分析早期电影

① 简述世界早期电影的特点

电影诞生在1895年，法国里昂照相器材厂厂主奥古斯特和路易·卢米埃尔兄弟运用“视觉暂留”原理，成功地制成电影放映机。同年年底12月28日，卢米埃尔兄弟在“巴黎科技代表大会”上展出，并演示了自己的作品，从而宣告电影的正式诞生。电影从它诞生的那一时刻开始，便作为一种特殊的公众艺术，以它运动与变化着的光、影，以及后来发展的声、色，给人们留下了深刻的印象，吸引着越来越多的人。卢米埃尔兄弟所摄制的影片，主要是基于他们所强调的复现功能而出现的，其电影主要的特点在于记录生活，但无太多的表现手法，不久这种单纯复现和记录生活的表现方式开始渐渐的让观众对电影失去了兴趣。

梅里爱一开始是卢米埃尔电影的模仿者，但最终却形成了自身的与卢米埃尔截然不同的风格，成了电影美学中的表现美学的源头。梅里爱对电影突出的贡献在于对电影特效摄影的探索，认识到电影有突破时空束缚的无限的可能性，将电影从平凡、枯燥叙述中解脱了出来，为电影附上了科幻与特效的色彩。下面我想谈谈奠定他在电影史中地位的经典作品《月球旅行记》的特点及对后这部电影拍摄于1902年，是一部具有非凡想象力的幻想片，也是梅里爱的电影艺术达到顶峰的代表作。影片的内容是描写一批穿着星相学家服装的天文学家决定到月球上去探险。他们来到一座复杂而奇特的机器工厂，在一群漂亮的女海员帮助下，搬来一颗大炮弹。科学家们坐进炮弹里，犹如在一艘宇宙飞船中，炮弹被发射到月球上，那里的仙女热情地接待了这批科学家，引导他们兴致勃勃地浏览沉寂而神秘的月亮风光。晚上，科学家们欣赏着仙女们神秘的舞蹈，她们分别代表着北斗星、金星、火星……等等星座的神灵。渐渐地科学家们进入了梦境，钻进山洞里去避寒，又遇到巨大的蘑菇、蜘蛛、多脚怪物和月亮神。历尽险阻后，科学家终于逃出山洞，找出炮弹，飞离月球，重新落回到地球上的大海，他们在海底遨游一番之后，安全地回到了出发地，这里正为他们建造一座永恒而奇特的塑像。

在这部电影中梅里爱利用了他熟练地各种技术（包括叠印、倒拍、三次及多次曝光合成照相等），添加进许多吸引人的幽默，让人惊叹的险情和一些幻想因素，并让整部影片表现出了完整的故事情节。虽然这部影片才短短十几分钟，但却充满了精巧别致的特技、悠悠漫长的空间旅行、海底的奇花异草、外星的火山洞穴、利己的科学家和迷人的姑娘等都直至今天都在使用的科幻片的必备元素，如果说像卢卡斯的《星球大战》这样的影片成了科幻的经典，梅里爱无疑则是开创了科幻的时代，可以当之无愧的被称为“科幻电影之父”。

梅里爱一生拍摄了400多部电影，其中包括了很多著名的科学幻想作品，在不断拍摄的过程中，他发现并开拓了摄影的基本特技：停机再拍、慢动作、溶暗、淡出、叠印和两次曝光等。他首开使用舞台演员、布景、道具、服装、化装手段等方法进行摄影，开创了与L-卢米埃尔“捕捉自然”相对立的另外一种风格，并创造了真正的戏剧电影，第一次有系统地将绝大部分戏剧上的方法，如剧本、演员、服装、化装、布景、机器装置，以及景和幕的划分等等，都运用到电影中去，这些手段直到当代电影仍被广泛采用着。

梅里爱虽然在最终破产中结束了他的电影岁月，但他对早期世界电影的发展和贡献却是功不可没的。

来电影发展的贡献：

② 分析电影《暖》

你好，楼主，我为您找到的资料。如果满意，谢谢采纳。 在现实社会中，面对真诚的挑战，人们总是困惑不已，生活中我们总是自觉不自觉地回避真诚，并按照一种定势去选择面具，戴上且不停地更换，于是便有了双重人格与虚构。但是每个人的心灵深处都有挥之不去的记忆，都有最柔软的角落期待被抚慰和触摸，这却是无法回避与伪饰的“原罪”。改编自莫言的小说《白狗秋千架》的影片《暖》以极其真诚的故事架构与飘逸唯美的影像，消融了长久以来人们借以藏身的伪善，唤起了人类原始的情感冲动，将我们带入那梦一般、诗一样的过往。
霍建起导演的电影《暖》是用“唐诗宋词的意境”（霍建起语）拍摄出来的一个现代农村的爱情故事，讲的是一个农村青年在城里生活了十年，一次偶然回到故乡，遇见了自己初恋的情人，由此牵出的一段情感往事……暖远远高飞的梦想与对爱情的渴望一起滋生，一次荡秋千不幸摔断了腿，也折断了她远飞的翅膀，打碎了她对爱情的梦想；林井河满腔热情化作一个无法兑现的承诺；哑巴的字典里没有“自卑”，他最终得到了他一生的爱。这是一部纯粹的情感影片，是一个漂亮女孩与三个男人之间的情感纠葛，是关于承诺与背叛的终极诠释，是企图振翅高飞却跌落尘埃的虚妄无力，是美丽与背叛，丑陋与真情的冥迷思辨。故事的情节并不复杂，但所包容的却很多：梦想、遗憾、理解，以及逝去的岁月。
一如既往的凡人小事，同样唯美温情的人生际遇，霍建起这次用凄美表述爱情，用记忆温暖伤痛。《暖》是一部很唯美的影片，忧伤、凄美，清新含蓄，舒缓深情，给人一种恬淡的意境。优美的画面配上舒缓却略带伤感的音乐，影片用一种朴实的风格表现了一段情，一段逝去的过去。导演用清新内敛的故事情节和影像风格打造了电影的美感，捍卫住了人性中的悲悯，又超越了悲悯，让我们看到了那些平凡人性中的高尚情怀。
影片一开始，暖的出场就让人心头一酸。一个曾经美丽，充满了活力和灵气的女孩，如今已变成了一个步履蹒跚，弯腰驼背，眼如死灰，连擦身子都不避人的粗俗女人。面对井河的同情和悔恨，“好？啥叫好？合适？啥叫合适？”暖的一连串反问让人感到绝望，绝望带来了忧伤，带来了安于现状的妥协和沉默。其实，生活原本如此，面临生存的困境，每个人都需要义无反顾地承受。
影片中井河有这么一句台词：“遇到一个人，你对现实生活的全部感受就会突然改变。”这句类似对自己拷问的话并不是在煽情，而是一种普遍的人生感悟。难道尘世间所有人的烦恼、遗憾和伤痛都是相似的吗？回想一下，我们不也曾多次在一些回忆悄然来袭的瞬间，突然感到那些自以为苦心经营多年，已经坚固无比的心理防线就那么土崩瓦解了。就像刘忆斯说的：“我们的忘却就是我们的怀念。”
影片中最后送别井河的那场戏，是这部电影的高潮。暖拒绝了哑巴让她和女儿跟井河走，搀着哑巴一起向自己的家走去。这时，我很庆幸此前我种种庸俗的猜测最终都化解在释然中。暖和哑巴渐渐远去的背影，此时看起来是那么的和谐。也许生活就是这样，它既不是假设，也不是虚构，而是真真切切地在继续着。我们看着看着，走着走着，过着过着，就习惯了。一切都是那样的顺理成章，生命就是以如此坚强的姿态承受和化解着突如其来的非难。
霍建起的《暖》，真的给人一种暖暖的回味?熏它充盈、饱满、充满了张力和诗意，令人难忘。侯孝贤早期电影如《童年往事》里静谧的田园诗情与饱含眷恋感的画外回忆，以及小津电影里人物的安详平和，都在《暖》中找到了失落已久的归宿。霍建起试图找到一种天人合一的平衡，而这种平衡具体在影片中表现为对逝去时光的带着遗憾与伤感的缅怀与忏悔，以及面对迷茫未来不得不选择的面对。“暖”的女儿成为主人公的生命和希望的延续，而导演本人则明显地在通过这个寓言化的情节剧，为自己于现代与传统更替互动的风起云涌的电影创作时代里找到明晰定位。所以，暖既是人、也是情；而《暖》说的既是爱情与生命的“暖”，也是电影人记忆中的期待中的电影创作现实里的“暖”。
挥之不去的淡淡忧伤让电影《暖》不出意外的获得了当年的金鸡奖最佳影片，同时获得了最佳编剧；去年在由巩俐担任评委会主席的第１６届东京国际电影节上，它还获得了两项大奖：影片获金麒麟奖，日本演员香川照之获最佳男演员奖。霍建起电影不事张扬的频频获奖是当代中国一个独特的文化景观，他每部影片里的角色在开始都企图在价值观念上有所突破，但到影片结尾，在道德观念上都进行了回归。在霍建起的“电影镜界”中，人类的伦理禁忌他是不会触碰的，对主流价值取向的完全认同必然能够换取主流意识形态对他影片的认同，这是他的电影能够频频获奖的重要因素。在《暖》中，人物关系一直存在着重复性的三角结构，这一切使影片努力传达的忧伤温暖的情绪油然而生，呈现出霍建起坚守的中国传统的伦理情境。“艺术未必要直面现实”（霍建起语），影片精心选择的叙事角度和手法，加上刻意设计的恬淡含蓄的影像，霍建起努力在给现实的残酷罩上一层柔光镜。
霍建起的“镜语”温文尔雅，摄影机的运动不紧不慢，表达人物情绪的镜头节奏不慌不忙，情节叙事舒缓平和，影片极其内敛、节制，成就了东方“犹抱琵琶半遮面”的若有若无的含蓄美感。正如导演自己所说：“我的影片特别安静，有时候自己从头看这些片子，也会沉浸在其中。我是有乡土中国情结的，影片全都是写人性、感情的，需要看的人能沉下心来，在特别安静的状态下才能体会到其中的味道。”
霍建起就是用形式感颇为精致的影像、铺张的音乐与规避人物情感剧烈冲突和社会现实残酷性的叙事，去追求一个人类精神家园的“理想国”。无论是上个世纪末的精神困顿与这个世纪的虚无与狂欢都不能使他为之所动。美术师的出身使他的电影在影像的视觉构成上与他采用的叙事形态有一种很好的互文承接的关系。著名的美学家莱辛十分称道古希腊雕塑《拉奥孔》的表现方式：雕塑家没有采取拉奥孔与他的孩子们被毒蛇缠绕，痛苦、恐惧、绝望等强烈情感爆发的瞬间，而是将这种种情感爆发前得以顺利用雕塑这种空间艺术永远的保留下来。因为，作为空间艺术，如果在作品中将一切可能性都表现出来而不加任何节制，观众就丧失了想像的空间。作为时空艺术的电影也是一样，在电影的物理空间中，一切都可见，节制的方式可以在流动的画面中制造不可见的因素，增强情感的张力。于是，一场柏拉图式的恋爱或者无法得到满足的爱情悲剧才更能在观众心目中久久萦绕不去。所以，霍建起的这部“温和”的影片《暖》才会被我们记住。
影片的人工布光散发着诗情画意，充满着一种小布尔乔亚的情趣。其镜语章法精致无伦，构图色调的优美明丽，场面纯净漂亮，情景交融，细腻而生动地表达了这个多主题叙事。让人印象深刻的是电影中使用了许多蓝青色调油画质感的“静物”的特写镜头，一盆清水中浮着一条白毛巾；老旧的炉灶上老旧的水壶蒸汽，一支老旧的青花瓷罐立在一旁；白瓷碗中刚敲入的鸡蛋清清黄黄，撒上一些绿的葱花红的辣椒，出奇的优美干净，就像霍建起用的每一个演员，干净靓丽。霍建起无疑是个唯美主义者，显然在他眼里，美高于真，是至上的创作原则。电影里，无论主题、情节、人物、画面、细节都是按照美的原则打造，处处可看到导演的良苦用心。
当然，影片并不是完美无缺的，唯美而富有质感的画面背后所架构的故事完全是霍氏自己的语境风格在演绎延续，全篇节奏沉缓，缺少现代节奏该有的紧凑和充实，用冗长频繁的台词表现人物的内心，使得剧情缺乏一种内在的张力。影片改编自莫言的小说《白狗秋千架》，最大的改动可以说是将黄河文化移植易装为长江文化。虽然有了稻田、溪流、池塘、水牛、绵绵细雨等作为影片点缀或作为情绪与环境氛围的参与，《暖》却依然没有逃出张艺谋早期民俗电影的繁复。影片中对荡秋千、婚礼、灯节的铺排与仪式化的描述，乃至庭院里红灯笼的高高挂都可在张艺谋的电影里找到明确的参照。莫言确实通过《红高粱》影响了张艺谋，但《暖》从某种意义上看作为张氏民俗电影的南方镜像现代版的存在，必然地处在一种尴尬的境遇里——在虚构与写实、激情与温情、刻意与自然、传统和现代的冲突的漩涡里，正如影片中井河纠缠在过去“暖”和现在的“暖”中一样。
霍建起的影片内核总是淡然而不乏悠远的怀旧。不过霍建起式的怀旧，并非全然的哀悼，而是始终夹杂着一缕深情的凝视，所以，霍建起式的青春，忧伤而不疯狂，爱情虽有碎裂却最终能缝合成一道隽永的风景。英国残废的女诗人白朗宁夫人著名的十四行诗中曾有这样的句子：“听哪，那银铃般的声音?蛐不是死，而是爱！”我们“因为爱，所以懂得。”我们因为爱，所以记住，记住这样一部唯美的片子，将我们带进了原始情感的美丽漩涡，带进了那藏匿着忧伤与本真的过往。

③ 电影理论的早期电影

在早期的电影理论论著中，最重要的是V.林赛的《活动画面的艺术》、V.弗里伯格的《银幕上的绘画美》和H.闵斯特贝格的《电影──一次心理学研究》。 原为德国弗赖堡大学心理学教授，他在1892年去美国哈佛大学任教。他在美国发现了电影的“新的艺术价值”，写了《电影──一次心理学研究》一书，于1916年出版。
闵斯特贝格第一次把完形心理学原则应用于电影研究，但他并不象另一位完形心理学家R.爱因汉姆那样用完形心理学来研究电影的素材，而把注意力集中于观众的心理过程。
闵斯特贝格是在高级知识分子普遍蔑视电影的日子里开始研究电影的，所以他明确表示他为电影写书是为了“使高级智力和普通智力”在理解电影上“走到一起来”。他写道：“照相剧的艺术已经形成那么多它所独有的新特点,这些特点同舞台技巧甚至毫无相似之处,于是就产生了一个问题，早已不再是戏剧复制品的照相剧，难道不是一门应当承认其美学独立性的新的艺术吗？”他把电影和戏剧作了截然的划分，指出电影有戏剧所无法企及的3大特点:真实感、时空变化的自由和特写的逼视能力。可见电影“在其发展过程中增添了许多在摄影技术上是可行的，而在舞台上则是绝对不可能实现的因素,于是电影便慢慢离开了戏剧的道路而转变了方向”为此，他在书的第二部分中分析了高速摄影（慢动作）、倒摄、叠印、模型摄影等一系列电影技巧，并要求电影不要“为了用活动照相更完善地去复制舞台剧”，而要“完全脱离开剧院”，成为一门崭新的艺术。闵斯特贝格著作的第一部分“照相剧的心理学”把心理学应用于电影研究时，完全摒弃了当时已在文艺研究中露头的弗洛伊德理论，即强调艺术经验的潜意识的、梦幻的性质。他把电影与观众的关系解释为一种相互作用的关系，指出人对电影影像活动的感受，除了消极地依靠视觉暂留原理的生理作用外,还存在着积极的思维过程,所以他认为看电影是一个“积极的过程”，“一种强烈的思维活动，在这一过程中，观看者是制片者的一个合作者。”
这些最重要的早期电影理论论著之所以都出在美国，同D.W.格里菲斯的崛起并使美国电影在艺术上发生质变有关。这些著作对电影的艺术地位作理论上的肯定，也使美国电影界对格里菲斯道路的正确性有了信心，促使美国电影在艺术的发展上先于欧洲。但是，正如J.莫纳柯指出的那样，“从20年代初开始，理论的中心点转移到了欧洲，在此后的50年里，法国、德国和东欧的思想家们主宰了电影理论，美国则主要转向实际──关心影片评论甚于抽象的理论。”

④ 试分析美国电影各发展阶段的特点

一、起源

有记录的第二张捕捉并再现运动的照片记录为埃德沃德·迈布里奇在加利福尼亚的帕罗奥多拍摄的一组奔马照片。在拍摄时，他将一组静止的照相机摆于一排。他的成就促使各地的发明家开始尝试制作类似功能的装置，以捕捉此类运动。

在美国，托马斯·阿尔瓦·爱迪生就是最早开始制作这类装置的人之一，他制成了活动电影放映机，但由于该装置的专利实施很严格，致使早期的电影制作人只能寻找替代品。

在美国，最初只是在轻歌剧的间歇为许多观众放映电影。企业家的各种电影展示活动，促使了戏剧性电影制作的首次世界范围性的尝试。

在美国电影业发展的早期，纽约是电影制作的中心。位于皇后区的考夫曼·阿斯托里亚制片厂（Kaufman Astoria Studios）创建于无声电影时期，那时马克思兄弟和费尔兹（W. C. Fields）在那里工作。

此外，曼哈顿的切尔西也是电影制片的主要场所。奥斯卡最佳女主角玛丽·毕克馥的很多早期电影也是在这个地区拍摄的。但是，因一年四季的宜人气候，好莱坞成为电影拍摄的更佳选择。

二、好莱坞的崛起

在1910年初，美国电影放映机与传记公司（American Mutoscope and Biograph Company）派导演大卫·格里菲斯带着他的演员团队到西海岸去拍摄电影，演员包括巴兰彻·斯威特（Blanche Sweet）、吕伦居殊、玛丽·碧克馥、莱昂纳尔·巴里摩尔等。

他们在洛杉矶市中心乔治亚街附近的一个空旷外景地开始了拍摄。当时，公司又决定开发新地区。于是他们又向北前进了几英里，到达好莱坞。当时还是小村庄的好莱坞，非常愿意让电影公司在那里拍电影。

之后，格里菲斯完成了在好莱坞拍摄的第一部电影。这部电影叫做《在古老的加利福尼亚》（In Old California），是一部传记式情节剧，描述18世纪初的加利福尼亚，当时还隶属于墨西哥。美国电影放映机与传记公司的人员在好莱坞呆了数月，又继续拍摄了几部电影，才返回纽约。

当时是1913年，在听说了该公司在好莱坞取得的成功后，很多电影制作公司也纷纷向西挺进，以避免托马斯·爱迪生的电影制作工艺的专利费。在加利福尼亚的洛杉矶，电影公司和好莱坞同步发展起来。第一次世界大战前，电影仅能在几个美国的城市完成。

但随着电影业的发展，电影制作公司被吸引到加利福尼亚南部，因为那里气候温和、阳光明媚，一年四季都可在户外拍摄，那里还有各种各样的布景。虽然电影（特别是美国电影）的起始点众说纷纭，但是格里菲斯于1915年拍摄的史诗电影《一个国家的诞生》，成为全世界第一个电影词汇，至今仍在胶片史上占据重要地位。

在20世纪早期，当媒体还是新事物的时候，很多犹太移民在美国电影业中找到了工作，并留下了自己的足迹：在临街的五分钱剧院（Nickelodeon）中放映电影短片（剧院取此名是因为当时的门票价格为五分钱）。

一些年后，其中有抱负的电影人，如塞缪尔·戈尔德温、威廉·福克斯、卡尔·拉姆勒、阿道夫·朱克尔（Adolph Zukor）、路易斯·B·迈尔（Louis B. Mayer）和华纳兄弟（即哈利、亚伯特和杰克）纷纷转到电影制作上，很快就成为了新型企业，即电影公司的巨头。

（当时还有一位身兼女导演、也是制作人和电影公司巨头的人物爱丽丝·盖·布兰琪（Alice Guy-Blaché））他们为电影业的国际化奠定基础；不过美国电影业常被指责为以美国为中心的偏狭观念。

一战后，一些欧洲导演恩斯特·刘别谦、阿尔弗雷德·希区柯克、弗里茨·朗、让·雷诺阿，以及演员鲁道夫·范伦铁诺、玛莲娜·迪特里茜、罗纳德·考尔曼和查尔斯·鲍育（Charles Boyer）等电影人纷纷来到美国。

他们加入了一个演员的自我发掘时代——在有声电影诞生后，纽约城剧院的演员纷纷加盟了这个20世纪最受瞩目的发展行业。20世纪40年代中期，电影行业达到高峰期——美国影院每年上映约400部电影，每周有近9000万美国民众前去影院观看。

“威廉·海斯拯救美国电影业”，出自美国漫画家赛勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世纪20年代后期，有声电影在好莱坞逐渐升起。1927年，首部有声电影《爵士歌手》使用维他风唱片机，同年5月，西方电气公司旗下分部电器研究产品有限责任公司（简称ERPI）在电影配音方面获得垄断权。

有声电影一方面的影响就是许多无声电影演员接不到工作，因为他们多数人的嗓音糟糕或是记不住台词。1922年，美国政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）离开政坛，组建了前身为电影制作室组织的美国电影制片发行商协会（MPDAA），该协会在其退休后改为美国电影协会。

有声电影的发展早期，美国的电影制片厂发现他们的有声作品不为非英语国家的电影市场所接受，甚至在其他的英语国家中也遭到冷遇，原因是那时的同步配音技术仍相当不成熟。解决办法之一是制作与之对应的外文版好莱坞电影。

1930年左右，美国公司在法国桥连城建立了一家电影制片厂。多个不同的电影摄制组在那里分时工作，他们使用相同场地，穿着相同服装，甚至绝大部分的场景也是相同的。国外的失业演员、剧作家、选秀比赛中的优胜者经过筛选后被派往好莱坞去拍摄好莱坞英语电影对应的非英语版电影。

这些版本的电影的拍摄预算不高，由二流的只会讲英语的美国导演执导，通常在晚上拍摄。西班牙语摄制组中包括了路易斯·布努埃尔，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎维尔·库加（Xavier Cugat）和埃德加·内维列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好莱坞电影绝对可以和它们的原声版相媲美，西班牙文版的《惊情四百年》就是其中一。到了20世纪30年代中期，同步配音技术已经发展得相当成熟了，外文配音就变得很寻常了。

三、好莱坞的黄金时代

所谓好莱坞“黄金时代”，是指从1920年代末，即无声电影时代末期，至1950年代末这段时间。成千上万部电影在此期间产生。其开始标志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不仅结束了无声电影时代，同时也增加票房收入。

不管是西部片、闹剧、音乐剧、动画片还是传记片，好莱坞影片几乎都遵循一个模式——每个电影公司出品的电影，都有自己特定制片团队。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力于米高梅电影公司，艾佛瑞·纽曼在二十世纪福克斯电影公司工作了20年，赛西尔·德米尔的电影大多由派拉蒙电影公司制作，而导演亨利·金（Henry King）的电影则大多由福克斯出品。

同时，人们根据影片中的演员阵容就可以大致猜出该部电影的出品公司，米高梅声称“旗下的电影明星比天堂里的还要多”。每个电影公司的电影题材和独特风格也使得人们猜到每部电影的出品公司——这一现象在今已不复存在。但是每部电影都与其他电影有着些许区别。

不像汽车制造者，拍摄电影的人都是一些艺术家。譬如，1944年的电影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，并不仅仅是因为男一号的扮演者亨弗莱·鲍嘉和劳伦·巴尔考，而且是因为这部电影的剧本出自两位诺贝尔文学奖作家：电影原著小说作者海明威和该剧本改编者威廉·福克纳。

在整个1930年代以及黄金时代的大部分时间里，米高梅主宰着电影市场，并拥有大量好莱坞超级明星。同时，米高梅也因创造了好莱坞明星制而备受好评。

米高梅的明星包括“好莱坞之王”克拉克·盖博、莱昂内尔·巴里莫尔、珍·哈露、诺玛·舒利亚、葛丽泰·嘉宝、珍妮特·麦克唐纳（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯宾塞·屈赛、朱迪·加兰以及金·凯利。

在这一时期美国电影业取得的另一个伟大成就是华特迪士尼公司。1937年，迪士尼制作了当时最成功的电影，《白雪公主与七个小矮人》。1939年，米高梅创作了历史上最成功的电影——《乱世佳人》，尽管在大萧条时期，这部电影仍然是史上票房最高的。

很多电影历史学家对这一电影高产时期创作出的许多伟大电影作品都做出了评价。其中一个原因可能是：制作了这么多部电影，并不是每一部都必须成为热门。

电影厂可以在一部有着优秀剧本与相对不是那么出名的演员的中等预算故事片身上冒险：而由奥森·威尔斯导演的《公民凯恩》符合以上描述，它也被视为史上最伟大的电影。另一些情况下，像霍华·霍克斯、希区柯克及法兰克·卡普拉等坚定的导演们为了达到他们的艺术理念，而与片厂进行“斗争”。

1939年是片厂制度的鼎盛时期，有很多经典电影在这一年发行，如：《绿野仙踪》、《乱世佳人》、《驿马车》、《史密斯先生上美京》、《呼啸山庄》、《天使之翼》、《异国鸳鸯》与《午夜》等。

黄金时代以来的电影中，现在被誉为经典的有：《卡萨布兰卡》、《风云人物》、《一夜风流》、原版《金刚》、《叛舰喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《红河》与《大礼帽》等。

四、片厂制度的没落

“小三”(环球影城，美国艺术家和哥伦比亚影业)没有自己的剧院，拒绝分享同意裁判书。许多独立制片人也对折衷和形成一个众所周知的独立运作电影制片人的体系，控告派拉蒙垄断底特律剧院不满意-因为派拉蒙通过控制演员，像鲍勃霍普，波莱特戈达德，维朗妮卡湖，贝蒂赫顿；

经纪人透露宾克罗斯比，艾伦拉德和长期为加里库珀工作室工作的长期演员-自1942年开始。在二战期间，五大电影公司没有达到同意裁判书的要求，没有发生重大后果。但是二战结束后，在好莱坞反垄断案中，他们作为被告加入了派拉蒙。

最高法院最终裁决主要制片厂电影院的所有权和影片发行是违反谢尔曼反托拉斯法。结果，工作室开始释放演员和技术人员通过与他们的合同。好莱坞主要的工作室改变了电影的模式，因为每个工作室都挺有一个完全不同的演员阵容和创新团队。

这导致了逐渐失去特色，米高梅电影制片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥伦比亚公司，RKO公司和福克斯电影公司很快认识到这一点。

但是某些电影人，例如塞西尔B德米尔公司同演员的合同也是到他们职业生涯的最后或者电影使用相同的创意团队，以至于德米勒电影无论是1932年制造还是1956年制造看起来仍然像是一个模式。并且每年电影制作的数量随着平均预算猛增而下降，在行业策略上标志一个重大变化。

现在工作室目的在于生产娱乐，而这种娱乐是电视无法提供的： 壮观的，有英雄色彩的影片。工作室还开始出售部分电影胶片库给其他公司去销售电视。到1949年，所有大型电影制片厂放弃了他们剧院的所有权。

电视也有助于好莱坞黄金时代的下降，因为它打破了电影业在美国娱乐界的霸权地位。尽管电影业在19世纪50年代随着长期政府检查制度淡化，在未来电影中能够获得一些影响力。在派拉蒙反垄断案结束后，好莱坞电影制片厂不再拥有电影院，因此致使美国影片能够在美国电影院不需要审查制度。

这补充了1952年奇迹在斯泰因公司同约瑟夫威尔逊事件的决定。 美国最高法院改变了其早期的立场。从1915年的相互电影公司同俄亥俄州案工业委员会的案件中，陈述了电影是艺术的形式，有权保护第一修正案；美国法律不再审查电影。

到1968年，美国电影协会（MPAA）代替了海斯法典-在政府威胁检查后，其现在极大侵犯了美国电影协会，证明准则的起源已经同电影分级制度一起结束了。

五、新好莱坞和后经典电影

后经典电影这词用来形容新好莱坞变化的故事叙述方式。人们认为新的剧本与塑造人物的新方式利用观众在经典时期培养起的期望：打乱的年份，以结局出人意料为特色的故事情节，主角与反派间模糊的台词。

后经典故事叙述的本质展现在黑色电影中，如1955年《无因的反抗》，以及希区柯克情节支离破碎的《惊魂记》。

“新好莱坞”一词用来描述新一代电影学院培养的导演的崛起。他们掌握了六十年代欧洲发展起来的技巧。1967年电影《邦尼和克莱德》标志着美国电影重振的开端，也意味着此后新一代电影，在票房上能够取得成功。

好莱坞一直坚守制片人中心制的原则，新好莱坞独立制片的出现，开创了导演和制片人融合的趋势，形成导演资本制。

同时担任电影制片人和导演的法兰西斯·福特·柯波拉、佐治·卢卡斯、布莱恩·德·帕尔玛、马田·史高西斯、威廉·弗莱德金、史蒂芬·斯皮尔伯格开始拍摄向电影历史致敬的影片，并发展了现有的电影体裁与技巧。七十年代早期，他们的电影不仅受到好评，还取得票房成功。

早期的新好莱坞电影，例如邦尼与克莱德，逍遥骑士是成本较低的影片，没有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮尔伯格与卢卡斯各自凭借《教父》，《大白鲨》以及《星际大战》取得了巨大成功，这有助于现代大片的产生，也吸引制片厂更加关注制作更多大片。

这些年轻导演的更多投入并没有带来好处。通常，他们把时间表排的太满，预算超支，因此导致自己或摄影棚破产。最有名的两个例子是科波拉的《旧爱新欢》，最典型的是迈克尔·西米诺的《天堂之门》，单是这部影片就使美国联艺电影公司破产。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英国，是一位闻名世界的电影导演，尤其擅长于拍摄惊悚悬疑片。

这位世界所公认的恐怖大师，事实上也是由他发明了“惊悚文艺类影片”（the thriller genre）这一电影类型。阿佛莱德·希区柯克同时也是个优秀的技师，熟练的把性感、悬疑、幽默都融合在一部电影里。

(4)分析早期电影扩展阅读：

今日好莱坞

一、运作特色

好莱坞电影常会有透过片厂（电影发行商）与制作人签约合作的方式，分别让片商负责贩售的通路，而制作人则专注于电影本身，出产行销全球的大型制作影片。

二、叙事美学

在好莱坞影片的剧情铺陈，少有文化或语言的障碍，其主题多是可跨文化传播的高概念电影，这样的作品因为主题符合主流市场，故全球都容易推销。因此现在好莱坞也成为世界许多地方电影的代名词。

虽然此类电影票房好、跨文化，但也有文化评论者批判若独尊高概念电影，会造成电影叙事风格如出一辙，了无新意，“是一种商业化和专断化，最终将导致多样化的消失。面对这样的全球霸权，负责任的电影人和批评家应该让眼光超越好莱坞，建设多元的电影模式”。

三、产业规模

美国因为电影相关的文化产业，造就了许多的工作机会与庞大的商机。据美国电影协会报告指出，2011年美国电影业造就的就业总数超过220万人，其中约有70万名为直接的电影行业从业人员，另外150万名为间接受雇支援电影制作工作的各种人员，2012年美国电影业收入为107亿美元。

⑤ 如何分析电影——（三）影片人物分析

三人物 电影中的人物，是电影创作中的核心，也是作品的核心。反过来讲，人物的塑造，是电影导演创作的重中之重。我们对文学的理解是“文学是人学”“风格即人”。同其它的艺术形式相比较，电影的创作也是紧紧地围绕塑造典型环境中的典型人物展开的。可以这样认为：电影中的人物是叙事的核心，是矛盾冲突的核心，是影片造型的基础。 对于电影的基本要求，我们希望是在一系列的场景中，事件中，动作中，对话中看到的不是一般的人（具体的演员），而是鲜活的、有性格的人物。 世界电影中的常规情况是，观众对于电影中的人物（其实是对演员）感兴趣，对于电影中的故事感兴趣，对于电影的主题感兴趣，才会全方位的对电影给予关注。我们所理解的“人”，是自然的人，社会的人。电影中的“人物”，是电影叙事中、戏剧结构中的“符号”和“虚构”的人，是由演员（职业的、非职业的）扮演的银幕形象。在我们的潜意识中，人物——演员，演员——角色，这两者交替的认同。我们在分析电影时，对人物的分析应该把握住如下问题：1．分析N物在影片中担当的角色： 我们理解的电影中的人物，往往是电影中演员扮演的“人物”十演员自身形象的综合感觉。人物有时候是一个具体的概念，有的时候是一个抽象的概念。 电影中的人物是叙事的主体；是电影情节中的主要情节的发动者和承担者；有的时候，电影中的一些人物对情节并没有特别大的帮助，仅仅是一种“象征”，是一种“符号”。 我们的心理意识和思想意识无法超越的是，我们很难将某一个“演员”的形象，从影片中的“人物”形象中分离出来，往往是三种思维定式：A：影片中的人物一演员本身。B：影片中的人物一＄员十人物。C：影片中的人物一一人物。2．分析影片中人物的表现方式： 电影中的人物表现，不仅仅是影片的整体叙事及情节，也不在于其出现场影的多少，对白台词的多少，镜头数量的多少，而在于具体表演、表现的方式。大体有如下四种方式：1）人物外形表现：影片中的人物的外形，是影片人物的重要的性格特征和重要的视觉信息。 在影片的制作过程中，更为重视其服装，发型，化装的处理。例如：美国早期默片时代的经典人物卓别林，其外表很有特点，在电影中的视觉外形形象极为鲜明。影片中的人物外形不但要符合影片的叙事，还要有鲜明的特征。2）人物景别表现： 某一个人物在电影的表现中，有时更多的是用某一种特定的镜头景别处理。其目的是想充分地利用镜头的景别，着得对人物进行心理、情绪、表现的描写，即使是某一个人物用 多种景别处理画面，或者是众多的人物分别用不同的景别加以表现，也是要对人物进行性格和心理的刻画。 例如：《我的父亲母亲》中，“母亲”年轻时的叙事和人物形象，更多的是采用近景、特写和全景、远景的交替应用，“母亲”年老时的叙事和人物形象，更多的是采用全景的镜头来完成，影片的总体风格基本是这样一种规律的处理。3）人物形体表现： 电影叙事和场景中人物的形体方式处理，大多数是经过导演和演员精心设计的。因为，人物的形体处理的方式和状态，不光是为了叙事，为了场景，更多的是为了人物形象的塑造，甚至是为推动影片的情节。 例如：影片《我的父亲母亲》中，彩色回忆时空段落中，年轻的“母亲”，人物的形体永远是处在运动之中，处在站立和跑动之中；而黑白现实时空段落中，年老的“母亲”，则恰恰是相反的处理，大部分形体表现处理成为静止的形态和坐姿状态。4）人物位置表现： 影片摄影画面构图中的人物位置，无论是在影片风格，画面效果人物塑造上都有其特殊的意义。在具体画面处理的方式上，有的人物在画面上是居中处理；有的人物在画面上是居边处理；有的人物位置干脆是不规则的卡头卡脚处理。 例如：影片《黄土地》的人物位置的整体风格是居中处理。影片《一个和八个》的人物位置的整体风格是居边处理。这两种不同的处理方式，使得影片画面构图中的人物位置有一种鲜明的造型效果。其实，这都是一种影片叙事、手段、风格的外延。 从影片的宏观上分析人物的表现方式，在影片的创作过程中，一定是导演十分重视的技巧与元素。通过这种细致和量化的分析，我们可以进一步了解影片的风格、画面、效果、技巧、结构和导演方法。3．分析N物动作的表现技巧： 影片中决定人物动作的重要因素是环境、事件和规定要求。作为导演，对于人物动作的简单表现和复杂表现，在影片的叙事风格上会产生不同结果。那么，核心的问题就是导演采用什么样的镜头技巧来反映和表现这些人物的动作。这时叙事中的人物动作成为了内容，镜头处理表现技巧成为了形式。 我们在分析影片的人物动作时，讨论人物动作本身的存在形式和动作方式，仅仅是我们分析人物的一个方面。更重要的是，同时我们要分析影片的镜头中和段落中采用什么样的具体镜头技巧（方法），来表现此时此地的人物动作。 导演在实际创作和拍摄处理上，可以是用不同的镜头技现（方法），拍摄和表达不同的人物动作，也可以是用相对固定（一样）的镜头技巧（方法），表达同一的动作和不同的动作。如果是采用后者的处理方式，就会产生影片人物动作镜头技巧（方法）处理上的特殊风格。 例如：导演陈凯歌拍摄的影片《黄土地》，大量地采用静止（静态）的镜头完成画面的表达，采用极为有限的摇镜头表现部分的人物动作和运动，表现场景的空间；导演徐克拍摄的影片《新龙门客栈》大多数是采用夸张、变形的镜头画面形式表现各种人物的近景和动作；导演吴宇森拍摄的大部分分影片，大量地在叙事镜头和动作镜头中采用高速摄影（慢动作）的镜头技巧，来表达影片中人物的动作的异化，具有一种人物形象塑造的浪漫、飘逸与超然感觉，有一种影片“暴力”美学的特征。4．分析场景中、镜头中人物的光线形式： 按电影的常规分析，场景中、镜头中人物的光线的形式应该有其相对的设计性、独立性、形象性、鲜明性。 人物光线的形式，除了受到场景、空间、环境、光源的位置、方向、性质的影响外，还要受到影片的主题、内容、风格、样式、叙事、情节和导演处理的制约。 有的时候，为了达到人物形象的塑造，赋予影片中某一个人物以一种特定的光线形式。只要这个人物一出现，这种专门设计的光线的效果就存在。 例如：导演张艺谋的影片《大红灯笼高高挂》中，陈老爷这个人物的光线形式，就是具有相当程度的规定性，完全是逆光、剪影、半剪影的处理。使人物的形象刻画十分鲜明，增加了人物的神秘感，在影片的叙事当中起到了非常重要的作用。 有的时候，为了达到影片叙事情节的表达，在影片中赋予某一个人物以一种特定的光线效果，这个人物走到哪里，这种光线效果就带到哪里。美国影片《现代启示录》中，威拉上尉历尽艰难，深人到丛林中去寻找库茨上校，在影片的结尾的场景中，丛林中库茨上校的居住地的光线效果，则完全是主观化的处理，人物只有逆光的处理，很神秘，很形式。 有的时候，摄影光线的处理完全是为了影片全片的风格，使某个或者某几个人物，采用一种特定的光线效果形式。 例如：导演关锦鹏拍摄的影片《阮玲玉》中，现代时空（演员扮演的段落）的人物处理，假定性的人物送光、轮廓光十分鲜明，很有现代感和唯美性，超越了早期资料影片的审美氛围，在光线的形式上，形成了两个不同时空的交替。