游戏规则电影影评

1. 电影史上最好的十部电影有哪些

《视与听》(Sight and Sound)，又译为《画面与音响》，是英国的一份历史悠久的电影杂志，现为月刊，由英国电影学院出版。杂志每隔十年便会召集知名导演与影评人进行投票，评选影史十大影片，在业内具有很高的权威性。最近的一次评选是在2012年，那么究竟是哪些电影被评为史上最好看的十部电影呢? 一下是多维娱乐小编为您整理的部分影片，更多影片还请关注多维娱乐网

第一名：《迷魂记》(1958) 阿尔弗雷德·希区柯克

《迷魂记》是由阿尔弗雷德·希区柯克执导，詹姆斯·斯图尔特、金·诺瓦克主演的悬疑片，于1958年5月9日在美国上映。该片讲述了私家侦探斯考蒂受加文·艾斯特所托去跟踪马伦，并由此引出一桩命案的故事。《迷魂记》是20世纪50年代美国电影的经典之作。影片充满神秘的气氛，是希区柯克的控制艺术中最坦率和最具忏悔性的作品之一。【更多电影资讯：http://www.dowei.com/yingshi/movie/】在《迷魂记》中，男性的欲望窥视和女性的自我凝视主题同时存在。影片以不同的视觉图像很好地反映了电影叙述中产生视觉快感的内在性别心理结构机制。(《电影评介》评)

第二名：《公民凯恩》(1941) 奥逊·威尔斯

《公民凯恩》是由奥森·威尔斯于1940年拍摄的一部传记体影片，由奥森·威尔斯担任导演、制片、编剧以及主演。曾获得1941年奥斯卡奖七项提名，并最终获得最佳原创剧本奖。影片讲述了报业大王凯恩的一生。影片以一位报业大亨凯恩之死揭开了序幕，并通过他的人生经历和事业的兴衰史，见证了一桩资本主义神话下的复杂真相。奥逊·威尔斯和他的处女作《公民凯恩》是现代电影的奠基石。 无论是谁，只要拥有一部像《公民凯恩》这样的电影，就只能给人一个感觉：高山仰止。这种成就足以让人睥睨天下，傲视群雄。因而奥逊·威尔斯应同他的《公民凯恩》一起永垂不朽。(电影理论家巴赞评)

第三名：《东京物语》(1953) 小津安二郎

《东京物语》是日本导演小津安二郎执导，笠智众、原节子等主演的剧情片。影片描述的是住在海滨小城尾道的七十岁老夫妻离开故乡去探望他们住在东京的子女，在品尝了各自成家的儿女们冷淡的招待后，老夫妇决定回归老家，结果年迈的老伴得病，死在了旅程的终点的故事。电影延续了原作中对日本传统家庭关系重构的深情关注，借故事原有的叙事框架，用山田独特的笔触，为日本的当代社会做了一幅深入浅出的家庭速写，画面清新婉约，明丽动人(光明日报评)。

第四名：《游戏规则》(1939) 让·雷诺阿

《游戏规则》是让·雷诺阿导演，让·雷诺阿编剧喜剧的电影。主要讲述克里斯汀(诺拉·格雷格 Nora Gregor 饰)跟女仆杰西(安·梅因 Anne Mayen 饰)探讨了男女之间友谊的话题。

第五名：《日出》(1927) 茂瑙

《日出》为美国威廉福斯影片公司出品的黑白默片，导演是F.W.茂瑙。该片描述了一名年轻农夫爱上了城市女人，在她的迷惑下决定将妻子淹死，然后把农场卖掉，搬到城里跟她双宿双飞的故事。影片是著名德国导演茂瑙到美国拍摄的第一部作品，获第一届奥斯卡最佳女演员、最佳摄影两项金像奖及一项特别奖——艺术质量奖。本片标志着默片时代最高艺术水准，也是德国表现主义的创作巅峰(虽然理论上应算美国片)，就算在今天观赏依旧具有强烈的情绪感染力。

第六名：《2001太空漫游》(1968) 斯坦利·库布里克

《2001太空漫游》(2001: A Space Odyssey)是由斯坦利·库布里克执导，根据科幻小说家亚瑟·克拉克小说改编的美国科幻电影，于1968年上映，被誉为“现代科幻电影技术的里程碑”。本片获得当年最佳美术指导、最佳导演、最佳编剧等4项奥斯卡奖提名，获最佳视觉效果奖，获1968年英国电影学院最佳摄影、最佳音响、最佳美工奖。

第七名：《搜索者》(1956) 约翰·福特

《搜索者》是一部由约翰·福特执导，约翰·韦恩、杰弗里·亨特等主演经典西部片，倍受影评人及当代导演们的推崇。该片讲述了军人伊森在内战结束后返乡，却发现家人惨死在印第安人的刀枪之下，而侄女黛比生死未卜。伊森决心报仇，并在哥哥养子马丁的陪伴下寻找侄女的故事。1956年3月13日 ，影片在美国上映。导演不仅呈现出标榜西部片浩瀚无垠的沙漠景致、冒险精神，更对当时种族间冲突的面貌，做了深刻的描绘。

第八名：《持摄影机的人》(1929) 吉加·维尔托夫

《持摄影机的人》是由吉加·维尔托夫执导的纪录片。这部里程碑式的作品系苏联著名蒙太奇理论的“电影眼睛派”(Kino Eye)创始人维托夫用摄影机纪录的莫斯科的一天，在镜头和剪辑技巧方面有着创造性的发现。他强调用“抓拍”的方式捕捉生活的片段，并积极主张利用声画蒙太奇对电影进行革新，他的这套理论对后来的法国先锋派和意大利新现实主义运动都有深远的影响。60年代戈达尔组成过著名的“吉加·维托夫小组”，取名便是对这位苏联电影实验大师的推崇。

第九名：《圣女贞德受难记》(1928) 卡尔·西奥多·德莱叶

圣女贞德受难记》是1928年上映的法国历史传记电影，由卡尔·西奥多·德莱叶执导，玛利亚·法奥康涅蒂、安托南·阿尔托等主演。影片讲述了农家姑娘贞德率兵冲破重围，击溃英军。她的英雄事迹四处传颂，人称“奥尔良少女”。但也因此引起法国贵族的妒恨，贞德被出卖后落入叛军手中并对她施以火刑。

第十名：《八部半》(1963) 费德里科·费里尼

《八部半》是由费德里科·费里尼执导，马塞洛·马斯楚安尼、克劳迪娅·卡汀娜等主演的剧情片，于1963年2月14日在意大利上映。该片讲述了电影导演古依多在筹拍一部表现人类末日的影片时，不仅在创作上遇到困难，而且在感情上也陷入困境的故事。1964年，该片获得第36届奥斯卡奖最佳服装设计奖 。《八部半》是一部经典的作品。影片通过回忆、幻想、梦境的呈现，隐喻了一个关于电影创作的故事，也隐喻了电影本身。片中间歇出现的幻觉与记忆，打破了现实时空主线叙述的完整。在表现主人公主观世界的镜头中，晃动、空间变形以及奇特的构图也使得画面呈现出平衡被打破的状态。然而，随着情节推进，失衡感又会被消解，并且重新恢复平衡。影片借由打破平衡与恢复平衡的转化，获得了独特的张力。(《电影评介》评)

2. 求几篇带有专业术语的影评

找了几篇现在很热的小成本电影影评：疯狂的赛车和夜店 《疯狂的赛车》：耳光打在了谁脸上？《疯狂的赛车》对于宁浩的意义在于这说明当年《疯狂的石头》的成功不是偶然的，他用了三年的时间将他的多线程疯狂叙事的喜剧风格推向了另一个高峰。100分钟高潮迭起的电影，没有给观众任何喘息和走神的机会，一旦进入了影片设定的叙事轨道，我就和剧中人一样被扔进了命运的搅拌机中，几条故事线索以令人窒息的速度向前发展，层出不穷的笑料几乎让人疯狂，看中国电影，这是我最high的一次。 我想《疯狂的赛车》更大的意义在于对一直处在亚健康发展状态的中国电影的启示性作用，在现有的市场规模和资金运作模式下，《疯狂的赛车》无疑做出了一次卓有成效的尝试，而且我分明听到了这部电影是响在某些人脸上的响亮的耳光——不要再为自己的低劣电影找类似资金、审查、发行渠道等各种借口，诚意和才华才是最重要的。 对于这样一部电影的评论，剧透的后果是相当严重的，为了避免某些因为看了我的文章而被部分剥夺观影乐趣的观众事后找我算账，在下面的论述中我尽量做到不剧透影片的具体情节。 一、小成本非山寨不可吗？ 现在山寨一词到处横行，并且山寨已经开始摆脱起初的负面属性，而日益成为一个中性词语了，似乎这是一个存在即合理的风格了。但是我依旧觉得，在影视创作上，大量的以山寨风格为自己创作理念的作品，只是证明了创作者本身的能力缺失，无论到了什么时候，山寨都是一个退而求其次的选择，用这个来为自己低水平的创作开脱是可耻的。 看完《疯狂的赛车》后，我和宁浩导演聊了一会儿，问到电影的投资规模时，他的原话是“超过1000万了”，一千多万的投资在现在看来也只能算做一个中等偏小制作的，但从成片的效果来看，影片制作上的精良和给人的震撼却远远超越了同等投资规模的其他的影片，甚至可以拿它当作一个通常意义的大片来看了。一个好剧本对一部电影太重要了，《疯狂的赛车》演职员表里的编剧有七个之多，这样的编剧阵容我只在《赤壁》和《投名状》这样的影片中见过，宁浩说这本子是他们用了10个月的时间一点一点聊出来的，其实很多片子都是有这样的一个剧本策划团队的，但在《疯狂的赛车》这里，确实是体现出了集体智慧的力量的。这部电影依旧还是走的盖伊里奇犯罪电影的情节路线，在一个核心动机的牵引下，几条线索齐头并进，事件以不可逆转地态势走向疯狂，宁浩在《疯狂的石头》里对这种情节模式的再创造已经很成熟了，到了《疯狂的赛车》，宁浩终于实现了对于这一叙事风格的全面超越，这里被追逐的核心道具由一个变成了两个——现金和毒品，还有两条命案贯穿其中，围绕于此，六方力量十几个人物纠结在一起，这里不仅仅是围绕着主线情节的追逐，还有其中任意两方力量相互推动的支线情节，信息量巨大，这不仅是给观众足够的享受，还对观众的智力提出了挑战，观众要对剧中人物长远和阶段性的任务动机以及物品的归属做出迅速准确的判断，于是从中所获得的乐趣也就成几何级数地翻倍增长。显然，那些无视观众智商，只知道一味低俗恶搞的山寨电影，与《疯狂的赛车》是不在一个档次上的。 此外，在《疯狂的赛车》中还杂糅了很多昆汀塔伦蒂诺式的cult表达方式，从而让这部电影有了部分邪典电影的表征，让我有了一种越堕落越快乐的观影快感。尤其是在音乐的运用上，走的完全是昆汀式的路子，但可惜的是在这方面做得不是很到位。在昆汀的《低俗小说》和《死亡证据》等影片中，大量借用的是七十年代摇滚音乐，《杀死比尔》中主要借用的是埃尼奥·莫里康内的早期电影原声，在风格上保持了统一，而在《疯狂的赛车》中借用的音乐有台语歌、陕北民乐、西洋古典音乐和中国古曲等，稍显纷乱，不成体系，比较随意，虽然和情节和情绪有对应，但这种对应显得过于简单和直接，这是个遗憾的败笔。 二、喜剧电影非冯小刚不可吗？ 作为2008-2009年度贺岁档的收官之作，《疯狂的赛车》《疯狂的赛车》中先后出现的对情节有直接推动作用的主要角色有十几个，全都个性鲜明，让人过目不忘，而且每一个人都生活在自己的行为逻辑中中，而这些人的心理动机和外部行为或客观遭遇产生很大的反差，反讽式的喜剧效果很明显，比如那四个恪守游戏规则结果被各种突发事件搞得晕头转向狼狈不堪的来自台湾的专业混混，还有那两个刚出道却又要处处表现自己专业素养的笨贼，俩人深一脚浅一脚地奉献了很多的笑料，每个人身上的喜剧因素是随着剧情推进自然产生的。仅从喜剧效果的营造方式上，《疯狂的赛车》和《非诚勿扰》是有着天壤之别的。 《非诚勿扰》所谓的“笑果”大部分是来自于葛优扮演的人物的小品式对白，影片中的情节和人物设计基本上都是在生硬地为葛优说话创造机会和情境，值得鄙视的是这些从十多年前的《编辑部的故事》起冯小刚就开始运用的王朔式调侃语言的杀伤力已经很有限了，而冯小刚依然还在一厢情愿地乐此不疲着。如果抽离了这些语言，你会发现这根本就不是一部喜剧电影，虽然电影离不开语言，但不单纯是语言艺术，否则相声都可以拍成电影了，电影作为一种娱乐方式的存在必然会有其独特的手段和技巧，能带给人不可替代的享受，《非诚勿扰》尽管让一些观众笑了，不管是自发的还是被周围观众裹挟的，不管是因为电影本身的原因还是冯小刚和葛优对观众绑架式的心理暗示作用，我只想说如果这就是你要追求的喜剧效果，去德云社听一场相声吧，保准比这物有所值得多。 即使是靠语言搞笑，《疯狂的赛车》也要比《非诚勿扰》高明得多，这些语言都很简单，完全不是像冯小刚电影中的人物那样很刻意地努着说出来的，这些语言和人物本身的设定很搭调，说出来很自然很贴切，而且每个人都有自己的一套喜剧语言体系，可以肯定的是这里有很多将成为新的社会流行语汇。 中国太缺乏高质量的喜剧了，而冯小刚的中国式喜剧领军人物地位也持续太久了，我无意否定冯小刚此前的十年间在喜剧电影上的探索和贡献，但也不得不承认，冯小刚已经明显技穷了，面对受过大量西方优秀商业电影浸淫而成长起来的新一代观众，属于他的喜剧时代将由于他的不思进取而宣告终结。明年的贺岁档，相信会有更多人和我一样，将转而期待宁浩带来的疯狂惊喜了。 三、赚眼球非大片不可吗？ 现在的中国电影越来越歇斯底里，越来越像一场豪赌，投资商热衷于大资本的运作，用金钱堆砌出一部部金玉其表败絮其中的大片来赚取眼球，如果有人拿一个两千万投资规模的电影剧本是很难找到投资的，因为这样的电影在投资商眼中没有卖点，他们需要的是大场面、大明星和各种可以炒大的噱头，于是反而是上亿投资规模的电影更容易去找到钱，在他们看来，观众一年进电影院也没有几次，他们一定会选最大的片来看，其他的都可以在家看盗版。所以能够制造大片的卖相很重要，往往这样的电影仅宣传成本就可以拍两部《疯狂的赛车》出来，没办法，只要把观众忽悠进电影院，把票房拿到手里，保证我不蚀本，至于这电影的实际状况是否像之前所说的那么天花乱坠，那就不是我考虑的问题了，反正这是一群记吃不记打的观众，即使你这次郁闷了，下次我换个场子再一吆喝，你还是要乖乖掏钱。既然电影票房是靠忽悠来的，我还费劲去打磨电影本身的品质干嘛呢？再不然你就去拍三五百万的小成本，最后不行的话直接卖给电影频道，再卖点DVD了事。 于是中国本土电影就形成了一个奇怪的格局，每年有那么十来个大片忽忽悠悠地撑场面，中间夹杂着一些弱势的中小成本制作，反正也不指望这些电影冲击票房，就任其自生自灭了，陈可辛曾经说，中成本电影才是电影里面最重要的，中成本的戏就是戏剧，没有中成本的电影，就没有健康的电影圈。就等于一个社会需要中产阶层，中产永远是最重要的阶层。所以中成本的电影永远是电影业健康的一个指标。其实任何一个国家都是主要靠大片积累票房，但没有像中国做得这么极端的。 大量的有诚意且有效益的中小成本制作才是一个国家电影事业健康发展的基础，一个头重脚轻的行业格局只能制造虚假繁荣，实则危机重重。很容易被拿来和同为贺岁喜剧的《非诚勿扰》进行对比。我写过一篇关于《非诚》的影评 ，虽然有很多和我有同感的，但还是招致了很多冯小刚铁杆影迷的愤恨和怨毒。这里我要说的是，如果这些人至今仍然对我关于冯小刚喜剧电影的批判表示不满和不理解，请看一下《疯狂的赛车》，你会知道什么叫真正的喜剧电影。 评论《夜店》（转豆瓣） 作为青年导演杨庆的处女作，《夜·店》这部电影虽然是用高清机器拍摄的低成本影片（据导演介绍影片成本不超过300万），但已经达到了值得关注的水准。它即将公映，如果大家有兴趣可以去电影院观看，从消费角度和观影角度都应该不会让人失望。这部电影也许不会象当年的《疯狂的石头》那样让观众和影评人都惊为天才之作，但是它是一部合格的商业电影，固然有缺点也无伤大雅，基本上能够对得起买票捧场的观众。

这部电影的英文片名叫做《One Night in Supermarket》，如同这个简单直白的名字一样，这个故事就是讲述了一天晚上一群人在一间24小时超市内的故事。这样的结构对于现在的中国观众来说并不算新鲜，因为现在还能有兴趣关注国产中小成本影片的国内观众，基本都是阅片无数的电影爱好者，估计痞子昆廷都比不过他们。如果只是从尝鲜的角度来看此片，《夜·店》算不上新鲜，但我觉得它胜在味道足够地道。

在很潮流的MV剪辑手法和现代感十足的音乐包装之后，这个电影仍然有一个算是接了地气的故事。由于成本限制，由于题材限制，由于创作思路的限制，国内很多低成本影片在费尽心思地耍技巧的同时，有意无意地忽略了低成本电影最应该关注一个的事实，那就是对现实生活的映照。由于低成本影片受制片成本限制，无法或很难在视觉和叙事上给观众构建一个完全虚幻的银幕空间，如果再不重视对现实生活的关照和思考，那么过于花哨的叙事就会彻底变成无源之水无根之木。

对于《夜·店》这部电影来说，这个故事在照顾到技巧的同时，也做到了和现实生活的联系。尤其是在前半部分的剧情中，一系列的生活小细节虽然有些琐碎，但在营造叙事氛围和影片质感方面，可以说已经合格。不过有意思的是，恰恰有部分观众会觉得前半部分在叙事节奏和强度上有些拖沓。而到了后半部分戏剧性冲突十分强烈的时候，这个故事的编造痕迹就已经开始显现出来。不过好在足够强烈的娱乐性以及足够快的剧情发展掩盖了这个小缺陷，对于大部分观众来说，这一点应该不是什么值得困扰的问题。


对于本片的演员来说，徐峥的表现毫无疑问是本片中最抢眼的。在这种群戏结构中，徐峥作为一个串联所有故事的主线人物，他的稳定发挥和表现为本片贡献了最大的娱乐性。其他诸多演员中，还值得一提的就是乔任梁扮演的店员小钢牙。之所以专门提到这个角色，是因为我的一个朋友在上海电影节观看此片时的诡异感受。

《夜·店》在上海电影节期间进行了一次公映，但是当时场内观众中有一个数量相当大的特殊群体—乔任梁的歌迷。当乔任梁在银幕上每一次出现时，这些歌迷都会在电影院内集体尖叫，其气氛之热烈和诡异，以至于让我这个朋友完全无法信任自己当时的观影感受。

就我自己的观影感受而言，乔任梁作为一个表演方面的新人，在片中的表现当然尚显稚嫩，不过也还算合格。但是他的黑框眼镜和钢牙造型让我觉得有些浪费—很明显乔任梁在片中是被当作一个人气偶像来使用的，那么为什么不发挥他本来的优势，还故意将这一优势掩盖呢？

对于《夜·店》这样的低成本影片来说，类似乔任梁这种主打青少年观影群体的人气偶像无疑应该是对本片有所帮助的。尽管他们这样的非职业演员并不能在表演方面做到什么样的水准，但在一个合适的故事结构中，这样的角色还是有足够发挥空间的。起码在《夜·店》这部电影中，乔任梁扮演的小钢牙这个角色，足够完成剧情所赋予他的任务了。

乔任梁作为一个演员来说，他在《夜·店》中的表现，已经超过了《大灌篮》中的周杰伦。所以就一个偶像派演员来说，能不能做到足够好，还是要看用心不用心。 http://www.douban.com/review/2130316/

3. 请问全球十大最佳电影是哪几部来的

以下为导演及影评人分别选出的十大电影和十大导演：
十大影片——导演之选

1、《公民凯恩》

2、《教父Ⅱ》

3、《八部半》(费里尼)

4、《阿拉伯的劳伦斯》(大卫-连)

5、《奇爱博士》(Dr. Strangelove，库布里克)

6、《偷自行车的人》(德西卡)

6、《愤怒的公牛》(斯科塞斯)

6、《迷魂记》(希区柯克)

9、《罗生门》(黑泽明)

9、《游戏规则》(雷诺阿)

9、《七武士》(黑泽明)

十大导演——导演之选

1、奥逊-威尔斯(Orson Welles)

2、费得里科-费里尼(Federico Fellini)

3、黑泽明(Akira KUROSAWA)

4、弗朗西斯-科波拉(Francis Ford Coppola)

5、阿尔弗莱德-希区柯克(Alfred Hitchcock)

6、斯坦利-库布里克(Stanley Kubrick)

7、比利-怀特(Billy Wilder)

8、、英格玛-伯格曼(Ingmar Bergman)

9、马丁-斯科塞斯(Martin Scorsese)

9、大卫-连(David Lean)

9、让-雷诺阿(Jean Renoir)

十大影片——影评人之选

1、《公民凯恩》(奥逊-威尔斯)

2、《迷魂记》(希区柯克)

3、《游戏规则》(雷诺阿)

4、《教父2》(科波拉)

5、《东京物语》(小津安二郎)

6、《2001太空漫游》(库布里克)

7《战舰波将金号》(爱森斯坦)

7《日出》(茂瑙)

9、《八部半》(费里尼)

10、《雨中曲》(金-凯利)

十大导演——影评人之选

1、奥逊-威尔斯(Orson Welles)

1、阿尔弗莱德-希区柯克(Alfred Hitchcock)

3、让—吕克-戈达尔(Jean—Luc Godard)

4、让-雷诺阿(Jean Renoir)

5、斯坦利-库布里克(Stanley Kubrick)

6、黑泽明(Akira KUROSAWA)

7、费德里克-费里尼(Federico Fellini)

8、约翰-福特(John Ford)

9、塞尔盖-爱森斯坦(Sergei Eisenstein)

10、弗朗西斯-科波拉

10、小津安二郎

(名次相同者即得票数相等)

4. 求两篇影评!!

以少年之名，回顾经典——
《西西里的美丽传说》
这是一部充满怀旧意味的影片，关于少年懵懂和挣扎的爱恋，关于残酷的现实和袒露的人性，关于岁月和仇恨的化解。很多人喜欢探讨影片中有关人性丑陋一面的主题，可是，我觉得，我所需要的只是从我直观的角度去告诉别人，这是怎样的一个故事，它的美丽在哪里。
雷纳多，十二岁半的西西里少年。有人说，这个故事就是他一场美丽的春梦，关于性，关于青春期，关于爱和欲望。二战期间。一个明晃晃的午后，西西里的阳光很是耀眼，海风吹过这个充满生机的小岛，雷纳多拥有了属于自己的一辆崭新的单车。然后他吹着口哨，毫无顾忌的在他们伟大领袖宣布战争的进程时穿越一条又一条街道，到达那所房子前的码头。
他依靠单车加入少年们的组织，虽然他们依然嘲笑他穿的是短裤。他第一次见到了他们那个耳背的的拉丁文老师的女儿，玛莲娜。这个集性感和神秘忧郁为一体的成熟女人。单车少年们疯狂追逐她的踪迹，总是提前赶到她的目的地，然后抛下单车贪婪的注视她的身体。也许就是在那一刻，雷纳多开始爱上玛莲娜。
不得不说，意大利著名性感女星莫妮卡·贝鲁奇扮演的玛莲娜确实是美丽到让人在一瞬间会窒息的。她的优雅和性感，一举手一投足都是迷药。高跟鞋，黑色或白色裙装，微卷的黑发，迷人的眼睛和腰身，难怪一个镇上的男人都会在她走过的时候伫足观望，而女人们则开始恶毒的咒骂。少年疯狂的迷上了她，开始了他力所能及的对于玛莲娜的追逐。他骑着单车时刻跟随她美丽的脚步，他深夜在房子外面透过一个墙空窥视她，然后在无眠的夜晚通过想象和手淫得到他渴望保护和厮守的玛莲娜。
小镇上传来玛莲娜丈夫战死北非的消息。雷纳多眼睁睁看着玛莲娜一个人泪流满面。而从这以后，玛莲娜更加成为妇女门心目中的坏女人，因为她是寡妇，是“偷汉子的淫娃”。男人们没有谁不觊觎着她的美色，纷纷上门愿意帮助这个在战争中没有任何经济来源的可怜女人，特别是当她在一次空袭中失去那可怜老父亲以后。雷纳多亲眼看到那些可恶的嘴脸，毫不知耻的牙医，无休止欲望的无德律师，还有那些自诩的战争英雄，他们纷纷前来，一边卸下道德的面具，一边解下裤腰带。
根本无力抵抗的女人堕落了，或者说是屈服了。她甚至成为德军的怀中人。这一切全都看在可怜的雷纳多眼里，他什么都不能做；只有继续在夜晚想象她美丽的身体还有他解救她的英勇故事。他只有眼睁睁的看着心目中的女神被狠狠骂为贱人，他只能病倒。甚至，他只能从别的女人那里得到安慰。
一直记得这样一个画面：少年看着玛莲娜被侮辱，然后眼泪就流下来。透过那个小小的墙孔，是一只流着眼泪的蓝色眼睛，他说，我原谅你一次。这句话是雷纳多的诺言，也是他对于爱情的誓言。很多人可能争论这并不是爱情，因为他们甚至从来没有过交谈。一切都是少年的幻想和单方面关注。但是我愿意把它称为爱情，因为，爱情可以属于一个人，在心底缓慢滋生，带着决绝和压抑的欲望。
影片的高潮处出现在盟军登陆的时候，一方面小镇上欢天喜地的迎接新生，宣告独裁统治结束；另一方面，那些凶悍的妇女们揪出了玛莲娜，曾经的高傲和冷艳再也不在，她穿着白色睡衣，任凭那些粗壮的女人们在身上拳打脚踢，直到衣服都被撕破，直到腿都被打骨折，直到全身都是鲜血。全镇的男人都注视着这个曾经无比骄傲的女人，包括根本不知该做什么的雷纳多。他眯着眼睛不敢正视这残忍的景象。此刻他的心底该是如何的疼痛和无奈。当最后一拳落在玛莲娜身上的时候，她慢慢向前爬走，这个从电影开始到最后都基本上没有说话的女人，终于在沉默中爆发。她撕心裂肺的喊叫，她终于为了自己的美丽付出了“代价”，那一刻的她是何等绝望，这个世界对她来说再也没有爱和宽容可言。

喧嚣的午后，少年亲眼看着女人拖着疲惫身躯登上了远行的火车。
记得在看电影的时候以为到这里故事该收场了，这个“美丽的传说”因为悲剧收尾。可是，玛莲娜的丈夫却回来了。然而物是人非，他失去了一条手臂，而他的家也早已成为难民营。小镇上的人仍然不忘嘲讽他可怜的妻子。雷纳多这时已经是一个开始抽烟的少年了。经过战争，经过对玛莲娜的爱，他已经重新发育。他在无声的夜里给黎诺写信告诉他，玛莲娜的心从来没有背叛过他，他应该去外地找回她。
影片的最后，玛莲娜和丈夫一起重新回到西西里。这个经历太多的女人开始苍老，她有了皱纹，有了眼袋，并且发胖了。人们开始唏嘘不已，人性在这一刻更是显得可笑。经过市场时玛莲娜得到大家的欢迎，曾经殴打过她的妇女叫她“玛女士”。
西西里依然平常和喧嚣。当雷纳多帮玛莲娜拾起掉在地上的水果的时候，她轻轻说了声“谢谢你”。这一刻少年百感交集，他单车的方向终于开始相反了，即使他不断的回头张望那不再美丽的背影。
可是时光终于抛却了我们的过去，沉淀下来的都将会变成心底永远的秘密。某个午后，当我们一边喝着枯涩甘香的咖啡的时候，我们终于明白：也许，这一切都只是个传说。
美丽的传说。

所以当传说被冠以美丽之名的时候，我们才能清晰和有力的感受到，那是一种心在流血的美，或者说，有时候美的只是当初的那一种爱或恨的状态。
一直有冲动记下这个故事，告诉自己这是青春，是成长，是缅怀和追忆。西西里少年身上发生的一切，逃课和上课走神，开老师玩笑，砸学校雕塑，偷父亲长裤，理发时提出剃须，幻想和自己的爱人**，在码头上写一封封不会寄出去的情信，所有的这些细节，我都愿意把他当作美丽的传说。在战争状态下人们的思考，少年的发育和青春期，还有近乎纯洁的爱以及精神的坚守，我想这应该是导演吉塞普·托那托在拍完“回归”三部曲的〈〈天堂电影院〉〉和〈〈海上钢琴师〉〉以后想要表达的有关人性的主题。
“岁月匆匆，而今我已经爱上过很多女人。当她们紧紧拥抱着我的时候，问我会不会记挂着她们。我相信我当时的心里是会的。但我唯一从来没有忘怀的是一个从来没有问过我的女人。她就是玛莲娜。”
相信楼主看完，应该有个深刻的体会和感悟。

《美丽人生》。
残酷的战争.
与之相反。
因为经历着苦难，所以活着的人竭尽全力描绘美丽。因为经历了战争，人们才会更加珍惜美丽人生。这不是美丽的人生，可是谁又能否认它的美丽？
一双清澈的眼睛，如泉水清甜，如大海碧蓝，如天空明亮。无邪的双眸，闪烁着好奇与快乐。这样的眼睛属于孩子，天真烂漫的孩子。相信谁也不忍心去伤害一个纯真的孩子。只是，这个世界总是很奇怪。人们彼此伤害并乐此不疲。伤害的方式有很多，比如争吵，比如打架，比如战争。于是，生命最初的颜色在不知不觉中漫漫消逝了。让一个懵懂的孩子去接受战争，又或者让孩子在战争中过早地失去原色，这不是一个父亲的愿望，绝对不是。
所以有了美丽的谎言。
或许，这是世界上最完美的谎言；又或许，这是世界上最大胆的谎言；又或许，这是世界上最困难的谎言。只是，基恩做到了。在孩子无邪的眼睛里，一场残酷的种族迫害成了游戏。犹太人的智慧的确名不虚传。况且，以一个父亲的立场，还有什么比保住孩子性命更重要的呢？
5岁的孩子，在过生日的当天，被抓进集中营。父亲能做的，只是极力去掩饰这不幸的一切。
为什么他可以如此镇定，为什么他可以如此应变神速。性格使然？被迫使然？滑稽搞笑的背后，我看到一个伟大的身影。
作为父亲，他要保护自己的儿子。所以，可怕的集中营成了游戏的场所，纳粹扮演警察的觉色，恐怖的规定被解释成游戏规则。每一次危机，父亲都能化险为夷。似乎他在谎言中穿梭自如，游刃有余。只是我们还会发现他的紧张。解释完规则，偷偷擦了擦脸颊的汗，不安的神色一闪而过。面对孩子的始终是笑脸。哪怕劳累了一天，哪怕自己危险重重。要怎么样才可以让儿子深信不移，正面的，反面的，凑巧的，人为的，只要确保儿子相信，什么都可以。于是孩子成了集中营里唯一活下来的孩子。是生命的奇迹，还是一位父亲创造的奇迹？
父亲生命最后的瞬间定格在那个生锈邮箱的投递口。一双眼睛看着，父亲走着滑稽的步伐，回头朝邮筒的方向笑着，调皮的眨眼。他的背后抵着硬冷的枪。原来，面对死亡还可以如此幽默。我不能想象那一刻，他的心底在想着什么。我只知道，完美的谎言圆满谢幕了。
这是一个父亲最后能做的吧。的确无可挑剔。眼中开始弥漫某些湿润的东西。让人无法发笑的幽默，还可以称之为喜剧吗？

5. 世界影史十大电影

自1952年开始，英国权威电影杂志《视与听》(Sight＆Sound)每十年就会召集全球著名导演及影评人，评选他们心目中的十大电影以及十大导演。日前《视与听》在网站上发布了最新2002年的评选结果，中国方面，共有三位导演获选投票，分别是田壮壮、许鞍华以及陈以文；而影评人方面，由《南方都市报》主办的华语电影传媒大奖评委、中国香港影评人协会主席李焯桃作为惟一华人影评家参与了投票。


以下为导演及影评人分别选出的十大电影和十大导演：

十大影片——导演之选

1、《公民凯恩》

2、《教父Ⅱ》

3、《八部半》(费里尼)

4、《阿拉伯的劳伦斯》(大卫-连)

5、《奇爱博士》(Dr. Strangelove，库布里克)

6、《偷自行车的人》(德西卡)

6、《愤怒的公牛》(斯科塞斯)

6、《迷魂记》(希区柯克)

9、《罗生门》(黑泽明)

9、《游戏规则》(雷诺阿)

9、《七武士》(黑泽明)

十大导演——导演之选

1、奥逊-威尔斯(Orson Welles)

2、费得里科-费里尼(Federico Fellini)

3、黑泽明(Akira KUROSAWA)

4、弗朗西斯-科波拉(Francis Ford Coppola)

5、阿尔弗莱德-希区柯克(Alfred Hitchcock)

6、斯坦利-库布里克(Stanley Kubrick)

7、比利-怀特(Billy Wilder)

8、、英格玛-伯格曼(Ingmar Bergman)

9、马丁-斯科塞斯(Martin Scorsese)

9、大卫-连(David Lean)

9、让-雷诺阿(Jean Renoir)

十大影片——影评人之选

1、《公民凯恩》(奥逊-威尔斯)

2、《迷魂记》(希区柯克)

3、《游戏规则》(雷诺阿)

4、《教父2》(科波拉)

5、《东京物语》(小津安二郎)

6、《2001太空漫游》(库布里克)

7《战舰波将金号》(爱森斯坦)

7《日出》(茂瑙)

9、《八部半》(费里尼)

10、《雨中曲》(金-凯利)

十大导演——影评人之选

1、奥逊-威尔斯(Orson Welles)

1、阿尔弗莱德-希区柯克(Alfred Hitchcock)

3、让—吕克-戈达尔(Jean—Luc Godard)

4、让-雷诺阿(Jean Renoir)

5、斯坦利-库布里克(Stanley Kubrick)

6、黑泽明(Akira KUROSAWA)

7、费德里克-费里尼(Federico Fellini)

8、约翰-福特(John Ford)

9、塞尔盖-爱森斯坦(Sergei Eisenstein)

10、弗朗西斯-科波拉

10、小津安二郎
参考： http://www.tianya.cn/New/PublicForum/Content.asp?strItem=filmTV&idArticle=11166

6. 游戏规则的影片评价

法国著名导演让·雷诺Jean Renoir1939年作品，英国《Sight & Sound》杂志评选世界十大佳片(注1)2002年度影评人选择第3位，导演选择第9位。让雷诺本人也在该次评选里位居十大导演之列。让雷诺在1937年的《战争幻想曲Grand Illusion》(标准版DVD编号#1)和1938年《The Human Beast》获得成功和认可后，成立了自己的制作室来拍摄这部电影，可惜的是影片在1939年首次发行时无论在评论界还是票房都是惨败。随后该影片的原始胶片在二战中被严重损毁。1959年，这部电影进行全面修复和编辑后重新上映，得到观众和评论家一致好评，被认为是难得的永恒经典，得到了它在电影史上应有的地位。
以下文字资料摘自乔治.杜萨尔《世界电影史》
雷诺阿没有忘记对形式的注意，但他总把这种注意置于服从主题的地位。为了更好地反映人物在他们环境中所处的地位，他把人物和自然结合在一起，这种自然背景从影片《包法利夫人》到《游戏规则》，都常用长焦距镜头来拍摄，使近景和远景都同样清楚。……
《游戏规则》是雷诺阿最杰出的一部作品，同时也是战前法国电影中最好的一部作品。这部影片是雷诺阿发展的顶点，但由于商业上的失败，它也是雷诺阿在法国电影生涯的一个结束。
让·雷诺阿在慕尼黑事件发生后不久开始摄制这部影片，当时他也曾这样宣称：“我们将要摄制一部‘愉快的’戏剧；这是我毕生的一个愿望。”这部影片把缪塞的喜剧《玛丽安娜的幻想》搬到了现代资产阶级上层社会的背景里来。雷诺阿在这部影片里既是编剧，又是对白作家，导演，制片人甚至兼任演员。
影片描写一个女人讨厌她的丈夫，然而又没有决心离开他，同时更没有决心在几个男人中间作一选择……《游戏规则》所表示的乃是：说谎就是“上流社会”的法则，谁要违反这一法则谁就要遭殃。同时他又表示社会各阶级不得混同。影片的喜剧和悲剧就是由于那些闲着无事到处游玩的大资产阶级中出现了一个流浪汉奥克泰夫（由雷诺阿本人饰演）、一个违法的打猎者（由卡勒特饰演）和一个所谓“超阶级的”飞行家（罗朗·杜坦饰演）而产生的。为了使一切恢复到正常秩序，在故事结束时这些人就统统被清除了。
《游戏规则》还表示争风吃醋是所有的男人共有的东西。例如，那个丈夫和他的情敌在互相殴斗之后，一面整理他的礼服，一面说：“当我在报纸上读到一个西班牙的石匠因为争风吃醋而把一个波兰的矿工打死时，我曾认为在我们的社会里决不会有这样的事情。可是没想到竟会有这样的事情，真会有这样的事情……”这种作法显然来自影片《托尼》，尽管在这两部影片里，争风吃醋的故事情节所占的地位不及社会描写那样的重要。然而这一点并没有妨碍《游戏规则》成为一部组织得很好的喜剧片，一部象追逐片的影片。但在它华丽的辞藻下面贯穿着一种讽刺：我们从影片序幕上引用博马舍①的话，可以看出这部影片作者的抱负。在世界大战即将爆发的前夕，他想重拍一部新的《费加罗的婚礼》，在这部戏剧中，厨房要占有和客厅同等重要的地位，佣人要教育他的主人，忠告他的主人，甚至最后由于疏忽还杀死了他的主人。
导演一部“愉快的戏剧”很不容易。雷诺阿在《游戏规则》里没有做到这点。片中某些喜剧性的段落是按追逐片的节奏来处理的；另一方面，在索罗纽打猎的情景则好像为纪录片提供了一个残酷悲惨的主题。这位导演虽能把这两种因素结合起来，但在故事结尾中却未能使剧情从戏谑转到悲剧。
这部不同寻常的作品在角色分配和演出方面颇不均匀，它的无连贯性也许含有深意。例如在表现节日娱乐那场戏中，那些大资本家穿着提罗尔人的服装，唱着面包师的歌曲，管弦乐队乐师利蒙纳制作的那些傀儡随着一场枪战作出有节奏的动作，以及那个令人看了很不安的群魔舞蹈，就是含有深意在内的。
①博马舍（1732—1799）：法国戏剧作家，《费加罗的婚礼》的作者。——译者。
在奇怪的和平时期，《游戏规则》预示了以后“奇怪的战争”①的可笑而悲惨结局。影片在上映时受到了一些人的攻击，因此不久就停止公开放映。几个星期以后，战争终于爆发了，军事检查机关下令禁止上映这部影片，理由是：这部影片会“使士气趋于涣散”。
①指英法在1939年9月至1940年5月期间对德宣而不战的“战争”。——译者。

7. 电影大片有什么好看的

这样看来你是一个现实主义者。最有利的说服证据就是应该把电影当作一门艺术。欣赏艺术并不意味着浪费生命。人有物质需求，如你所想，创造生活的现实意义。然而人活着，还有很多是金钱无法满足的，这样我们就需要在娱乐里需求寄托，比如看电影什么的。让自己在虚拟的世界里，体验别人的刺激，为自己平淡的生活增添一抹色彩，人也比较容易开心一些。每个人对人生意义的定义各有不同，现在时代不同了，我们不可能像先辈们那样在战争中为国牺牲来实现自己的价值。我们越来越多的只是个人生存而活，缺乏精神信仰的我们经常在物质的世界里把自己弄的疲惫不堪。在一定程度上，我们是被世界遗忘的，可是并不意味着我们没有权利让自己活得开心，那就让我们在虚拟的世界里，找到自己的位子，让自己也幻想一把，没什么不可以。
再者，国外的东西对于我们中国人来说是陌生的，在这种国与国的差距中，人更容易激发好奇心。人都有欲望，这种欲望就体现为对他国一些文化的涉猎。在感官刺激的外表下，我们也就似乎可以知道更多关于外国的东西了，而且是以一种愉快的方式传达给我们的。

8. 读者最近有一篇文章是30部电影的 第一个是肖申克的救赎

只找到2014年第13期的一篇《影史十大影片》
1952年，在全球颇具影响力的英国电影评论期刊《视与听》召集了当时最顶尖的影评人，让他们评选自己心目中“电影史上最伟大的10部电影”。此后这项传统一直延续下来，每10年重新评选一次。自1992年开始，除了影评组，还增设了导演组。美国著名的影评人罗杰·伊伯特说：“《视与听》的‘影史十大影片’票选榜单通常被认为是最权威的电影榜单。”
2012年《视与听》十大影片
影评组：
1.《迷魂记》（1958）导演：阿尔弗雷德·希区柯克
2.《公民凯恩》（1941）导演：奥逊·威尔斯
3.《东京物语》（1953）导演：小津安二郎
4.《游戏规则》（1939）导演：让·雷诺阿
5.《日出》（1927）导演：茂瑙
6.《2001太空漫游》（1968）导演：斯坦利·库布里克
7.《搜索者》（1956）导演：约翰·福特
8.《持摄影机的人》（1929）导演：吉加·维尔托夫
9.《圣女贞德受难记》（1928）导演：卡尔·西奥多·德莱叶
10.《八部半》（1963）导演：费德里科·费里尼
导演组：
1.《东京物语》（1953）导演：小津安二郎
2.《2001太空漫游》（1968）导演：斯坦利·库布里克
2.《公民凯恩》（1941）导演：奥逊·威尔斯
4.《八部半》（1963）导演：费德里科·费里尼
5.《出租车司机》（1976）导演：马丁·斯科塞斯
6.《现代启示录》（1979）导演：弗朗西斯·福特·科波拉
7.《教父》（1972）导演：弗朗西斯·福特·科波拉
7.《迷魂记》（1958）导演：阿尔弗雷德·希区柯克
9.《镜子》（1974）导演：安德烈·塔可夫斯基
10.《偷自行车的人》（1948）导演：维托里奥·德·西卡

9. 世界电影史了解的进来！

1895~1910● 12月28日卢米埃在巴黎大咖啡厅放映自制的十部影片(1895)
● 第一家专映有声电影的「留声影院」在法国成立(1900)
● 柏格森之喜剧论文《论笑》发表(1900)
● 维他公司vitagraph成立(1900)
● 爱德温．波特的《美国消防员生活》采用复杂的户外拍摄镜头，并以溶的手法连接镜头,开启之后剧情片的拍摄手法(1902)
● 四月，美国第一家长期放映电影的戏院「电化剧场」在洛杉矶开幕，由汤玛斯．陶利创立 (1902)
● 传记公司开始在室内摄影棚使用人工灯光(1903)
● 美国第一家「五分钱戏院」在匹兹堡设立(1905)
● 爱弥儿．考尔正试探动画影片的可能性(1905)
● 第一部卡通影片：《做鬼脸的步骤》，由詹姆士．史都华．布莱顿制作完成(1906)
● 李狄佛斯特发明的音管，指出电子声音扩音的可能性(1906)
● 澳洲的第一部警匪片《大盗凯利的故事》完成，长度约一小时(1906)
● 此年估计每周约有八千万美国人光顾五分钱戏院(当时美国人口约一亿人)，而全美已有五千家以上的五分钱戏院(1907)
● 葛理菲斯到传记公司工作，因为影片生场量大，于是发展出分工模式，使得电影导演首度由不懂机器的人来担任(1907)
● 美国「国家检查局」成立(1907)
● 法国开始制作舞台式的艺术电影(1907)
● 爱迪生合组「电影专利公司」，授权拍摄、发行与放映电影(1908)
● 「火车大劫案」导演爱德温．波特与爱迪生公司决裂，爱迪生公司不久后停止拍片。至此 初始电影渐被剧情片取代(1909)
● 卡尔．德兰姆利用IMP公司旗下的女演员：法伦丝．罗兰斯的假死亡消息，造成明星风潮 (1910)
● 葛理菲斯率领公司的演员与工作人员到洛杉矶定居，许多电影公司相继搬到加洲的好莱坞地方发展(1910)

重要作品：
《月球之旅》A Trip to the Moon
1900／梅里叶／法国／黑白
《美国消防员的生活》The Life of an American Fireman
1903／爱德温．波特／美国／黑白
《火车大劫案》The Great Train Robbery
1903／爱德温．波特／美国／黑白
第一部西部片的诞生。
《灵犬救主记》Rescued by Rover
1905／西希．赫普渥斯／英国／黑白
开创在屏幕上说故事的技巧，是葛里菲斯之前剪辑最巧妙的作品。
《鹰巢历险记》The Eagle’s Nest
1908／爱德温．波特／美国／黑白
内容描述营救被老鹰捉去的婴儿的过程，葛里菲斯演出并在此片中学习到导演的技巧。 1911~1920
● 华纳兄弟开始制作电影(1912)
● 第一本电影杂志《影剧》在美国问世(1912)
● 赛纳特的基斯东公司成立(1912)
● 阿道夫．索克成立「名人公司」(1912)
● 威廉．福斯成立「票房诱力公司」(1912)
● 赛纳特制作第一部美国喜剧长片《泰莉的伤心罗曼史》，使卓别林踏上明星之路(1912)
● 美国「环球公司」成立(1912)
● 葛理菲斯成立自己的电影公司(1913)
● 西席．地米尔为了拍摄《番妻记》至加州，以每月七十五元租下好莱坞谷场(1913)
● 达达沙赫．法兰克完成第一部印度电影，器材则全部由英国进口(1913)
● 第一家重要的新型豪华戏院「河滨戏院」建于百老汇(1914)
● 霍金逊成立派拉蒙公司(1914)
● ●贝拉斯哥的灯光技术师布克兰至好莱坞(1914)
● 梅里叶拍完他的最后一部电影(1914)
● 第一次世界大战让许多国家管制敌国电影进口，间接为本国电影保留了发展空间(1914)
● 卡尔．兰姆建立宏大的环球摄影城(1915)
● 「电影专利公司」被法院宣判违反托拉斯法，宣布倒闭(1915)
● 葛理菲斯，英斯与赛纳特成立铁三角影业公司(1915)
● 「票房诱力公司」改名为「福斯公司」(1915)
● 1915~1917之间确立了好莱坞的经济模式(1915)
● 哈佛大学心理学家雨果．孟斯特堡写下《电影剧-心理的研究》(1916)
● 艾伦．瑞在《万神殿》中改良贝拉斯哥式布景(1916)
● 卓别林至转至「互助公司」发展(1916)
● 德国政府成立「乌发制片公司」，开始拍摄战争宣传影片，以压制国内的反战声浪 (1918)
● 莫斯科成立国家电影协会，俄国教育局电影部严格管制胶卷(1918)
● 法国电影受「百代公司」与「高蒙公司」垄断(1919)
● 苏联将电影收归国有，并设立第一个电影学校：「苏联国立电影学院」(1919)
● 《卡里加利博士的小屋》掀起德国表现主义电影的高潮(1919)
● 葛理菲斯、卓别林、玛丽．毕克馥与范朋克成立「联美公司」(1919)
● 法国的路易．德．吕克创设第一个展示与保存过去电影的社团(1920)
● 苏联电影锐减，戏院关门4/5以上(1920)

重要作品：
《国家的诞生》The Birth of a Nation
1915／大卫．葛里菲斯／美国／黑白
美国第一部片长超过12本的电影，同时也是美国自有电影以来卖座最高的影片。但因电影中
的种族问题而引起社会上很大的反弹，甚至禁演。
《偏见的故事》Intolerance
1916／大卫．葛里菲斯／美国／黑白
制片费200万美金，同时为了电影中巴比伦一段故事而建了一段城墙。影片共分四段，内容深
刻。可惜因为结构复杂而抽像，引不起观众的兴趣而票房惨败。又译为《忍无可忍》、《党
同伐异》。
《卡里加利博士的小屋》Cabinet Des Caligari
1919／罗勃．韦恩／德国／黑白
德国表现主义的滥觞，开启后来表现主义电影在画面处理上的独特手法。
《寻子遇仙记》The Kid
1920／查理斯．卓别林／美国／黑白
当时卓别林官司缠身，为了怕这部影片被法院收押而在旅馆中剪辑，亦开启了他笑中带泪的
风格。
《杜丽的冒险》The Adventure of Dolly
1908／大卫．葛里菲斯／美国／黑白
葛里菲斯的第一部导演作品，因为大受欢迎而将每况愈下的传记公司扶持起来。1921~1930
● 战后经济困顿，列宁实施新经济计画，允许私人企业，电影制作环境因而改善(1921)
● 20年代，美国开始*纵全世界电影市场(1921)
● 20年代开始大量拍片的「乌发公司」发明平面式剪辑机(1921)
● 约翰．福特加入福斯公司(1921)
● 战后外片恢复进口，票房收入转用于本国制片(1922)
● 战后组「国家电影企业」，垄断本土电影制作、发行与进口，「教育委员会」则负责意识型态方向(1922)
● 苏联，维多夫开始制作「电影真理报」，实为半纪录、半宣导、半实验的非剧情片 (1922)
● 「美国电影制作与发行组织」(M.P.P.A)或称「海斯办公室」成立，是美国影片公司本身 的审查组织(1922)
● 列宁鼓励纪录片与新闻片的制作(1922)
● 加拿大的罗勃．佛莱赫蒂拍出《北方的南努克》，是影史上第一部在世界各地的商业电影 院放映的纪录片(1922)
● 艾森斯坦开始接触电影，提出了「吸引力蒙太奇」(1923)
● 苏联政府再度将影业收归国有(1923)
● 美国的华纳兄弟公司正式成立(1923)
● 德国导演受聘到好莱坞发展(1923)
● 「人民电影企业」成立，负责制作与共党意识型态一致的政治电影(1923)
● 德国电影面临财政困难，愈来愈倚靠好莱坞出资，德国电影人材亦大量流向好莱坞(19 24)
● 1924~1929为苏联电影的黄金时期
● 美国哥伦比亚公司与米高梅此年相继成立(1924)
● 华纳公司买下维他公司(1925)
● 英国成立电影学会(1925)
● 苏联将「国家电影企业」改组成「苏维挨电影托拉斯」(1925)
● 苏联政治局决议国家不干涉艺术形式，俄国蒙太奇运动得以全面发展(1925)
● 苏联宣称已发展出一种电影配音系统(1926)
● 20年代中期，贝尔以电传送声音和留声机的技术配合记录(1926)
● 首部彩色片《光荣历险记》完成(1926)
● 华纳公司发明维他风录音设备，福斯公司随后和通用电器发明穆菲通奠定有声电影基础(1926)
● 由特艺彩色拍摄的《黑海盗》出品(1926)
● 第一部有音乐声带的《唐璜》由华纳公司出品，影片的摄制费升高，但是较传统在戏院雇用乐团演奏更为经济(1926)
● 英国国会通过电影法来保障英国的电影事业(1927)
● 法国的手持摄影机发明(1927)
● 第一部有音乐、对话声带的《爵士歌手》由华纳公司出品，有声片流行后，许多默片演员成为过去式(1927)
● 霍金逊组成新「派拉蒙公司」(1927)
● 20年代末，苏联电影发展蓬勃(1927)
● 「美国影艺学院」由米高梅总裁路易梅耶提议创立(1927)
● 法国亚伯．冈斯的《拿破伦》首度向全世界展示由三个银幕构成的电影(1927)
● 好莱坞进入「古典好莱坞时期」，产生多位著名导演如：法兰克．卡普拉，约翰．福特等。类型电影在这时期发展至成熟，叙事手法产生通则如：连戏剪接、线性叙事等。(1928)
● 默片巨匠巴斯特．基顿结束自己的片厂，加入米高梅公司。但是大制片场的拍摄体系让基 顿无法适应，不久其电影生涯及告结束(1928)
● 艾森斯坦的《十月》受到苏联当局斥为「形式主义」(1928)
● 美国影艺学院管理委员会主席范克朋提出颁发金像奖的构想(1928)
● 完全有声对白电影《纽约之光》上映(1928)
● 雷电华公司成立(1928)
● 华特．狄士尼创造出米老鼠(1928)
● 2月10日首届奥斯卡金像奖产生，5月16日在好莱坞的罗斯福大饭店颁发，最佳影片是《铁翼雄风》(1929)
● 20年代晚期，大众的兴趣转向广播，默片市场已达饱合，法国的印象主义没落(1929)
● 超现实主义内部分列(1929)
● 艾森斯坦到好莱坞学习有声技术(1929)
● 1929~1937年，苏联电影*纵在薛姆亚斯手中，他使各形式主义的艺术家都合乎党的路线(1929)
● 英国人约翰葛里逊拍摄出描写渔人生活的《漂流》大受好评，并且使他成功说服英国之E MB成立电影处，全力推动英国的纪录片运动(1929)
● 30年代的电影确定剧本是影片创作的基本原则(1930)
● 1930年代彩色底片广为流传，为彩色摄影的高亮度灯光出现，直接影响深焦效果（深焦摄 影）的拍摄手法产生，并成为40年代的特色(1930)
● 西电、RCA两家公司制片厂成为摩根洛克裴勒的拥有物(1930)
● 罗马天主教徒马丁奎格莱、丹尼尔洛德草拟好莱坞制片法案(1930)
● 隔音设备（隔音罩）可以直接包着摄影机，不必再连机带人藏在亭里，摄影机至此可活动 自如(1930)
● 日本电影大致分为时代剧与现代剧两类，重要导演包括衣笠贞之助、沟口健二、小津安二郎等(1930)

重要作品：
《吸血鬼》Nosferatu
1922／穆瑙／德国／黑白
承继《卡里加利博士的小屋》而来的表现主义电影，同时也是电影史上的第一部西血鬼作品。选择拍摄户外的自然景来对比古堡中的阴郁，塑造出极为恐怖的气氛。
《北方的南努克》Nanook of North
1922／罗勃．佛勒赫提／美国／黑白
美国纪录片之祖。这部作品并非完整的纪录片，以爱斯基摩人的人物和背景的经验去自然发展电影，情感较为抒情。
《十诫》The Ten Commandments
1923／西席．地米尔／美国／黑白
全片最大噱头是摩西将红海分成两半的特技场面。这部片使西席．地米尔成为大场面电影的 权威。
《波坦金战舰》Potemkin
1925／艾森斯坦／苏俄／黑白
每个画面以节奏性的正确秒数停留在银幕上，并透过不同镜头的相互对比而产生不同意义。 艾森斯坦的撞击蒙太奇的最佳表现。
《将军号》The General
1926／巴斯特．基顿／美国／黑白
电影意念与导演技巧皆非常复杂，默片喜剧钜匠基顿的代表作。
《大都会》Metropolis
1926／佛列兹．朗／德国／黑白
佛列兹．朗在德国时期的代表作，是一深刻的政治寓言电影。其中未来世界的画面成为后来 多科幻电影的模仿对象。
《母亲》Mother
1926／普多夫金／苏俄／黑白
与艾森斯坦同时期的苏俄电影大师，比较不同的是普多夫金的蒙太奇理论为「堆积蒙太奇」 。
《拿破伦》Napoleon
1927／亚伯．冈斯／法国／黑白
首用三重银幕型式，对电影技术贡献良多。
《安达鲁之犬》Un chine Andalou
1929／路易斯．布纽尔／法国／黑白
超现实主义电影的滥觞。

1931~1940
● 有声片的准备阶段完成，好莱坞的概貌显现(1932)
● 美国多数电影公司与院线有很亲密的关系(1932)
● 8月6日「威尼斯影展」开始，是电影史上第一次影展(1932)
● 明星制度全面运作，片厂制度（美国片厂时代）亦继续发展。经济不景气未能对技术(如彩色、声音)全面投资开发(1933)
● 电影业第一次受经济低迷打击，票房猛跌，产品骤减。电影业的因应措施：两片联映，以渡危机(1933)
● 好莱坞制片法案通过实施(1933)
● 桃乐丝．雅兹诺的《Christopher Strong》描写一个女飞行员未婚怀孕及自杀的故事。是古典好莱坞时期唯一女导演，片中常出现独立自主的女性形象，但限于当时好莱坞风气，多无好下场(1933)
● 电影公司渡过经济不景气危机，开始赚钱(1935)
● 特艺七彩的出现让弧形灯又重新问世。到了30年代中期，特艺七彩的花费减少，大片厂才在「钜片」时使用，如李穆林的《浮华世界》是全部彩色的剧情片(1935)
● 福斯与廿世纪公司合并成「二十世纪福斯公司」(1935)
● 所有八大电影公司的主要股源都在Morgan与Rockefeller两大银行集团中(1936)
● 英国制作225部电影，是当时世界第二多产国家(1936)
● 美国尝试用成本高的彩色底片拍摄，代替黑白，终获成功(1939)
● 第二次世界大战爆发，美国演艺工作人员约有4万人从军，劳军活动与激励士气影片蓬勃 ，在国内市场兴旺，而剧情片产量减低(1939)
● 9月1日举行第一届的坎城影展，艺术电影在世界影展中获得肯定。此时期重要导演有尚．雷诺、卡尔．德莱叶、路易斯．布纽尔等(1939)

重要作品：
《城市之光》City Light
1931／查理斯．卓别林／美国／黑白
卓别林作品本质内涵的表征。
《科学怪人》Frankenstein
1931／詹姆斯．惠尔／美国／黑白
片厂时期美国环球片厂以恐怖片最为叫座，本片即为当时的代表作。
《疤面人》Scarface
1932／霍华．霍克斯／美国／黑白
华纳公司以警匪片最为有名。
《一夜风流》It Happened One Night
1934／法兰克．卡普拉／美国／黑白
奥斯卡史上第一部大满贯（获得最佳影片、导演、编剧、男女主角）的电影，也是美式神经 （脱线）喜剧的代表作。
《礼帽》Top Hat
1935／美国／黑白
30年代美国歌舞片大受欢迎，其发源地为雷电华公司。这部即为当时雷电华旗下最有名的舞 王佛雷亚士坦与金姐罗吉丝的作品。
《白雪公主》Soow White and Seven
1937／华德．迪士尼／美国／彩色
第一部动画长片。
《游戏规则》The Rules of the Game
1939／尚．雷诺／法国／黑白
风格诡谲讽刺，场面调度淋漓尽致，描写爱情与道德相抗的故事。
《驿马车》Stagecoach
1939／约翰．福特／美国／黑白
约翰．福特再创个人西部片的第二个高峰。
1941~1950
● 年仅26岁的奥森．威尔斯完成第一部剧情长片《大国民》，内容描述大人物的内心空虚与社会黑暗面，手法新颖独特，得到当年纽约影评人协会最佳影片与奥斯卡九项提名，在影史上影响极大。（1941）
● 「新写实主义」是意大利影评人恩柏脱．巴巴洛讨论1942年的意大利电影所定之名词(19 42)
● 在墨索里尼时期，电影由其弟弟管辖。专注于历史宫闱片及煽情的上层社会通俗剧，即是 「白色电话电影」(1942)
● 墨索里尼1943年下台后，许多导演开始拍摄能够反映社会现实的电影，形成以后的新写实主义运动(1943)
● 政府支持与美国的援助，新写实主义运动能够维持，到了1948年以前，这个运动已与政府有密切的联系而少受到检查的干扰(1943)
● 1945年二次世界大战结束，各国停止拍摄政宣电影。欧洲电影因为战火而没落，致使美国 电影在市场上独大。苏联等共产国家强调国家主义的电影，因为冷战在西方国家中不复存在，电影又恢复其艺术特质。
● 1945年因为电影片厂受到战火的摧残，有声设备也极匮乏。因此新写实主义的场面调度大 量采用写实的外景，摄影品质也接近粗糙的纪录片
● 「非美活动调查委员会」从1947年开始对好莱坞展开政治调查并引发「十君子」事件，好 莱坞的古典模式渐渐受到现实生活挑战
● 1947~1957年，法国政府以强制配额、贷款等手段辅助电影。且国际合作亦流行(1947)
● 40年代末，磁性录音带取代唱片，电子处理音乐的方法(剪接)出现(1948)
● 战后，美国最高法院对派拉蒙公司耗时多年的法案作出最后裁决，规定电影公司必须卖掉他们的戏院(1948)
● 米高梅宣布减薪与大量裁员(1949)
● 非美活动委员会的「好莱坞十君子」黑名单时期(1949)
● 美国40年代末到50年代初期的「黑色电影」是在当时阴沉偏执的气氛中所产生结果(1949)
● 法国的亚斯楚克提出「摄影机钢笔论」。十年后法国新浪潮实现，运用此理论拍片。法国新浪潮的导演如楚浮、高达等在电影会中结识。(1949)
● 黑泽明的《罗生门》对于西方电影的技巧与风格有深入接触，另一方面仍从日本传统中发 掘与创新(1950)

重要作品：
《幻想曲》Fantasia
1940／华德．狄士尼／美国／彩色
改变音乐在影片中的从属地位的迪士尼动画电影。
《大国民》Citizen Kane
1941／奥森．威尔斯／美国／黑白
电影鬼才奥森．威尔斯的导演处女作，使深焦摄影成为后十年好莱坞的标准技法。同时也是
影评人票选的影史十大影片第一名。
《枭巢喋血战》The Maltese Falcon
1941／霍华．霍克斯／美国／黑白
公认的黑色电影滥觞，改编自达许．汉密特的同名小说。
《对头冤家》Ossession
1942／维斯康堤／意大利／黑白
对战后产生的意大利新写实主义的影响很大，改编自美国小说家詹姆斯．肯恩的小说，因为版权问题而被米高梅公司禁止在美国上映。
《不设防城市》Open City
1945／罗塞里尼／意大利／黑白
战后第一部引起国际震惊与注目的意大利新写实主义代表作。
《单车失窃记》Thief
1946／狄西嘉／意大利／黑白
意大利新写实主义电影中最杰出的标记。采用非职业演员，并在父子寻找被偷的脚踏车过程中，插入许多周遭社会现象。1961~1970
● 法国人类学家尚．胡许拍摄《夏日纪事》，利用轻便录音设备与摄影器材，创造出新的纪 录片拍摄风格：「真实电影」。强调整部电影就是「捕捉真实的实验」(1961)
● 美国罗勃．朱成立朱氏公司，采用多机作业与长时期跟踪拍摄对象，创造纪录片的「直接电影」风格(1961)
● 德国拍摄短片的导演们发表「奥伯豪森宣言」：短片是剧情片的训练与实验场所。这个宣言并非以创作或理论出发，而是以创造良好的制片环境为出发点(1962)
● 「青年德国电影处」提出无息贷款资助年轻导演拍片，如克鲁格、雪朗多夫等皆是。但是 电影界抗议辅导不公，之后将这笔预算的一半拿来资助商业电影。此时期德国电影发行管道 大都被美商把持(1964)
● 每个导演都有自己的制片公司，也逐渐为大公司吸收(1964)
大部份史家以为到了1964年，新潮的形式特质逐渐消失，而外国开始模仿如英国米尼．李 察逊所拍之《汤姆琼斯》，这个运动便算告罄(1964) (法国)
● 60年代中期，美国女性主义运动者开始拍摄纪录片，从自身经验出发，做翻案文章式的重 新寻找女性运动的渊源或彰显被凐没的女性成就

● 到了60年代中期，宽银幕电影 的革命已经跟1930年代的有声革命一样彻底，而且宽银幕 也和音响一样，成为新一代的电影美学基础(1965)
● 类似美国AFI的机构在欧洲存在已久，对于支持本国电影发展发挥相当大的功能。
● 海湾及西方企业收购派拉蒙，全美企业吸收联美。(1966)(美国)
● 塞内加尔的欧斯曼．桑宾拍出非洲第一部剧情片《黑女孩》(1966)
● 艾略特海曼 Eliot Hyman买下华纳(1967) (美国)
● 60年代末期，「真实电影」与「直接电影」被大众广为接受，同时电视频道成为纪录片主要的放映管道与资金来源
● 冬季，戴高乐政府的文化部长安德烈马洛，撤换法国电影会亨利朗瓦的职务，在高达、楚浮的领导下示威，为二月示威运动(1968) (法国)

10. 让·雷诺阿的人物评价

让·雷诺阿作为20世纪杰出的电影大师，半个多世纪以来，名字屡屡出现在许多国家的电影机构评选的电影史上十大杰出导演的名单中。而评选杰出大师的依据是杰出作品，雷诺阿的杰作当为《游戏规则》和《大幻灭》。其中《游戏规则》更是多次入选电影有史以来的十大杰作之列，以英国《画面与音响》杂志的评选结果最具权威性。该杂志自1952年起每隔10年组织一次评选活动，邀请世界上最著名的影评家和电影导演投票评选电影有史以来的十大杰作，50年来《游戏规则》一直没有落榜。
作为雷诺阿生平创作的最完美的影片，《游戏规则》雷诺阿说这是一个关于识破骗局、认识真相的故事。它虽然是一部古老的故事，但是所流露出的沉重的悲剧意识，是对人、对社会的一种失望的情绪。
雷诺阿通过复杂的人物关系、追逐片式的喜剧情节和看似荒诞的艺术手法，富有嘲讽意味地揭示了战前法国资产阶级乃至整个社会的生活态度：生活如同“游戏”，说谎和尔虞我诈是这种游戏的不可违拗的“规则”；同时，来自不同社会阶层的争风吃醋的男男女女的群象表明，情欲是人类的共性，而在风流场上的追逐和搏斗中不同社会阶层的人是不得相互混同的，此外影片还运用隐喻手法，预示了“奇怪战争”的悲惨结局，最后则把这群百无聊赖的男女的东逃西窜作为恢复正常的社会秩序的手段。由此我们不难看出，当时欧洲社会复杂的阶级斗争和以法西斯主义为代表的资产阶级反动势力的猖獗，这些使雷诺阿由痛苦、愤怒而沦为悲哀。《游戏规则》是他这种宿命、无望情绪达到极点时发出的绝望的呼喊。
雷诺阿曾说：“非常奇怪，我的影片要等到25年之后才能被人理解。”想到《游戏规则》当初的不幸遭遇和后来的诸多荣誉，事实的确如此。此片完成于二战爆发前夕，上映不久便被禁止。电影审查机构认为它“伤风败俗”，军事检查机关认为它“涣散士气”，很多观众认为它是对他们的“人身侮辱”。这样的结果与雷诺阿的初衷背道而驰：“我原想把这部影片拍得讨人喜欢，但却惹恼了大多数观众，我为之惊奇不已。”雷诺阿把观众的敌意归咎于自己的“直率”，这部影片表面描写的是和蔼可亲的人，实际表现的是正在解体的社会，观众在影片中看到了自己，而“自杀的人是不喜欢让人看见的。”拍摄《游戏规则》的人自己没有遵守“游戏规则”，结局自然可想而知。雷诺阿这样描述自己当时的心情：“《游戏规则》问世时遭到的失败太让我丧气了，以至于我决定，要么不再拍电影，要么离开法国。”
雷诺阿的另一部代表作是《大幻灭》，据其编剧查尔·斯巴克的解释，影片主要是表现“战争是愚蠢和丑陋的。战争破坏了人的生活，人不是为互相残杀而生存的，只有职业军官喜欢身着军装”。因此，热爱和平的雷诺阿在影片中表达的反战倾向是非常明显的，而且他还告戒人们：“不论胜利与失败，任何民族都难以幸免战争造成的堕落。战争在几个月内就足以摧毁缓慢发展的文明用几个世纪才得以建立起来的东西。”
雷诺阿通过纪录片式的朴素风格和真实准确的细节，以及生动的性格刻划和丰富的视觉形象，既表现了战争期间不同国籍的军人们对和平时期保持友爱感情的向往，又反映了他们在国家、种族、宗教、社会、阶级等界限之间的复杂关系。有时阶级关系超越国家界限，有时种族关系超越社会阶层，有时友爱之情超过一切，有时爱国主义占据上风。比如，当了俘虏的法国侯爵德瓦尔迪厄与德国贵族冯·罗芬斯坦之间的阶级关系，远远超过他与平民出身的马雷夏尔的同胞关系；马雷夏尔对言语隔阂的德国农妇的好感，大大超过他与犹太资本家罗森塔尔的友情。
当然，也有人认为雷诺阿身为一个左翼电影工作者，在本片中对法国贵族传统和军事等级日落西山表示哀叹令很多人困惑甚至愤怒，而法国著名电影理论家安德烈·巴赞却说：“对大多数法国人所经历的时代的回忆之所以引起我们的激动，是由于我们在这些囚徒的痛苦和希望之中发现了某些东西，在今天原子弹毁灭的磨难、恐怖和恐惧面前，那些东西对我们来说反倒像是失去的天堂。”也许让·雷诺阿富于前瞻性的诗意现实表现也正于此吧。 法国诗意现实主义代表人物让·雷诺阿，1894年9月15日出生在法国巴黎（1979年2月12日逝世），出生在大画家奥古斯特·雷诺阿的家中。奥古斯特·雷诺阿是法国早期印象派绘画运动的先驱者，这使童年时期的让·雷诺阿受到了良好的艺术熏陶，对于其日后在电影色彩、构图方面的优势都打下了坚实的基础。
然而让·雷诺阿并没有子承父业，在学业尚未完成的情况之下便毅然踏上了军旅之路。一战期间，他以准尉的军衔奔赴前线作战，数月后因右腿负伤回到巴黎养伤，开始迷上了卓别林的电影。也就是在此期间，他开始对电影产生兴趣。雷诺阿在这次战役中落下了瘸腿的终身残疾，伤养好后他又返回军队学习飞机驾驶，做了短时期的侦察兵。他退伍后为了完成父亲的遗愿来到法国南部的卡纽和郊外的玛洛特从事陶器制作。一次偶然的机会，因受到电影《爱的火花》的感染，他决心投身于电影事业。起初，他只是为别人写作了一部电影剧本，接着才在1924年获得了拍摄《水上姑娘》的机会。影片以爱情为主线，讲述一位姑娘在做水手的父亲死去后遭遇了许多不幸，最后得到一位地主少爷的救护和爱情的故事。让·雷诺阿运用了印象派电影手法，所表现的如姑娘做梦时的场景，深获好评。自此，他开始了自己真正的电影生涯。
1926年，雷诺阿拍摄了根据左拉小说改编的《娜娜》，这是一部耗资巨大、长达120分钟的影片，虽然没有取得应得的经济效益，但在当时引起了巨大反响。影片将文学上的自然主义与绘画上的印象主义有机结合在了一起，用优美的笔法展现了妓女娜娜悲惨放荡的一生。这部影片是雷诺阿默片时期的代表作品。此后，他拍摄了一系列默片：《查尔斯顿》（1926年）、《玛尔基塔》（1927年）、《卖火柴的小女孩》（1928年）、《懒兵》（1928年）、《城中比武》（1929年）、《穷乡僻壤》（1929年）。这些影片已经显示出雷诺阿在题材和风格方面的某些特点，如探讨物质生活的意义、将现实主义与梦幻般的想象相结合。为最终形成“雷诺阿风格”的先驱作品。
从三十年代开始，雷诺阿进入了自己多产而又风光的全盛期，在此期间，他不仅形成了雷诺阿式的电影风格，而且拍摄出了享誉一生并被后辈着力推崇的影片《大幻灭》和《游戏规则》，确立了在世界影坛的重要地位。就像世界电影有了历史性的飞跃一样（进入有声期），雷诺阿也开始逐渐找到适合自己的叙事方式。后来所拍摄的《汤尼》是一部极端写实主义影片，片中几乎没有内景，也没有用大明星，纯粹依据真实事件拍成，被评论家们认为是与维斯康蒂的《对头冤家》（1942年）一样没有时代局限的杰作。他描写了从意大利和西班牙来到法国南部的打工者们的爱情和经历，最后因颓丧、妒嫉而导致的一场悲剧。一般评论家认为《汤尼》是电影史上的新写实主义电影的先驱。
雷诺阿的写实主义手法虽然得到好评，但他慢工出细活儿的拍片速度却常让一般电影老板不满意。找他拍电影的，多是看重他擅长拍摄社会题材并欣赏他写实风格的制片人。1935年，让·雷诺阿拍了《朗基先生的犯罪》，影片描述一家印刷厂面临破产，老板逃跑了，工人们却团结起来组织了一个合作社继续进行生产，终于扭转局面取得胜利。这是一部表现工人要求权力的影片。另一部根据名著《下层社会》改编的影片《社会底层》，则刻画了一群社会落伍者的众生相。这些影片都显示着他广博和深远的认识，并且永远能忠实反映人间世态、表现人的本质。雷诺阿自幼喜爱艺术，具有高深的艺术修养。这使他一从影就很快跻身于名导演之列。他与法国影坛老将让·维果以及雷内·克莱尔、约克·费戴尔、马赛尔·卡尔内等人共同奋斗，谱写了法国二战前电影史上的不朽篇章。
《汤尼》和《朗吉先生的罪行》被称为是“法国电影的转折”，“标志着法国电影的复兴”。影片所表现出来的政治倾向具有鲜明的左派思想，影片接受了苏联的现实主义精神，被认为是战后意大利新现实主义电影的先声。
雷诺阿在此期间拍摄的最重要的两部作品《大幻灭》（1937年）和《游戏规则》（1939年），成功运用了景深镜头和长镜头的叙事手法，为电影语言的发展做出了杰出的贡献。《大幻灭》荣获威尼斯电影节最佳艺术电影奖。雷诺阿喜欢用长焦距镜头来拍摄，使近景和远景同样清晰，他对这种摄影方法的实践和系统发展，对奥逊·维尔斯日后拍摄《公民凯恩》产生了重要影响。
1939年，雷诺阿紧接着完成了诗意现实主义的扛鼎之作《游戏规则》。
这是一个关于上流社会道德腐败的陈旧故事。和《大幻灭》不一样，《大幻灭》洋溢着自信向上，而这部影片则是一股昏暗不堪的调调。但是令人意外的是，《游戏规则》在时隔25年之后才受到世人重视，就好像人们获得了重生，因为此片在当时受到禁止放映的条令，来自各方的压力使雷诺阿不得不离开了自己挚爱的国土。
总体来说，雷诺阿这个时期的作品在艺术上达到了很高水平，使他成为战前法国诗意现实主义流派的代表人物。
从1940年到1950年，雷诺阿在好莱坞期间共拍摄了6部影片：《大泽之水》（1941年）、《吾土吾民》（1943年）、《向法国致敬》（1944年）、《南方人》（1945年）、《女仆日记》（1946年）和《海滨浴场的女人》（1946年）。1950年拍摄的《大河》是雷诺阿途经印度回国途中所拍摄的，也是他第一部彩色片。他回国后的18年间仅拍过5部影片，其中《法兰西康康舞》（1954年）较为著名。这些影片虽然在色彩运用上非常成功，也不乏完美的镜头，但都没能超越他在1930年在法国拍摄的优秀作品。终其一生，他拍摄了默片、有声片（包括黑白和彩色）共计40余部，后期雷诺阿的艺术活动转向舞台剧和电视，同时撰写有关电影的论著，导演舞台剧，创作小说和电影剧本，写作有关自己和父亲的回忆录。
雷诺阿继承和发扬了冯·斯特劳亨所信奉的拍摄电影的原则和传统，形成诗意写实主义风格，成为法国电影史上的丰碑。他虽然没有子承父业，但是秉承了父亲为艺术如痴如醉的风范，他为电影艺术耗费了毕生的精力，他致力于实验新电影文法的精神永远活在同样挚爱电影的人们心中。 历史上父子齐名的文学家、艺术家不乏其例，如大仲马与小仲马，大施特劳斯与小施特劳斯以及中国的曹氏父子、苏氏父子等，而法国著名印象派画家奥古斯特·雷诺阿与其子让·雷诺阿也是同样举世闻名的。所不同的是，他们的艺术门类不同，一位是画家，一位是优秀的电影导演。但是这丝毫没有影响他们在法国艺术界的地位，而让·雷诺阿最初的艺术灵感其中很大一部分也来自他的父亲。奥古斯特·雷诺阿是法国画家，最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品，充满了夺目的光彩。然而到了（18世纪）80年代中期，他从印象派运动中分裂出来，转向人像画及肖像画，特别是妇女肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。
在所有印象派画家中，雷诺阿也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童，花朵，美丽的景色，特别是可爱的女人。这些都会立刻把人吸引住。雷诺阿把从他们那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过：“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了”。他还是女性形象的崇拜者，他说：“只有当我感觉能够触摸到画中的人时，我才算完成了人体肖像画”。
1874年雷诺阿以《包厢》一画参加首次印象派画展，这标志着雷诺阿风格的成熟。但是自由的艺术创造给家庭经济带来危机，所以他总想找到一种既能满足绘画爱好者趣味，又能不失自己的艺术良心的方式。随着《游艇上的午餐》成功，生活境遇得到了改善。于是决定走出法国去东方寻找新的创作题材和灵感。他去了阿尔及利亚又取道英国，1881年又赴意大利游历艺术名胜佛罗伦萨、威尼斯和罗马等地，当他在罗马看了拉斐尔的画时感叹道：“真是妙极了，我早该看到它们，这些画显示了真正的艺术技巧和智慧。”这时他的艺术追求倒退到古典主义学院派，他说：“在油画方面我更喜欢安格尔。”这是他艺术道路上的一次危机。但就在这危机时代，他的印象主义精神仍始终保存在他的风景画中。
雷诺阿艺术的主体旋律———毕生所竭诚表现的是女性肉体的魅力。他所描绘的女性着意在外表美而忽略其性格深度，但就其自然魅力而言是高贵雅致的。他兼收了罗可可和巴洛克两者的娇媚和雄健之风，天衣无缝地融为一体，创造了独有的雷诺阿风格。阳光、空气、大自然、女人、鲜花和儿童。这就是雷诺阿一生用丰富华美的色彩所弹奏的主题。