电影音乐情绪象征手法

㈠ 电影表现手法有哪些

电影景物描写

剧作中对人物生活环境的风景和各种物象的描写。表现人物活动的时间状态和空间特色，是创造典型环境的重要条件，是银幕造型的一个重要方面。景物描写，可用于转换时空。通过描写人物对景物的感受和反映，可以借景抒情，表现和点染人物的思想性格和情绪色彩，有助于形成影片的风格特色。景物描写要从生活出发，符合故事情节和人物性格发展的规定情境，有特定时代的和浓郁的生活气氛。

【《十三衩》中狼烟遍地】

电影细节描写

细节描写是对表现对象的细微部分进行细腻描写，是作品形象描绘的最小单位，但对其只有意义性要求而无统一的量的规定性。电影剧作中的人物性格塑造、事件发展、典型环境、主题思想都是通过许多有机联系的细节描写来实现的。细节可以担负一切剧作功能。电影中所有表现元素都可以通过精心构思成为细节，如声音细节、人物细节、景物细节、物件细节、色彩细节等。生活细节成为艺术细节，必须经过加工和提炼，成为有一定意义的细节。电影细节描写要有独创性、可视听性和真实可信性。

电影白描方法

白描原本是中国绘画的一种技法，即用墨线勾描人物和各种景象特征，突出其神韵，不着颜色或略施淡墨，以形象本身简洁的特征表露唤起读者联想，得以丰富形象。这种手法借用于电影剧本创作，指电影剧本写作不可能对对象做长篇的详尽描绘，运用白描手法，可以简洁鲜明地突出所表现形象的特征以形传神。

【《塔洛》人物白描】

电影象征手法

电影编剧通过一定剧作形象的描写，寄寓超越具象的概念、思想和感情等抽象内涵的一种艺术手法。从影象构成角度看，那些属于影片整体构思的或始终属于剧情本身的艺术元素，还寓意着更深广的涵意（如概念、思想、感情、精神等），这就是电影的形象象征。电影的影象象征分为写实性象征和符号象征两大类。

㈡ 电影表现手法

1、写实主义手法

严格地、真实地、客观地、不加任何修饰地再现现实世界。与表现传统意义上的美或者理想化的形象相对立。风格平实，作者将自己的意图隐藏于作品之中。电影拍摄上摄影机运用相对保守，长镜头是常用手法。

2、麦格芬手法

它表示某人或物并不存在，但它却是故事发展的重要线索，是希区柯克最常用的一种电影表现手法。比如《房客》中的复仇者、《蝴蝶梦》中的丽贝卡、《迷魂记》中的玛德琳。

3、交叉蒙太奇

交叉蒙太奇属于蒙太奇的一种剪辑方法，是把同一时间，在不同空间发生的两种动作交叉剪接，构成紧张的气氛和强烈的节奏感，造成惊险的戏剧效果。作用是引起悬念，制造紧张气氛，加强矛盾冲突的尖锐性。.

(2)电影音乐情绪象征手法扩展阅读：

不同时空的例子

格里菲斯的《党同伐异》把四个不同世纪，不同区域发生的事，放在一部影片中分别叙述，中间用一个母亲摇篮的镜头连接，表明一个共同的主题，任何时代都有排斥异已的事情。

影片《沉默的人》的尾部，有四条线同时在不同地区展开：剧场正在演出，克格勃追踪，男主角跑，男主角的前妻设法援救他，四条线索齐头并进，共同说明追扑男主角这一情节。

同时同地的例子很多，影片《三十九级台阶》敌人在一座大钟内放了一颗定时炸弹，差一分钟就要爆炸。必须设法使大钟的秒针停下来才能除出炸弹，在这紧急时刻，意大利籍的地质学家机智地跳上大钟，用身体控制住秒针的走动。

与此同时，警察包围了钟楼内的敌人，钟楼下面还有不少围观的群众，这三组镜头围绕着排除定时炸弹这一情节在同时同地穿插进行，把情绪推向高潮。

如影片《南征北战》中，导演用平行蒙太奇表现敌我双方抢占摩天岭的场面，造成了紧张的节奏扣人心弦。

㈢ [转载]电影表现手法都有哪些

电影表现手法
【电影景物描写】剧作对人物生活环境中的风景和各种物象的描写。它表现人物活动的时间状态和空间特色，是创造典型环境的重要条件，是银幕造型的一个重要方面。景物描写，可用于转换时空。通过描写人物对景物的感受和反映，可以借景抒情，表现和点染人物的思想性格和情绪色彩，有助于形成影片的风格特色。景物描写要从生活出发，符合故事情节和人物性格发展的规定情境，有特定时代的和浓郁的生活气氛。
【电影细节描写】细节描写是对表现对象的细微部分进行细腻描写，是作品形象描绘的最小单位，但对其只有意义性要求而无统一的量的规定性。电影剧作中的人物性格塑造、事件发展、典型环境、主题思想都是通过许多有机联系的细节描写来实现的。细节可以担负一切剧作功能。电影中所有表现元素都可以通过精心构思成为细节，如声音细节、人物细节、景物细节、物件细节、色彩细节等等。生活细节成为艺术细节，必须经过加工和提炼，成为有一定意义的细节。电影细节描写要有独创性、可视听性和真实可信性。
【电影白描手法】
白描原是中国绘画的一种技法，即用墨线勾描人物和各种景象特征，突出其神韵，不着颜色或略施淡墨，以形象本身简洁的特征表露唤起读者联想，得以丰富形象。这种手法借用于电影剧本创作，指电影剧本写作不可能对对象做长篇的详尽描绘，运用白描手法，可以简洁鲜明地突出所表现形象的特征。以形传神。
【电影象征手法】电影编剧通过一定剧作形象的描写，寄寓超越具象的概念、思想和感情等抽象内涵的一种艺术手法。从影象构成角度看，那些属于影片整体构思的或始终属于剧情本身的艺术元素，除了他们的直接意义外，还寓意着更深广的涵意（如概念、思想、感情、精神等），这就是电影的形象象征。电影的影象象征分为写实性象征和符号象征两大类。
从电影综合艺术元素的构成看，象征手法所描写的象征形象有四种基本范畴：1．视觉性象征形象。影片《大决战》中毛泽东和周恩来边推碾子边商量战事，是推动历史车轮的象征；影片《神鞭》中傻二的辫子，作为某种传统文化精神的象征被刻意突出；影片《红衣少女》中，安然身着醒目的红衣的造型，是人物开放向上精神的象征。2．听觉象征形象。影片《夜行货车》中詹亦宏向摩根索逼近时，以列车轰鸣声，象征民族正气。3．视听结合象征形象。影片《乡音》末尾独轮车的视觉形象与火车轰鸣声的听觉形象交叉，象征新旧生活的冲突和历史趋势的必然性。4．叙事性象征形象。主要指情节和细节的象征。有全局性的，也有局部的。影片《老井》以全部情节叙述构成影片的整体象征——中华民族生生不息的顽强生存意志。《老井》中，先后三次出现婚后的旺泉倒尿盆的细节，象征着他终于融入传统。
【电影怪诞手法】指在电影剧作中对所描绘的人、事、物、景，运用种种古怪离奇、悖于常规、异常变形、极度夸张等刻画方式。怪诞手法给人以新奇、刺激的感受，能引起兴趣和加深印象，但描写怪诞本身不是目的，目的在于通过怪诞揭示人物心理活动，反映和揭露社会生活的不同层面和实质，表现或深化主题等。怪诞虽然不符合生活的表面现象，但符合艺术的真实。怪诞手法的运用有全剧整体性的，有仅在剧作局部使用的，也有与写实手法相交叉使用的。
【电影写实手法】
电影剧作中追求逼真地、如实地描绘客观现实的方法。客观现实世界是多维的、纵深的、动态的，包括历史和现实的各种人物、社会环境、自然风貌等等。写实手法要求对重大的历史事件、各类人物和社会生活风貌的描绘不作人为雕砌，要求环境和细节表现逼真、精细描绘的态度。写实手法有现实主义和自然主义的区别。现实主义的写实手法反对自然主义对生活的机械照相，而要求艺术的典型化。
【影片基调】基调原为音乐用语，指贯穿整部音乐作品的旋律变化或完整主题。影片基调是指影片的贯穿性意蕴与影片鲜明艺术倾向的融合。它反映导演的思想倾向、情感倾向、创作意图和艺术追求。
导演往往根据文学剧本提供的表现内容、影片题材和所选择的样式，凭借自身的生活经验、艺术感觉，以及对社会的思辨和洞察力，感受、捕捉和设计影片的基调。各创作部门以导演确定的整部影片的基调为依据决定各自的创作基调，如表演基调、造型基调、摄影基调、色彩基调等等。影片基调最终以丰富的景象造型元素与声音造型元素为媒介表现出来，显现于影片的主要风格特色和艺术特色之中。
【银幕效果】电影银幕上的艺术形象作用于观众心理所引起的各种情感反应。银幕形象是由视觉形象和听觉形象综合构成，因此银幕效果也称为“视听效果”。电影的画面与声音元素结合，相辅相成，以变化丰富的动作、声音、色彩、情调、节奏、寓意性等刺激观众，产生丰富的银幕效果。银幕效果是一种特殊而复杂的视听刺激效果。无论视觉效果、听觉效果还是视听结合效果，都可以有两种基本情况：一是通过直观的视听造型刺激，产生直接性银幕效果，包括引发观众的各种联想；二是通过间接的视听造型刺激，大量靠调动观众的想象力产生间接性银幕效果。
【银幕造型】电影艺术的综合表现面貌元素。与静止的空间造型艺术不同，银幕造型是时空结合的运动的造型，也是一种声画结合的造型。在这种声画结合、时空运动的综合造型面貌中包含着丰富的艺术语言和表现方式。
电影是集体创作的综合艺术，所有的创作成员都是银幕造型的创作者。相对而言，每个部门只能对银幕造型的某个方面起到作用，通过各部门创作的有机结合才能构成完整的银幕造型。这种集团创作归根到底仍是以导演的总体构思为依据的，因此，导演对银幕造型的质量负有主要责任。电影导演工作的主要成果也表现在银幕造型上。【节奏】是电影艺术至关重要的方面之一。电影节奏是电影艺术中所有要素的综合构成并作用于观众生理心理所产生的效果。节奏在电影中既表现在时间的流程中，也表现在空间的运动形态上，以及时空综合中。影片节奏不单纯是艺术技巧的表现，而是根据剧情需要，人物塑造需要，对影片总体把握、对电影手段综合运用的结果，是节奏的局部构成与整体构成的辩证统一体。电影的节奏总体存在于剧作中、存在于导演的总体构思和分镜头本中，渗透在表演、造型、声音、摄影、美工、剪辑等艺术创造中，形成情节节奏、造型节奏等节奏方面。而导演作为影片总设计师和指挥者，对影片节奏面貌的体现和创造影片的节奏风格起着决定作用。
节奏在根本上是艺术情感的显现。节奏的物理形态是运动，其心理根源是艺术家通过电影的特殊表现手段在作品中传递出一定强度的情绪情感的脉律，并引发观众情绪情感上的震荡或共鸣。人们常将速度作为节奏的唯一表达形式，以快、慢来衡量节奏，但速度并不等于节奏。速度节奏只是节奏的一种。节奏的衡量，也不单是镜头的长短，还有音响、线条、色彩、形体等艺术造型因素有规律的运动变化（高、低、强、弱、紧张、松弛、疏缓等等方面），以及它们引起欣赏者的生理感受状况。节奏是主观和客观的统一，心理和生理的统一。电影表现内涵的无限丰富性、电影表现手段的无限可能性和观众接受心理的复杂性，决定影片节奏形式和节奏变化的无穷多样性
【内部节奏】
缘于情节发展的内在矛盾冲突、人物的情感波澜等内容要素而形成的节奏。在电影中，内部节奏显现的一个重要方面，是与场面调度和蒙太奇技巧等密切融合的演员的表演、演员饰演的角色情感的内在张力。
【外部节奏】
由画面上一切主体的运动，各种长度镜头组接和镜头的各种转换方式，以及速度和光影、色彩、各种画面形式的变换而产生的节奏。外部节奏表现有时和内部节奏相一致，有时不一致，甚至可以做完全相反的表现。服从于统一的艺术构思。
【库里肖夫效应】苏联电影导演列夫．库里肖夫为了弄清蒙太奇的并列作用，做了一项有名的镜头剪接实验。他给俄国名演员莫兹尤辛拍了一个毫无表情的特写镜头，分别接在一盆汤、一个作游戏的孩子和一具老妇人的尸体镜头前面，出乎意外的是，他发现观众看到了演员的“表演”，即：看到汤时表现出饥饿感，看到孩子时表现出喜悦，看到老妇人尸体时表现出悲伤。而实际上这都是由于镜头的组接使观众产生了联想。从这个试验中，库里肖夫得出结论：造成电影情绪反应的，不是单个镜头的内容，而是几个画面之间的并列，是镜头组接和剪辑的作用。这就是所谓库里肖夫效应。
【主观镜头】将电影摄影机的镜头，当做电影中某一角色的眼睛，去观看（摄制）其他人物、事物活动的情景，即为主观镜头摄制。这种代表影片中某一人物视线的镜头，叫做主观镜头（狭义的主观镜头）。主观镜头还包括明显表示出导演主观评论观点和主观情感与情绪的镜头（广义的具有强烈主观表现色彩的镜头）。没有纯粹的客观镜头，也不会有纯粹的主观镜头，主观镜头总是在客观镜头表现中产生的。例如这样一种典型的希区柯克式的主观镜头表现：人物头部受伤，鲜血流下，逐渐遮盖了视线，鲜血覆盖了画面，是主观表现，但它不能离开人物受伤这个客观过程。主观镜头表现比客观镜头表现更为复杂，有着变化多样的运用模式。如反应式主观镜头、想象式主观镜头、多视角式主观镜头、多层次式主观镜头、近似式主观镜头等。
【客观镜头】
一般指摄影机采用大多数人在拍摄现场所共有的视点拍摄的镜头。这种镜头在银幕直观效果上可使观众产生共同临场感，达到客观表现的目的。客观镜头客观性包括两个含义层：首先是指反映对象自身的客观实在性，即艺术所再现的生活内容的真实性。这通常是导演在运用传统现实主义创作方法时所要求和恪守的。如《人到中年》等影片中所表现的许多事件、环境、人物等生活画面，都要求对生活真实性的再现，也就是艺术所反映生活的能见性；二是指对对象的客观描述性。这种客观描述性无论在现实生活片还是在童话片、神话片、荒诞片中都有其不可避免性。如影片《西游记》中种种事件过程的表现，都是客观镜头的用武之地。客观镜头运用的目的是为了引导观众观赏无论哪一层含义的画面表现，都具有规定情境的客观实在性，使影片达到叙述和描写的目的。最终，它们都免不了渗透着编、导、摄的思想情感。【空镜头】即没有人物出现的景物镜头。是导演阐述思想内容、叙述故事情节、抒发情感意境、转换银幕时空、调节节奏的重要手段。有主观空镜头和客观空镜头两大类。主观空镜头是人物眼中的、心理的和被刻意渲染的景物和感觉，客观空镜头是客观表现的环境景物以及过场性景物等，它要求景物表现的真实实在性。
【时空转换技巧】
影片中用以表现一定时间、空间镜头或段落的变换，以造成各种艺术效果的手段。常见的时空转换技巧有：利用渐隐、渐显、化、划等传统光学技法，在两个镜头或段落之间插入能够表现时间、季节、地点变换的景物镜头；利用字幕和绘画说明时间、地点的变换；无技巧剪辑，即完全利用画面内容本身的直接转换、而不用附加的光学技巧来表明时空的转换、划分时空段落。
【渐显、渐隐】亦称“淡入、淡出”、“渐明、渐暗”。传统剪辑技巧手法之一。电影艺术表现时空间隔的传统手段。其常规表现形式是：前一场景的画面逐渐暗谈直至完全消失（渐隐），后一场景的画面逐渐显露直到十分清晰明亮（渐显）。这种手法表现某一个情节（段落）的终了和另一个情节（段落）的开端，留有一定间隔，使观众在段落感中得到短暂的间歇，从容领会进展中的剧情。并可表现一定的情绪和节奏。【切】“切换”，即“切出、切入”的简称。属于无技巧剪辑手法。渐已成为电影最基本的镜头转换方式之一。指不用任何光学技巧如化、划、淡化之类作为过渡，而是直接由一个镜头转换成另一个镜头或由一场戏转换成另一场戏为保证镜头切换流畅，符合艺术逻辑性并适应一般观赏心理，在剪辑创作中，必须把握影片节奏和准确地掌握镜头恰切的剪接点。【化】亦称“化出、化入”、“溶出、溶入”。传统剪辑技巧之一。电影艺术表现时空转换的传统手段。其常规表现形式是；前一画面渐渐隐去（化入、溶出）之前，后一画面即开始渐渐显露（化出、溶入），两个画面同时重叠隐现，直到后一画面完全清晰。“化”的作用很多，如：起到时空过渡作用；可简捷地表现大幅度时空转换；常常用来表现人物的想象、梦幻、回忆等，直接传递情绪；在时空距离较近情况下，连续使用“化”过渡镜头，可产生抒情、缓慢柔和的效果；在神话片中用来达到“变形”的特殊观赏效果等等。
【叠印】电影语言中特有的一种形式。电影剪辑技巧手法之一。将两个或两个以上不同时空、不同景物或人物的画面重叠起来，复印在一条胶片上，即叠印。同时，叠印的各个画面的内容之间必须保持内在联系，以形成叠印画面的各种意义。有的影片片头字幕或唱词字幕也采用叠印方法与画面合成。【划】亦称“划出、划入”、“划过、划变”。传统电影剪辑技巧手法之一。为实现画面衔接所采用的一种技巧。表现形式是后一镜头从前一镜头画面上做左右划、右左划、上下划、斜向划、棱形划等。当代电影中，这种手法比较少用，但为了加强某种视觉效果或制造其他各种艺术效果，这种手法有时仍然使用，并且注意具有新颖性。【跳切】“切”的一种。属于无技巧剪辑手法。它打破常规状态镜头切换时所遵循的时空和动作连续性要求，以较大幅度的跳跃式镜头组接，突出某些必要内容，省略时空过程。跳切既以情节内容的内在逻辑联系为依据，也以观众欣赏心理的能动性和连贯性为依据，排斥缺乏逻辑性的随意组接。【闪回】通常指在一定的场景结构中插入另一场景或片断。闪回可以是电影的一种片断叙述手法，也可以形成全片结构形态，即闪回结构影片。从内容上看，闪回的内容一般为闪回前面镜头中某个人物的思维或回忆。它可以是情绪性的，也可以是叙事性的；可以是较长篇幅的，也可以是瞬间意识表现，目的是使观众更清晰地感受人物的思维、情绪和了解事情原委。
【工作样片】每个摄制工作日都要将拍好的底片印出一条正片，即为工作样片。供摄制组创作人员和厂负责人审查用。在工作样片尚未经审查通过或需要重拍前，一切布景和拍摄现场的各项设置不得拆除。在后期制作中，工作样片供导演和剪辑修剪、组接镜头用，也供配音、混合录音用，还供最终审查影片用，最后作为完成片套底用的依据。工作样片属珍贵资料，要求精心保管。【双片】即“完成双片”、“混录双片”。由经剪辑完成的工作样片和混合录音后的磁性声带片两部分组成。双片的用途是为听取审查意见后便于修改。与正式拷贝不同，它必须通过声画同步放映机放映才能达到声画合成的效果。审查通过和修改后，经过画面套底，将混录磁带转成光学声带，就可印制正式拷贝。

㈣ 音乐渲染情绪的，情绪渲染包括什么，情绪渲染包括展

电视剧的情绪音乐是在剧情发展到关键情节时为了弥补演员以及道具表现上的不足而做出有助剧情延续的举措。一般通过反复情绪音乐的渲染更能在电视剧(分集与总长时间比电影要长)这一特殊载体上充分表达电视剧的逼近真实的可能性并减少因为反复分集或仅展现一小部分镜头而导致的情节割裂感。情绪音乐不完全等同主题音乐，与主题音乐统一凸显主题相比，情绪音乐是可以多变而与电视剧主题相悖的，是为了让观众更好的进入场景而非认同电视剧剧情。情绪性音乐是电视剧有利的表现手法，增强电视剧的可观赏性。

㈤ 电影中声音与画面的组合方式有哪几种各有什么特点和作用

声画同步、声画对位、声画并行、声画对立、声画分立。

1、声画同步：

即声画统一，表现为音乐和画面紧密结合，音乐情绪与画面情绪基本一致，音乐节奏与画面节奏完全吻合。

两者是相辅相成的复合观赏性，两者组成有机的统一体。音乐强调了画面提供的视觉内容，祈祷烘托、渲染画面作用。

他可以以同一种持续进行的声音为纽带，把一系列表现不同场景、不同内容的画面组接起来、构成自成首尾的蒙太奇段落。

㈥ 如何感受电影音乐的魅力

人们会把观看好的电影当做视听盛宴的一种享受，紧凑连贯的故事情节，令人难以忘却的画面布局，人物的表现力，再结合切合场景的音乐烘托，组成令人难以忘怀的优秀电影。音乐的魅力在于通过听觉的感知，烘托故事的情绪，一方面深化了观众对故事的理解，另一方面渲染一种好的观影气氛。本文旨在论述音乐在电影中的各方面表现，探讨音乐在电影中的独到魅力。

导演就像把音乐融入了宗教的力量。如果说“池塘之底”象征我们丑陋、阴郁、病态、悲凉、无望的社会，那么这些撼人心魂的乐曲，就是拯救我们的美丽之源，快乐之本，希望之种。

㈦ 电影的情感表达手法方式

这有很多方面啊，可以从屏幕的宽窄，布景，剪辑，镜头的类型，是否违背摄影基本规则，场景的光线，色彩的调度，舞蹈，音乐等角度出发，更直白的就是剧本和演员。比较深刻一点的电影都常会使用象征意义的手法，从观众的第一直觉入手，不过那种电影导演的个人感情色彩都会太浓重了，票房不会很棒，而且很多地方只有刻意去看的人才能看懂象征意义。举几个例子。比如，违背了摄影180度鸟瞰的规则会加重了场景的混乱感以及观众的焦虑，在混乱或痛苦的场景里加上轻快的音乐，会使镜头缺乏真实感，用俯视的镜头会显得主角无害又渺小，相反的，仰视的镜头则会突出人物的高大威猛，为了刻画和突出人物形象，有些导演不会让观众看到主角做出某些可能会破坏主角在观众心中的形象的事，而采取暗示或象征的手法，这样便保存了电影的完整性。等等我就不说了。
我想楼主问的应该是古典主义的电影吧，现实主义的电影基本没有情感，而形式主义的主题蒙太奇又过于个人化。我觉得古典主义电影要表达的情感就像初中生学的课文的中心思想一样，简单直白，但拍电影就是个复杂的工程了。好导演应该就能拍出好电影吧。我是这么想的。

我好像有点跑了。
我没看过哈姆雷特，只看过简介。

㈧ 影视剧中音响的作用

影视剧中音响的作用

普遍说来，观众的注意力会聚集在正在讲话的人身上，而这个人也通常会被放置在银幕的中间。但假如在右边出现了开门声，观众就会期盼有人会从右边进来，并 有可能会看向这方向。声音是可以拉长画框的，这时银幕之外的空间，也就成为了故事的一部分。利用声音导引注意力，也能惊吓观众(希区柯克的惯用手法)。下面我带来的影视剧中音响的作用。

影视剧中音响的作用 篇1

声音也可以把注意力导引到原本不被察觉的特定元素上。一辆汽车的启动可能只是交通场景中的一部分，而且观众可能根本听不见启动的声音。但如 果汽车的出现和故事情节有关，那么剪辑师就可以加大点火的声音而让观众察觉。随着在另一场戏中再度听到启动的声音，观众就会把故事和这汽车联想在一起。

还可以加入一些一般场合根本不会听见的声音，比如定时炸弹的滴答声，就可以让观众将注意力集中到可能发生的爆炸上。有时也可以加入一些完全不可能听到的声音，比如心跳声。

一场戏中最后出现的声音，可以将观众的注意力吸引到下一场戏去。在一场田园场景戏的最后，呼啸而起的警铃声，就可以把观众的注意力带到下一 场戏中去，可能那里紧急救援活动正在展开。在电影《金色池塘》(On Golden pond)中，有一个壁炉起火的场景，火势由从炉中烧到壁炉外，在画面切到凯瑟琳·赫本之前，我们就先听到了她大喊失火的尖叫声。

利用声音将观看者的注意力引导到导演想要强调的部分，是一门微妙的艺术。大多数声音不会用在这个目的上，而且或许也不应该这样做。利用声音 去引导注意力，应该保留到特别适合的场合才使用。处理声音的人多半不会有意地去考虑到声音的不同目的，但事实上，这些目的是可以用不同的方式来加以确认 的。不过重要的是，恰当地使用声音，是非常能为影片加分的。

制造幻想是另一个重要因素。音乐是可以出色地制造出幻想的，因为一般人在街道上走路时，是不会听到小提琴音乐的。音效也一样可以表现出幻 想。在《三活宝》(Three Stooges)中，当其中一人要挖出别人的眼睛时，影片中出现了挖的音效，声音并不是来自真正挖的动作。也因此这个声音就告诉你，这动作并不是真实的。 事实上，若声音是真实的话，《三活宝》也未免太过残忍了。在《哈利·波特》(Harry Potter)系列电影中，猫头鹰的声音就比真正的猫头鹰要大声，主要也是因为影片的需要。如果猫头鹰真的那么大声，根本抓不到老鼠。加上一种地球上并不 存在的声音，会使像《星球大战》(Star Wars)这样的电影充满了未来主义的色彩(彩图十)。对白和旁白也是可以增加幻想气质的，相信谁都不会认为唐老鸭的声音是来自一只真正的鸭子。

音量、音调和音色这三个音响的基本要素彼此之间的互动，影响影片中的音响特质。例如，这些要素让我们得以分辨各个角色的声音。就较复杂的层 面来说，这三项要素的相互作用增加了我们对影片的感受。虽然约翰·韦恩和詹姆斯·斯图尔特两人说话都很慢，但韦恩的声音较低沉雄厚，而斯图尔特的则是像发 牢骚般慢条斯理。这个差异在《双虎屠龙》(The Man Who Shot Liberty Valance)中发挥极大的效用，使剧中两人的角色有强烈的对比。在《绿野仙踪》(The Wizard of Oz)中，巫师和算命者两个角色之间的差异，便由前者沉沉的低音和后者高昂且颤抖的声音，明显地区分出来。

音量、音调与音色帮助观众感受整部电影。例如，在《公民凯恩》(Citizen Kane)中，就广泛地运用了声音的设计。在回廊中，因为回音而变质的音色和音量，强调了凯恩的妻子苏珊唱歌的无能。此外，《公民凯恩》中也运用了相同的 声音技巧，来联系故事中不同的时空。例如，凯恩鼓掌的镜头叠入群众鼓掌的镜头(改变音量与音色);而里兰在街上开始讲一句话，然后切入凯恩在演讲厅中通过 麦克风讲完这句话(改变音量、音色与音调)。

近来，降噪 (noise rection)技术、多声道还原 (muti-track reproction)、数字音响 (digital sound)，让声音在音量和频率上可以有更大的空间;另外，在音色上也更加精密。现代的声音剪辑师已可以让声音独立出来，达到令人惊异的程度。在《红色 警戒》(The Thin Red Line)中，每个角色独特的呼吸声音都被录下来，作为环境杂声。《荒岛余生》(Cast Away)的声音剪辑师蓝迪·托马斯 (Randy Thoms)甚至可以将不同的风声分类，像海面上轻拂的微风、穿入洞穴里的风，还能表现出风转向的信息。对此，他谈到：“我们可以用音乐的概念表现各种风 声。”

影视剧中音响的作用 篇2

1927年，美国华纳公司拍摄了影片《爵士歌王》，结束了长达30多年的无声电影时代。由此，音乐音响正式进入影视作品中，使影视作品真正由视觉艺术变成了视听艺术。随着时代的进步，各种新风格、新体裁的影视音乐音响层出不穷，成为影视艺术这个综合艺术中不可缺少的一个重要组成部分。音乐虽不像画面那样鲜明具体，但是从听觉上我们感觉到音乐的旋律、气氛、情感、形象刻画出了一幅幅栩栩如生的画面。有时，这一联想的空间比具体画面空间更开阔，更丰富。音乐作为一种艺术形式，具有表达主题思想的能力，在影视作品的创作中，音乐的运用有时比其他艺术在表现主题上更胜一筹。

音乐音响在影视作品中的重要性

一、概括内容，深化主题

用音乐在影视作品中揭示作品的主题是编导们经常会用到的。他们用音乐的标题、音乐旋律、气氛、情感、形象对作品或画面进行揭示、刻画和深化主题，同时，这还有助于作品艺术风格的形成。

同样，视听艺术也要表达一定的主题思想。它的各种表现手段都是为了阐述主题，音乐进入这一视听艺术以后也是为主题服务，可以概括主题，揭示主题，也可以进一步的深化作品的主题思想。如专题片《牵手》，中，用钢琴、小提琴等西洋乐器演奏的主题曲婉转动听，同时引人深思。音乐将现代都市中人与人之间复杂的人际关系，微妙的情感变化，人们的心理活动，家庭与事业、善良与执著、宽容与理解、爱情与友情等家庭生活中方方面面的矛盾冲突概括得淋漓尽致，富有哲理性，耐人寻味。

二、描绘景物，交待环境

描绘性音乐是影视作品中最常见的一种，这种音乐主要是对画面中的某种环境、景物和富有运动性的动作做某种描绘。把握画面上呈现出来的视觉形象，通过相应的音乐形象来加以强调和渲染。

音乐家利用高音、节奏、和声、音量、音色、速度等音乐手段对描绘对象进行模拟。同时采用象征和暗示的手法来完成音乐的表现。音乐具有描绘功能，它不仅使画面静中有动、声色俱全更具有吸引力，而且是景中有情、情景交融更加感人。

影视音乐还对现实印象进行模拟或者对事物给予描绘。如专题片《最后的原始森林》，冰雪融化用清脆的钢片琴和快速的分解和弦衬托及欢快的节奏描绘，野牛奔跑等场面用音乐描绘的手法非常逼真，犹如身临其境。处理得当的描绘性音乐，是影视片中不可缺少的重要表现手段。

三、渲染气氛，烘托情绪

渲染气氛是通过音乐手法使气氛更加浓烈。气氛在音乐中较为概括，在画面中较为具体，因此，声画结合紧密会使音乐气氛更加具体化、形象化，会使画面形象更为丰富、动人。一般在电视剧戏剧冲突的时候，在感情气氛最浓烈的时候，音乐的使用会增加戏剧性，成为感染观众、打动观众的契机。专题片为避免平淡，增加变化起伏，在整体构思的时候也会考虑画面气氛的变化，在片中气氛浓烈的关节处，使用夸张和加重的手法给以渲染，让听觉给画面应有的支持。

音乐对环境气氛的渲染、烘托，有时具有影响画面基调的作用。在一些大型动作片和紧张恐怖的片子中，渲染性音乐更是发挥着重要的作用，它们根据人们的心理活动的状态，配合画面，用一些夸张的手法渲染和制造紧张、恐怖的气氛。

四、抒发情感，挖掘内心世界

音乐都是在抒发情感，和具体的情节、画面结合抒发情感，是作品中人物有感而发，是人们内心活动的揭示。内心活动性音乐同作品中人物形象的关系是比较内在，深刻的，因为这种音乐同影片中人物的内心活动有着密切的联系。音乐可以通过独特的方式来体现丰富和复杂的感情状态。

表现人物内心活动的音乐在影片中可采用多种多样的形式，既可以是画内音乐，也可以是画外音乐。表现人物内心活动的音乐既可以是同步化的，也可以是音画对位的。在角色意识中霎那间出现幻觉想象，在影片中往往也用音乐和画面之间的相互作用生动地体现出来。如《钢琴课》中艾达的丈夫来接艾达时，苦于路途艰难，只能将艾达心爱的钢琴遗弃在海滩。镜头通过艾达的肩膀俯拍远处的钢琴时音乐响起，钢琴与管弦的结合，舒缓的节奏更加抒情，缩小为一个点的钢琴与磅礴的波涛构成了简单明快的点与线的'形式，将艾达对钢琴的依依不舍，百感交集的心情展现得淋漓尽致。

五、激发联想，引发时空转变

联想是指由于某人某事物而想到其他相关的人或事物，由于某概念而引起其他相关的概念。欣赏音乐本身就是一个最富于联想的过程。音色两字，本身就是联想而来，在影视作品创作过程中，一定要注意音色给人的联想感。如影片《菊豆》中那缓慢的，凄凉的，哀怨的，用那古朴，悠远的，近似于人声呜咽的中国古代乐器埙吹奏的旋律，自然而然使人联想到菊豆的命运和那社会的原始封建。

此外，音乐中的节奏也可以产生联想，如进行曲的节奏重拍明显，强弱拍规整有力，乐句长短一致，旋律线起伏较大，这些特点都是来自于军队行进的样子。

音乐还具有时代性，民族性，鲜明的地方色彩。影视作品中常充分利用音乐的时代性，民族性，鲜明的地方色彩，充分发挥其丰富联想的艺术特征，从而跨越历史的时空，大大的冲破了空间的局限性。如一些反映历史事件，历史人物的片子中，里面的历史性的歌曲以及历史的歌曲旋律写成的旋律是其他歌曲所不能代替的。因为这些旋律具有明显的时代特征，使人们自然而然的联想到那个时代。

六、参与剧情，推动剧作作用

音乐在作品中的剧作作用，是指音乐不仅成为电视作品结构中的一个有机组成部分，而且参与到情节中去，直接影响剧情的发展，也就是参与讲故事。音乐具有一定的情感，同影片其他叙事元素一样具有讲故事的功能，是情节的一部分，是推动剧情发展的一个元素。这种作用在音乐故事片、歌舞片中尤为重要。如《莫扎特的故事》，《音乐之声》，《二泉映月》，《刘三姐》等。其中很多音乐作品是故事的有机组成部分，是推动剧情发展的重要因素。

影视作品中常在叙事、非叙事和超叙事时空中重复那些曾经对剧中人物产生过重要作用的音乐，这样，音乐不仅是情感的定向和放大，还承担了剧作的作用。如《卡萨布兰卡》中的乐曲《时光流逝》，在影片中起着重要的剧作作用。剧中女主人公伊尔沙与丈夫魏克多来到卡萨布兰卡，遇到山姆，往事上心头，伊尔沙请山姆为他弹奏《时光流逝》，因为这首歌是他与里克分手时演奏的。山姆弹奏时，里克冲出大厅，看到伊尔沙，一下愣住了。通过乐曲表现人物关系，乐曲从这里进一步推动故事情景展开和深化。

七、助于形成画面节奏，利于画面组接，提示画面段落

不同的节奏可以表达不同的思想内容和情感。音乐的表情性和风格特征等，在很大程度上是有节奏造成的。在影视作品中，音乐的节奏往往和画面的节奏有机配合，来影响影视节奏。一般形成片子节奏的关键因素是镜头的组接和画面内容形象的动作，但这些因素形成的节奏也可以用音乐的节奏来给以加强和渲染，已造成强烈的感染力。如《迎接挑战》中，列举了许多事例，说明当时我们国家与发达国家之间的差距，以唤起人们的紧迫感和危机意识，片中用快节奏的音乐造成片子的紧迫感和危机感。而且音乐形象不断变化着，强化着解说词和画面的内容，使观众感受到强烈的震撼力。

与此同时，有时也可用音乐来改变画面的节奏。如果画面在剪辑上形成了一段较长的强烈节奏，观众在接受这种较长的强烈的，快速的内容时，心理上容易产生疲劳感，这时就可以利用舒缓流畅的音乐，把强烈的快速的画面节奏拉平。如专题片《美国艺术史》是介绍美国200年来的摄影绘画音乐建筑影视等各种艺术的发展全史，全片的长度只有20分钟，画面外部的节奏很快，但音乐不全是快速的，有时用很舒展的慢节奏音乐，改变画面造成的紧张，让观众有张有弛，在一种轻松的心境下，接受画面提供的大量信息。

总之，音乐的节奏要服从于画面的节奏，另外音乐的节奏有助于画面的组接，提示画面段落。

㈨ 音乐结构的电影音乐的结构

电影音乐的结构是建立在电影音乐与电影的总体关系基础上的。
两种结构类型：框架型结构和点描型结构。 概念：指电影中，由主题音乐作为全剧音乐的框架，对全剧内容进行关照和概括，并做贯穿和发展的一种结构类型。
适于承载重大的题材与体裁，音乐往往承载着比较丰富的内涵与内含。经常使用主题音调的贯穿、发展和变奏手法。
两种类型：由主题音乐引申发展和由主题歌引申发展。
1、主题音乐引申发展的框架型结构
是电影音乐发展过程中最先出现的结构类型。也是目前电影中最常见的结构。
一个或者多个主题音乐贯穿全剧。往往代表着电影当中非常重要的人物、地点或者情感线索。
单主题结构、双主题结构和多主题结构
a、单主题结构
概念：指电影中只有一个作为框架的主题音乐，她做为音乐的核心贯穿全剧。
范例分析：《红色小提琴》
“安娜主题”：
一、克莱蒙纳的神秘凄楚
二、维也纳的清新典雅
三、牛津的浪漫狂野
四、上海的压抑哀伤
五、克莱蒙纳的平静安详
b、双主题结构
概念：指电影中具有两个作为框架的主题音乐。这两个主题往往代表着不同的含义，在剧中有同等重要的地位。
范例分析1：《卡萨布兰卡》
一、歌曲“As Time Goes By”，作为影片的爱情线，代表着男女主人公里克和伊尔莎之间难以割舍却又不得不割舍的爱情；
二、法国国歌《马塞曲》，作为影片的政治线，代表着来到卡萨布兰卡的各国居民，特别是地下党成员，对纳粹暴行的反抗和斗争的决心。
范例分析2：《时光倒流70年》
一、《帕格尼尼主题狂想曲》，代表着麦肯娜与科里尔冥冥之间存在的一种联系，比较含蓄；
二、时光倒流主题则是二人爱情的明确写照，显得更加直白。
c、多主题结构
概念：电影当中有三个或者三个以上的作为框架的主题音乐，它们各自代表着剧中比较重要的角色或者情绪色彩。
多主题结构是框架型音乐结构中最为常见的结构模式
范例分析1：爱德华大夫
（1）序曲和终曲的使用
A、B、C主题的使用向观众预示着影片圆满的结局。
（2）字幕音乐的使用
引入新的音乐元素D，让人不寒而栗。E主题作为过渡的音乐使用。
（3）场景中的音画同步
场景音乐直接来源于主题音乐，在音画同步配置的过程中完成了主题的贯穿和发展。
（4）音乐的持续使用
音乐持续的时间很长，跨越好几个场景，根据影片的内容按照主题音乐为框架形成各种变化。
（5）高潮中的音乐使用
每一个主题在出现时都有一个明确的情感意义。影片中需要表态特定情感或气氛的时候，就可以直接拿来用。
《爱德华大夫》的七个主题
Theme A:
轻快活泼
Theme B:
中性
Theme C:
爱情主题
Theme D:
偏执主题
Theme E:
过渡连接
Theme F:
含蓄爱情
Theme G:
凶杀主题
范例分析2：《蓝》
由于存在多个主题音乐，因此采用多主题音乐结构的影片往往会具有类似交响乐的音乐布局。主题音乐、场景音乐，甚至影片结束时的音乐都会成为音乐整体结构的重要组成部分。
（1）与人物命运相关的几个主题音乐
表现朱莉悲剧命运的一个具有象征意义的主题音调：
朱莉丈夫创作的协奏曲帕蒂斯主题，代表朱莉丈夫的精神存在：
奥利夫创作的主题音乐：
（2）与众不同的“空镜音乐”
在影片中，导演经常反常规的用长达数十秒的黑镜去凸显音乐，音乐既是被镜头托出，实际上又是在延伸着画面，与情与景都是浑然天成。
（3）概括与发展性结尾音乐
结尾音乐是高度抽象和高度概括的比喻，结构类似采用奏鸣曲式的交响乐的尾声。
从合唱开始，先后出现了居中人物的画面组接，似乎在概括影片中发生的故事。
长达2分钟的帕蒂斯主题和朱莉的头部特写不仅是回顾，似乎还暗示着一个永远无法解开的心结。
女邻居善良的亲情、同情心和对自己职业的特殊解释是否也是一种人生。
吹笛人与朱莉的人生似乎有着天壤之别，但为什么屡屡出现在朱莉面前，有什么必然联系？
……
另外：
如果影片的主题音乐是具有哲学情怀的主题音乐，或者是具有某种象征性符号作用的主题音乐，那么该主题音乐和场景音乐之间的区分就不是非常明显。这时影片的音乐结构仍然属于主题音乐发展而成的框架型结构，只是主题音乐是站在一种更高的层次上对影片进行关照而已。
主题歌引申发展的框架型结构
作为电影概括提点剧情的音乐形态，主题歌在旋律上有两种形态：
一种是主题歌的旋律作为全剧的音乐主线进行贯穿发展，并与具体的场景音乐相结合，这时主题歌的旋律的作用实际上就等同于主题音乐；
另一种形态则是主题歌的旋律与影片当中具体的配乐无关，却能够用它所营造的气氛为影片营造一个整体上的艺术框架，而在故事情节发展的过程中，音乐主要是点描型的场景音乐。
a、主题歌旋律贯穿发展式的框架型结构
采用这种结构的电影，其主题歌旋律的作用与主题音乐一致。或者说，主题歌就是若干主题音乐连接到一起，加上歌词形成的。
b、主题歌旋律不参与贯穿发展的框架型结构
电视剧中的主题歌在多数情况下不作为主题音调来进行贯穿发展，着重考虑用歌词的意境来统领全剧。但当每一集在播放的时候都能够对主题歌进行一次重复，因此主题歌旋律实际上也起到了贯穿全剧的作用。并且往往还会出现一些具有部分贯穿性的、代表特定形象与情感的音乐，这也是对作品音乐形象统一化的一种弥补。 概念：电影的音乐当中没有一个能够占据核心地位的主题音乐，剧中所有的音乐几乎都是为独立的场景而专门创作的场景音乐或插曲，或者是过渡性的转场音乐，以此作为点描来为电影添彩增色。
以修饰方法来分，点描型的音乐结构可以分为四种：情节性点描、过渡性点描、色彩性点描和综合性点描。
情节性点描
概念：电影中的音乐能够参与到场景当中，从而带动情节的发展，营造气氛。
特点：“惜乐如金”，但一旦使用音乐，就要让它发出异彩。所以往往出现在以情节取胜的电影里。
过渡性点描
概念：电影中的音乐基本不参与到情节当中，只起一个场景过渡的作用。
特点：音乐的比重较小，每段音乐也比较短，只把音乐作为一种转场的手段来应用。
色彩性点描
概念：是点型结构当中最为常用的一种音乐点描方式。
特点：音乐的类型比较丰富，音乐的使用量也比较大，其作用类似于音响，因此在许多的动作片和科幻片中比较多见。
范例分析：《黑客帝国》
影片的音乐用量很大，达到100分钟。且构成极为复杂，包括传统的管弦乐器、电声乐器、合唱、MIDI合成合成音乐，以及其它特殊乐器。
此影片配乐追求的不是旋律性，而是动态和节奏的变化。
音乐和音响合二为一。
综合性点描
概念：大部分采用点描型音乐结构的电影作品，都会含有情节性、过渡性和色彩性点描音乐。如果很难区分哪一种点描性在其中占据主导地位，我们就可以将其音乐结构称为综合性点描结构。

㈩ 电影《天使爱美丽》音乐艺术赏析

电影《天使爱美丽》音乐艺术赏析

冼星海说：“音乐，是人生最大的快乐；音乐，是生活中的一股清泉；音乐，是陶冶性情的熔炉。”音乐由情而发，学习欣赏音乐就是学习欣赏美。音乐鉴赏是一个人最基础的审美能力，无论是对学习还是对工作都需要我们去培养和提升。接下来是我大家整理的电影《天使爱美丽》音乐艺术赏析，欢迎大家阅读！

电影《天使爱美丽》是法国导演让皮埃尔热内的作品，是一部非常成功的电影，获得了很好的票房，并获得了许多优秀的大奖。电影成功塑造了如天使一般的小女孩艾美丽的成长经历。其中，作曲家在赋予电影背景音乐方面上有着极大的创意，为更好凸显电影的主题有着画龙点睛的作用。同时，这部电影音乐在观众的观影效果上也起到了不可替代的辅助性的作用，可谓是一个成功的情节叙事与背景音乐完美结合的典范。

一、电影《天使爱美丽》的介绍

法国导演让皮埃尔热内于2001年执导了电影《天使爱美丽》，可以说，这是一部非常成功的电影。这部电影不仅获得了很好的票房，并获得了许多优秀的大奖，比如说像欧洲电影大奖颁发的“最佳电影奖”、法国电影凯撒奖颁发的“最佳影片奖”“最佳导演奖”、英国金像奖颁发的“最佳原创剧本奖”等奖项，另外值得一提的是这部电影还荣获了五项奥斯卡金像奖提名。

《天使爱美丽》这部影片讲述的是法国小姑娘艾美丽的成长历程。主人公艾美丽的童年十分凄苦，童年的生活充满了孤单与寂寞。她的母亲很早的时候就已经去世了，父亲由于伤心显得非常沉默寡言，进而对于小主人公艾美丽也是疏于照顾。这样的身世使得艾美丽在很小的时候就有一种恐惧的心理。

艾美丽渐渐长大了，然后开始了工作，努力赚钱生活。当她在巴黎的一家咖啡馆里做女服务生的工作的时候，发生的一件事情改变了小艾美丽的一生。那是1997年夏天，当时艾美丽正在租住的家中，她收听了新闻报道的关于戴安娜王妃遭遇车祸身亡的消息。艾美丽听到这个事件的时候，感到非常惊讶，慌乱之中她不小心将手中没有拿稳的瓶盖掉到了地上，瓶盖刚巧撞上浴室里的一块墙砖，就这样艾美丽不经意间发现了一个秘密。她找到了一个很多年前曾经住在她现在所租住房子里的房客所留下的小盒子，艾美丽小心翼翼打开了盒子，看到盒子里装满了房客童年时期的很多照片。艾美丽决定寻找到盒子的主人，把这些曾经是小朋友所珍惜的宝贵东西返还到主人的手中。可是，这个想法实施起来是非常艰难的，这些东西的主人毕竟是一个几十年前在这个公寓的租客。为了寻找到这个盒子的主人，艾美丽拜访了周围的邻居，费了好大力气终于找到了盒子的主人。在返还盒子的过程中，艾美丽在与盒子主人接触的过程中，受到了主人态度的影响，艾美丽由此受到了启发，进而改变了自身对于世界的看法。从此以后，她开始了帮助有困难的人的行动。艾美丽的助人为乐的善举并不是一时一刻的，而是长久坚持着这种宝贵的品格。在这个过程中，主人公艾美丽也在帮助别人的同时，在自身方面也得到了快乐的感觉。艾美丽在帮助别人的过程中，遇到了心仪的人，让她收获了爱情。艾美丽在一次偶然中，遇到了一位丢失收集快照相簿集的青年人尼诺，艾美丽当时就怦然心动，她鼓起了勇气，最终两人收获了爱情。整个电影的故事在叙述上非常的直白而且简单易懂，具有生活的普遍性，能够让人们产生共鸣，并且通过电影音乐对影片的烘托也造就独特的法国电影的魅力。

二、电影《天使爱美丽》中的音乐魅力

《天使爱美丽》这部影片时长一共是1小时57分钟，艾美丽给观众留下了深刻的印象，她天真、幽默、率真。明丽的电影画面、自由欢快的节奏使人们能够很容易融入电影的场景中来。这些声音的辅助作用，为电影的表述起到了最佳的效果。

电影《天使爱美丽》中的音乐是由法国作曲家杨提尔森所做的。这位作曲家喜欢用一些简朴的配器，这些都是具有欧陆风情的`。例如说作曲家善于利用手风琴、吉他、口琴，等等。通过欣赏电影可以看出来，在《天使爱美丽》这部电影中，钢琴、手风琴是音乐的主要支撑，辅助的还有吉他、钟琴、提琴以及口琴之类的乐器。音乐的节奏多采用小调式，其中许多是华尔兹舞曲风格。杨提尔森为艾美丽专门打造了一首“爱美丽的华尔兹”，其中通过配器的变换组合，以及在节奏调式上的调整构成了能够表现出影片中主人公艾美丽不同情感的乐曲。这些乐曲具有不同的功能，表达主人公不同的情绪状态。电影音乐在电影塑造主人公艾美丽的内心世界方面以及渲染影片情绪的烘托等方面都发挥着极其重要的作用。

电影在一格一格上演着，故事和叙说和音乐的表达看似各行其是，事实上，两者互相作用、为了共同表达电影主题同一个目标而协作式发展。当影片中的故事被娓娓道来时，这些音乐的演奏也像技艺高超的演奏家一样，很顺畅如行云流水般演奏着;当影片的剪辑节奏变快时，或者故事情节离奇高潮式发展时，相应的就是富有层次感的各种配器组合式的演奏。作曲家赋予音符灵活多变，并且富有一定的创意。

《天使爱美丽》这部影片可以说是一部反映女性生活经历的电影。通过观影可以让人深刻感受到，配乐师技艺的高超，能够游刃有余把握音乐的作品，更好为电影表达深刻的主题而服务。法国作曲家杨提尔森对音乐主题的创作设计多以回旋曲式、变奏曲式为主，给人以欢快的感觉。这样，也就配合上了主人公艾美丽的性格特点，她活泼、善良、富有阳光的性格。

可以说，电影《天使爱美丽》中每一段音乐的配置都是富含特定的意义的，都是为了表达一定阶段主人公心理以及感情变化的需要而创作的。说到底，电影音乐是为了电影所服务的。该电影的配乐师把音乐的元素和导演想要表达的主题进行了很好融合，一点也没显得突兀。两者有效结合，比单纯的画面或者是单纯的背景音乐所产生的效果要更加有力。就这样，电影《天使爱美丽》展现出了一个善良的小女孩，她生活在具有浪漫情节的巴黎。艾美丽在点滴的生活中帮助他人，并且同时也感染着他们。法国导演的特点通常是这样的，他们往往采用纪实的手法，将自己喜欢的内容寓于电影之中，把丰富的内容和深刻的主题呈现给世界的观影朋友。值得骄傲的是，这种电影在内容上的选取与手法上的运用，其中所表现出来的故事情节是非常符合法国人的品位的。故事情节的流畅，再加上与音乐方面上的交融，一个美丽的女孩童话般的善良形象展现在人们面前，同时对于人们心灵具有感召的力量。

电影《天使爱美丽》的配乐师表现出了对于主人公艾美丽这个人物在形象上的喜爱，他还为影片特别创作了一首专属于主人公的主题音乐，歌曲的中文名字是这样译的，称作是《爱美丽的华尔兹》。对于这首乐曲的演奏，主要采用的是手风琴这种乐器。手风琴能够表现出多种情感，或是欢快的感觉，或是悲痛的情节都能由它单独来完成，尤其是它能演奏丰富的和声旋律，表现出复杂多变的情感变化以及跌宕起伏的故事情节。从这种意义上来看，手风琴这种乐器有着多层次的表现力。从表达电影的故事情节上来说，这种乐器――手风琴起到了很大的作用。从手风琴演奏的控制上，演奏者时而悠扬，时而急促，这些跳跃的音符能够烘托出女主人公艾美丽在心理、情绪上的变化。同时还可以完整展现整个电影故事情节的内容。另外，给观众以身临其境的感觉，观影者能够更加融入电影中所营造的气氛与环境中来，更好理解电影制作人所要表达的内容以及能够深刻体会到电影中深刻的主题。通过观看电影《天使爱美丽》，我们可以清晰并且很容易发现，在这部影片中关于美丽的主题曲有多种版本的主题变奏。这种表现形式在不偏离主要旋律的前提下，对于电影音乐的演奏也有着灵活多变性。从这一点上来看，这充分体现欧洲人独特的审美情趣以及极具富于想象力的创造性。这部电影的音乐――华尔兹，凭借它独特的节拍节奏生动表现出了艾美丽在情绪以及思想上的变化与状态，同时给予观众以提示，感知艾美丽的变化情绪与故事情节的发展。华尔兹又被称作为圆舞曲，原来指的是一种两人相拥旋转的交际舞。配乐师之所以创作华尔兹，也是为了和艾美丽的性格相吻合。艾美丽的内心如此美丽，就像是天使一样，那么纯洁，帮助身边有困难的朋友，为其他人带来欢乐。华尔兹的欢快的节奏象征了艾美丽乐观、向上的良好心态以及带有美好的愿望与憧憬的情怀。可以说，这种音乐形式恰如其分凸显出了女主人公的品质。

《爱美丽圆舞曲》在这部电影中有多种乐器的演奏版本――手风琴版本、钢琴版本以及交响乐的版本。首先，手风琴版本所表现出的是充满希望的。在影片中，当《爱美丽圆舞曲》响起，一下子就能够使人把这种美好的理想的状态带入到现实的社会中来，给人以希望。事实上，电影传递了深刻的主题。当观众仔细体味就会发现，其实社会是充满着希望的，社会上美好事物也是充斥着人们之间的，是给予大家美好愿望的。当艾美丽帮助他人的时候，都会演奏这首《爱美丽圆舞曲》。这个版本的主题曲展示了一个法国女孩的浪漫性格特征，其实也是表达出了法国这个国家是具有浪漫主义情结的。

第二个版本――钢琴版本在表达效果上来看是显得比较忧伤的。这个版本是以下行音型为主的音调，表现出的主题是略带忧伤的。通过观影体检，这种表现形式给予大家深刻的印象，使得音乐的发展具有一定的延续性。该版本展现了主人公艾美丽复杂而又矛盾的内心感受，在电影中背景音乐和故事情节的融合，较好展现了艾美丽的人物形象。

第三个版本――交响乐的版本突出表现了故事情节的变化。在故事的开始阶段女主人公艾美丽发现小盒子，就使用的这个版本的演奏。艾美丽在得知到意外消息的时候，发现了一个小铁盒。紧接着，华尔兹音乐响了起来。下一个镜头，艾美丽一个想法涌现在她的脑海中来，她决定要找到盒子的主人。在这个情节中，电影中弦乐器的加入，使得整首乐曲音乐显得尤为丰满，这就刻画出了主人公艾美丽复杂的内心感受。交响乐版本乐曲再次出现的时候，此时是女主人公艾美丽找到了自己的心爱的对象。此刻的背景音乐声音宏大，圆润饱满，气势上很雄伟，给人一种非常豁亮的感觉。这种的演奏是各种乐器交替出现的，这让观众深刻感受到了女主人公艾美丽和尼诺之间的爱情以及这种爱情所体现的巨大力量，在观众心里产生了强烈的共鸣。

三、结语

可以说，任何一部影片都与电影中的许多因素有着密切的关系，获得成功的电影更是如此。《天使爱美丽》这部电影中就融入了多种因素，其中电影的配乐与音响效果对于电影主题上的表达就起了很重要的作用。可见，音乐与电影主题之间有着密切的关系。正因为此部影片两者能够完美有效地结合，才彰显了法国式题材电影的独特的艺术魅力。更为重要的是，电影《天使爱美丽》能够引起观众心灵上的共鸣，让我们也加入到天使队伍的行列中去，重拾感恩的愿望。可以说电影《天使爱美丽》之所以获得如此大的成功，是因为此片形成了特殊的观影体验。

影片评价

该片中总是微微勾起嘴角，带着点精灵气质的奥黛丽·塔图完美诠释了艾米丽这个角色，法国导演让-皮埃尔·热内用擅长的奇幻风格打造了一个梦幻甜蜜的电影世界，每一帧画面都似乎是带着浓郁法国气息的浪漫明信片。

该片让观众重新感受到20世纪30年代法国诗意现实主义的拍摄手法。它采用电脑成像、数字影像处理（如电影中的夸张变形镜头等）与数字中间流程等数字技术，成功再现了具有诗意现实主义氛围的巴黎，尤其是爱美丽居住的公寓里的庭院、楼梯及老式的内部装饰。《天使爱美丽》独特的拍摄手法、奇幻般的色彩搭配是其成功的重要元素，但其令人惊艳的配乐也是该片出彩的关键。杨·提尔森倾用钢琴、小提琴、手风琴、鼓声、口琴搭建了一个‘精神巴黎’。惊艳的电影配乐搭配时而多彩鲜艳时而又恬静雅致的镜头画面，两者的融合恰到好处。

该片犹如是一个现代灰姑娘的童话，它镜头底下的巴黎跟歌舞片《琪琪》或《花都艳舞》一样，都是比明信片更加明媚的世外桃源。诡异的魅力、丰富的想像、梦幻色的幽默是它的特长，把少女的悸动和憧憬化成一幕幕迷人的画卷。

该片其实不是一部完全快乐的电影，它饱含着忧郁哀伤和苦乐参半的情调。它描写了一群孤独的人，他们在交流沟通上困难重重，生活破碎不堪，充满了挫败感。在其浓郁的幻想色彩和奇妙的想象力之下，是对现实生活和苦乐人生的透视与观照。儒内镜头中的巴黎虽然是理想化的，但仍然有其现实色彩。艾米丽或许是理想化、风格化的人物，但她的每一部分正来自于日常生活中的每个平凡人，她就在观众身边