有源音乐电影作品分析

❶ 以一部电影为例子,介绍音乐在电影中的作用

评析《勇敢的心》电影音乐

澳大利亚著名影星兼导演和制片人梅尔•吉布森的影片《勇敢的心》描写了苏格兰古代战争，是一部史诗巨片,长达三小时。该片最让我动情的乃是影片中的音乐。
音乐中运用了苏格兰民族器乐，表现出音乐的质朴、纯情动人。音乐激发了人们内心深处细微的感情变化，一段段优美的音乐更是催人心魄的让人感动，使人的心神驰往那一片神秘的苏格兰土地。18首音乐作品紧扣电影剧情的变化，无论是如华莱士私定终身的温馨场景，还是奋力搏杀的宏大战场，都用温情的苏格兰原驻音乐，或是回肠荡气的弦乐表现的淋漓尽致。以下就是从电影音乐功能的几个方面来分析《勇敢的心》的成功之处。
一、渲染气氛
（一）渲染地方色彩
伴随着深邃、宽旷、幽怨、荡气回肠、悲壮的苏格兰风笛，摄影机引导我们的视线穿越于苏格兰高地的如史诗般的景色之中：深蓝色的山脉覆盖着一层紫色的天空，天空的边缘点饰着粉红色的云彩；自远处看去，大大的鹅卵石自山巅渲泄而下，然后冲流入一片深绿色的草原；还有那到处分布的苏格兰湖泊，时时映照着穹苍的变幻。在一片宽广、黑暗的天空里轻吟着淡蓝色的光辉。音乐与画面天衣无缝的相反相成、润物无声，不留痕迹地交待了故事发生的时空。一段旁白又向观众说明了故事的发生的历史背景。短短的不到3分钟时间里，导演将画面、背景音乐、旁白有机地结合起来，创造了一种历史沉重感的意境。
（二）渲染环境气氛
威廉的父亲马尔康与哥哥走进谷仓，发现六十具尸体那一段。“麦克安德鲁斯……麦克安德鲁斯！”马尔康喊着。他们下了马。音乐渐起，约翰举起了一把砍柴用的斧头，然后走到谷仓的门口，把门推开。听不到里面有任何声音。这时阵阵的鼓声，伴随心跳的节奏，不禁让人屏住呼吸，一同感受他们那时的紧张。突然，一只鸟飞出谷仓，打破这一紧张的氛围。马尔康窸窣的脚步声，又一次紧张起来。原来是小儿子威廉就站在谷仓的门口，正往里面的尸体瞧。
威廉假意向杀死美伦的贵族投降那一场景，通过音画的完美结合，体现了情节的张力。几个骑马的士兵手持长矛在四周巡视。威廉骑着一匹高头大马出现了。音乐起。（慢动作）威廉策马缓缓向哨兵走来，马蹄踩着地上的泥浆（特写）；躲在暗处的哨兵悄悄尾随其后。音乐快，画面慢，镜头快速在威廉、士兵、杀死美伦的贵族之间转换。画面与音乐的不对称性，形成了强烈的艺术对比，从而营造了紧张、牵动人心的影响效果和画面的冲击力。（转为正常动作）突然，威廉从背后抽出一柄三节鞭，打向军官。还有一对比是环境声响与背景音乐声响对比，比如马的叫声，马蹄落地溅起泥浆的声音都被放大化，以动衬静。表现了威廉过人的胆识和超人的机智。都在这3分多钟场景中出色地表现出来。

二、抒发人物的内心情感
音乐就其本质来说，是最不善于表现视觉上可以把握的现实世界中有形的客体的，它的最大长处在于高度概括地表现人类最内在的心理体验，微秒丰富的感情状态。用音乐抒发人物的内心情感，更是电影借助音乐的主要目的。①
威廉在参加父亲葬礼结束后，迟迟不愿离去，这时参加葬礼的一小女孩走到正在啜泣的小威廉面前，手里握着紫色的蓟花要送给威廉。威廉的眼睛望着小女孩的双眼，泪水禁不住又一次流了下来，是因失去父亲还是被小女孩感动而流，我想，这两方面都有。这时候，背景音乐响起，深情而又富有浪漫、优美、哀怨的情调。从而表现出威廉失去父亲后的忧伤和两小无猜之间纯真的相互关爱之友谊。无论环境怎样恶劣，都不会阻挡住人们对爱情的渴望。
三、深化影片的主题思想
每一部电影都有它所要表达的主题思想。《勇敢的心》的主题是“爱情”和“自由”。电影中的各种艺术元素，都是围绕这突出主题思想而发挥着各自不同的作用。
例如一曲《Secret Wedding》，见证了威廉与美伦的秘密婚礼，没有语言，只有缓缓流淌着溪溪泉水和连绵的山峦。在这里，只凭借音乐就达到了深化“爱情”这一主题的作用。让我们在美轮美奂的美丽大自然风景之中体会他们缠绵、浪漫的爱情。
还有影片的结尾那一曲《Freedom》。当威廉使尽全身的力气，张大了嘴，用最后的力气高喊：“自——由！”的时候。镜头切换，史蒂芬痛苦地闭上眼睛……，伊莎贝尔也痛苦地闭上了眼……这是“爱情”和“自由”的主题都达到高潮。风笛以高亢的基调拉出了英雄的主题，威廉在生命的最后一刻看见了他日夜思念的美伦。这时两个主题交织在一起，音乐激情且激荡。
本片的背景音乐还有一大特点：音乐类型大部分为时空氛围型。导演通过富有特定的民族地域特点或时代特征的旋律，民族的、古代的或特殊的乐器音色，民族的、古朴的节奏，对影片整体时空氛围产生认同感。从而达到正如法国电影理论家让•米特里所说“它可以造就有利于从心理上接受一部影片的听觉环境，使观众适应一个梦幻世界，它仿佛把作品嵌入音匣之中，使影片与现实世界隔绝，还有利于感觉的迁移，而这正是希望观众做到的。”

❷ 电影音乐赏析那些经典电影中的音乐赏析

1、《beautyandthebeast》电影《美女与野兽》影视原声
《美女与野兽》是一个创作于18世纪的古老法国童话，原作者是Gabrielle-SuzanneBarbotdeVilleneuve。故事讲述了一个被施了咒语的王子变成了一个面目可怕的野兽，后来有一个美丽的女孩爱上了野兽，从而解除了魔法。这个故事早在1946年就曾被法国导演拍成过电影，1991年的迪士尼动画版本则更让它更加家喻户晓。
据悉，比尔·康顿（BillCondon）为迪士尼导演的这部《美女与野兽》还将从1994首演的迪士尼同名百老汇音乐剧中取材。后者根据动画片改编，剧中由艾伦·曼肯（AlanMenken）和蒂姆·赖斯（TimRice）创作的多首歌曲，都是动画片里所没有的。
2、《TheTwoTowers》为电影《指环王》影视歌曲
霍华德肖《HowardShore》为托尔金的《指环传奇》中获得巨大成功的第一部电影章节所作的音乐为他赢得了奥斯卡（Oscar）最佳原创配乐奖，这给了他一个惊喜，因为这部音乐有着雄心勃勃的规模和坚定的黑暗意味，这些因素轻易地模糊了典型电影幻想音乐和完成的音乐会作品之间的界限。
它的续集采用了同样的，通常是瓦格纳式的戏剧手法，按照电影的故事情节，进入了更加阴郁和不祥的黑暗角落。前一部由霍比特人启发而成的牧歌在这里被丰富的民族结构所取代，这些结构扩展了中土世界和人类世界的音乐范围；挪威小提琴哈丹格尔代表了罗汉和北非的瑞塔，为摩尔多主题增添了色彩；而圆木鼓、迪卢巴、木木琴和西姆巴隆则增添了迷人的纹理。在那里。乐谱中隐约出现的管弦乐云朵因肖尔出色的合唱作品而变得明亮起来，这部作品将古老的礼仪影响与伊莎贝尔·贝拉克达利安、独立流行歌手希拉·钱德拉、本·德尔·马斯特罗和伊丽莎白·弗雷泽的各种独奏曲相融合。”戈伦的歌曲《作曲家与抒情诗人弗兰沃尔什的最后合作》是埃米利亚娜·托里尼的后现代主义焦虑中的比约基，有助于突出故事的现代寓意。
3、《BreakingDawn》是《暮光之城：破晓》的影视原声
加州乐团Castaneda主唱VegaSchenk最新企划的普普风电气双人组TheBoomCircuits，其繁星闪烁般的电子乐音碎片，搭配有如DeathCabForCutie主唱BenGibbard的嗓音，给人惊喜的错觉。好像从清澈的吉他picking漫舞渐入至层层堆砌出的合成器浓雾中，然后又在沉沦迷走之后步出薄暮、迎接外头洒下的暖阳光束。

❸ 有源声音在电影中不仅仅参与叙事还可以干什么

还可以刻画人物。

声音的另一个重要功能，就是刻画人物的作用，我们可以从人物的对白中，了解到某个人物的性格特征，比如《理智与感性》中的姐妹俩，姐姐与妹妹是截然不同的性格，两个人的对白也完全展示了姐妹彼此不同的思想和性情。而独白更能体现出人物的心理活动，这是一个人物内心真实的声音，完全流露出本人的真实想法，用独白来表现人物特性是最明白不过的。

电影声源的种类分为三种形式：人声、自然音响、音乐。

一、人声

人所发出的由音调、音色、力度、节奏等因素所组成的声音以及人的话语。是人类在交流思想感情中所使用的声音手段。

二、自然音响

除了人声以外，在电影时空关系中所出现的自然界的和人造环境中的一切音响或噪声。有时群杂声亦起自然音响的作用。

三、音乐

从纯音乐形式转化而来的电影视听手段的一个组成部分，由于它被纳入了电影的时空关系之中，从而获得一个为纯音乐所不具备的电影空间，因此其性质完全不同于纯音乐。

电影音乐基本上分为声源处于事件或叙事空间的音乐和非事件或非叙事空间的音乐，前者如影片《城南旧事》中英子在音乐课上唱的《小麻雀》或《离别歌》，后者如影片《城南旧事》中片头出现的管弦乐队演奏的“离别歌”。

❹ 电影《花样年华》的音乐分析

香港著名导演王家卫是一位非常具有特色的导演，他的作品虽不多，但个个堪称经典。王家卫对音乐的感知极其敏锐，对音乐在电影中运用尺度的拿捏也十分到位，并且擅长利用音乐元素渲染氛围、推动情节发展、塑造人物形象。电影音乐的巧妙运用已成为王家卫的电影作品的重要风格，也是对其作品研究的重要内容之一。

一、王家卫电影音乐整体风格

音乐在王家卫的作品中已经超越了附属于电影的地位，成为电影本身的重要组成部分，其擅长利用音乐元素渲染氛围、推动情节发展、塑造人物形象。王家卫电影音乐的整体风格主要表现在三个方面：形式多，数量大，偏爱使用环境音乐。

王家卫电影作品中几乎包含了流行乐、摇滚、爵士、华尔兹、戏剧、歌剧等各种音乐形式，每种形式、各个地域、不同年代的音乐都能够被王家卫放进电影中，并发挥它们独特的作用和效果。

音乐数量之大在王家卫电影中的表现也十分明显。如影片《重庆森林》中各种音乐累计时长达48分钟，超过整部电影时长的一半。《东邪西毒》中的17首曲子也占到整部影片近50%的长度。

王家卫作品中还偏爱使用环境音乐。无论人物角色独处在家，或是在快餐店、酒吧、舞厅，都会有相应的环境音乐相伴，以此营造特定氛围，表现人物的心理状态。

二、电影《花样年华》中的音乐分析

影片《花样年华》是由梁朝伟和张曼玉主演的一个关于婚外恋的故事。该片故事情节较为简单，没有太多的曲折悬念，却斩获多项国际大奖，获得了巨大的成功，男主角梁朝伟也凭该片荣获戛纳国际电影节最佳男主角。影片的成功是多方面因素的综合，但其中独具匠心的配乐，是该片获得的成功的关键因素之一。

(一)“借来”的主题音乐

主题音乐是一部电影中最具代表意义的音乐，是影片主题的音乐表现形式。电影《花样年华》的主题音乐是借用日本导演铃木清顺的《梦二》中的插曲Yume jis Thene，该曲出自在亚洲电影配乐领域中久负盛名的日本作曲家梅林茂之手。这首曲子在影片中共出现7次，贯穿了男女主角的相遇、相识、相知、相爱的全过程，也是给观众留下印象最深的插曲。

Yumejis Theme是一首以g小调作为主曲调的大提琴协奏曲，曲子中大提琴的拨弦音强劲有力，极富节奏感和律动性，和圆舞曲柔美圆润的节奏相互交映，使得整首曲子的旋律更显复杂多变，神秘优雅，营造出一种蔓延整部电影的诱惑和暧昧的氛围。

陈太太和周先生成为隔壁邻居之后，在房东的麻将桌上不期相遇，这时他们只是普通的邻居。当身着旗袍摇曳多姿的张曼玉和帅气优雅的梁朝伟在麻将桌边擦肩而过时，导演采用了慢镜头的方式，并配上这首充满了暧昧情调的曲子，暗示了两人之间将要发生的感情纠葛。一段时间之后，男女主角已经比较熟悉，爱人经常不在家，他们都喜欢在楼下的面摊吃饭，陈太太买过饭回去的时候，就和下楼吃饭的周先生在楼梯口相遇，此时，音乐再次响起，画面依然变慢，并运用了蒙太奇的手法，表现了他们在相爱前虽有交集却互相平行的生活。音乐第三次出现依然是在狭窄的楼梯口，依然是在来回面摊的途中，这时他们都已经发现了爱人出轨的痕迹，却碍于他们自身性格和骨子里传统文化的约束，都没有勇气打破身份的界限，但彼此已经心照不宣。

在确定自己的伴侣已经出轨之后，在忧郁的音乐声中，两个人都露出了寂寞和无奈。在他们寻找自己的配偶开始婚外恋情的原因时，两人的关系迅速发展，变得越来越亲密无间，并且发现了共同的武侠小说情结，就经常在一起研究武侠小说，这段时间也是他们在一起最快乐的时光。房东的流言飞语又让陈太太对于和周先生的交往开始变得谨慎，刻意躲避着他。直至他们互相表白心迹之后，陈太太忍不住趴在周先生的肩膀上失声痛哭。最后，当世事变迁，花样的年华已经悄然流逝，缓慢而悠长的主题音乐再次响起，依然采用慢镜头的方式，音乐和画面高度吻合，表现出当时间如流水般从指尖淌过，曾经的真挚情感却依然在心底挥之不去，不免让人欷歔感叹、满心伤怀。

这首主题音乐贯穿于故事开始、发展、高潮、结尾的全过程，成为男女主角爱情发展的最好见证，也细腻真实地展现出男女主人公心理的微妙变化，渲染出暧昧忧郁的氛围，推动着故事情节的连贯性发展。在谈到为何要“借用”这首《梦二的主旋律》作为电影的主题音乐时，导演王家卫说：“我一听到《梦二的主旋律》这首曲子，就觉得它无论是在节奏上还是旋律上，都和影片《花样年华》十分搭配。因为这首曲子是个华尔兹的旋律，是周而复始的回旋曲，需要男女双方的互动，和电影中张曼玉和梁朝伟间的互动关系恰好吻合。”正是这首“借来”的主题曲，完美诠释了电影的主题，与影片的内容韵味、男女主角的表演都配合得十分默契，对电影的主旨和内涵起到了重要的升华作用。

(二)老歌《花样的年华》

在电影的结尾，男女主人公隔着一道墙各自独坐，收音机里传来周旋的老歌《花样的年华》：花样的年华，月样的精神，冰雪样的聪明，美丽的生活，多情的眷属……在优美柔情的歌声中，本就深陷怀情思旧情绪中男女主人公更加心事重重。电影镜头在二人之间缓慢来回平移，表现出他们在情感和社会的双重压抑下的苦恼和矛盾。当花样的年华悄悄溜走之后，只能选择将彼此的感情放在心底，保留着那份美好的回忆。

歌曲《花样的年华》是1946年歌手周璇在其主演的电影《长相思》中所唱的一首插曲。电影讲述的是抗日战争时期的上海，周璇扮演的李湘梅在战争中和自己的丈夫失去了联系，被迫沦为一名舞女，受尽了生活的折磨。在李湘梅一次生日时，非常感触，唱了这首《花样的年华》，表达了自己对美好生活、美满家庭、和谐社会的向往和对爱情的追忆。《花样的年华》这首歌曲在电影《花样年华》的结尾出现，主要作用有两个。首先，我们不难发现，电影“花样年华”的名称就是来自于周旋的这首歌曲名，说明这部电影要表达的主题就是对年轻时经历的单纯美好爱情的追忆，和歌曲《花样的年华》的主题和意义非常契合。在讲述完了男女主人公的爱情故事之后，将这首曲子放在电影的结尾，起到了画龙点睛的作用，揭示了电影的主题，引起观众对青春年华的思考和对如烟往事的回忆。第二，歌曲在电影中的出现采取了有源音乐的形式。所谓“有源音乐”，是指观众既能够听到音乐，又能看到音乐的来源(如该片中的收音机)，是叙事体内音乐的一种。这首曲子以有源音乐的方式出现，使得主题的揭示更具有写实性，能够给观众留下更深刻的印象，引起强烈的共鸣，也是对电影情节画面和人物内心世界更为真实完整的表现。

(三)《花样年华》中的戏剧音乐

影片《花样年华》中还用了京剧《桑园寄子》、粤剧《红娘会张生》、粤剧《情探》、评弹《妆台报喜》等戏剧音乐元素。笔者认为，导演选取戏剧音乐主要有两个原因。一方面，影片故事发生在20世纪60年代的香港，那时收音机中经常播放的京剧、粤剧等戏剧音乐广受欢迎，因此，戏剧音乐形式的选用是那个时代社会文化的写照;另一方面，电影主题涉及对自由爱情的追求和传统文化束缚之间的矛盾，运用戏剧等传统文化表现形式，也暗示着传统文化在普通群众中的根基还是很深厚，短期内突破传统思想的束缚有很大困难，这也是造成男女主人公爱情悲剧的最重要原因。

电影中虽然几次出现了戏剧元素，但是戏剧音乐的声音在片中被压得很低，断断续续，似有似无。这样既做到了不喧宾夺主，使视觉画面处于主体地位，又准确反映出传统文化思想已经式微的时代背景，突破传统思想的约束，勇敢追求自己的爱情的文化土壤已若隐若现。从这个意义上来说，影片中张曼玉的丈夫和梁朝伟妻子的出轨行为也有一定的社会文化基础。

(四)拉丁情歌和《爱的心境》

善于在影片中运用外国音乐元素，是王家卫电影的一大特色。影片《花样年华》中的外国音乐主要有：黑人歌手纳京高的三首拉丁情歌和作曲家迈克尔·加拉索的《爱的心境》。

三首拉丁情歌都具有很强烈的感染力，加上纳京高极富磁性又略带沙哑的嗓音演唱，为影片营造出一种既浪漫感人又忧郁伤感的基调，反映出男女主人公在爱情和传统道德之间苦苦挣扎、欲罢不能、矛盾无助的心理。观众即使听不懂曲子的葡萄牙语歌词，也很容易跟随着音乐的节奏进入一种无限伤感的失语状态。当音乐声随着主人公一句“如果有多一张船票，你会不会跟我走?”的爱情表白响起，巨大的苍凉和怅惘情绪侵占了每一位观众的思绪，使他们在音乐的旋律和动人的情节中彻底沉陷。

《爱的心境》是迈克尔·加拉索专为该片创作的曲子。电影的结尾，周先生在吴哥窟的墙洞中藏下了心中的秘密，并用一撮小草塞住了墙洞口，为他们的这段爱情故事画上了句号。整个过程都回荡着《爱的心境》的音乐，简单的拨弦伴奏和大提琴低沉的声音，正是主人公在经历了这场刻骨铭心爱情之后内心情感的倾诉和表达。观众在这曲音乐的旋律中看着男主人公以这种独特的方式结束自己的这段爱情，不禁为他们感到伤感和叹息。

三、音乐之外的启迪

通过对影片《花样年华》中音乐风格的详细分析，我们可以从中感受到导演对乐曲独具匠心的选择和运用在影片中达到的绝妙效果，也让我们更深刻认识了“王家卫式”的电影美学。这里的电影音乐，除了应用在影片中实现某种特定的艺术效果，还给我们带来了音乐之外的一些启迪。

首先，影片《花样年华》的成功，离不开音乐元素的有效使用，更离不开画面、情节、色彩等多种元素的有机配合。我们可以再次感受到，电影作为一种综合性很强的艺术形式，要想获得成功，需要在制作过程中把握好每种元素的作用，充分发挥每种元素的作用和意义，共同为电影主题的阐述服务。

其次，纵观电影《花样年华》中的音乐，无论是“借来”的主题音乐，还是其他音乐，都实现了音乐与视觉画面的完美组合，都是导演对现代都市人群内心精神世界敏锐捕捉后的精确再现。让我们通过这么一个简单哀伤的故事，重新窥视到受多元文化冲击的香港，都市人群面临的情感失落、精神困顿和历史迷茫的“病态”现象，带给我们对历史和人生更深层次的思考。

❺ 如何分析音乐作品

最近在入门电影相关，加上以前选修课选过电影配乐，就大概谈谈电影中的音乐吧。分析一部电影中的音乐作品，可以从其起到的作用谈起。

在电影中，很多时候音乐是没有歌词的，因此相当抽象、纯粹。要务实地谈音乐的「内容」，确实不是一件容易的事，不像有歌词的时候，音乐本身传达的意义和情感比较明晰、具体。然而，对于一部影视作品来说，当音乐和影像有机结合时，意义更容易传达。有一点要注意，影视音乐作品并不仅限于一首完整的歌曲（由人声或乐器完整演奏），也指电影中应情节要求加入的配乐。一般的电影OST(Original Sound Track)中都可找到公开发行的配乐原声。

电影音乐的理论变化很大，因此并没什么固定的赏析方式。

有人坚持电影音乐应有属于自己的意义和尊严，甚至有人认为音乐应该主导影像。有一些导演提倡「纯粹说明式」的音乐，这种音乐和影像的地位在影视作品中是完全相等的。比如一些经典的悬疑片中，一个人遭遇了紧急情况，或是一宗谋杀案在悄然进行中——此时此刻，演员的每一个动作（步伐、呼吸、神态变化等），其实都有相对应的音乐强调其悬疑性。比较经典的有Bernard Herrmann在著名惊悚影片《触目惊心》（Psycho, 1959）中编制的「浴室杀人」场景配置音乐，极大地刺激了观众的听觉，也成就了Herrmann这位电影配乐界殿堂级巨人。他自己说，《触目惊心》三分之一的电影效果应归功于配乐。

当然，也有人坚持，电影要以影像为主，音乐不可喧宾夺主。不过，大师级别的导演往往对电影音乐要求极高，因此也不惜重金和优秀的作曲家联手。导演本身不一定要对音乐内行，他只需要认清电影某个部分需要的戏剧性就行了。至于如何将戏剧性融入音乐，就是作曲家的事了。导演和作曲家的合作关系不一而足，有的作曲家是看了粗剪(rough cut)之后立马开始写，有的则是看完细剪才动笔。大多数歌舞片的导演都是在开镜前就与作曲家合作完成了片中音乐的制作，开拍前事先在录音室录好了，再拿给演员对口型。

电影音乐的具体作用有很多：

1. 在电影字幕升起时的音乐宛如序曲，能代表电影整体的精神和气氛。

2. 某些音乐能暗示环境、阶级或是种族群体。

约翰·福特(John Ford)的西部片擅用简单的民歌，比如《红河谷》(Red River Valley)被用于《愤怒的葡萄》(The Grapes of Wrath, 1940)中，或19世纪西部开拓时代的宗教赞歌如《Shall We Gather At the River》。这种带有浓厚乡愁意境的音乐通常以开拓者的乐器演奏（如哀伤的口琴或某种手风琴之类的）。意大利电影也擅于运用抒情或情绪丰富多彩的曲调来反映其歌剧传统，特别是Nino Rota创作的作品，最具有代表性的如《教父》(The Godfather, 1972)。

3. 某些音乐可以预示即将发生的事，让导演能事先给观众一个心理上的警示，经典作品不得不再提到希区柯克(Alfred Hitchcock)的惊悚悬疑片，通常都配上带「焦虑性」的音乐，有时往往是虚晃一枪，有时却爆发为一个高潮。

最经典的莫过于斯皮尔伯格的《大白鲨》(Jaws, 1975)中鲨鱼主题的配乐，堪称史上最佳，这块要详细讲讲。鲨鱼出现的主题其实结构比较简单，也就是一两个音一再反复，但是加上渐进层递和由简入繁的编曲手法，成功诠释出大白鲨的冷血窥伺、神出鬼没，和导演在摄影手法上以大白鲨为主观的运镜手法相结合，搭配出强烈的艺术风格和电影效果。

顺便说一句，记得当时上课时老师还给我们听了一下两段不同的配乐，即「虚晃一枪」和「大白鲨出没」，虽都制造出紧张效果，但其中节奏上的微妙差别，揭示着迥然不同的「下一秒会发生什么」，然而观众的情绪已被撩拨起来，完全被影片的节奏所控。

不同乐器的使用在《大白鲨》一片中也起到了重要作用。《Chrissie's Death》是影片一开场时，一名少女遭到鲨鱼攻击时的配乐：一开场时竖琴轻撩漫拨，白鲨的主题穿梭其间，隐约透露着一股神秘与杀意，紧跟着弦乐狂卷出突如其来的攻击，虽然攻势暂歇，然而惊魂未定，即刻一波又起，急鼓如雨中，少女遭到大白鲨无情的吞噬，最后一切归于平静，幽静的海面上曙色初现，彷佛什幺也不曾发生过。然而一股未知与不安，却在海潮深处回荡不已。竖琴是威廉斯在《大白鲨》中运用得很有感觉的乐器，流转滑动的拨弦音色，很能诠释出海洋的无垠多变，以及浪潮起伏间潜藏的狩猎与窥伺。《The Underwater Siege》中竖琴的运用更是令人惊艳，这一段音乐描写白鲨攻击捕鲨笼中的海洋学者，气氛来势汹汹，威廉斯舍弃以常见的管弦模式，来表现这一段猛烈且惊心动魄的袭击，反而使用竖琴这种音质向来让人觉得柔美的弦乐器，以汹涌如潮，一波接着一波的急弦，翻腾出绵密激烈的攻击，佐以紧凑的打击和回荡的铜管音效，将深海中的人鲨缠斗描绘的千钧一发，令人屏息。
4. 很多情况下需要影片中角色约束或隐藏情感，音乐也常能暗示人物的内心状况。这一点就不赘述了，是很常见的展现人物心理活动的艺术手法。

5. 音乐可控制情绪的转换，也能使主导的情绪中产生或造成相反的效果。

在约翰·休斯顿(John Huston)的《铁血雄狮》(The Red Badge of Courage, 1951)中，主角在非理性的突发状态下，从垂死同伴手中夺取旗子，投入激烈的战斗中。为强调这个年轻人的爱国之心，配乐利用了美国军歌的激昂。南北战争时，南方军的掌旗兵受伤了，因痛苦而跌跌撞撞，旗子也破破烂烂，此刻，音乐转成痛苦的挽歌，并逐渐转为Dixie（美国南北战争时，南方流行的军歌）的怪异扭曲版。主角原本激昂的斗志掩盖了受伤的痛苦，但因为音乐的转换，观众和主角一样，突然陷入了可怕的颓丧中。

相反地，像在影片《邦妮与克莱德》(Bonnie And Clyde, 1967)中的一段抢劫戏却使用了乡村式的五弦琴音乐，场面十分轻松有趣。很多影片中也常看到戏剧性不强的片段（如男女在街上漫步），却配以天马行空的狂想曲风，音乐浓烈、节奏轻快，与剧情产生巨大的反差。

6. 最后，也是最常见的一个作用，代表角色的个性，或者影片的主旋律。一首歌火了，带动整部电影也火了，甚至于很多年以后，当人们谈起这部影片时，经久不衰的是旋律，更是伴随着旋律的那段记忆。好的主题歌往往胜过其片子本身，也往往是片子的浓缩。常见的还有「老歌新唱」，如Celine Dion和Clive Griffin为《西雅图不眠夜》(Sleepless in Seattle, 1993)翻唱的上世纪40年代的老歌《When I Fall in Love》，更添韵味。

电影中的音乐作品用得是否恰到好处，是否别出心裁，只要以上的几点起了作用（倒不一定是反映出导演的匠心独运之处，但在一定程度上说明），从视觉和听觉上给观众以共鸣与刺激，就可以说该音乐作品从某种意义上「传达了意义」。

❻ 《困在时间里的父亲》解析内容是什么

电影总体来说就是由声画两种语言构成，这个开场，画面呈现着伦敦十分当代的日常生活，声音则载入厚重的英式文化，亚瑟王，是凯尔特神话中记载的古不列颠的国王，你可以理解为是英国祖先的神话故事。

我们听到的是这则戏剧中掌管严寒的精灵被唤醒之后，唱的一首咏叹调，这只咏叹调最为标志性的部分就是这种有节奏的瑟瑟发抖的唱腔。

好的电影，不会有一处细节是闲笔，开场音乐，太重要了，绝对不是随便选的，而且我们很快发现这是一个“有源音乐”，就是可以在情节中找到音乐的来源。

影片一开场是声画分开叙事，画面主要带你看的，请注意，是，空间，看过影片的观众会知道“空间”在这部影片中有多么重要。摄影机先于主人公进入房间，然后，注意，空间，空间，空间。

有源音乐来自男主角，老头的耳麦，他在听古典音乐。音乐是对老人的一个书写，是这个角色的一种注脚，你可以理解为，老人生命中掌管严寒的精灵已经被唤醒了，也就是老人站在了生命的尾巴上。

老头忽然察觉屋里有个男人，声称是女儿的丈夫，女儿不是单身很多年了吗？男人斩钉截铁地告诉老头，他叫保罗，是女儿的丈夫，而且老人现在是住在他和女儿的公寓里，“陌生男人”打电话让女儿立刻回来。更诡异的一幕出现了，回来的是另一个陌生女人。

老人崩溃了，我的好奇心全部被吊起来。诡异的节奏越来越快，诡异的情节在加密。一回头，陌生“女儿”又称房间里从没有来过什么男人。老头再次回到自己的房间，“女儿”给他送药片，让他服下。这整个一段，导演运用悬疑的手法带领观众深入阿兹海默患者的内心，以患者的视角看世界。