雨果电影灯光分析

Ⅰ 雨果 电影影评3篇

雨果 电影影评1

中美班自体心理学取向的老师杰弗瑞带领我们一起赏析电影《雨果》。

影片围绕主人公雨果修复父亲生前想要修复的机器人展开，从他开始偷盗火车站里玩具店的零件用于修复之用到相识玩具店老板乔治，及其养女，发现自己要修复的机器人最后一道关口------打开机器人身上的心形锁的这把钥匙在其养女的脖子上挂着。由机器人被修复开始绘画又由此发现了一系列和乔治有关的历史。雨果找来乔治影片的知情人，在他和乔治太太，乔治的养女帮助下，使得乔治从对过去的尘封里走出来，和雨果彼此支持，开始各自焕发生命活力的人生。

“自体客体”进入我的思考里。《精神分析治愈之道》里说，精神分析治愈的本质是患者掌握了新的能够发现和寻找恰当自体客体的能力，包括镜像的和理想化的自体客体。只要它们存在于他的现实环境里并一直支持他。

整部影片似乎都是在以个体寻找自体客体给养自己为脉络进行。雨果在完成父亲生前未完成的事情----修复博物馆里发现的一尊机器人，借助对整个工作的全然投入来幻想着和父亲的链接，幻想着和机器人之间情感的链接---自己将不再孤独。机器人能够在他手里正常运作，象征着有和他人的关系上的链接从而感受到自己的存在，自己有力量可以胜任。这是雨果在用自己的心力打造一个有着自体客体镜映的环境。

在电影中一段，雨果在决定请一个乔治先生的过去电影的崇拜者进入乔治现在的生活，想要对乔治目前的状态进行“修理”的时候，晚上做了一个惊心动魄的噩梦，梦见自己在铁轨上捡心形钥匙险些被火车轧死，梦见自己变成了机器人被钟楼里四面八方的机器挤压而惊醒。第一个片段，老师的解读是“火车出轨”，意味他对即将成为乔治的养子，控制不住自己的兴奋，我看到的是，雨果在铁轨上看到心形钥匙，意味着将要以自己的心与乔治的心进行接触，这是令自己感到非常惊心动魄的事情，虽然惊险但是显然一切还能够存在。而火车司机对自己的关照也意味着，在雨果的内心里有一个支持自己的强大的自体客体存在。

后段，变成机器人的恐怖场景，老师的解读是，他期待自己将和乔治进行心与心的对接，但是也同时非常恐惧自己在和乔治的接触中被对方视同自己为机器人，失去人性自主的部分。

我以为这个梦境里闪耀的是，人对关系的渴望和恐惧，那和自体的存亡息息相关。

到了影片的最后，乔治教他玩扑克牌的魔术，他用这些技术获得人们的惊叹和赞赏，是雨果在乔治爸爸那里寻找到一个新的自体客体环境，对雨果犹如父亲般的教养。以及雨果通过魔术被更多的人接受和喜欢，夸大自体部分得到进一步修缮。

其中还有一些其他人物经过雨果的生命，乔治的养女----她是第一个即父亲去世之后对其友爱的人，她从开始对雨果的好奇到和雨果牵手到在雨果的脸上轻轻一吻，都无不是对雨果在关系中修复自体的良药。还有克劳德叔叔，那个车站巡视员，图书馆理员，这些或冷漠或残酷或慈爱的人们，巨大的冒着气的钟楼寄居地，每天维修钟表的工作，饥饿的失学的生涯，都以真实的人性和现实的艰苦 营造雨果赖以生存的现实环境。

再来看从雨果修复机器人过程中，逐渐清晰起来的人物---乔治先生。

在他最初出现在银幕上的时候，是一个凶狠的冷酷的家伙，他恶狠狠地拿走雨果递过来的父亲留下来的机器人修复图纸，之后还将一包灰烬给雨果，告诉他那个笔记本已经付之一炬。看见雨果用沾满灰烬的手抹脸上的泪，泪水黑灰把脸抹乱，我的心也碎了。一个孩子的梦，怎么可以就这样被打碎。

随着故事情节的演绎，我发现那个被打碎梦的人，是乔治。他先后狂热的投入到魔术和电影制作之中，并由此体验到成功的快乐和幸福。在战争开始以后，人们不再热衷于看他拍摄的影片，他发不起工人的工资，付不起税费，他毁掉了所有的工具和胶片。

我想到的是，真的是因为那个时代不需要电影不需要他吗，不是，是他仍旧沉醉在自己的梦幻世界里，他为自己每一部完美圆满的充满梦幻色彩的电影没有了喝彩和掌声而近乎奔溃。他的失败来自于他脱离了现实。我纠结于他怎么这么不愿意调整和改变自己，他的自体客体功能，何以这样僵化。呵呵呵，看，一不留神，我的僵化的自恋就冒出来。

我也就此处，问了老师，老师说，这是一个好问题(呵呵呵，对每个人他都这么回应)他就是愿意按照自己的梦想来拍摄电影，不愿意做任何的改变。我对此的继续的自由联想是，他像一个从(观众)妈妈那里获得赞赏和认可的孩子变成了一个被妈妈抛弃冷落的孩子，自此之后变得郁郁寡欢，用否认对待过去的一切，表现在不允许养女伊莎贝拉接触电影、制止雨果修复机器人、摧毁自己之前的工作成果，但是似乎在他心灵深处，有个火种并未泯灭---他保留了他之前制作电影时候的画作。这个并未泯灭的火种等待有一天被懂得他理解他的人点燃。这个人就是雨果。

这让我想起心理治疗，每个来访者内心都有一颗未被残酷的现实泯灭的火种，等待被点燃。

雨果找到了乔治以前作为电影人的知情人，并邀请他来乔治家里，和乔治的太太一起观看乔治过去拍摄的影片。乔治那份尘封了多年的对电影事业的爱，在被被人们关注被人们赞赏的时候重新唤醒，生命的力量迸发出来，开始他心灵复苏的晚年生活。

看到此处，我不禁心生悲悯，人这一生忙忙碌碌勤勤苦苦，都是在不断建立自体客体中找寻自己啊。

雨果 电影影评2

让我试着归纳一下本片的主题，或者说它的那些不同的场景在表述些什么，传达给我的又是什么。

本片一开始的那个破损的机器人是雨果父亲的遗物，当更确切的说它其实是一个遗愿，亲人甚至于陌生人的遗愿总是每一部电影里面最大的主，人一旦死去所残留的一切都会成为极有能量与号召力的东西，总会有一个为此“赴汤蹈火”，这样的文化古今中外无一不可找到实例。这样我想到了我国古代皇太后的各种遗诏。为什么说是皇太后的遗诏，是因为我们的太后娘娘实在是无限权力中的飘(~)无权力。儿子事事孝顺，但是仅限于这事关皇帝老子屁事的时候，一旦太后凉凉被皇后凉凉撺掇着真真打了某个漂亮娘子板子的时候，皇帝大人一般也会“恭顺”的把他老娘请回她待了大半辈子的“心爱”佛堂去了。事情的峰回路转，小人得志，我是说正牌的皇后凉凉不管是主叫还是配叫，总要有翻盘的时候，那么上台叫板的是太后娘娘临终遗诏什么的，一般皇帝老儿也就只能默默换个漂亮娘子了，当然后面猪脚怎样怎样的寻回真爱，逆袭什么的再说吧。好像有点扯远了，总之我想表述的就是——这就是遗愿的力量。故而，一般在各类影片中遗物也是主人公的法宝，什么理由能比为父亲完成遗愿，抓住父亲仅留下来的一点点讯息能更好的自勉呢。照这个写法我非得写讽刺剧不可了。这不是影片给人感受，让我重启一段再来。

从影片中的那个小姑娘第一次出现的第二句话“秘密?我喜欢秘密”就能清晰感受到这又是一个爱惹事不怕麻烦的“热心”姑娘，一般这种机智勇敢聪明伶俐还有背景的姑娘会费劲心思帮执着又天然呆的男主角大多会慢慢发现自己原来有绝症，这个时候就可以遵循第二大原则，绝症病人愿望最大原则。不过幸好《雨果》这个片子的这个姑娘没有，她就是单纯的小女孩看多了书中的花花世界，终于让她逮着一个人能让她来找点事了的油头了。在自己内心狂喜的同时我们还能祝贺一下导演，因为你找到了顺便就能当下整个影片的线索和各人物间的粘合剂和润滑剂的人物。又因为是小女孩所以从爱找事到最后她还能将成长、历练什么的主题融进这部影片。这一点告诉我们爱找事的姑娘是无敌的，请珍惜你身边爱找事大的姑娘，说不定她们就是某导演派过来辅助你的主角事业的。好吧，又偏了。待我重启一下。

让我们来说说乔治爸爸这一部分，说实在虽然又是一个古老的主题，梦想，但是我确实喜欢，所以这部分我绝不绝不贫嘴，‘乔治爸爸’看我这个给自己贴金的叫法就知道了。这个部分才是本片最大的亮点，电影之电影，它带我们回顾了电影的诞生，重温那些黑白电影的惊艳，那个时候的奇幻剧目，是梦的倒影，乔治爸爸最后说的：让我们开始做梦。让我感到十分动容，开启一个梦，完成一个梦，破碎一个梦，又重拾一个梦，欣喜，满足，悲痛，从容。我们还有多少梦可以做，不，应该问我们还要做梦多久?!这个问句是问坚持，你还要你的梦想吗，还有梦想吗?这个问句是问现实，梦够了吗，什么时候去实现?

最后让我说说那个蒸汽时代，从一个孩子在钟楼里来回的穿梭中，我们可以看到真真的精工，那些环环相扣的齿轮才是最大的隐喻，轮转不息的生命，环环相扣的命运，拧转发条在咔咔的奋斗声中开启的梦想。在冰冷的工业时代那些蒸汽令人感到格外的温柔。

雨果 电影影评3

长镜头。

长镜头的的复杂性在于空间调度，现在的电影拍摄技术已经发展到可以让摄影机听从导演的调度随意升降推拉跟拍移动，导演们不用再费心费力地调度摄影车、起重机等等重型机械(奥逊.威尔斯《历劫佳人》);也不用因为摄影只能平行移动不能上下升降而费尽心机地安排演员行进路线(黑泽明《七武士》);更不用利用人工吊索完成了摄影机垂直下降(米哈伊尔.卡拉托佐夫在《我是古巴》);利用CG动画就可以完成外景或摄影棚中空间的不足，弥补电影画面的不足，于是乎观众们可以看到诸如由需要电子显微镜才能看到清楚的单细胞生物开始，镜头逐渐放大到水滴，水滴幻化为地球(史蒂芬.斯皮尔博格《世界大战》)或是由街道快闪至地球全影再到太阳系再到银河系最后成为了外星小朋友的弹球(巴里,索南菲尔德《黑衣人1》)。热爱电影的人们总会提到亚历山大.索科洛夫、小津安二郎、侯孝贤、奥逊.威尔斯、阿尔弗雷德.希区柯克、保罗.托马斯.安德森……总能想到《夺魂索》、《历劫佳人》、《赎罪》、《俄罗斯方舟》、《职业：记者》、《人类之子》、《迷一样的双眼》、《大事件》……就个人感觉而言，只要一提到“长镜头”这三个字，就算是平时话不多的人也能变成话涝。

刚看到这个题目时真不知道自己应该写些什么?

掉书袋?真的没什么意思。

镜头分析?真的没那样的实力。

还是按照老路子聊聊电影带来的感受吧。

随着小男孩上下跑动的身影，走过滑板楼梯，在另一座时钟的前方，有一个小小的带着奇幻色彩的玩具店。习惯了马丁.斯科塞斯电影中饶舌的意式英语，习惯了黑白的人物在罪恶与救赎之间徘徊，习惯了黑帮争斗阴谋痛苦以及死亡，习惯了在一大群男人当着小孩子的面谈论枪支毒品抢地盘，在刚刚看到《雨果》的电影海报时不禁心头一凉。巨大的时钟，可爱的男孩，童话的色调，导演真的是那位拍出《出租车司机》、《再见爱丽斯》、《愤怒的公牛》、《好家伙》、《恐怖角》、《禁闭岛》的电影大师吗?大师永远都是大师，购票之前虽然有些忐忑却依旧坚定地相信这会是一部伟大的电影。坐在电影院中能够听到其它观众对电影的适时评论，在听到赞美声的同时也听到了许多批评，例如：结局很容易被猜到、一个童话故事而已等等等等。对此，只能一笑了之，没有办法强求所有的电影观众都能够对电影史烂熟悉于心，更没有办法强求所有的电影观众能够体会到马丁.斯科塞斯的用心良苦。毕竟大多数的观众完全是为了休闲与娱乐才走进电影院的，在某些观众开始打哈欠的时候被感动得哭成泪人是不是有些太过另类了呢?好在我已经习惯被身边的人当成疯子了。

不仅仅只是一部堪称“伟大”的电影导演写给电影的情书，而是由一位为电影事业执着一生的老人娓娓道来的神奇故事，故事中包含的浓浓爱意足以令人任由眼泪留下却面带微笑安静地倾听。在《雨果》中，马丁.斯科塞斯的镜头运用已经不能够再用出神入化来形容。已经上映的3D电影大多以长镜头开篇，往往是天空海洋森林瀑布等等壮丽景色的快速度推移再加上一些旋转或是穿越，迅速将刚刚坐定的观众带入电影所要表现的那个时空之中。《雨果》开篇镜头也不例外——伴随巨大的齿轮的转动与变幻，跟随着导演的视线走进烟雾迷漫的车站，最后定格到一双躲在时钟背后美丽的蓝色眼睛之上。

马丁.斯科塞斯十分擅长使用长镜头去表现大纵深位置上的景物与人物，通过镜头的推拉摇移完成不同景别之间的时空转换。这是一个观众们似曾相识却又完全陌生的时空，这里是巴黎，这里是19世纪30年代某个冬日的车站的早晨，人们匆匆出行而并未发现巨大的时钟背后还有一双观察着这个世界的眼睛。耳畔回响着嘀嗒作响的齿轮声与火车进站的汽笛声，看着漫天的雪花，镜头飞速穿越两列火车之间的站台，在蒸汽弥漫中看到匆匆的旅客身影相互交织。旅客的身影中有平民、工人、淑女、绅士、贵妇、士兵、商人、朋友、情侣、夫妻、流浪汉……无论那个时代，火车站永远都是时代社会各阶层的缩影，各色人等纷纷登场亮相，在这里做短暂停留后再怀揣各自的梦想各奔东西。电影花絮中说这一镜头从开始拍摄到最后制作完成耗时一年，可以想像整个团队为此花费了多少心血与激情，流畅的镜头衔接中观众已经不需要过多的旁白过多的特色，这就是一部伟大的电影交响乐那首浑然天成恢弘大器开场序曲。

序曲如此完美，转瞬之间电影已到结尾，依旧是冬日的街道，透过窗户能看到房间内挤满了人群，镜头穿越玻璃窗户，在每一位参加聚会的角色面前停留，梅里爱先生正准备向学生介绍电影史，书店老板亦在侃侃而谈，系着鲜艳围巾的胖乎乎的胖先生再也不用担心被狗狗咬到，车站警察拥有了不再咔咔作响的新支架，花店女老板终于可以与心爱的男人肩并肩手挽手共舞，车站乐队在演奏着动听的音乐，小男孩向宾客们展示着新奇的魔术，善良的姑娘开始记录一个带有冒险色彩的故事……伴随着欢乐的音乐每一个参加聚会的人的脸上都带着欣喜的微笑，镜头在人群中穿梭，最后穿过走廊停留在机器人平静的面容之上。走廊与房间中因为挤满了人群而显得十分狭窄，马丁.斯科塞斯充分发挥了自己把握节奏善于调度的功力，无论如何拐弯抹角的转换都是那样顺畅，主要人物与次要人物之间的节奏变幻，在关注主要人物的同时也能兼顾到次要人物的各种情绪，观众也不会因为人物众多而眼花缭乱到不知道自己应该盯着哪里看。虽然经过了后期CG画面处理，这一镜头依旧自然清新，推进摇移360度旋转中处处透露着大师的优雅，如此美丽的长镜头运用在短时间内是无法被超越的。

卢米埃尔兄弟并未发现自己发明的小小机器会给人类世界带来怎样的改变，他们用镜头记录下身边的人物或景色，动态的画面不过是马戏团中吸引眼球的小小玩具而已。幸好，我们还有一位为电影世界打开了一扇幻想大门的乔治.梅里爱。在电影已经过度商业化的今天，幸好我们还有拥有如马丁.斯科塞斯一样的电影大师在执着地坚持着。

Ⅱ 全景镜头详解：摄影大师如何拍摄全景镜头

电影摄影师罗伯特·理查森（Robert Richardson）曾凭借电影《飞行家》，《刺杀肯尼迪》和《雨果》三度获得奥斯卡最佳摄影奖。他与导演昆汀·塔伦蒂诺、马丁·斯科塞斯、奥利弗·斯通有着长期合作。

罗伯特·理查森（Robert Richardson）在拍摄现场

然后，

如何以罗伯特·理查森（Robert Richardson）的方式进行全景拍摄？

首先，

让我们学习一下全景镜头和大全景镜头之间的区别。

全景镜头：

全景镜头是大场景拍摄角度的构图方法之一。让我们研究理查森电影中全景镜头的各种用途。

全景镜头的构成是一个人从头到脚的画面。这些镜头用于显示观众的背景和空间场景。它们的大小，距离和位置将起重要作用。

上图是《被解救的姜戈》中广泛使用的全景镜头的一个例子，这个镜头使他成为电影中的英雄。注意背景是如何完美地平衡拍摄的。

姜戈站在画面中央的高位上。在他的后面是一棵大树。通过在左后方增加三个女人，可以填充死空间并增加镜头的纵深感。右边的人与马车同样如此。

同时，请注意，树上的叶子恰好使您的眼睛关注姜戈，除去两侧的事物，这种拍摄镜头真的很棒。

全景拍摄并非全都聚焦于突出人物。它们还可以用于显示例如《飞行家》里的飞机，突出显示该飞机在天空中的比例和位置，并仍在镜头中显得有纵深感。

理查森还是剪影大师。他经常使用这种方法在电影中显表示全景镜头。在上面的《杀死比尔1》的精彩画面中，我们为这个惊人的室内战斗场景疯狂了88秒。与“杀手比尔2”中训练中显示的蒙太奇相比，这绝对都是惊人的。

所有角色都站在明亮的背景前，这将吸引您将所有注意力集中都放在他们的动作上。目标主要是基于武术突出的，通过削弱角色的衣物，您可以专注于动作，展现结果是令人惊叹的。

理查德森还使用剪影来显示“秘密”，例如下方的《禁闭岛》，并指出了整个场景的不祥感。我们看不到任何角色的面孔，并且他们完全被周围的围栏包围。这是在画面和观众之间产生张力的好方法。这种全景镜头会让您不舒服。

下图是电影“雨果”的全景画面。画面里有乔治·梅里爱（George Merria）在周围环境中的那种令人难以置信的细节，但是中央的构图和舞台灯光吸引了观众将注意力全部集中在他身上。

他的脚两侧有四个舞台灯，高处的阳台上的两个灯紧贴他的肩膀。背景中的两个雕像都是背光的，然后一大群观众观看他在那儿的表演。图片显示了所有细节，但您仍然专注于梅里爱，这是一个厉害的全景镜头，具有正确的构图和照明。

大全景镜头：

大型全景镜头是在远距离拍摄的，通常以拍摄风景和大型建筑物外观为特征。

大型全景镜头像全景镜头一样显示人物的周围环境，突出了比例，距离和位置。如果人物可见，则它们的大小通常无关紧要。它们不是镜头的焦点，但可以起到补充。

上图来自电影“无耻混蛋”。我们可以看到整个房屋的外观，并交代空旷的建筑物和周围环境。拍摄还使用母牛和洗过的衣服来填充独立空间中树木的孤立感，这也有助于平衡左侧房屋的构图。

下图是《被解救的姜戈》中的场景，我们看了一部具有标准大全景的西方电影。广袤而开阔的景观表明他们漫长的旅程，这座山代表了前方的障碍。

介于全景和大全景镜头之间：

现在您知道了标准规则，您还应该知道可以打破它们。您可以在标准全景镜头和标准大型全景镜头之间拍摄。电影摄影的最好部分是利用周围环境来拍摄最佳画面。

在电影《雨果》的上方，我们看到一个年轻的雨果站在照片的中央，但他站在隧道尽头的构图中。他身后的灯光照亮了他，我们几乎认不出他的脸。这是全景和大全景之间的完美示例。

Ⅲ 雨果代表作《悲惨世界》的浪漫主义特色体现在哪些方面

长篇巨著《悲惨世界》发表于1862年，小说从立意到写成用了几十年的时间，是雨果的代表作之一。作品中虽然有现实主义成份，但就其艺术基调来看，仍是一部具有浓郁的浪漫主义色彩的作品。主要表现在以下几个方面：

1、把“理想”和“真实”巧妙地结合起来，这是积极浪漫主义文学的一个突出特征；

2、美丑对照法的运用，这是雨果最重要的浪漫主义创作原则；

3、人物的奇特经历、故事情节发展变化莫测。

我将从这三点出发，结合具体的小说文本回答问题。

一波未平，惊险的波澜又起，为了长期隐居修道院，必须先逃出修道院。在老人的帮助下躲进棺材出修道院的场面描写得惊心动魄，别具一格，使读者拍案叫绝。计划是到了坟场，老人将埋葬工人灌醉，就可以神不知鬼不觉地顺利逃出。

但是，一进坟场，出现在面前的是一个陌生的埋葬工人，老人惊呆了，但他乘其不备智取卡片，迫使工人离开坟场，冉阿让才得脱险。

这些惊险动人的情节发展曲折有致，又有偶然巧合，富有戏剧性。通过夸张离奇的情节把冉阿让描写成一个神通广大、智慧、胆量都过人的超凡人物。

总之，在这部小说中，雨果把善与恶、美与丑进行了强烈的对比，为了渲染气氛用了极度夸张的浪漫主义艺术手法，揭示了尖锐复杂的社会冲突，表达了他具有宗教意味的人道主义思想。

回答完毕。

Ⅳ 赏析一部比较有名的电影

《战舰波将金号》：石破天惊的电影史佳作
《战舰波将金号》一上映，就立即震惊了全世界，被公认为苏联蒙太奇学派的最杰出代表，影响了无数的后来者，成为人类电影史上不可逾越的经典。时至今日，对《战舰波将金号》分析、评介依然是电影学院里的必修课。

最直接的影响首先来自于《战舰波将金号》所使用的蒙太奇手法。在这部电影中，爱森斯坦天才的创造力得到了淋漓尽致的发挥，通过镜头之间的重新剪辑、巧妙组接，爱森斯坦在银幕上重构了一个时空体系，它与我们现实中的时空体系迥然不同，但又是植根于现实生活的基础之上，从而在根本上与观众的观影心理相契合，从这一点来说，《战舰波将金号》开创了一直沿用至今的电影创作中所使用的最基本的蒙太奇表现手法。当然，蒙太奇并非是爱森斯坦发明的，在早前的格里菲斯乃至更早的梅里爱、鲍特的影片里就已经有了蒙太奇的应用，但这种应用要么是无意识、不自觉的，要么是不成熟、不完善的，只有到了爱森斯坦，到了《战舰波将金号》那里，我们才能负责任的说：电影艺术开始有了只属于自身所独有的蒙太奇语言体系，电影语言开始藉由蒙太奇句子组成。时至今日，如果离开了这种蒙太奇语言体系，电影创作根本就无从进行。可以毫不夸张的说，《战舰波将金号》之后的所有电影，都是它的学生。

影片的影响在全世界迅速散播开来，无数艺术青年正是在观看了《战舰波将金号》以后才决心投身电影事业，《战舰波将金号》成为改变他们命运的转折点——西班牙电影大师路易斯·布努埃尔正是其中的一位，当时还在大学读书的布努埃尔无意间看到了来学校放映的《战舰波将金号》，立即为其中无与伦比的表现力所叹服，这成了开始他电影生涯的直接动因。很快，仅仅三年后布努埃尔就拍出了自己的处女作《一条安达鲁狗》（Un chien andalou），这部被视作超现实主义代表作的二十四分钟短片同样引起了巨大轰动，它奠定了布努埃尔在影坛上的大师地位。整部影片充满了天马行空的想象：一片被切削着的月亮，一把刀片割开一只眼球，一只爬满蚂蚁的手，一只伏在钢琴上的死驴，变成臀部的乳房，等等。不难发现，这些蒙太奇手法的使用其实与《战舰波将金号》如出一辙，正是爱森斯坦所推崇的“杂耍蒙太奇”的理念，布努埃尔自己也毫不避讳这一点。值得一提的是，两位大师在生活中也成为了好朋友，爱森斯坦来西欧游历时，曾与布努埃尔相谈甚欢。不过据说当布努埃尔看过爱森斯坦所拍的《感伤的罗曼史》一片后，对其中的艺术品味极不认同，怒气冲冲地到各个咖啡馆去找爱森斯坦，一定要当面打他几个耳光。当然，这只是由于大师的率真性情所留下的逸闻，并没有真正影响到他们之间的友谊。

同样的影响也发生在了葡萄牙国宝级导演奥利维拉身上，这位现年已近百岁高龄的老人，当年也正是因为受到《战舰波将金号》的影响，才毅然投身到电影创作中去。他所拍摄的影片《杜洛河上的苦工》，虽然是一部纪录片，但可以清晰的看出其中对《战舰波将金号》的模仿。特别是纤夫拉纤一段，其中剪辑进了若干面部特写，镜头在纤夫和乘客之间的反复切换，与《战舰波将金号》毫无二致。

有趣的是，几年以后，与苏联在意识形态水火不容的纳粹德国，《战舰波将金号》同样被推崇备至。据说纳粹德国的宣传部长戈培尔在看过《战舰波将金号》后，对其中的震撼力大为震惊，他指示德国一定也要拍出类似的片子来，并很快找来了女导演瑞芬斯塔尔来落实这一计划，这才有了《意志的胜利》一片的诞生。《意志的胜利》是一部在思想上反动透顶的影片，完全是为了给纳粹党歌功颂德，但在电影的艺术价值上，这部影片又是如此的成功，以致于后来的电影史都不得不尴尬的提到它——一方面痛斥其意识形态，另一方面又对其表现方法大加褒扬。毫无疑问，这部在《战舰波将金号》直接影响下诞生的影片，带上了浓厚的爱森斯坦印记。当然，由于科技的进步，拍摄工具的改善，以及纳粹党所提供的近乎无限制的制作经费，让《意志的胜利》比《战舰波将金号》场面更加宏大，气势更恢宏，画面更精良，但其蒙太奇手法的运用，依然是偷师于后者。特别是希特勒登上纽伦堡阅兵台的那一场戏，漫长的台阶，希特勒和手下依次拾级而上，两旁是黑压压的纳粹党员，口号的欢呼声响彻云霄，行纳粹礼的手臂密集如林，其剪辑手法上活脱脱就是一个“敖德萨阶梯”的翻版。

在国外取得巨大反响的同时，《战舰波将金号》也成为了苏联国内电影的教科书，其中的蒙太奇理念为众多苏联电影所汲取。例如《雁南飞》（Летят Журавли）这部摄于1957年的黑白片，片中最为人所称道的就是主角鲍里斯中弹牺牲的那个场景。在现实中，中弹牺牲只不过是一刹那的事，而导演卡拉托佐夫用了很长的一组镜头来表现：先是白桦林的旋转，在这个背景上叠化出鲍里斯的想象，薇罗尼卡身穿婚纱走下楼来，和鲍里斯举行婚礼，最后又回到旋转的白桦林。这个场景已成为《雁南飞》永恒的标志，而这种在影片中拉长时间，重构时空体系的手法，正是由爱森斯坦在《战舰波将金号》里首先运用的（“敖德萨阶梯”即为其典型代表），《雁南飞》继承了这一手法，同时又进行了发展和创新。

《战舰波将金号》的影响不仅止于欧洲，它很快也成为了好莱坞效仿的模板，事实上，爱森斯坦在《战舰波将金号》中所使用的多镜头、快速剪辑的蒙太奇手法已经成为好莱坞影片的基本表现模式，甚至可以说，好莱坞才是爱森斯坦最好的学生。以好莱坞的代表作《魂断蓝桥》（Waterloo Bridge）为例，这部缠绵悱恻、催人泪下的爱情片，依然使用了《战舰波将金号》中所使用的蒙太奇手法。例如，在费雯丽扮演的女主角玛拉走向滑铁卢桥自杀的那一场戏，一队军用卡车在桥上隆隆开来，玛拉毫无畏惧地向一辆辆飞驰的军车走去，苍白的脸在车灯的照射下美丽而圣洁。镜头在军车和玛拉之间反复的快速剪切，在群众的惊叫声、卡车的刹车声中，最后，玛拉结束了生命，手提包和一只象牙吉祥符散落在地上，这样的表现方式几乎是完全照搬了《战舰波将金号》中的桥段。

同样的例子还有希区科克导演的《精神病人》（Psycho）一片中，最为著名的浴室谋杀那一场戏。《战舰波将金号》中“敖德萨阶梯”那一场戏，8分钟的时间爱森斯坦用了160多个镜头，而“浴室谋杀”这个场面共历时48秒，却由78个快速切换的镜头组成，尽管连一刀刺入人体的血腥画面都没有，但其恐怖效果却因蒙太奇、场面调度、节奏、灯光及音响手法的综合运用而达到了无以复加的境界。可以说，希区科克把经由爱森斯坦开创的蒙太奇剪辑手法推上了极致。

如果说，希区科克深谙爱森斯坦快速剪辑手法之精髓的话，那弗朗西斯·科波拉则是把爱森斯坦剪辑手法和隐喻的表达方式合二为一的好学生。在科波拉的代表作《现代启示录》（Apocalypse Now）一片中，最后马丁·西恩饰演的男主角挥刀砍死马龙·白兰度所饰演的魔鬼军官的那一场戏，科波拉也没有直接表现白兰度被砍杀的情形，白兰度的身影依然在黑暗中，只是在剪辑上逐渐加快挥刀的节奏，同时加入了土著们祭祀仪式上砍杀一头公牛的场景，与白兰度被砍的镜头交替剪辑。可以说，这是标准的爱森斯坦手法，与爱森斯坦在《战舰波将金号》中剪辑进的那三只石狮子有着异曲同工之妙。

在好莱坞，公开向《战舰波将金号》致敬的则是著名导演布莱恩?德?帕尔玛，在他1987年所拍摄的代表作《铁面无私》（The Untouchables）中，就有一段完全模仿“敖德萨阶梯”的段落，这个段落也是全片的最高潮：在火车站的候车大厅里，凯文?科斯特纳所饰演的政府特别调查员与歹徒不期而遇，双方先是心照不宣，平静的走向台阶，继而又几乎是同时拔枪，互相射击，与此同时，有个推着婴儿车的路人正好路过此地，但由于受到惊吓，婴儿车不慎从台阶的顶端滑落下去。科斯特纳扮演的银幕英雄自是了得，只见他边举枪射击边向下跑，最终在千钧一发之际击毙了歹徒，还接住了失控的婴儿车。应该说，这个模仿还是很成功的，德?帕尔玛同样使用了阶梯、婴儿车、面部特写等元素，同时又有自己的发挥。通过机位的多角度切换、升格镜头的配合使用，将整个动作场面表现得美轮美奂。虽然使用了慢镜头，但动作之间衔接得十分紧密，镜头与镜头之间的联系也是丝丝入扣。

讲到这里，我想爱看电影的朋友都不难想到，这种使用蒙太奇手段来渲染动作、烘托气氛的做法，其实在动作片里司空见惯，而其中的突出代表，就是吴宇森式的所谓“暴力美学”片——纵观吴宇森的作品，几乎找不出一部不使用这种蒙太奇手法的作品??基于此，甚至有人评论说爱森斯坦是暴力美学片的祖师爷，不过我想这绝对是曲解了他老人家的原意了。

吴式动作片之所以能给我们留下深刻印象，能让好莱坞看中，很大程度上就是因为其中动作场面的成功。可以说，在《战舰波将金号》里初露端倪的“杂耍蒙太奇”，经过吴宇森的改造，已经彻底的夸张、极端化，并被吴宇森赋予了东方式的诗意与美感。即使到好莱坞以后，吴宇森的这一特点依然没有改变。如《变脸》（Face Off）一片，只要是两大主角的对决，几乎百分之百的使用了慢镜头。尼古拉斯·凯奇标志性的半转身拔枪射击的动作，就从来没有使用过单一机位的正常速度镜头，而一定是多机位、多角度的慢镜头，把凯奇的每一个动作细节都尽量拉长，并刻画得纤毫必现；同时还通过多角度的重复来强化这一效果，从而把人物的潇洒气质和英雄主义精神表现得淋漓尽致。一瞬间的动作在吴宇森的电影里往往要用长达几分钟的胶片才能表现，这些人为拉长的时间间隔与中国画里的“留白”却有着异曲同工之妙，营造了一种东方式的“气场”，充满了东方式的美感。

特别值得一提的还有爱森斯坦的同胞，苏联电影艺术大师安德烈·塔尔科夫斯基。其实塔尔科夫斯基最初是以爱森斯坦的批判者身份为人所知的，他曾经发表文章对爱森斯坦的蒙太奇理论进行系统的批驳，他认为爱森斯坦的蒙太奇手法太强调导演的主观意图，取消了观众的主体地位，是不可取的。基于此，他还反对爱森斯坦影片中的任何隐喻镜头。但是，一旦进入创作实践，塔尔科夫斯基根本无法与爱森斯坦彻底决裂，在他的电影里，隐喻蒙太奇比比皆是，以其《安德烈·鲁布廖夫》（Андрей Рублев）一片为例，在影片开头那个农夫乘坐的热气球坠毁以后，塔尔科夫斯基并没有直接去表现，而是插入了一匹马倒地的镜头，这与《战舰波将金号》里那著名的石狮子不正是起着相同的作用？正因为如此，塔尔科夫斯基后来也不得不承认，“显然有人会指责我前后矛盾。然而，艺术家本来就可以创造规则而又打破规则嘛。”

Ⅳ 几部电影的布景分析，一定要看！

1.雨果 Hugo (2011)

导演：马丁·斯科塞斯

这部电影除了对默片的致敬以外，最大的视觉成就在于用电脑特技重现了上个世纪20年代的大都会巴黎：巴黎圣母院、巴黎图书馆、街道以及桥梁……最令人兴奋的是主要场景都集中在巴黎火车北站，各种时代符号令观众重回黄金时代的巴黎。

2.末代皇帝 The Last Emperor (1987)

导演：贝纳尔多·贝托鲁奇

这部电影能够入选有一个很简单的理由，因为这是第一部得到中国政府许可在紫禁城内拍摄的故事片，满足了西方以及很多中国人的窥视皇家生活的欲望。

3.大都会 Metropolis (1927)

导演：弗里茨·朗

这是一部伟大的电影，是默片时代制作费用最高的影片。它开创了一种科幻片类型，即反乌托邦电影。资本家在类似空中花园般的大都会享乐，工人阶级则在恶劣的地下城拼命工作。在没有特效的年代，全部以手工绘画制作，堪称艺术杰作。

4.2001太空漫游 2001:A Space Odyssey(1968)

导演：斯坦利·库布里克

这部电影开创了影响至今的科幻片拍摄手法。电影故事时间跨度上百万年，从人类起源到太空殖民。所有的道具和布景都必须符合我们对于历史和未来的想象，尤其在库布里克如此严苛的导演执导下，布景的精准性以至于很多道具如今已经变为现实，例如平板电脑。

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Ⅵ 雨果电影里面的灯光师叫什么名字

导演
马丁·斯科塞斯
编剧
约翰·洛根 John Logan - (screenplay)
布莱恩·瑟兹尼克 Brian Selznick - (book "The Invention of Hugo Cabret")
制作人 Proced by
David Crockett - executive procer
Barbara De Fina - executive procer
Christi Dembrowski - executive procer
约翰尼·德普 Johnny Depp - procer
蒂姆·海丁顿 Tim Headington - procer
乔治亚·凯肯迪斯 Georgia Kacandes - executive procer
格拉汉姆·金 Graham King - procer
查尔斯·尼沃斯 Charles Newirth - executive procer
马丁·斯科塞斯 Martin Scorsese - procer
Emma Tillinger - executive procer (as Emma Tillinger)
John Bernard - line procer: Paris
摄影 Cinematography
罗伯特·理查德森 Robert Richardson
剪辑 Film Editing
塞尔玛·斯昆梅克 Thelma Schoonmaker
原创音乐 Original Music
霍华德·肖 Howard Shore
艺术指导 Proction Designer
丹特·费雷蒂 Dante Ferretti
美术设计 Art Direction by
Alastair Bullock
Dimitri Capuani
Steve Carter
Stéphane Cressend
Martin Foley
Christian Huband
Stuart Rose
Luca Tranchino
David Warren
Ashley Winter
Rod McLean