西方电影分析

A. 中国电影和西方电影有些什么不同

1、运用市场运作规则、模式差异

中国电影与欧美电影相比，还处在市场化的初级阶段，在商业诉求上显得太浮躁、太急功近利。中国电影走向产业化，不仅是电影本身从艺术电影向商业电影的过度，更是文化市场和大众审美对电影发展的需求。

2、培育衍生品市场差异

美国电影业总收入仅有20%是从影院的票房收入中获得的，而电影衍生品的收入高达70%。

中国电影收入的90-95%是票房和植入式广告，一些电影衍生品的收入几乎为零。美国电影衍生品开发与推广给中国以启示。

3、新旧媒体融合的宣传营销差异

在新媒体时代，美国抓住新媒体与电影的共性——虚拟性的特点，充分利用网络的互动性，使新旧媒体平台相配合，增加电影的消费力量。

电影传播的是蕴藏在影片深层的文化观念 中国电影需培育稳固的国内市场，在挖掘电影的内涵上下功夫，表达中华文明的精髓，反映积极向上的价值观、世界观。

B. 东西方电影反面角色分析

你写论文?
东方电影,我以香港四大坏人为守的成奎安举例.
东方的坏人你会发现一个非常大的特点,面部非常狰狞,并且长的非常让人觉得恐惧或者害怕.俗一点就是,长的就象个坏人.当然,这是早期的,现在的坏人越来越高智商化,可能犯罪更加高智商了.通常都是职业,或者长相非常好的,家庭环境很好的.有一种非常大的反差.有点白天象好人,黑夜象恶魔.
西方的坏人,更加区域事业型,他不会特别考虑威逼胁迫亲人这一层,更多的是希望以一种武力硬碰硬的去挑战彼此.
我一直耿耿于怀的一部电影就是,尼古拉斯和约翰·特拉沃尔塔拍的夺面双雄.
这部电影你能看到两个人的演技之外,更加深刻的认识到西方反面的一种解读.

C. 中西方电影比较

你的问题太大了，建议提高分数，不然大家不踊跃哦

随便说两句吧，这确实不好比较，因为涉及电影技术、文化差异、观念不同、演员演技、拍摄技巧、音乐减切等，我大学毕业论文也只从美国励志电影本身进行分析，你给的题目能写超长论文了。而且关键是，中国电影和西方电影，特别是HOLLYWOOD的电影差距太大，没有什么意思，如果你仅仅看国产片而不看HOLLYWOOD的经典，可以说你没有看过电影，我也不好贬低国产片了（包括港片，所有港片符合一个特征：有佳句无佳章），你还是多看电影自己感受一下吧。

D. 跪求；中西方电影的差异可以从哪些方面分析 2个问题

1文化差异（如语言艺术 说话风格 人物内涵）
2经济结构（投资数额）
3剧情、导演等等的专业水准
4国内外电影市场和社会环境（如对暴力、恐怖、血腥的理解。）
主要就是这些吧，总之中国电影市场有些保守，有些电影无法流入国内影院

E. 跪求。中西方电影可以从哪些方面分析

首先，我要说明，中国的描写英雄的电影不是少，而是因为美国的英雄使观众对于英雄的解释狭隘化了。相比于西方高大威猛俊朗的英雄（如詹姆斯邦德，佐罗，超人或蝙蝠侠等），东方的英雄体现的更多是平凡普通的特点。这一现象的出现，与其自身的环境有着密不可分的联系。

首先，自然环境对人具有潜移默化的作用。它使人自觉不自觉地得到某种熏陶和影响。中华民族文明起源于黄河流域，三面连陆一面靠海的地理环境使中国几乎处于与世隔绝的状态，从而使自身文化保持很强的稳定性和历史延续性。这让中国电影中所谓的英雄大多出身平凡，事迹平凡，毫无西方英雄的那些可以拯救世界的功绩。其次，人文环境也起着很重要的作用。生活圈子的狭隘与封闭，人与人之间接触的固定性和长久性，为了能够和睦相处，国人非常注重人情世故，这也培养成国人谦虚、谨慎、忍让、含蓄的传统美德。中国的这种自然和人文环境以及在这种环境影响下的文化传统养成中华民族内倾型人格。这让中国的英雄变得很谦虚，很平和。

因此，中国导演们往往另辟蹊径，将重点不再放在大片上，而转为描写一些民族特色的文化。因为中国的地域广，民族多，民俗浓厚。远到《黄土地》和《红高粱》，近到《玛雅的婚礼》，中国导演们将民族独特的原生态之美呈现在观众面前，使厌倦了大片的观众眼前一亮。这样，中国的有创意的导演们就化劣势为优势，进一步拓宽了中国的电影渠道。

而作为西方文化源头的古希腊与古罗马均处在半岛之上，多面临海，海上交通发达，航海贸易繁荣，这就使这些国家形成了打破血缘关系的开放式的社会。激烈的社会动荡、频繁的人员往来和波涛汹涌、变幻莫测的海洋形成其开放变易的文化品格，铸就了其灵活、开放、勇敢、进取、协作的民族精神，倡导艰苦奋斗和自强不息。所以，西方人喜欢标新立异、革故鼎新，富有冒险精神和挑战勇气。在西方，也正是这种自然环境下形成的文化传统养成西方人那种外向型人格。所以，西方的英雄总是会独特的显示出来也就不奇怪了。

以上是对中西方电影内容上的总结，下面我们要说一下关于电影叙事上的不同。

很多人都发现了，中国的一些电影，在表达情感时候经常会用景物来做铺垫和衬托，靠景色来突出人物的情感及当时环境的氛围。这似乎有点传承于宋朝的人文画和古代的一些借景抒情的诗歌。而西方的电影更多是靠人物细腻的表情来刻画人物的情感。从中我们可以得出结论：中国更注重自然的规律，而西方则更注意自我的主观能动性。这又是什么原因呢？

中国传统文化主流侧重于主张“天人合一”，强调尊重自然，遵循自然规律，追求人与自然的和谐。中国文化主要地是把自然作为崇拜的对象而不是研究和征服的对象，作为想象的对象而不是作为探究的对象，始终把谋求人与自然、社会的和谐统一作为人生理想的主旋律。从而也造成了谦虚谨慎、含蓄内向的柔弱的文化品格。更使得景物的描写成了中国电影中的一种特色。

而西方更为崇尚个人的意志自由和人格独立，强调个体的生命价值和尊严和保护，整体意识和集体观念淡薄。又因为西方自由的教育模式，使西方人富有直面挑战，大胆追求、崇力尚武、急功近利，甚至不惜以片面掘进的思维方式和不择手段的行为方式去达到目的、争取胜利的精神品质和心理状态，从而形成率直、豁达，具有刚硬的文化品格。在电影中，西方人细腻的表情变化成为了衡量一个演员的尺度。

最后，我要说的是西方与中国的科技差距。

美国大片一个最显著的特征就是：场景规模宏大，靠高科技完成的场面十分绝妙逼真，满足了人们的视觉享受，很多无法在现实生活中出现的场景都在这种科幻电影中得到了真实的展现。这源于西方高超的科技，也源于他们历史上比较早的开始了资产阶级革命和工业革命。而中国依然是由于起步较晚，再加上中国人本身的胆怯与谦虚，科幻影片的质量并不出色。这又使得在表达方式上中西方的一大差异。

虽然中西方的文化迥然不同，造成中西方的电影也不可能趋同，但我们作为观众，更希望看到的是两地取长补短，相互了解与借鉴彼此的精华部分，为电影做出更大的贡献

F. 西方电影赏析的论文怎么写啊

一般的套路是，首先介绍一下影片的基本信息，国家，类型，导演，编剧，公司，上映日期等。
然后概括一下主要剧情。
接着进入正题。看你自己最欣赏这部电影的哪一点，就着力去写。
要是是被迫的，那就从剧情发展，人物性格，场面调度，主题思想这几个方面谈一下。
其实也很简单，主要是找准一个思路就好了，避免东一点西一点，不然文章就看起来很乱。

G. 什么是西方现代电影，越详细越好

无论是上世纪20年代中期的先锋电影，50年代的新浪潮，还是60年代的安东尼奥尼、戈达尔派，这类电影都有一个共同的特征—对传统情节的否定。

传统的故事片的结构方式，都包含一个情节。而这个情节是根据可能和必要的法则（或因果）相互联系起来的一系列事件。有时这些事件还往往表达了一定的社会现实意义。总的来说，它是以人的理性活动为基础的。

而西方现实主义流派电影则主张以非理性的直觉、本能和下意识来体现创作者的“自我”思想。因此，他们不把情节作为电影的基本结构，想要摆脱与情节的任何联系，割断了人和社会的联系。由于受到这种思潮的影响，60年代后期西方电影界兴起了所谓的“流”派电影，即“意识流”电影和“生活流”电影。

“意识流”电影

意识流电影主张以非理性的意识流动构成影片的内容.甚至的时间和空间也被”主观化”了.于是,映现在观众眼前的是一副社会主人公主观认识到的,那种颠倒错乱了的世界.它在结构上有以下特点:一.抛弃了传统的叙述顺序，以非理性的心理连续代替传统叙事逻辑顺序；二.在时、空反方面打破了传统的结构顺序。影片中大量地运用闪回和倒序，把过去、现在和未来交织在一起，把回忆和幻想、真相和错觉揉合在一起。如果我们把以上特点概括一下，便可以得出“意识流”影片的情节公式；回忆（包括联想、幻觉和梦境）+现实。但是，这不是一般正常人的现实和回忆的结合，而是是狂乱的心理活动不间断地侵入影片人物的现在生活所形成的一种影片的剧作情节。在我们看来，由于这种艺术所追求的是一种下意识活动，所以网网给人以支离破碎、晦涩难懂的感觉，在情节上也是不和谐、不统一的。

“意识流”电影代表作品

片名：<<广岛之恋>>

导演：阿伦 雷奈

这是一部时间与空间概念完全心理化的“意识流”电影，以充满简短下意识的闪回镜头，表现了一个法国女演员在日本广岛拍片期间和一个日本建筑工程师的短暂爱情故事。在这个爱情故事展开的同时，又掺入了回忆的内容：她在二战期间与一位德国士兵的情感经历。

这是一部与传统电影有着下显著区别的“现代电影”。雷奈采取了新颖的叙事技巧，巧妙地把时空交错的“意识流”呈现在一幕上，而导演则完美地把握了视觉画面和视觉语言之间的平缓，被誉为现代电影的“开山之作”。

“生活流”电影

生活流主张“让生活本身说话”，按照“生活本身的自然流动”，对生活作一种“纯”客观的记录。换句话说，这种影片要求“按照生活原来的样子”去记录生活，对于所描写的对象不做任何思考和概括，也不做任何评价和分析；认为应该由观众自己去得出结论．这种力主以”自我溶解于客观之中的影片，必然会导致艺术家的创作活动仅仅是不偏不倚地、客观主义地去摄录日常的”生活流”，而不必去考虑作品的情节．于是，在”生活流”的影片中，时间的联系被打断了，世界上的一切似乎都在分崩离析之中．这类电影的美学观就是不必对生活作任何选择，只须抓取一些生活片段．客观主义地将他们混杂在一起即可．

“生活流”电影代表作品

片名:<<四百击>>

导演:弗朗索瓦 特吕弗

<<四百击>>的成就主要是开创了一种新的拍片方式,并且使”强调个人艺术风格”的作者电影被大众所接受,影片基本上是特吕弗个人的生活经历,以一个孩子的日常生活为主线,通过他在学校、家庭、少年管教所等处所经历的大小琐事，把镜头深入到人物的内心情感世界，折射出人物所处的社会环境的冷淡，成人世界{老师、家长、政府机关人员}的专横，以及僵化的教条制度对一个成长中的孩子在精神上所形成的摧残。电影中最经典的段落是片尾长达数分钟的长镜头，他带着观众跟随主人公小安托万穿过树林、田野、奔向茫茫大海，最后以小安托万回头时无助的眼部特写结束，从而完成了导演对社会的一声呐喊。

＊ ＊ ＊

可见，“生活流”和“意识流”不是相同而是完全相反的东西：一个标榜“客观性”，一个强调“主观性”。但是两者殊途同归，前者反映极其琐碎、偶然的不带有生活客观归律性的东西，后者反映由下意识所产生的混乱的视觉影像。既然所反应的生活是混乱的，人的思想事无逻辑，当然也就无结构可言，所以两者都是排斥情节的，都是令人费解的。

这种流派电影在60年代中期度过了它的顶峰时期以后，日后便逐渐衰落。原因之一，便是它缺乏真正的艺术生命力。

H. 什么是西方现代电影，越详细越好

无论是上世纪20年代中期的先锋电影，50年代的新浪潮，还是60年代的安东尼奥尼、戈达尔派，这类电影都有一个共同的特征—对传统情节的否定。

传统的故事片的结构方式，都包含一个情节。而这个情节是根据可能和必要的法则（或因果）相互联系起来的一系列事件。有时这些事件还往往表达了一定的社会现实意义。总的来说，它是以人的理性活动为基础的。

而西方现实主义流派电影则主张以非理性的直觉、本能和下意识来体现创作者的“自我”思想。因此，他们不把情节作为电影的基本结构，想要摆脱与情节的任何联系，割断了人和社会的联系。由于受到这种思潮的影响，60年代后期西方电影界兴起了所谓的“流”派电影，即“意识流”电影和“生活流”电影。

意识流电影主张以非理性的意识流动构成影片的内容.甚至的时间和空间也被”主观化”了.于是,映现在观众眼前的是一副社会主人公主观认识到的,那种颠倒错乱了的世界.它在结构上有以下特点:一.抛弃了传统的叙述顺序，以非理性的心理连续代替传统叙事逻辑顺序；二.在时、空反方面打破了传统的结构顺序。影片中大量地运用闪回和倒序，把过去、现在和未来交织在一起，把回忆和幻想、真相和错觉揉合在一起。如果我们把以上特点概括一下，便可以得出“意识流”影片的情节公式；回忆（包括联想、幻觉和梦境）+现实。但是，这不是一般正常人的现实和回忆的结合，而是是狂乱的心理活动不间断地侵入影片人物的现在生活所形成的一种影片的剧作情节。在我们看来，由于这种艺术所追求的是一种下意识活动，所以网网给人以支离破碎、晦涩难懂的感觉，在情节上也是不和谐、不统一的。“意识流”电影代表作品

片名：<<广岛之恋>>

“生活流”电影

生活流主张“让生活本身说话”，按照“生活本身的自然流动”，对生活作一种“纯”客观的记录。换句话说，这种影片要求“按照生活原来的样子”去记录生活，对于所描写的对象不做任何思考和概括，也不做任何评价和分析；认为应该由观众自己去得出结论．这种力主以”自我溶解于客观之中的影片，必然会导致艺术家的创作活动仅仅是不偏不倚地、客观主义地去摄录日常的”生活流”，而不必去考虑作品的情节．于是，在”生活流”的影片中，时间的联系被打断了，世界上的一切似乎都在分崩离析之中．这类电影的美学观就是不必对生活作任何选择，只须抓取一些生活片段．客观主义地将他们混杂在一起即可．

“生活流”电影代表作品

片名:<<四百击>>

导演:弗朗索瓦 特吕弗

可见，“生活流”和“意识流”不是相同而是完全相反的东西：一个标榜“客观性”，一个强调“主观性”。但是两者殊途同归，前者反映极其琐碎、偶然的不带有生活客观归律性的东西，后者反映由下意识所产生的混乱的视觉影像。既然所反应的生活是混乱的，人的思想事无逻辑，当然也就无结构可言，所以两者都是排斥情节的，都是令人费解的。

这种流派电影在60年代中期度过了它的顶峰时期以后，日后便逐渐衰落。原因之一，便是它缺乏真正的艺术生命力。

I. 西方电影史找一个导演说明他所处时代背景 分析他的流派 并找他的作品赏析 不是影评 1500字

摘要 乔治·梅里爱。

J. 试分析美国电影各发展阶段的特点

一、起源

有记录的第二张捕捉并再现运动的照片记录为埃德沃德·迈布里奇在加利福尼亚的帕罗奥多拍摄的一组奔马照片。在拍摄时，他将一组静止的照相机摆于一排。他的成就促使各地的发明家开始尝试制作类似功能的装置，以捕捉此类运动。

在美国，托马斯·阿尔瓦·爱迪生就是最早开始制作这类装置的人之一，他制成了活动电影放映机，但由于该装置的专利实施很严格，致使早期的电影制作人只能寻找替代品。

在美国，最初只是在轻歌剧的间歇为许多观众放映电影。企业家的各种电影展示活动，促使了戏剧性电影制作的首次世界范围性的尝试。

在美国电影业发展的早期，纽约是电影制作的中心。位于皇后区的考夫曼·阿斯托里亚制片厂（Kaufman Astoria Studios）创建于无声电影时期，那时马克思兄弟和费尔兹（W. C. Fields）在那里工作。

此外，曼哈顿的切尔西也是电影制片的主要场所。奥斯卡最佳女主角玛丽·毕克馥的很多早期电影也是在这个地区拍摄的。但是，因一年四季的宜人气候，好莱坞成为电影拍摄的更佳选择。

二、好莱坞的崛起

在1910年初，美国电影放映机与传记公司（American Mutoscope and Biograph Company）派导演大卫·格里菲斯带着他的演员团队到西海岸去拍摄电影，演员包括巴兰彻·斯威特（Blanche Sweet）、吕伦居殊、玛丽·碧克馥、莱昂纳尔·巴里摩尔等。

他们在洛杉矶市中心乔治亚街附近的一个空旷外景地开始了拍摄。当时，公司又决定开发新地区。于是他们又向北前进了几英里，到达好莱坞。当时还是小村庄的好莱坞，非常愿意让电影公司在那里拍电影。

之后，格里菲斯完成了在好莱坞拍摄的第一部电影。这部电影叫做《在古老的加利福尼亚》（In Old California），是一部传记式情节剧，描述18世纪初的加利福尼亚，当时还隶属于墨西哥。美国电影放映机与传记公司的人员在好莱坞呆了数月，又继续拍摄了几部电影，才返回纽约。

当时是1913年，在听说了该公司在好莱坞取得的成功后，很多电影制作公司也纷纷向西挺进，以避免托马斯·爱迪生的电影制作工艺的专利费。在加利福尼亚的洛杉矶，电影公司和好莱坞同步发展起来。第一次世界大战前，电影仅能在几个美国的城市完成。

但随着电影业的发展，电影制作公司被吸引到加利福尼亚南部，因为那里气候温和、阳光明媚，一年四季都可在户外拍摄，那里还有各种各样的布景。虽然电影（特别是美国电影）的起始点众说纷纭，但是格里菲斯于1915年拍摄的史诗电影《一个国家的诞生》，成为全世界第一个电影词汇，至今仍在胶片史上占据重要地位。

在20世纪早期，当媒体还是新事物的时候，很多犹太移民在美国电影业中找到了工作，并留下了自己的足迹：在临街的五分钱剧院（Nickelodeon）中放映电影短片（剧院取此名是因为当时的门票价格为五分钱）。

一些年后，其中有抱负的电影人，如塞缪尔·戈尔德温、威廉·福克斯、卡尔·拉姆勒、阿道夫·朱克尔（Adolph Zukor）、路易斯·B·迈尔（Louis B. Mayer）和华纳兄弟（即哈利、亚伯特和杰克）纷纷转到电影制作上，很快就成为了新型企业，即电影公司的巨头。

（当时还有一位身兼女导演、也是制作人和电影公司巨头的人物爱丽丝·盖·布兰琪（Alice Guy-Blaché））他们为电影业的国际化奠定基础；不过美国电影业常被指责为以美国为中心的偏狭观念。

一战后，一些欧洲导演恩斯特·刘别谦、阿尔弗雷德·希区柯克、弗里茨·朗、让·雷诺阿，以及演员鲁道夫·范伦铁诺、玛莲娜·迪特里茜、罗纳德·考尔曼和查尔斯·鲍育（Charles Boyer）等电影人纷纷来到美国。

他们加入了一个演员的自我发掘时代——在有声电影诞生后，纽约城剧院的演员纷纷加盟了这个20世纪最受瞩目的发展行业。20世纪40年代中期，电影行业达到高峰期——美国影院每年上映约400部电影，每周有近9000万美国民众前去影院观看。

“威廉·海斯拯救美国电影业”，出自美国漫画家赛勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世纪20年代后期，有声电影在好莱坞逐渐升起。1927年，首部有声电影《爵士歌手》使用维他风唱片机，同年5月，西方电气公司旗下分部电器研究产品有限责任公司（简称ERPI）在电影配音方面获得垄断权。

有声电影一方面的影响就是许多无声电影演员接不到工作，因为他们多数人的嗓音糟糕或是记不住台词。1922年，美国政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）离开政坛，组建了前身为电影制作室组织的美国电影制片发行商协会（MPDAA），该协会在其退休后改为美国电影协会。

有声电影的发展早期，美国的电影制片厂发现他们的有声作品不为非英语国家的电影市场所接受，甚至在其他的英语国家中也遭到冷遇，原因是那时的同步配音技术仍相当不成熟。解决办法之一是制作与之对应的外文版好莱坞电影。

1930年左右，美国公司在法国桥连城建立了一家电影制片厂。多个不同的电影摄制组在那里分时工作，他们使用相同场地，穿着相同服装，甚至绝大部分的场景也是相同的。国外的失业演员、剧作家、选秀比赛中的优胜者经过筛选后被派往好莱坞去拍摄好莱坞英语电影对应的非英语版电影。

这些版本的电影的拍摄预算不高，由二流的只会讲英语的美国导演执导，通常在晚上拍摄。西班牙语摄制组中包括了路易斯·布努埃尔，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎维尔·库加（Xavier Cugat）和埃德加·内维列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好莱坞电影绝对可以和它们的原声版相媲美，西班牙文版的《惊情四百年》就是其中一。到了20世纪30年代中期，同步配音技术已经发展得相当成熟了，外文配音就变得很寻常了。

三、好莱坞的黄金时代

所谓好莱坞“黄金时代”，是指从1920年代末，即无声电影时代末期，至1950年代末这段时间。成千上万部电影在此期间产生。其开始标志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不仅结束了无声电影时代，同时也增加票房收入。

不管是西部片、闹剧、音乐剧、动画片还是传记片，好莱坞影片几乎都遵循一个模式——每个电影公司出品的电影，都有自己特定制片团队。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力于米高梅电影公司，艾佛瑞·纽曼在二十世纪福克斯电影公司工作了20年，赛西尔·德米尔的电影大多由派拉蒙电影公司制作，而导演亨利·金（Henry King）的电影则大多由福克斯出品。

同时，人们根据影片中的演员阵容就可以大致猜出该部电影的出品公司，米高梅声称“旗下的电影明星比天堂里的还要多”。每个电影公司的电影题材和独特风格也使得人们猜到每部电影的出品公司——这一现象在今已不复存在。但是每部电影都与其他电影有着些许区别。

不像汽车制造者，拍摄电影的人都是一些艺术家。譬如，1944年的电影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，并不仅仅是因为男一号的扮演者亨弗莱·鲍嘉和劳伦·巴尔考，而且是因为这部电影的剧本出自两位诺贝尔文学奖作家：电影原著小说作者海明威和该剧本改编者威廉·福克纳。

在整个1930年代以及黄金时代的大部分时间里，米高梅主宰着电影市场，并拥有大量好莱坞超级明星。同时，米高梅也因创造了好莱坞明星制而备受好评。

米高梅的明星包括“好莱坞之王”克拉克·盖博、莱昂内尔·巴里莫尔、珍·哈露、诺玛·舒利亚、葛丽泰·嘉宝、珍妮特·麦克唐纳（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯宾塞·屈赛、朱迪·加兰以及金·凯利。

在这一时期美国电影业取得的另一个伟大成就是华特迪士尼公司。1937年，迪士尼制作了当时最成功的电影，《白雪公主与七个小矮人》。1939年，米高梅创作了历史上最成功的电影——《乱世佳人》，尽管在大萧条时期，这部电影仍然是史上票房最高的。

很多电影历史学家对这一电影高产时期创作出的许多伟大电影作品都做出了评价。其中一个原因可能是：制作了这么多部电影，并不是每一部都必须成为热门。

电影厂可以在一部有着优秀剧本与相对不是那么出名的演员的中等预算故事片身上冒险：而由奥森·威尔斯导演的《公民凯恩》符合以上描述，它也被视为史上最伟大的电影。另一些情况下，像霍华·霍克斯、希区柯克及法兰克·卡普拉等坚定的导演们为了达到他们的艺术理念，而与片厂进行“斗争”。

1939年是片厂制度的鼎盛时期，有很多经典电影在这一年发行，如：《绿野仙踪》、《乱世佳人》、《驿马车》、《史密斯先生上美京》、《呼啸山庄》、《天使之翼》、《异国鸳鸯》与《午夜》等。

黄金时代以来的电影中，现在被誉为经典的有：《卡萨布兰卡》、《风云人物》、《一夜风流》、原版《金刚》、《叛舰喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《红河》与《大礼帽》等。

四、片厂制度的没落

“小三”(环球影城，美国艺术家和哥伦比亚影业)没有自己的剧院，拒绝分享同意裁判书。许多独立制片人也对折衷和形成一个众所周知的独立运作电影制片人的体系，控告派拉蒙垄断底特律剧院不满意-因为派拉蒙通过控制演员，像鲍勃霍普，波莱特戈达德，维朗妮卡湖，贝蒂赫顿；

经纪人透露宾克罗斯比，艾伦拉德和长期为加里库珀工作室工作的长期演员-自1942年开始。在二战期间，五大电影公司没有达到同意裁判书的要求，没有发生重大后果。但是二战结束后，在好莱坞反垄断案中，他们作为被告加入了派拉蒙。

最高法院最终裁决主要制片厂电影院的所有权和影片发行是违反谢尔曼反托拉斯法。结果，工作室开始释放演员和技术人员通过与他们的合同。好莱坞主要的工作室改变了电影的模式，因为每个工作室都挺有一个完全不同的演员阵容和创新团队。

这导致了逐渐失去特色，米高梅电影制片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥伦比亚公司，RKO公司和福克斯电影公司很快认识到这一点。

但是某些电影人，例如塞西尔B德米尔公司同演员的合同也是到他们职业生涯的最后或者电影使用相同的创意团队，以至于德米勒电影无论是1932年制造还是1956年制造看起来仍然像是一个模式。并且每年电影制作的数量随着平均预算猛增而下降，在行业策略上标志一个重大变化。

现在工作室目的在于生产娱乐，而这种娱乐是电视无法提供的： 壮观的，有英雄色彩的影片。工作室还开始出售部分电影胶片库给其他公司去销售电视。到1949年，所有大型电影制片厂放弃了他们剧院的所有权。

电视也有助于好莱坞黄金时代的下降，因为它打破了电影业在美国娱乐界的霸权地位。尽管电影业在19世纪50年代随着长期政府检查制度淡化，在未来电影中能够获得一些影响力。在派拉蒙反垄断案结束后，好莱坞电影制片厂不再拥有电影院，因此致使美国影片能够在美国电影院不需要审查制度。

这补充了1952年奇迹在斯泰因公司同约瑟夫威尔逊事件的决定。 美国最高法院改变了其早期的立场。从1915年的相互电影公司同俄亥俄州案工业委员会的案件中，陈述了电影是艺术的形式，有权保护第一修正案；美国法律不再审查电影。

到1968年，美国电影协会（MPAA）代替了海斯法典-在政府威胁检查后，其现在极大侵犯了美国电影协会，证明准则的起源已经同电影分级制度一起结束了。

五、新好莱坞和后经典电影

后经典电影这词用来形容新好莱坞变化的故事叙述方式。人们认为新的剧本与塑造人物的新方式利用观众在经典时期培养起的期望：打乱的年份，以结局出人意料为特色的故事情节，主角与反派间模糊的台词。

后经典故事叙述的本质展现在黑色电影中，如1955年《无因的反抗》，以及希区柯克情节支离破碎的《惊魂记》。

“新好莱坞”一词用来描述新一代电影学院培养的导演的崛起。他们掌握了六十年代欧洲发展起来的技巧。1967年电影《邦尼和克莱德》标志着美国电影重振的开端，也意味着此后新一代电影，在票房上能够取得成功。

好莱坞一直坚守制片人中心制的原则，新好莱坞独立制片的出现，开创了导演和制片人融合的趋势，形成导演资本制。

同时担任电影制片人和导演的法兰西斯·福特·柯波拉、佐治·卢卡斯、布莱恩·德·帕尔玛、马田·史高西斯、威廉·弗莱德金、史蒂芬·斯皮尔伯格开始拍摄向电影历史致敬的影片，并发展了现有的电影体裁与技巧。七十年代早期，他们的电影不仅受到好评，还取得票房成功。

早期的新好莱坞电影，例如邦尼与克莱德，逍遥骑士是成本较低的影片，没有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮尔伯格与卢卡斯各自凭借《教父》，《大白鲨》以及《星际大战》取得了巨大成功，这有助于现代大片的产生，也吸引制片厂更加关注制作更多大片。

这些年轻导演的更多投入并没有带来好处。通常，他们把时间表排的太满，预算超支，因此导致自己或摄影棚破产。最有名的两个例子是科波拉的《旧爱新欢》，最典型的是迈克尔·西米诺的《天堂之门》，单是这部影片就使美国联艺电影公司破产。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英国，是一位闻名世界的电影导演，尤其擅长于拍摄惊悚悬疑片。

这位世界所公认的恐怖大师，事实上也是由他发明了“惊悚文艺类影片”（the thriller genre）这一电影类型。阿佛莱德·希区柯克同时也是个优秀的技师，熟练的把性感、悬疑、幽默都融合在一部电影里。

(10)西方电影分析扩展阅读：

今日好莱坞

一、运作特色

好莱坞电影常会有透过片厂（电影发行商）与制作人签约合作的方式，分别让片商负责贩售的通路，而制作人则专注于电影本身，出产行销全球的大型制作影片。

二、叙事美学

在好莱坞影片的剧情铺陈，少有文化或语言的障碍，其主题多是可跨文化传播的高概念电影，这样的作品因为主题符合主流市场，故全球都容易推销。因此现在好莱坞也成为世界许多地方电影的代名词。

虽然此类电影票房好、跨文化，但也有文化评论者批判若独尊高概念电影，会造成电影叙事风格如出一辙，了无新意，“是一种商业化和专断化，最终将导致多样化的消失。面对这样的全球霸权，负责任的电影人和批评家应该让眼光超越好莱坞，建设多元的电影模式”。

三、产业规模

美国因为电影相关的文化产业，造就了许多的工作机会与庞大的商机。据美国电影协会报告指出，2011年美国电影业造就的就业总数超过220万人，其中约有70万名为直接的电影行业从业人员，另外150万名为间接受雇支援电影制作工作的各种人员，2012年美国电影业收入为107亿美元。