台词加深了人物的形象,突出了角色的内心独白,进而赋予了动画人物鲜明的个性特征。《鬼妈妈》开场中女主角卡罗琳与小黑猫初次相遇时,卡罗琳的内心独白便深深地引起了观众的情感共鸣,而接下来小黑猫的主人小男孩坏比特的出场方式,以及与卡罗琳之间的对白,更是将影片的感受引向神秘隐晦,并充满探索的情绪之中。
2.将造型和场景的设计与情感表达相融合
动画影片《鬼妈妈》在造型和场景的设计上是极其考究的。整部动画的造型大体倾向于压抑之感,巨大的头部,纤细的身体和四肢,让人觉得头重脚轻。故事的主角卡罗琳身穿黄色雨衣,给人十分好动的.感觉。而反面角色“鬼妈妈”是一只由很多缝衣针组成的巨大蜘蛛怪物,“鬼妈妈”造型多用坚硬的直线构成,再加上尖锐的针形,整个角色的形象极具攻击性和距离感。影片造型中最有特色的是一双纽扣眼睛,纽扣的定位是这部动画电影别具一格的视觉符号,它代表危机的产生,也是主人公卡罗琳拼命挣脱的枷锁,又是她迫不及待渴望得到的诱惑。总而言之,该片中的纽扣,这个简单的符号,充分体现出了借助造型抒发影片情感的途径。
影片场景的色调处理,一开场便被整体定位在神秘诡异的哥特式基调中,场景环境是昏暗迷惑充满神奇感受的。影片采用了几种不同的场景色调处理表现,比如女主角卡罗琳所居住的诡异阴森的小镇,是暗淡冷漠的灰色;卡罗琳家里的环境设计氛围是相对温暖的色调;而鬼妈妈居住的室内色调定位却是高度温暖的亮色调,所以不同场景环境色调需要与个体情感表达相一致,和谐构成完善的视听画面,从而给予观众强烈的情绪感染力。
3.通过动画音乐的感染达到情感共鸣
从动画影片《鬼妈妈》的音乐背景中,创作者完美地将神秘莫测的画面内容与个性鲜明的主题音乐融合在一起,让观众在优美而舒畅的视听语言中徜徉,并从中深刻地体会到影片所散发出的情感意境。动画片的这种情感属性不是仅留存于剧情之上的表层情绪宣泄,而是透过情节刻画展示出角色内心结构矛盾与思想情感变化的过程积淀。影片《鬼妈妈》的整体设计包括角色造型、场景环境、台词对白等都与具体细腻的情感抒发相呼应,让观众沉浸在温暖、诙谐、冷漠、恐怖、喜悦、滑稽等多种情感的包围中,充满无限的回味与深思。动画片的音乐不仅紧跟情节的跌宕起伏,起到渲染故事的作用,而且是情感发展的有利助推器。
(三)画面语言的情感传递与体验
定格动画电影《鬼妈妈》以别致的视觉语言为冲击,逆向阐述创意的线索路径,寻求内容与情感的契合,这不失为动画情感设计表现的有效途径。《鬼妈妈》中精致传神的角色造型,瑰丽花园的完美演绎,世界抽象化的美学展现,无不闪烁着每一帧画面的精美语言。
动画片情感诉求的实质是借助强烈的形式语言与视觉审美效应,以达到个体情感的群体共鸣,这也是一部动画片情感设计的最大成功。在当代动画设计的创作中,丰富多彩的艺术形式语言为动画情感的设计创造了多元化的表达介质。设计师通过天马行空的想象力,运用鲜明的形式语言将客观物象以不同的方式和结构进行重新整合,再通过动画设计的基本要素来创造动画的视觉效果,增强观赏的价值及情感的品味。动画片中的基本元素本不具有感情,是设计师在主观能动性下对人物角色情感塑造的创造变现。
三、结语
情感设计是动画片的灵魂所在,作为动画的情感设计创意,时常受到无意识的偶然因素或是非理性因素的影响等,这些因素在动画情感设计的创意中是随机的,也是至关重要的情感突发体现。事实上,这些因素的出现很大程度上是建立在设计师个人修养、经验累积以及情感爆发等综合基础上的多元整合。遵循动画创作的本质规律,注重动画片情感设计的传递与体验,回归动画创作的初衷。动画片的成功,正是源于对动画创作中情感传递与体验的不断探究与挖掘。
注释:
①邱晓岩,孙慧.中国当代动画发展的成长缺失
[J] .文艺争鸣,2012(3).
;2. 第六感生死缘电影深度解析
《第六感生死缘》讲述死神化身成乔·布莱克,去探寻媒体大亨威廉·帕里什的生活,在此期间与其女儿苏珊·帕里什坠入爱河,饱受人间七情六欲煎熬的故事。
影片中的“生死缘”是整部电影的骨肉,也是整部电影的灵魂。大量的慢镜头特写聚焦在比尔的表情上,聚焦在苏珊和乔的脸上,看似温和、平缓,却蕴藏着令人内心波荡起伏的浓烈情感。面对“生死缘”,这是一种异常细腻的情感表达方式,这是一种只有从灵魂深处才能体现出来的唯美之爱。
死神原本是一个冷酷无情的角色,但化身成乔现身人间后,却慢慢地理解了人类感情。与比尔相处,从两者的较量,到和解,到建立友谊,让人感到死亡并非想象中的那么悲戚;与苏珊相爱,让人明白爱是一种责任、一种承担,包括成全他人之美,包括离弃今生情缘。
特别是在比尔生日的那晚,曾自私地决定把苏珊带走的死神乔,却在宴会场外的草地上踽踽独行,望着满天烟花绽放,他眼含泪光,暗自神伤。这一场景,在死神乔的身上注入了一种扣人心弦的人文魅力,却又显得那么真实和自然。
而比尔,在影片中担当了一个十分厚重的角色,他是“生死缘”故事的引子,是真正的主骨,他对事业的承担和对家人的疼爱,他从恐惶不安到战胜恐惧到从容赴死,都是以一种独特的人格魅力推动着剧情的进展。即使死亡的话题如此沉重,但在比尔的变化中,一切让人不再难以承受。
“生死缘”,当然离不开本片的女主人公苏珊。她在整部影片,就是一种美的化身。作为一个典型的白富美,苏珊有一双深邃而明亮的眼睛,既高贵典雅,又纯真善良,影片中大部分异乎寻常的唯美镜头,就是来自苏珊。
这是一种让人不忍伤害的美,这是一种注定被呵护的美,最后连死神都选择放手了,把自己所附身的真正的乔——那个在咖啡店与苏珊美丽邂逅的乔,归还给了苏珊。
通过“生死缘”,影片凸显了主人公们在面对生死时那份情感的纯粹和简朴,还有爱的伟大。即使是比尔的大女儿艾莉森这个普通角色,她任劳任怨的宽大心胸,她对亲人真挚热烈的爱,也给影片营造了不少感人氛围。
3. 如何赏析一部电影赏析电影时要从哪些方面去理解电影所要表达的内容呢
正所谓,看电影,所以当然是从“看”,眼睛开始。动作片,那就紧紧的盯住他们的动作,情节片,那就要看他们的表情。但是,还要看到一点,那就是他们每个人物心。看上去很深奥,可其实并不难。电影为了表达出人物,演员们都会把表情尽可能的真实。好的演员,会把那个人物塑造得就像你身边一个朋友一样。通过他们的表情,就可以看得出人物的内心。是痛苦?挣扎?还是开心?幸福?跟着人物的内心,一起体验电影的精彩,是再美妙不过的事了。
2
电影,不仅仅只是想让我们看,还需要我们听。倾听什么呢?配乐,人物说话的语气,还有出现在其中细微的声音。配乐可以说是一部电影的一大亮点,(比如宫崎骏电影中就出了很多大家都很喜欢的配乐,也让我们记住了久石让。)配乐,主要为了烘托气氛的,成功的电影中成功的配乐,总能带着大家一起进入电影,配合着人物说话的语气,混合出或者悲伤,或者搞笑的情境。
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我们要带着我们的心去看电影,说的高雅些,就是欣赏。看懂了情节,听着音乐,了解每个人物的心之后,总会有一些感慨。走马观花的同志会评价这是部好片还是烂片,而真的用心去体会的,会从电影中的人物看到一些社会现实,或者——自己的影子。也许是自己从前的梦想,也许是和其中某个人物相似的生活经历。接着——会感情汹涌。那看电影的目的就达到了,给我们有些麻木的生活一些波澜,一些感动,或鼓舞,或安慰的情感。记住一些事,忘记一些人,然后轻装信心满满的继续生活。
4. 中国医生这个电影表达出来什么情感
《中国医生》这部影片再现了2020年初的那场疫情,这部电影承载了许多东西,有生命的脆弱,有人性的伟大,有战士的勇敢,还有医生的责任,演绎出了世间最美的情感,电影中也无处不体现着中国力量。
3、这部电影不仅仅是讲中国医生伟大的抗疫精神,侧面反应了中国力量的不断强大。
我们都知道在最困难的时候,武汉床位不足,物资急缺。是国家往武汉派人送物,缺实物,全国各地的食物都通过一列列火车、卡车运往武汉。这也反应了国家力量是多么的强大。最后,我的感触就是《中国医生》是我今年看过最令人感动的电影。影片中的那些真实的情感,让我感动的同时,也让我明白世间所有的感情都要建立在真心的基础上。
5. 电影《城南旧事》意境分析
一、电影意境综述
意境一词多在中国古典诗、词、画等传统艺术中被提及,是指一种情景交融的境界,是主观情感与客观景物相熔铸的产物。意境不仅以自然景物的意象描述为主,也融入艺术家的思想感情和美学情趣,且更侧重于主体的情感表达。艺术意境在情景交融中让人们领悟出无穷的“象外之象,景外之景”,乃至于某种说不清、道不明的深层意蕴。
电影作为一门综合艺术,也继承了中国传统艺术的这种情感表述方式,电影中空镜头的运用营造的是一种若有若无的朦胧之美,电影长镜头的纪实化拍设构建的是一种不施不设的自然美,通过影视镜头和画面凝聚的作品主题是一种有限到无限的超越之美。影视艺术融导演之情于声画之中,以综合艺术语言塑造艺术形象、建造艺术意境,来阐释某种无法言述的艺术意蕴。
二、以《城南旧事》为例分析电影的意境
作为第四代导演的领军人物,吴贻弓深刻践行了他们这一代导演提出的“丢掉戏剧的拐杖”这一主张,打破以矛盾冲突为主的戏剧式电影模式,进行电影语言和风格的探索,以诗化的电影艺术语言进行历史叙述,表达人生哲理。《城南旧事》作为吴贻弓导演的代表作,全片洋溢着浓郁的生活气息和真实的历史感,是传统美学和现代电影语言的完美结合,具备了第四代导演电影作品的“诗电影”特征,整部影片在意境的营造上独具匠心。本文以吴贻弓导演的《城南旧事》为例,分析该影片的意境营造以其对于电影情感表达的重要作用。
1、文学式的分段叙事
影片根据台湾女作家林海音同名中篇小说改编而成,以时间顺序串联起小主人公林英子的童年故事,借以英子纯真的视角展示老北京城二十年代的整体面貌,也寄托了主人公淡淡的哀思和乡愁,传达一种人生处处是别离的意蕴。
散文式的叙事强调形散而神不散,作为散文式电影范本的《城南旧事》在叙事上采取串珠式的手法,讲述主人公英子从6岁到13岁之间的童年故事,影片中的三段故事分别是文学小说中的《惠安馆》、《驴打滚》和《爸爸的花儿落了》,第一段故事中,英子与“疯子”秀贞相识,和妞儿成为伙伴,并帮助他们相认,最终妞儿与秀贞死于火车轨下,英子也随父母搬了家,告别了小学之前的童年和伙伴。第二段故事发生在小学时期,英子认识了为供弟弟上学的小偷,和他成为朋友,最终目送他被警察带走,英子也小学毕业。最后一段故事,导演将原著小说中《驴打滚》和《爸爸的花儿落了》两部分融合到一起,选择以父亲逝去、宋妈离开为结尾,英子目睹宋妈失去自己的孩子的悲痛,以及父亲生病去世,经历与亲人的不舍告别,而开始真正长大。
几段故事看似是独立发展,但每一个故事的开始和结束都伴随着英子的童年别离和成长,共同表达“离别”这一主题意蕴。告别伙伴、告别不经世事的小学,告别亲人,告别愚而神圣的童年。整部影片对于离别和死亡的悲痛并没有刻意渲染,而是用缓慢的镜头和叙事节奏凝聚悲伤,既有生死无常的生命感慨,也有离愁别绪的无奈。
此外,独立的故事设置也从不同方面折射当时社会生活背景,进行平静地历史叙述,于个人小离愁之中展现国家大背景。这种处理有些虚淡甚至刻意隐藏,但却又在虚实之间让人忘却不得,愁云惨淡的社会现实从头至尾荣绕于观者心头,这也是已经营造的最常用手法,虚实结合,以虚显实,构建一种特别意境。比如,从影片开始就以英子的视角呈现父亲在家里招待学生,秀贞的丈夫被抓,北大学生在街上游行,母亲言语间的谨慎等,这些时代现状的处理不露痕迹,却有着一种内在张力。
2、无言胜有言的视听语言
意境源于人的感觉,视觉和听觉在影片中传达出重要的信息。比如,影片开头用空镜头呈现秋风中枯黄的野草、乌鸦,以及随着主人公的阐述,长城逐渐化出,镜头拉远,骆驼队走在城墙上,昏黄淡暗的北京城南在近景远景的交替中伴随送别歌出现,直接从视觉和听觉上将观众带入怀旧的、绵长的意境之中。
(1)长镜头营造“此中有真意,欲辨已忘言”的意境
影片中导演运用大量长镜头来表现胡同里的场景以及人物的心理变化,通过镜头的平缓摇移而非切换来营造一种不加修饰的、仿佛置身其中的意境。长镜头理论与蒙太奇理论相比,更强调叙事的连续性和真实性,达到了电影意境要求的自然真切,巧夺天工。
片中大量长镜头停留在秀贞回忆往事、宋妈失去孩子、英子告别小偷,这种大停顿叠加人物回忆,动静结合,虚实相映,营造“此中有真意,欲辨已忘言”的意境,产生一种内在张力,引人深思。在述说完身世之后,镜头停顿到妞儿与英子坐在屋里的场景,大远景逐渐拉远,长镜头渲染妞儿的悲惨身世,也营造某种悲悯氛围,使观众自然而然陷入思考,进而产生“移情”效果。而在目送小偷被抓走之后,英子坐在教室里上音乐课的场景中,镜头在英子脸上停顿,天真的眼睛盈满泪水,没有太多表情,也迟迟不愿开口唱歌,长镜头及特写镜头的使用,将小英子对于“什么是好人与坏人”的困惑,对于小偷朋友被抓走的愧疚、不情愿与不舍呈现的淋漓尽致。
(2)色彩呈现“发纤浓于简古,寄全味于淡泊”的意境
影片的色彩基调是怀旧风格的,没有强烈的色彩对比,城墙与胡同是暗淡的,人们着装是素淡的,这种色彩搭配真实呈现出北平二三十年代的灰暗惨淡的社会现状,为影片背后没有明说的社会背景营造一种心理氛围。而童年林英子,在落雪胡同的灰墙淡瓦间穿小红袄出现,与悲凉社会现实之间划了一条浅浅的线,以便英子用孩子的童真视角审视残酷的大人世界,又使得影片哀而不伤。
(3)道具营造情景交融的意境
此外,导演通过道具(意象)运用建构意境场景。意境一词,更多时候是一种表意空间的词,是一种通过周围景物营造出的场景。归巢的乌鸦,骆驼颈上的铃铛,古老的城墙,淡灰的胡同,吱呀的老水井和摇晃的水车,京味的叫卖,聒噪的知了,胡同里懒样洋交谈的人,蓝天红叶,这些意象的结合,构建了一幅真实的二三十年代老北京风貌。同时,以纪事化手法来完成意境的构建,没有刻意的渲染和剪辑,平实琐碎的生活镜头,打水、买菜、吃饭、逛庙会、上课、玩耍,生活似乎周而复始,时间却不经意间流逝,现实化的表达给予观者强烈的真实感,也形成了影片的意境表达。
(4)音乐营造情感升华的意境
音乐在调动情绪和延伸想象空间上具有独特作用,电影的主题思想、情感基调大多通过背景音乐表达。本片的主题音乐是《骊歌》,长亭送别的歌词与离情别意的曲调和影片主题相呼应,并在主人公英子每次告别过去时响起,起到划分故事段落和推进情感高潮的作用。妞儿与秀贞离开时,英子搬家的路上响起了送别歌,英子若有所思,而在小偷被抓走后的课上,英子没有再跟老师一起唱送别歌,一直到父亲去世、宋妈离开,英子对于离别这件事的感受不断清晰,影片没有直白说明英子在种种离别中的痛苦,而是通过音乐缓缓呈现这种情感变化,以音乐营造别离哀伤之境。
此外,影片中背景音响的运用也在意境营造上起到一定作用。比如,雷雨夜里英子得知妞的身世,把她带到秀贞家认亲,妞与秀贞相认后死于火车轨下,该段雷声、雨声,火车轨声,汽笛声,叫喊声掺杂在一起,既表达英子对伙伴的不舍,又将儿童的天真善良与成长中的纠结困惑缓慢呈现在观者面前。
(5)主观视角构建平实的人生五味之意境
影片运用主观叙述结构,从小主人公英子的视角出发进行故事讲述,以英子的主观感受来呈现二十年代老北京的人和事。在儿童视角下,即便沉重也是善良美好下的一种淡淡的哀愁,影片没有丑化任何一个人物形象,甚至是黑暗的社会现实也在英子的主观视角下被冲淡。
此外,导演以英子的视角提出很多看似很简单的问题,但最终却没有给出具体的答案,比如,为什么骆驼挂铃铛,为什么要枪毙人,我是不是你亲生的,什么是好人和坏人,宋妈的孩子为什么不自己带,这一点的处理像中国传统绘画中的留白,用大段空白营造某种绵长却意蕴无穷的意境,似乎能回答,又好像给不出准确答案,留给观者无限的遐想和思考。
3、重复蒙太奇建构的内在张力
一部电影作品大到影片的整体风格,小到每个镜头细节的表达都可以建构意境,《城南旧事》不仅整体上表达淡淡的人生何处无相遇,转眼天涯是路人的愁绪这一主题,在画面、音乐、剪辑、叙事等艺术语言的运用上,也是彼此相映,共同为这一主题构建整体意境。本部影片中,导演在重复蒙太奇的使用上有着独到之处。比如,井台打水的镜头,在影片中重复出现了四次,而每次的出现都几乎内容相同,似乎是平淡无奇的日子,但也记录着时间的流走。最后在妞儿和秀贞出事的那天,英子知道了妞儿的身世,水井依旧是那个水井,但是时间已经是夏天,聒噪的知了声和干涸的井槽营造一种异样的氛围,预示着妞儿和秀贞的悲剧。而林英子的眼睛在影片中也是多次重复,英子童真的眼睛贯穿着故事的始终,镜头从不同角度将英子眼里的懵懂、开心、好奇、疑惑、悲伤表现出来,呈现英子的善良真诚,机智勇敢,敏感多思的性格,也借由这双眼睛表达着全片的故事背景和情感。
除了以上两个意象的重复剪辑,影片中宋妈眼角的皱纹、学校放学的场景也都使用了这种艺术重复。在内部节奏上,影片中多次大停顿(比如,在呈现妞儿的身世、秀珍在封建礼教下的爱情、宋妈作为传统女性的宿命等)和多次送别歌响起,这些细节上的处理,都与影片整体想要表达的复杂情感相交织。
三、总结
“不思量,自难忘,半个多世纪过去了,我是多么想念住在北京城南的那些景色和人物啊……”
导演在影片开头就将离愁别绪、思乡之情以散文式的旁白呈现出来,为整部影片的怀旧意境做了铺垫,与结尾处红叶漫山,骊歌响起相呼应。电影台词的散文化处理和背景音乐的古典化编曲共同起到意境升华的作用。全片以平缓的镜头语言营造了一种诗意的散文诗式的怀旧气氛,呈现既愚笨而又神圣的童年,抒发可意会不可言传的思乡情,情感沉而不烈,浓而不腻,绵绵而不绝,哀淡而不悲伤。在影片的镜头和叙事上,自然真切,巧夺天工;在场景建构上,呈现出的是情景交融的意境之美,景非单纯的景,情非单纯的情;而在情感表达上,处理的含不尽之意于言外,言有尽而意无穷。作为意境电影的经典作品,这也是《城南旧事》一直深入人心之处。
中国电影在意境的构造上继承了中国传统美学的思想,因此更具东方古典韵味。作为综合艺术,电影通过丰富的意象选择、综合的艺术语言,建构象外之象与味外之旨,让观众从镜头中感受到画外之意,境外之情。而中国导演对于电影意境之美的追求和实践从最初的《渔光曲》到第四代导演的《城南旧事》,再到今天的《卧虎藏龙》也一直没有停止。
6. 「电影+」失语与疏离——王家卫电影中的情感世界
某些迷离的幻象和灰冷色调下摇曳着的暖意灯光,是王家卫用来使城市中的情感,在其镜头下显影的药水。
昏暗的灯光,一张床。一台写字桌,一面墙钟。传出低沉旋律的老式留声机,和一个执迷不悟、自恋成狂、孤独寂寞的人。
情感就在其中发生,在其中表达,也在其中死亡。
现代情感在王家卫的影像世界里,是一个自伤继而疗伤的暧昧过程。在他的电影里,情感是人们患上失语和疏离症的因由,也是一种盲目信仰着的救赎方式。
【自虐】
香港作家李照兴对王氏电影曾有一段评论:颜色是灰黑白,声音是沉默,风格是简约;诱惑在于神秘,原因是遗憾;过程是自虐,目的是自保。
如何体悟和感受这样一个“自虐”的情感世界呢?
王氏电影中的角色,彼此隔绝,却又带着各自的黑暗彼此相近,以图探寻出乱世中一点光亮。可知普世浮华,动心不过弹指瞬间,长情却是需要修炼的技艺。一旦爱,便是苦征,便是自虐。
2046号房间里,王菲踩着高跟鞋呢喃,伸出左脚被663捧在手心,念着“一起走吧”。一起走吧!可再怎么走,都走不出寂寞的十里方圆。再怎么走,看见的依旧是陌生脸孔,靠着的依旧是冰凉脊背。
痛失爱,而选择不断奔跑的男人,穿旗袍,在楼提前寂然微笑的女人;一罐罐买着凤梨罐头的男人,踩着高跟鞋看到不一样风景的女人;布宜诺斯艾利斯瀑布下独身仰望的男人,坐在售票柜台后等待一分钟交谈的女人……
他们如同迷恋伤疤一样迷恋着这个世界,用力或不用力的都在爱。
【悲观】
张爱玲曾对中国旧文学有着这样的谈论:“细节引人入胜,而主题永远悲观。”这同样适应于评论王家卫电影里的情感。
他用细节组织构成一个低调的情感世界,也用细节表达了他情感世界里悲观的主题。
低矮楼房,高陡的楼梯。晒着太阳的旧藤椅,挂满衣服的墙,放着烟盒的木桌。雨水,途中、梦中的加州阳光。小资情调的女主人公抱着黑色背包蜷卧在沙发上,眼神疏离。男人在小酒吧的酒桌前,对着录音机低声哭泣……
所有的细节都在沉默中带着一种自持的美好,冷色的大氛围中又环绕着一种暖色的温情。
物质本身没有情感,却在失语的形状里有股沁人心肺的亲切。这些身边“死”着的事物,却有“活”着的美。它们无意的,在导演的存心里,以一种抗拒的姿势拥抱着现世里的冷暖人情。它们用具体的物状的自身,在王氏电影里演变成情感,流动在角色的眼神和手势中,传达着导演回忆里缓慢而纤细的情愫。
美的东西,亦有其无法抵消也无从探明的脆弱,所以必定悲伤。王家卫用细节编织成一张悲情的网,网住纸醉金迷、歌舞言欢的世界里,那些游动的感伤。
我们或许要猜测,他墨镜底下那双眼睛,究竟看过多少世事无常,才有这样一个广袤的悲观情怀,来演绎人心的沧桑和城市荒凉。
可猜测只是我们无法接近时的一种幻想。
【冷漠】
王家卫的电影中,人物的对话并不多,反而是画外音,连绵成片,不绝于耳。那些独自的低语加上配乐,结合成一个缠绵、缱绻、魅惑、追忆、期盼、暧昧、迷人至死的情感氛围。
一些自言自语仿佛参禅,指引了一条在内心困顿时,走出冷漠世事的归途。
人与人之间的冷漠疏离,至使你我之间已经没有太多交谈的必要。即使对你微笑,背后也可能躲着恶毒。
电影中,那些画外音,如同梦境里时时敲响的远钟,诉说着爱情里的乏力和无可奈何。表达了导演黑白灰的影像世界里,沉默不语、彼此隔绝的情感态度。
所以,不管彼此心中多需要温暖,也只会越离越远。因为都清楚:我要的是怎样一种生活。
现代人目的明确,情感成为奢侈品摆进华丽橱窗,供人欣赏。却有一层玻璃隔开,看得见辉煌,却少有人消费得起。
于是,“不知道什么时候开始,我变成一个很小心的人,每次穿雨衣的时候,我都会带太阳镜,你永远不会知道,什么时候下雨,什么时候出太阳。”
现代人在失语症和疏离症患病状态下,做出许多病态的自卫动作。感情,在现代人眼里,比水高尚不了多少,而《东邪西毒》里面讲:水是越喝越寒的。
《旺角卡门》里有一句台词:因为我很了解我自己,我不能对你承诺什么。于是情感成了摆设,不能给予温暖。相爱变成无望的挣扎,最后还是要孤身一人,守住清冷人世,独自行走,冷暖自知。
如同《阿飞正传》里那一句:既然她不给我机会,我也一定不会给她机会。
人人自卫,却从不想张开手去拥抱别人。情感桎梏,从此患上冷漠病。
【爱情】
爱情不能以传统的数学公式计算。它是一场男女之间,全力以赴却惨冒粉身碎骨危机的铁人拉锯赛。任何承担爱情之名表述的一言一语,终由浓烈而值得细想的真心话,化为苍白而虚假的谎言。
王家卫在影片中表达了一种“置之死地而后生”的爱情态度,现实的残酷与内心向往时时对抗。人们深陷其中,挣扎着想要找一条出路。在遭遇各种打击后,或许真会在某一个转角看见不一样的景色。
他用影像打造了一个低调、悲观,充满迷惘的爱情世界,用一种艺术的方式将我们逼上情感的绝路,让我们在唏嘘感叹后,以全新的眼光来体味现实生活,让死去的真情和温暖,复活在你我身边。
用失语和疏离的影像世界,打开一个通往异处的入口,或许就是人情复归的道路吧。
王家卫的电影一向善于渗入人类的情感空间,分析人类的情感世界。自《阿飞正传》的不落地鸟,《东邪西毒》里欲忘记过去的情感挫败,而甘于自我流放的欧阳修。《重庆森林》里,害怕正面面对爱情,而偷偷闯进其暗恋者的世界里的阿菲。《堕落天使》里,无奈地承受干枯情感的孤独杀手,《春光乍泄》里离合不定的黎耀辉与何宝荣。以及,《花样年华》里与隐藏的另一半攀谈的一对未婚男女,均是寂寞流离的失语者。
他的高明之处就在于,他站在影像之外,叙述和制造了这样一个让人痴迷又深陷其中的爱情世界,把我们的情绪控制在他的不动声色中,我们却无法靠近他。
渺茫浩瀚的电影,折射着人生的影子。快速滑动的35毫米胶片,原本是如此的单调,是那一个个美妙的爱情故事,让我们一次次地感动,洒下欢声,流下泪水,呼吸梦想,使我们在冷漠的世界里变得更加坚强。
然而,电影只是簇簇光的影子,爱情从开始到最后,也只是飘渺的憧憬和回忆。也许,爱情是儿时的童话,永远的梦想,是真得让人感动过,也平静过,爱过,也恨过……
人生常变,只有电影还在用光,诉说着一个比一个美丽的爱情故事。
7. 动人情感与现实的交织——浅析电影《和你在一起》
动人情感与现实的交织
——浅析电影《和你在一起》
① 对历史文化探索的第五代导演陈凯歌,在《和你在一起》中展示了身处大时代的发展下不同阶级生活画卷。用动人的情感映射出了尖锐的现实问题。在柔情与尖锐之间的流转描绘中,使得该影片动人心弦的情感与现实生活问题,成为该影片增添光彩的一大亮点。
②《和你在一起》通过讲述了刘小春在钢琴的求学路上所遇到的人和事情,从而以三条感情线串起了故事。刘成和刘小春之间的父子感情线,江老师余教授的师生感情线以及因刘小春身处青春懵懂时期而偶遇的莉莉也在后期慢慢变成了一条似朋友但更多像是刘小春缺失母爱的感情线。以情讲述故事,以现实生活的残酷作为感情一步步升温。导演陈凯歌使情感与现实进行了真实而自恰的融合,没有超现实主义的色彩,符合客观现实的故事情节也更能表达出导演对于当代现实生活中的反思。
③影片中导演刻意安排“江老师”成为第一任老师,其实也是导演在尊重客观现实的基础上,结合刘小春和刘成的所处的生活环境所给予的人物出场设置,并没有直接让余教授直接成为第一任老师,这一人物出场的设置也展现了导演想要在影片中反映的社会现象问题,但导演却也用了诸多的真善美情节故事做了修饰。
④因此“江老师”作为故事讲述的重要人物的出场也在导演精心的设计下运用俯拍加摇镜头把一个不拘一格的形象生动刻画出来,而紧接着镜头一转以一个全景和移镜头把江老师的“边缘化人物”进行深化。以刘成的窥视镜头进一步展现了“不修边幅”的江老师的形象以及后面对江老师家的环境,与邻居之间相处等一系列事件都活灵活现的把江老师的“边缘人物形象”变得更加立体化。江老师在影片中就象征着现实生活中虽然有才却不愿与世俗同流合污,只想保持着对自己心中音乐纯粹的追求。但却在最后也因为自己对于音乐的热爱和对刘小春这样一个人才的爱惜,一改以往不修边幅,邋里邋遢的形象,给刘小春上了最后一课。更是导演在浅层的故事层面赋予了在现实生活中即便是如江老师这般边缘化的人也不得不因为现实问题和对刘小春真切的爱而做出妥协的深层含义。
⑤余教授的出现无疑是影片的一大转折点,导演让占主流话语权的余教授和边缘化的江老师在刘成的选择中进行了一个间接对比。如同余教授一般的占有主流话语权的人,通常会成为人们视野的中心人物。但导演却在余教授身上也加上了爱才的性格,因而使得整部影片的情感基调偏向于温暖。导演刻意安排厕所的第二次场景正是和江老师第一次厕所出现的场景形成了对比,江老师开口嘲讽小提琴黑幕,而余教授虽知自己徒弟水平下降可仍然还是会逢场作戏。两人虽同样爱才,却仍然是两个不同的个体。面对刘小春的才,刘成的殷切期盼,占有主流人物话语权的余教授相比江老师则更显得有力。但两者最大的共同点都是希望这个天赋异禀的小孩能够成才,成功,所以不管是江老师还是余教授都是用自己的真心去教导刘小春。伴随着美好情感的一方面,可另一方面现实带来的问题永远都无法躲开,最终还是主流人物占了话语权。
⑥导演陈凯歌在《和你在一起》这部片子虽然没有极大的矛盾戏剧性,大都是极其细微的矛盾,可也正是因为这样,才让这部影片在动人的情感与现实的交织中也让人感受到了生活的美好。无论是父子情,师生情,以及莉莉的母爱情。都是人性真善美的体现。巧妙的还有结尾处的设置,因为在最后导演也没有明确给出到底是在成才和成功之间这对父子选择了哪一方,而是以一个温情的拥抱剧终。现实生活中,许多的人也面临同样的困惑,但每个人的选择都不一样,因而《和你在一起》的结局也是对于现实生活中的开放性结局。
8. 钢琴在电影《钢琴课》中的叙事功能与情感表达
本文以影片《钢琴课》中的器乐钢琴为切入点,分析钢琴作为非文字性电影语言展示的叙事策略,以及迈克尔·尼曼的简约主义配乐作为一种客体表达,如何呈现不同主体的情感世界。
一架来自文明社会的钢琴,经历了海洋的波涛汹涌后与粗糙原始的新西兰森林擦出了有关情欲和自我超越的火花。精于细微实验乐风的迈克尔·迈克尔·尼曼在为影片配乐时,减少了他浓厚的简约主义(1)风格。除了风格化的简约笔触之外,为了掩盖一种机械式的重复曲调,每一首乐曲都被加重了音乐中的旋律感[1]。以当地民谣及流行曲作为片中音乐的基础,艾达在电影中弹奏着行云流水般的抒情琴音,叫人沉醉当中。作为影片极力渲染的意象,钢琴与哑女艾达的命运紧密相连。遗落在新西兰海岸的钢琴,就如同被男权社会遗忘在文明边缘的艾达。随着钢琴被搬到了贝因斯的家中,艾达的心也逐渐落在了贝因敏局斯身上。琴键与断指,沉琴与跳海,新生与新琴……围绕着这架钢琴的自我救赎就此展开。
“你听到的声音不是我的说话声,而是我脑海的声音”。影片《钢琴课》开场的镜头即是艾达从捂住双眼的手指缝里去窥探和审视这个世界。用一个苏格兰小女孩的画外音,艾达诉说道,“从我六岁起我就没有开过口。没有人知道为什么,我自己也不知道。”紧接着画外音继续自言自语,将观众的目光带向了她的挚爱珍宝——钢琴,“奇怪的是我并不觉得自己是沉默的,因为我拥有我的钢琴”。 于是就算父亲毫无商量地将她远嫁去新西兰,没有选择权的艾达也能在钢琴中获得平静。黑暗中艾达的后背定格在画面中央:一身黑色的维多利亚时期长裙,一架黑色钢琴,连同黑暗的房间一起被展在高反差布光中,这样的场面调度给人一种强烈的压迫感。但她的手指一碰触到充满灵性的钢琴,那包围着艾达的令人窒息的黑暗和压抑就立刻被充满自由意志的钢琴曲一扫而空。
如果说艾达的沉默反映了对无所不在的男权压迫的反抗,那么她的钢琴就是一个闸口来释放她所有的愤怒,并为她保留空间坚持真实独立的自我。影片最开始的这种沉默压抑与声音爆发的对比,暗示了艾达沉默背后潜藏的力量:她是拥有主体性的个人,能自由地决定自己是否开口,如果开口将说些什么。从这个意义上来说,艾达的缄默不语是从符号层面反抗男权社会符号秩序的行为[2]。她抛弃了男权社会的所有语言,用通过弹奏钢琴表达和主张自己的方式保持自己的主体性完整不受侵犯。所以,当艾达与她的陪嫁物品被粗暴的白人水手扔在海滩上时,她拼命透过钢琴挡板去触摸琴键;当艾达的钢琴被丈夫暴力剥夺时,我们看到她在刻满琴键的餐桌上忘情演奏。我们也看到她为了钢琴与贝因斯做见不得人的肉体交易,在钢琴课上跟他讨价还价。她是沉默的,但透过钢琴,她又在言说一切。总之,她做了所有的努力来保存这点可以区分她的沉默的珍贵的主体性。
也是钢琴,让贝因斯爱上了艾达,帮助艾达实现了自我超越。艾达心爱的钢琴被丈夫无情地抛在岸边,她找到邻居贝因斯,表达自己想去岸边看一看钢琴的意愿。贝因斯在多次拒绝之后,被艾达的执着打动,带着母女二人来到海岸边。看着艾达深情忘我的演奏,贝因斯对艾达的感情由此而生。艾达的意愿第一次在男性那里得到尊重和满足。在此之后,贝因斯用八十亩地向艾达的丈夫斯图尔特换来了这架钢琴。然而易主之后,贝因斯所提的唯一要求即是他只听不弹。面对已经调音完毕的钢琴时,艾达深感意外,这是她第二次拥有这种被尊重的感觉,而丛携贝因斯只愿听不愿弹的要求,使得艾达不再是独自弹琴,而是得到欣赏与倾听。这个一直以来表达艾达内心独白的钢琴,第一次得到了除了艾达之外他人的回应。哑女艾达的自主性再一次在贝因斯这里被找回。艾达就在这被贝因斯主导的、互相平等又掺杂情欲的交往之中对贝因斯心生情愫,直至被丈夫发现二人的奸情被砍断手指,也丝毫不能动摇自己对于贝因斯这个给予她尊重和倾听的男人的爱恋之心。
影片最后,当贝因斯与艾达选择离开之时,贝因斯做出了与斯图尔特这个男权社会标志性的产物完全不同的举动,他坚持一定要带上钢琴一起乘船,并最终尊重艾达的选择将钢琴丢进大海。艾达的自我也随着钢琴的沉落海底而获得重生:她的话语权不再需要钢琴这个载体替她去表达,她本身的自我桥郑让已经可以得到尊重。艾达的主体性,伴随着《All Imperfect Things》缓缓响起,终于可以脱离钢琴这个载体,获得完整。
在艾达到达新西兰的第二天,身着西装的斯图尔特带着一支衣衫褴褛的迎亲队伍到海滩迎接自己心中的女神缪斯。等到艾达缓缓从帐篷中走出来的时候,注重外表的斯图尔特对于艾达的外在是极其失望的,这种失望就迁怒到艾达众多嫁妆中最累赘的钢琴上。为了维护尊严和权力,斯图尔特严词拒绝了艾达“什么都可以不要,只希望带走钢琴”的恳求。钢琴在这里象征着一种话语权,斯图尔特命令佣人丢下它,实际上是在向自己的未婚妻艾达宣布自己的绝对控制权。
这个男人不知道的是,从他对象征着艾达另一个自我的钢琴不屑一顾甚至加以嘲讽的那一刻起,他就注定无法占有艾达的心。斯图尔特不能理解伴随着画外音乐《The Promise》响起,艾达凝视山谷之下的钢琴时眼里流出的绝望与悲凉;不能理解艾达在木桌上刻下琴键的奇怪举动。影片的尾声,当斯图尔特发现艾达再次辜负了自己的信任,击碎了自己作为一个男性的尊严时,他难忍胸中怒火地手提着斧头冲下山坡。《The Sacrifice》如暴风骤雨般倾泻,随着斯图尔特脚步的临近愈加充满紧张与不祥。艾达被砍掉手指的一段,钢琴曲始终悠扬清澈的,如同雨中飘零着的风声。配合这样的空灵,却是艾达徘徊在倾盆的大雨中,尽管她极度克制面部痛苦的表情,然而在这样的克制下却是无尽的惨烈和震撼,触目惊心。
与艾达的沉默相比较,电影中贝因斯的沉默更加隐晦也更加难以察觉。从贝因斯的刺青纹和他同毛利人的交谈中,我们可以得出他毛利人的身份。但是当斯图尔特处于一种欧洲中心主义的自满情绪,并被一种对“落后的”当地人的统治逻辑所支配时,贝因斯的价值体系是不被重视和倾听的[3]。因此,他无法拒绝艾达提出想要去新西兰海岸弹奏钢琴的请求。艾达倾心弹奏的《The Heart Asks Pleasure First》弥漫在咸湿的海风,贝因斯就在那时对同样不被男权社会重视和倾听的艾达产生特殊的情愫。短暂的午后,沉默的艾达因为钢琴得到救赎,沉默的贝因斯因为艾达得到救赎。贝因斯看似愚蠢地用自己的八十亩良田交换了艾达钢琴的所属权。导演简·坎皮恩将贝因斯和艾达感情线索的发展推进在仅有的次钢琴课中。
1.得知钢琴和自己都被斯图尔特擅自出卖之后,哑女艾达是愕然震怒的,却被同样怒不可遏的丈夫以“一家人总要做出牺牲”的理由终结争吵。但是第一次上门之后,艾达发现贝因斯十分重视自己的钢琴,为此花了高价请专业人士调音。艾达在明确贝因斯只听不弹的意愿后,用这架钢琴弹奏了简单的音阶。
2.《The Fling》的欢愉中,贝因斯身不由己地抚摸上艾达洁白纤细的脖颈。意识到自己的唐突,贝因斯和艾达达成了这样的触摸用一个黑色琴键交换的协议。
3.昏暗的木屋里,贝因斯久久凝视着醉心于《Big My Secret》之中的艾达的背影。在她走后,赤身裸体地抚摸着钢琴,不知如何释放这种情感。
4.仍然是在这曲《Big My Secret》中,艾达掀起了自己的裙子,裙摆下贝因斯用自己粗糙污垢的手指摩挲艾达丝袜破洞下光洁的肌肤。
5.被族人调侃之后,贝因斯提出了更过分的要求。在已经脱下外衣之后,艾达用一段明显杂乱无章的旋律宣泄自己的不满与恐惧,打消了贝因斯更进一步的念头。
6.艾达在观看舞台剧《蓝胡子》时假意与斯图尔特亲密来刺激贝因斯。在这一次的钢琴课上,贝因斯用十个琴键交换两身赤身裸体相拥的机会。
贝因斯的内心充满了矛盾与挣扎,他决定终止这场借着钢琴课的名义来满足自己情欲的肉体交易。但是此时在艾达的心中,贝因斯的突然缺席带给她的是无尽的失落和空虚。顺着《Lost And Found》的乐声,艾达的眼光望向森林深处的木屋,和那个在她心间掀起情欲波澜的男人。在脱离了钢琴课师生的关系后,艾达奔赴心中的爱人,于钢琴曲《The Scent Of Love》中,两人的情感得到升华。
《钢琴课》是一个关于在沉默中发声的故事。为了要让一切沉淀下来,导演简·坎皮恩把故事发生的环境设置在一个幽闭荒芜的海岛。遥远空旷的新西兰海岸上,没有声音,只有旋律,每一个人都在默默地饱受挣扎变做无奈之后的煎熬。对于女主角哑女艾达而言,这种煎熬向观众所展示的,不是世俗意义上女人与男性权力的对抗;而是一个内心独立、能够在精神上自足的女性,在自身生存环境和精神世界的冲突中寻求平衡,经历多重挣扎之后,终于获得内心的平静,与现实达成和解的过程。
(1)简约主义:简约主义的称号最初来自绘画与雕刻艺术,又称为“极简抽象艺术”。音乐中,也有一种称为简约主义(Minimalism)。简约音乐有不同的称呼,它又被称为复奏音乐(repetitivemusic)、原声音乐(acousticalmusic)及冥想音乐(meditativemusic),每种名称分别说出不同简约主义音乐家在音乐上的不同取向。可以肯定的是,简约主义音乐家都一致有意识地要对抗传统以来教条主义下的十二音阶体系作曲技法,他们更着意在音乐上的回旋反复设计,强调韵律与节奏。
[1] 罗展凤.电影×音乐[M].北京:生活·读书·新知三联书店,2005:247-248.
[2] 赖丹.浅析《钢琴别恋》中的女性视角[J].电影评介,2011(22):68-69.
[3] 李亚苹.沉默的艾达与被消声的毛利人——从简·坎皮恩的《钢琴别恋》谈起[J].电影评介,2013(20):35-39.
9. 电影的情感表达手法方式
这有很多方面啊,可以从屏幕的宽窄,布景,剪辑,镜头的类型,是否违背摄影基本规则,场景的光线,色彩的调度,舞蹈,音乐等角度出发,更直白的就是剧本和演员。比较深刻一点的电影都常会使用象征意义的手法,从观众的第一直觉入手,不过那种电影导演的个人感情色彩都会太浓重了,票房不会很棒,而且很多地方只有刻意去看的人才能看懂象征意义。举几个例子。比如,违背了摄影180度鸟瞰的规则会加重了场景的混乱感以及观众的焦虑,在混乱或痛苦的场景里加上轻快的音乐,会使镜头缺乏真实感,用俯视的镜头会显得主角无害又渺小,相反的,仰视的镜头则会突出人物的高大威猛,为了刻画和突出人物形象,有些导演不会让观众看到主角做出某些可能会破坏主角在观众心中的形象的事,而采取暗示或象征的手法,这样便保存了电影的完整性。等等我就不说了。
我想楼主问的应该是古典主义的电影吧,现实主义的电影基本没有情感,而形式主义的主题蒙太奇又过于个人化。我觉得古典主义电影要表达的情感就像初中生学的课文的中心思想一样,简单直白,但拍电影就是个复杂的工程了。好导演应该就能拍出好电影吧。我是这么想的。
我好像有点跑了。
我没看过哈姆雷特,只看过简介。