Ⅰ 迪士尼动画电影那几部最好看
迪士尼动画电影一直以来深得大众欢喜,不分国籍和老少,常引起大家的连声称赞。我觉得迪士尼最好看的几部动画有如下。
1.《机器人总动员》
本片魅力在于饱含正能量和启发寓意,萌化你少女心,又引起你反思和幻想。
富有人类情感的机器人瓦力对伊芙一见钟情。他是羞涩、真诚、内心充满正能量、热爱生活、坚守真爱、示爱方式笨拙又可爱的机器人。最后瓦力唤起了长期生活在太空过着虚拟生活的人们对现实生活美的觉悟,唤起他们回家的渴望和对地球母亲心中炙热的爱。
幽默、调皮可爱的雪宝也给我留下了深刻印象。还从中还懂得了真正爱我的才会是我的王子的道理。
最后,总括一句:这三部迪士尼动画电影场景制作优美,剧情设定不枯燥,具有一定启发性和感染力,凸现“真善美”主题。
Ⅱ 有哪些经典电影是我们那些年的快乐
星愿
在娱乐圈里算得上相当丑的两个人,任贤齐和苏永康,再加上一个漂亮不可方物的张柏芝,这实在是一个太搞笑的组合了,但是这样的组合却是《星愿》的三个主演,而且曾经感动了很多人。
对这部电影谈不上特别喜欢,但是看它的时候,真的会有一种很温馨的感觉,来自心底最深处。这是一个很纯美的故事,每一个画面,每一句对白都单纯的像一首诗。那个时候的张柏芝真的清澈的像一张白纸,每一个侧影都美得让人心疼,但如今她都已经做妈妈了。但那时候的“洋葱头”还是和现在一样,笑起来的时候很可爱,有一种傻傻的幸福感。这样平平淡淡的青春因为单纯的爱而更加美好了。
在影片的最后,“洋葱头”最终没有被留住,慢慢消失在夜空中,回去了天堂,那个流星滑落的地方。《星雨心愿》的歌声再次响起的时候,“洋葱头”和秋男挥手告别,去另一个世界,觉得很伤心,5天的期限最终没有能延长一点,在流星雨滑落的晚上,这份感情结束了,却会停留在每个人的心里。
终于明白,静默的永恒也可以如此绚烂,如此感人。
浪漫樱花
浪漫樱花,首先,我并不是想借这个标题来显得自己多么有浪漫情怀抑或是多么的矫情。如果搜寻你的记忆,你会记得有这样一部电影叫《浪漫樱花》,主角是当年的郭富城与张柏芝。请注意定语,是当年的,对。那一年,郭富城还是那个潇洒无比的亚洲舞王。那一年,张柏芝还没有嫁人。
近来偶然听到了当年那首红到不行的樱花舞曲,于是想起了这部电影,却发现,同样的电影,我看出了不一样的感觉。
纵观整部电影,或许令人印象深刻的还是上野公园漫天飞舞的樱花。上野的樱花大抵是在三四月分盛开的,以前对于樱花,对于日本,我总是抱着一种歧视的眼光去看待,但不管怎样,樱花是日本的国花,或许我可以理解,这是日本带来的一笔财富。看这部电影的时候,突然想起了原来自己家楼下的种着十几棵樱花树,而我自己却总是忙于生活,而忘记了留下来驻足欣赏身旁的樱花,当我们非要到武大,到上野去赏樱花的时候,却忘记了,原来在我们自己的身边同样也有樱花树。
现在看来,《浪漫樱花》的剧情已不再新鲜,仍然是有情人终成眷属,这样的故事,这样的电影在现在已经泛滥,被套上赋予了各种各样的背景与烙印,但在那个时候,这部电影却给了我不小的震撼,或许可以理解,这部电影也在某些程度上影响了我对于爱情的看法。喜欢张柏芝演绎的为爱执着的乐儿,喜欢郭富城对爱的执着与坚守,再加上那首动感的樱花舞和上野公园漫天的樱花,这一切,契合的简直的天衣无缝。
以前,我会常常想,到底有没有可以地久天长的爱情,现在我发现,身边的人也发现,爱情这东西没有什么真正的地久天长,只有你自己来选择坚持或者不坚持。诚如乐儿说的那样,樱花是短暂的,但却是灿烂美丽的。所以能够拥有这样的爱情已经很可以令人满意了,诚如,不求天长地久只求曾经拥有,虽然我或许并没有拥有过,但是爱情不是转瞬即逝的,它或许就在我们的身边,就像我身边的樱花伫立了二十年,而我却从来没有静静的欣赏过。我觉得,是时候该停下自己的脚步,欣赏一下自己身边的风景了。
我想搜寻我的记忆,寻找自己记忆中见过的花,发现这方面的记忆确实匮乏,亦或是自己那时候还不懂得欣赏,我这个人,虽然有时候会细腻的抒发一下感情,但大多时候还是混沌的活着,混沌的行走自己人生的轨道上。曾经宿舍后面的那一片鸢尾花还残存在我的记忆中,但没想到,这居然是我记忆中残存的花。不知道有没有一天,我能够找到合适的人,找到合适的地点,看着那漫天飞舞的樱花,不管是在上野,在武大,还是在自己家的楼下,其实美不在风景,在于你自己的内心。
爱情,是个难题,却并非无解
Ⅲ 关于当代美国电影~论文。。。。。。急!!!!!
美国电影中华人形象的演变
从现存的默片《娇花溅血》(Broken Blossoms)(格里菲斯 [D. W. Griffith]执导,1919)算起,美国电影塑造华人形象已有八十五年的历史。本文选择六部不同时期的美国电影,历史地分析、解读华人形象如何成为美国大众文化中种族、性别与政治冲突的体现。在二十世纪初,华人曾一度被塑造为热爱和平、与人为善的形象,如《娇花溅血》,但由于美国十九世纪末驱赶华人劳工后,「黄祸」意识的延续,好莱坞更热衷于将华人想象为对白人构成威胁的「野蛮的」他者,如《阎将军的苦茶》(The Bitter Tea of General Yen)(卡普拉 [Frank R. Capra]执导,1933)。到了中国抗战及欧美二战时期,美国宗教救世话语影响下的好莱坞及时推出了《大地》(The Good Earth)(富兰克林[Sidney Franklin]执导,1937)之类的影片,赞扬中国妇女的勤劳勇敢及对土地的「原始情感」。而冷战时期持续不衰的东方主义想象又投射出一批如《苏丝黄的世界》(The World of Suzie Wong)(奎因[Richard Quine]执导,1960)宣扬西方「白马王子」超俗爱情、东方女子感恩献身的神话故事。美国国内60年代起日益剧烈的种族冲突也使华人一时凸显成「模范少数族群」,「自愿」同化于美国主流白人文化,在银幕上演出了歌舞升平的轻喜剧,如《花鼓歌舞》(Flower Drum Song)(罗杰斯[Richard Rodgers]执导,1961)。作为难得一见反思西方中心的神话影片,《蝴蝶君》(M. Butterfly)(克罗嫩贝格[David Cronenberg]执导,1993)布下性别迷阵,揭露了西方男人的情感和身份危机,精彩地颠覆了西方冷战话语及东方主义的叙事模式。
美国电影中的华人形象可以作种种解读。按学者马凯蒂(Gina Marchetti)所论1:
好莱坞利用亚洲人、美籍华人及南太平洋人作为种族的他者,其目的是避免黑人和白人之间更直接的种族冲突,或逃避白人对美国本土印第安人和西班牙裔人所持悔罪及仇恨交加的复杂心情。
马凯蒂认为好莱坞电影的叙事运作方式是神话般的,利用多种故事模式迷惑观众,如:强奸模式、俘虏模式、诱惑模式、救世模式、牺牲模式、悲剧爱情模式、超俗浪漫模式及同化模式等。本文所分析的影片,都在不同程度上印证了这些好莱坞电影模式经久不衰的影响力。正因为如此,揭示了这些模式的意识形态内涵及其话语运作方式,对我们更深刻地理解好莱坞有着不可忽略的现实意义。
一 《娇花溅血》:种族危机与性别体现
《娇花溅血》讲述一位简称「黄人」(亦称「程环」)的中国人离乡背井到伦敦谋生,暗恋一位屡遭父亲蹂躏的英国少女的悲剧爱情故事。影片开头即明确表现东西方的文化差异。黄人到中国佛寺进香,祈求远赴他乡后的平安,但他一出寺庙,就遇上西洋水兵聚众闹事街头。东方的和平和西方的暴力一方面揭示了两种文化的差异,另一方面又体现了种族的性别定型。踏上异域后,黄人的行为与价值取向一直呈女性化,从而与爱尔兰拳击手巴罗所体现的西方男性化形成二元对立:前者为文弱、温雅的店铺伙记,后者为粗暴、强壮的酗酒工人;前者为浪漫的梦想家,沉溺鸦片,醉心审美,后者为施虐的父亲,折磨女儿露西而得快感。露西为黄人店中的东方精美物品而陶醉,黄人热心献出丝绸衣料,让露西得到前所未有的「家」的温暖。这一跨种族的恋情,威胁了西方父权中心的秩序,巴罗一怒之下鞭打露西致死。赶来营救的黄人与巴罗对峙,一枪击毙巴罗,将露西的遗体抱回店中,放于牀上,烧香超度,然后用匕首刺心自杀而亡。
马凯蒂指出《娇花溅血》标题本身透露了影片中「幻想」的施虐及拜物的本质:吉什(Lillian Gish)扮演的露西像一朵娇花,生长于贫乏之地,虽如期开放,但不可避免地被蹂躏而雕谢夭折2。在影片中,导演格里菲斯为强调东方(女性式的)的温文细腻和西方(男性式的)的蛮横粗暴,将黄人的牀铺同时塑造成一个战场和祭坛。黄人先是在牀边细心照料露西饱受创伤的心灵,然后在牀前尽力保卫露西不被巴罗带回家,最终又在牀边殉情自杀,完成了现世中不被认同的一段跨种族、跨文化情缘。由于格里菲斯在影片结尾时刻意营造香火萦绕的诗意氛围和黄人凝视露西遗体和匕首时的跪拜姿态,马凯蒂等西方学者认为黄人的自杀场景潜意识地表现了一种「恋尸情节」及视觉上的「性快感」,因此更为影片增添欲望和幻想的空间3。影片对这种欲望和幻想的定位也体现在露西身上:作为一个未成年的少女,她代表了一种超越性行为的,因此成为可望而不可及的纯洁女性。
正因为露西的纯洁,施虐的父亲成为《娇花溅血》被抨击的西方男性文化的掠夺形象。格里菲斯在影片中设置了两个象征性的「强奸」场面。第一,巴罗手持象征「阳具」的鞭子,鞭尾从他的腰间向前垂下,正面威胁着摔倒在地、面色惊慌的露西。第二,露西为躲避父亲,藏身在窄小的储藏间门后,而巴罗怒持利器,砸开门洞,破门而入,将露西揪出殴打。两个象征的「强奸」场景都表明了传统女性在西方专横的父权制度下的悲惨境况,也体现了影片的自虐—施虐的情节结构。
从性别的角度看,黄人所代表的是另一种当时可能令西方女性所倾心的男性美德,但却无疑是一种在西方被视为「女性化」的男性形象。勒萨热(Julia Lesage)称黄人为「浪漫的英雄」,一个倾向自审、谦卑、文弱、被动而终究无能的善良人。格里菲斯正是利用这个美学化的形象来表达一种道德观:「亚洲的文明及其利他的精神与欧美的非道德和粗糙相比而光彩耀眼。」4为了提高《娇花溅血》的美学地位,格里菲斯的影片在纽约市首映时,设计了一出由芭蕾舞演出的序幕,因此将影片定位于贵族及中产阶级才能欣赏的高级艺术品,而非当年移民众多的纽约人花五分钱便可观看的一般默片5。
不可否认,格里菲斯美化种族间的谦让和互容,在某种程度上是为了缓减他早年影片《国家的诞生》(The Birth of A Nation)(1915)中对黑人歧视的描写所造成的不良效果。这里,《娇花溅血》对东方文明的赞美本来为的是缓解西方社会的种族冲突,希望电影观众提高修养,认同高雅文化。但从电影史的角度看,格里菲斯在有意无意之间为好莱坞确定了男性华人在银幕上的一种典型的女性化形象,从此产生深远的影响。
二 《阎将军的苦茶》: 性威胁与俘虏情节
当然,另一类众所周知的好莱坞男性华人形象与黄人的成另一极端——杀人不眨眼的军阀或土匪。在《阎将军的苦茶》里,专横跋扈的阎将军在中国目视无人,根本不把西方女传教士玫根的善意劝导放在眼里,当着玫根的面展示他下令集体枪杀战俘而毫不眨眼的绝对权威。不过,《阎将军的苦茶》转而刻意营造阎将军和玫根之间暧昧的情感游戏,因此有别于早一年发行的《上海快车》(Shanghai Express)(斯滕伯格[Josef von Sternberg]执导,1932)。
在《上海快车》中,同样杀人不眨眼的革命党首领是一位混血华人,在骑劫京沪快车后,对乘客中红极一时的西方妓女「上海百合」(迪特里希[Marlene Dietrich]扮演)垂涎三尺。为胁迫「上海百合」就范,他一方面威胁要用火钳弄瞎英国医生(「上海百合」以前的情人),另一方面强迫「上海百合」同车厢的中国妓女慧菲与他过夜。《上海快车》因此融合了好莱坞的强奸模式和俘虏模式,强调了华人对西方人的性威胁。按弗洛伊德的理论,瞎眼是男性去势的象征,而革命党首领用火钳烫伤一个德国鸦片商则意味着象征性的强暴占有之举。
《上海快车》的转折点是慧菲意外地复仇杀死了强奸她的革命党首领,从而解救了京沪快车上的「俘虏」,也完成了影片结尾处「上海百合」与英国医生的爱情梦。在复仇一场戏里,导演斯滕伯格以其特有的神秘场面营造,将华裔影星黄柳霜(Anna May Wong)扮演的慧菲的巨大身影投射到墙壁上,通过扑朔迷离的光影交错,重现了黄柳霜自《巴格达盗贼》(The Thief of Baghdad)(沃尔什[Raoul Walsh]执导,1924)之后所体现的阴险毒辣、深奥莫测的东方「龙女」或「蜘蛛女」的形象。但是,华人的性威胁一旦解除,《上海快车》即以好莱坞固有的白人之间的男女爱情大团圆结局。
回到《阎将军的苦茶》,中国军阀与白人女传教士之间的爱情则难以在常规的好莱坞模式中发展。影片开头,玫根初抵中国与她的白人未婚夫相见,不期在兵荒马乱中落入阎将军的行宫。与《上海快车》中的革命党首领相反,阎将军虽倾心玫根却不强加己意。相反,他让玫根尽其福音传教的义务,自由活动于行宫中,在情感游戏之间证明了最终是谁感化了谁。由于玫根轻信阎将军之妾,使阎将军军事机密外露,军火列车被打劫一空,从此阎将军丧尽权势,众叛亲离。
有趣的是,随着阎将军权势的削弱,他在玫根眼里的「文明」程度则不断增加,从一个野蛮的刽子手渐渐变成风度翩翩的绅士。阎将军的变化在玫根的一场白日梦中充分体现出来。玫根先是梦见阎将军以毫无浪漫色彩的游侠形象出现,这游侠酷似当时在好莱坞盛行(1926-52年间共出品四十六部)的侦探片系列《陈查理探长》(Charlie Chan)中女性化的陈查理探长,随后阎将军又以一副狰狞的、色情的傅满洲的形象出现,追逐玫根不放,使她从梦中惊醒。阎将军在玫根的梦中扮演了好莱坞假设的华人男性的两个极端:其一,善良但女性化或无性威胁的男子,如陈查理或早期的黄人;其二,阴险野蛮的恶魔,如傅满洲或1936-40年间影片《飞侠哥顿》(Flash Gordon)系列中要征服世界的华人奸臣「无情的明」(Ming the Merciless)。
玫根的梦既表达了好莱坞对华人男子形象二元对立的思维,也揭示了这种对立实际上来源于西方人内心的矛盾,一方面向往异国的奇情,另一方面又恐惧他者的威胁。与自己普通乏味的未婚夫相比,在玫根眼中的阎将军既是性威胁又是性诱惑,等到片尾阎将军人去财空时,玫根宁愿留下来服侍阎将军。她穿上阎将军赠送的丝绸中装,跪在阎将军跟前,但一切都已太晚了,因为阎将军此时已服毒自杀,面带性征服异族女性胜利后的欣慰而逝,留下玫根一人在遗弃的行宫里哀叹人世苍凉,命运叵测。
《阎将军的苦茶》在一些细节上回应了《娇花溅血》,玫根身着丝绸中装与露西相仿,而阎将军的自杀更与黄人相似。从象征意义来看,这两部影片——加上《上海快车》中革命党首领的遇刺——都证实了好莱坞叙事模式对华人男子至少是要象征性「去势」的欲望,即从银幕上根本除去华人对西方女子的性威胁。不难想象,好莱坞从此很少再编织华人男性与西方女性的爱情故事,取而代之的是西方白马王子征服东方美女的演绎不尽的缠绵情爱(如本文第四节将述)。
三 《大地》:农妇土地与原始情感
马凯蒂推测《阎将军的苦茶》将中国描述成「一个任何事情都可能发生的奇异、危险、混乱的地方」,为的是转移当年饱受经济萧条之害的美国观众的注意力6。这一推测也许言过其实,但数年后《大地》对中国灾荒和贫穷的渲染,的确可能给美国观众一种高人一等的自豪感:美国社会已经进入了现代化,而中国人却还在水深火热中挣扎。美国观众的自豪感还可以来自他们宗教救世的信仰:中国农民像美国建国初期的拓荒者一样,本着对土地坚定不移的信念,克服天灾人祸,建立属于自己的家园。《大地》改编自在中国生长的美国传教士后裔赛珍珠(Pearl S. Buck)的同名英文畅销小说,其中的基督教关联自然不言而喻。
《大地》中的中国农妇勤劳勇敢的形象,被称为是美国电影史上的突破,一改早先刻板的华人形象(如鸦片病鬼、滑稽厨师、洗衣店员等配角,及前文所提阴险妖女和野蛮军阀等主角)。影片描述一位农妇欧兰历尽千辛万险,生儿育女,勤俭节约,默默地帮丈夫种田持家,在荒年也坚决不肯卖地,而宁愿沿途乞讨到南方,维护了立家的根本,最后又为丈夫纳妾安度晚年。影片结尾,欧兰悄然病死,丈夫望着窗外的桃树,缅怀妻子而感叹:「欧兰,你就是土地。」厄尔林(Richard Oehling)认为影片中中国农民对土地的热爱是西方人无法想象的,只有在「原始的」中国才可以理解。厄尔林进一步指出,「《大地》使中国农民的形象变得真实可爱,成功奠定了后来40年代战争片中中国农民形象的塑造。」7诚然,另一部改编自赛珍珠小说的影片《龙籽》(Dragon Seed)(康韦[Jack Conway]与比凯[Harold S. Bucquet]联合执导,1944)同样渲染中国农民对土地的热爱,为了不让日兵收获粮食,他们自愿放火烧毁田园农庄,进山避难,让儿女加入游击队保卫土地。
《大地》代表的形象突破与时局有着密切的关系。一方面,日本的入侵使中国成为美国的盟友;另一方面,好莱坞接受《上海快车》和《阎将军的苦茶》等片在中国屡遭抗议而禁演的教训,在《大地》拍摄时邀请中国官员预审剧本,到中国购买道具,又在洛杉矶动用众多华人自愿者参与摄制8。虽然中国官方对完成的影片不尽如意,但雷纳(Luise Rainer)扮演欧兰的成功,使她荣获当年奥斯卡的最佳女主角大奖。值得说明的是,时至40年代,好莱坞明文规定男女主角不得由少数族群人扮演,使得白人演员为「扮黄脸」而化妆得奇形怪状,面目全非,丝毫谈不上甚么真实或美感。
四 《苏丝黄的世界》:白马王子与超俗爱情
到了放映《苏丝黄的世界》的60年代,「扮黄脸」现象已经结束,女主角已由华人扮演。这部东方主义色彩浓厚的爱情片描写美国白人画家罗伯特到香港寻求自我,爱上苏丝黄小姐,克服种族、阶级和文化的鸿沟,有情人终成眷属。苏丝第一次在轮渡遇见罗伯特即以不标准的英文宣称自己是「美琳」,一位富家「处女」。罗伯特进入九龙城,街道两侧拥挤的货摊、行人和车辆组成一幅东方主义视野中典型的杂乱无序的第三世界城市景象。这一景象令人回想起《上海快车》片头京沪快车被北京古城的行人和动物阻挡的景象,而时隔近三十年,两个景象都表示西方文明的视野对第三世界落后的无奈。然而无奈并不等同无能,在《苏丝黄的世界》里,罗伯特即肩负起改变东方落后无知的责任。他在所住旅店的酒吧里发现「美琳」原来名叫苏丝,是当地颇负盛名的舞妓。泼辣、迷人的苏丝,在罗伯特面前展示自己性感的身体。为了拯救苏丝「堕落」的灵魂,罗伯特请苏丝作模特儿,挖掘她所体现的东方美,从而逐渐改变了她个人形象的艺术品味。
《苏丝黄的世界》依据东方主义的典型话语模式,让罗伯特代表西方文明的视野重新解读「愚昧的」东方,创造出东方人所「不能理解」的「新」意义。一天,罗伯特惊讶地发现苏丝穿了一套在街上买来的昂贵的欧式服装,责怪她「没有任何美感」,装扮得像「下贱的欧洲街头妓女」,进而将苏丝脱个半裸,在银幕上演了一出脱衣舞。讽刺的是,罗伯特从来不曾为苏丝作香港街头妓女的中国服饰提出异议。更讽刺的是,他让苏丝穿上他为她购买的中国古装行头,将她装扮成西方人想象中的「东方公主」。这里,罗伯特重新「创造」东方,为的是强调自己的主体性:是他让西方的「艺术品味」在不知自身价值的东方女性身上「体现」出来。他将作为古装公主的苏丝绘入画中,从此创造出另一个比现实「更美」的苏丝,而丝毫不顾苏丝本人是否认同这种「美」的体现。
似乎单让罗伯特在艺术上「拯救」苏丝还不够,《苏丝黄的世界》又让罗伯特在影片高潮时演出了英雄救美的惊心动魄场面。苏丝与罗伯特同居后经常不辞而别,消失几天后才重返。心怀疑惑的罗伯特跟踪后发现原来苏丝有个私生子,寄养在山上的贫民窟里。适值香港大雨倾盆,山洪暴发,危及贫民窟。苏丝为救孩子,冲破警察的阻拦,冒雨奔向山腰。罗伯特紧跟其后,在钉蓬被洪水冲垮前救出苏丝,但孩子已不幸身亡。影片结尾时,苏丝在庙宇烧香为孩子的亡灵超度,答应同罗伯特移居美国,因此满足了白马王子的心愿。如果说电影中的孩子一般代表将来,那么苏丝的孩子代表的便是第三世界没有前途的将来。所以,作为第三世界贫困、落后的记忆标志,这位无辜的私生子就在好莱坞的超俗爱情故事里轻而易举地一笔勾销了,因为影片要观众憧憬的是苏丝脱离第三世界后与白马王子在西方世界的幸福前程。
五 《花鼓歌舞》:移民故事与文化异同
如果说西方中心的意识形态在以上分析的电影中都以主流话语的形式出现,《花鼓歌舞》则通过华裔移民主动认同美国文化的同化模式,表现西方中心的无所不在。这部改编自畅销百老汇歌剧的电影全部由华人扮演,通过爱情三角的价值设计和两代移民的观念冲突,既赞美了孝顺、贤惠等传统中国美德,又支持华人接受主流文化、享受现代文明的意愿。香港在影片中是美丽和她父亲非法移民的出发地,他们躲在船舱的木桶堆里漂洋过海来到旧金山。美丽自幼许配给他人,此行正是为践婚约。父女初到旧金山,人生地不熟,幸亏美丽灵机一动,在唐人街唱一曲花鼓歌,让有心人带见夫婿(一位开餐馆的花花公子)。但花花公子倾心舞女琳达,而琳达又爱慕吉姆。花花公子介绍美丽到吉姆的父亲家暂时居住,贤惠的美丽打动了吉姆恪守中国传统的父亲,使他有心为吉姆拉线,从而使吉姆陷入两难的三角恋。一次吉姆与琳达驱车郊游,琳达亲吻吉姆,让他享受「美国式的」爱情表示,但如同《苏丝黄的世界》中的罗伯特,内向的书生吉姆在咄咄逼人的新女性面前颇不自在。
《花鼓歌舞》不仅掩盖了当年美国日益剧烈的种族冲突,抹煞历史,粉饰太平,而且还设计了一个各取所需、皆大欢喜的大团圆结局。倾向中国传统美德的吉姆和美丽与沉溺西方物质生活的花花公子和琳达终成眷属,表示美国这个移民国家可以容纳各种趣味、各种理想。这一「融合」主题在另一首歌曲〈大杂碎〉中得以展示:美国社会就像美国人发明的中国菜「大杂碎」,蔬菜、肉类样样都有,而且味道不错。众人高唱〈大杂碎〉这首歌的场合是吉姆的姑姑宣誓加入美国籍的日子,其用心不言而喻。作为美国「新发现的」模范少数族群,华裔似乎避免冲突而追求融合,因此成为好莱坞同化模式的最佳选择。
不可否认,《花鼓歌舞》中歌舞升平的唐人街只是好莱坞自欺欺人的掩饰。在西方主流文化里,唐人街如同军阀混战时的中国,是暴力和危险的象征。唐人街这种恶劣的形象到了80年代仍未消解。《龙年》(Year of the Dragon)(奇米诺[Michael Cimino]执导,1985)即将纽约的唐人街描述成黑社会垄断、暗杀成风地狱般的社区,唯有一位改姓「怀特」(White意指「白人」)、愿为美国越战战败而「复仇」的白人警探孤军奋斗,对唐人街开战。受西方中心与东方主义话语的双重钳制,怀特先在一次餐馆枪战中「英雄救美」,但不久就强暴了美丽的华裔电视台女记者,进而肆意占用她的公寓进行反黑帮活动。怀特的行为再次证明「占有异国女人即占有异国土地」的殖民心态,只是《龙年》的异国就在纽约,而这「异国论」又进一步揭示,美国主流文化从未将唐人街视为美国本土社会的一部分。应该注意的是,80年代的美国华裔社会已渐渐成熟,华人社团联名向好莱坞抗议影片辱华,逼使《龙年》在公映时不得不在片头加上「纯属虚构」之类欲盖弥彰的遁词。
六 《蝴蝶君》:性别迷阵与身份危机
对西方中心的神话进行最彻底颠覆的影片之一是《蝴蝶君》。影片的故事在两条重迭的线索中发展:一是冷战时期东西方之间错综复杂的间谍战,二是东方主义话语中典型的西方男子征服东方女子的爱情游戏。这里说「游戏」,是因为东西方之间犹疑不定的性别—政治迷阵的最终结局,是东方仍然是谜一样地不可思议,而西方到头来自欺欺人,意欲征服他人却无情解构了自己。
影片开始,法国驻北京使馆外交官加利马尔在一次音乐会上被宋丽玲演唱意大利歌剧《蝴蝶夫人》的美妙歌声感动,爱慕之心油然而生,主动追求宋丽玲。宋丽玲不无嘲讽地提醒加利马尔,歌剧《蝴蝶夫人》之美是西方人幻想出来的美,不一定被东方人所认同。这部歌剧赞颂一位日本女子因美军情人离别后哀诉其思念之情,数年后发现情人已娶白人太太而痛苦不堪,殉情自杀,以完成一种坚贞不移的理想。然而,加利马尔无法从东方主义这种刻板的单向思维中自拔,自认是一位西方男子气十足的白马王子,理所当然地要征服才貌双全的东方美女。加利马尔几经周折后如愿以偿,占有了宋丽玲的身体,在文革中回法国后又惊喜地得知宋丽玲像《蝴蝶夫人》故事所述为他生了个孩子。当他们离别多年在法国重逢后,加利马尔惊讶地发现过去的一切都是骗局,宋丽玲原来是中国间谍,两人因此双双入狱。更惊人的是法庭宣布宋丽玲是位男性,丑闻公开后一时成为头条新闻。
其实,这一耸人听闻的间谍案取材于法国真实的故事,影片改编自黄哲伦的同名畅销舞台剧。彻底颠覆西方中心神话的高潮设在影片结尾,此时宋丽玲被法国驱逐出境,乘机回国,而加利马尔则在监狱里自演一出《蝴蝶夫人》后在极端痛苦中自杀。加利马尔的自杀场景意韵深远。他一边用录音机播放一曲哀怨的《蝴蝶夫人》,一边以蝴蝶夫人的扮相粉墨登场,面对走廊上观看的囚犯宣布:「我,加利马尔,就是蝴蝶夫人。」然后用破碎的化妆镜片自尽,而不知就里的观众还在为他精彩的表演热烈鼓掌。加利马尔自杀表演时的诚恳自白揭示了西方想象中的东方美女最终不过是一个幻想,一个可望而不可及的概念,这个概念促使西方男子追逐幻想中的东方,最后意识到这个终生期待的幻想不在异国,而在自身的表演中!加利马尔最精彩的自身表演也是他自我终结的时刻:他不再幻想占有蝴蝶夫人(他原先占有的蝴蝶夫人宋丽玲早已无情地欺骗了他),因为此时此地他自己已经成为蝴蝶夫人(一个永远不会欺骗他的「她」)。
加利马尔一生所窃取的间谍情报中没有任何一条比他生命终结时所发现的事实更真实:东方主义的完美男人(白种人)和完美女人(东方人)归根结底都不过是西方话语制造出的幻想。周蕾因此指出,加利马尔死心塌地地按这种幻想生活,以致走向极端而自恋自身(即自己的幻想)而死13。好莱坞故事的迷惑模式在影片《蝴蝶君》中绕了一大圈后回头颠覆了自己:西方男性(加利马尔)—东方美女(宋丽玲)—蝴蝶夫人(宋丽玲)—蝴蝶夫人(加利马尔)。换成性别表述,他(西方男性)所幻想的她(蝴蝶夫人)最终不过是幻想本身(他和她的一体性),西方中心内在的身份危机由此揭晓。
显然,影片《蝴蝶君》对西方中心的颠覆是从西方男性身体(自我中心)开始做起。苏内尔(Asuman Suner)认为,现代主义意义上的男性主体性表现在身体对自然的完全控制,一旦经历变化、变异后身体失控,男性就因边界的模糊或瓦解而恐慌,其主体性也濒于崩溃,所以《蝴蝶君》不妨作为后现代的恐怖片来解读14。由此看来,加利马尔—蝴蝶夫人二者的可互换性从根本上瓦解了东西两方和男女性别的界限,颠覆了西方冷战和东方主义的双重话语,对西方观众造成「恐怖」效果。影片《蝴蝶君》精彩地解构了「殖民女性」(既对女性的殖民和被殖民者的女性化)这一西方话语策略,出其不意地来一个男性殖民者(西方)自身的女性化,而且将后者作为西方殖民幻想的本质。颠覆的结果是,西方中心本身是空洞乏味的,西方(男性)的主体性是危机重重的,靠幻想东方离奇、美妙的故事(如《蝴蝶君》及其他本文分析的影片)来充实自己向往扩张的殖民和占有的欲望。
影片《蝴蝶君》表明,对西方而言,东方终究是不可知的。西方想象出的华人形象宋丽玲主动向西方中心交还了东方主义所要的幻想:完美的女人(东方情人)和蝴蝶夫人(悲剧美),但他(她)同时也让西方看到西方所不愿面对的冷战事实:「背信弃义的」中国间谍和危机重重的西方主体。宋丽玲因此同时体现了西方视野中东方的迷人(爱情)和危险(死亡),二者合力摧毁了加利马尔(自大、自负而自欺的西方代表)。不可否认,华人形象的这种双重性正是长期以来驱使好莱坞叙事欲望的一个动力:幻想他者,编造爱情,满足观众,扩张自我。在好莱坞的想象中,华人就像隐藏在奇观的面具背后谜一般的东方女人(华人男性因此必须女性化,从黄人到宋丽玲皆如此设计),既诱人销魂落魄又危及生命安全。但这奇观的面具本身也是好莱坞的虚构之一。面具背后并没有甚么隐藏的真实,因为这面具本身就是好莱坞的真实,或真实的好莱坞:一个奇观的造梦机器,不停地在种族、性别与政治的交错层面间虚构自己的故事。
并不是很完整,仅供参考,请自借鉴。
希望对您有帮助。
Ⅳ 张国荣经典电影请推荐
张国荣经典电影回顾之枪之道
“枪并不会杀人,只有人杀人。”——《枪王》
《新上海滩》
导演:潘文杰
主演:刘德华 张国荣 宁静 吴兴国
《新上海滩》是《跛豪》导演潘文杰的又一部代表作品,也是港产“黑帮电影”经典中的经典。电影依然以旧时代的上海为背景,讲述了一段风起云涌的传奇故事。影片叙事手法独特且流畅,剪辑明快,一气呵成。电影虽翻拍自经典的电视剧,但导演完全抛弃原来的故事架构,颠覆约定俗成的惯性思维,重塑经典。刘德华饰演的丁力是上海滩的一个混混,一心要出人头地,偶然的机会跟有着特殊身份的许文强邂逅上海黄浦江边,二人在“血溅大三元”后成为上海滩的新兴力量,在称霸上海的过程中,二人渐渐构筑了坚固的友谊,但因为各自的追求不同,他们的友谊也面临着考验……
在我看来,张国荣的“许文强”形象比起当年的周润发更显得沉静而锐利。影片中许文强有着复杂的个人背景,一直活在自己的精神世界里,但却走进了一个叫江湖的地方。 张国荣用冷峻的面孔和深邃的目光让角色有了一种万均压身身如磐的感觉,没有一丝同类角色所表现出的那种苦大仇深的浮躁和刻意。电影中,张国荣有一句颇为令人感慨的话,我对于上海来说只不过是一个过客,我做完我要做的事就会走。那么对于他自己的一生呢?是不是也是一个匆匆的行者,唯留下那一抹残阳的血色? 十年的时间,从精致的陈十二少到沧桑的许文强,从一个逃避爱情的小生到一个忧郁的复仇者,其间的蜕变之痛,也许只有饰者自知吧。
《英雄本色Ⅰ、Ⅱ》
导演:吴宇森
主演:狄龙 周润发 张国荣
20年前的一段传奇往事,香港电影中一颗璀璨的明珠,成全了吴宇森成全了周润发成全了狄龙,也几乎成全了张国荣。手足情深、兄弟意诚,一首“明天会更好”响起,勾起无数的感叹和回忆。追逐,追逐,一颗子弹就是尽头。一群个性突兀的演员,上演了一部充斥着个性张扬的电影,每个角色都格外鲜活,每个演员都锋芒毕露。吴宇森以其细腻但不琐碎的视角,谱写了一首男性主义的挽歌。根本不用再提什么“暴力美学”什么运动镜头什么“现代武侠”这些烂及恶俗的名词来为这部电影镀金镶银,只要在某个不特定的时刻,静静地对其做一次温故,便已然明了为什么这么多年来它依然那么亮丽耀眼。《英雄本色》中对台词的雕琢令人称道,充满着桀骜和张放。
我拒绝那些认为《英雄本色》是装蛋耍酷的论调。一部非写实电影能打动人的就是其虚构故事中的真挚情感,不会有人拒绝这种情感在电影中的流露,我无法给浪漫主义下一个完整的概念,但我至少认为浪漫主义并不完全是虚幻主义。如果要我用最简单的话评论这部电影,那就是《英雄本色》用唯美的影像完美诠释了几段挚烈的情感!这部电影中张国荣成了周润发和狄龙光芒齐放时一柄烛光,尽管“小马”和豪哥气势如虹,但谁都知道,“阿杰”也在“发光”。
《纵横四海》
导演:吴宇森
主演:周润发 张国荣 钟楚红
“我劝你早点归去,你说你不想归去”,每当我听到这首“风继续吹” ;每当我听到这个磁性的嗓音时,我就会想起一部电影——《纵横四海》,想起一个人——张国荣。这部吴宇森手中的电影,在张国荣,周润发和钟楚红的演绎下,也褪去几分往日的杀气,蒙上一层浪漫的气息。三人共行,与谁同归?爱情,友情,斩不断,理还乱。还是回到电影的开头,盗画功成的三个大盗,在车上相视而笑,我知道,这应该是一个浪漫的开始。
阿占是个不羁的少年,在街头的流浪画家画完他的肖像后,他露出孩子般的笑脸:我叫阿占,是个通天大盗!然后带上头盔,绝尘而去,随风而去。
想来,还记得那个舞厅,红豆和轮椅上的阿祖翩翩起舞,穿着西装的阿占在旁边看着,笑脸依旧如桃花般灿烂,只是,明年桃花依旧会盛开,哥哥的笑容何处才能再次得见?!
还有那场最经典的古堡盗画,在两个兄弟的精彩配合之下,古画飘然而得之,之后面对满屋纵横的红外陷阱,张国荣和周润发举着酒杯,跳着舞步,翩然而过。这一段的精彩,值得我记住很久,很久。
这是张国荣和周润发合作的第三部电影,巧的是,三部都是出自吴宇森的手下。从《英雄本色I,II》中的清涩冲动到这里的潇洒成熟,张国荣的演技已经渐渐成熟,温柔的背后,更添一份的忧郁。即使面对演技不凡的发哥,也不落下风了。
这时的张国荣,34岁,退出歌坛,得过影帝,生活的新一页,即将打开。
“过去多少快乐记忆,何妨与你一起去追”,风再起时,我会想起你的,张国荣!
《枪王》
导演:罗志良
主演:张国荣 方中信 陈法蓉
他是一个自闭的枪手,枪法如神,常在比赛中一骑绝尘,普通的比赛已经无法波动他的神经。一次枪场的意外中,警察们没有信心出手救人,而他一枪之间,便让劫持者灰飞烟灭,其枪法,其信心,无人可比。之后,他成为一个杀手,一个出色的杀手,以一己之力与警察部队周旋,职业部队,在他枪下一一倒地。只有他,才是真正的枪王。
他是个忧郁的男人,人情世故,他不想理会,他只想自由地飞翔,在自己的世界里;他是个为枪而生的人,就像西门吹雪是为剑而生的一样,他把自己献给了自己最喜欢的东西,所以枪法如神。在枪这个冰冷的世界里,他才会感到温暖,因为现实的世界太寒冷了。
罗志良的电影,就是这样的冷漠中带有几分的热情。整部电影的风格,看来有点冰冷和无情,冷色调充斥在其中,爆发的激情很是少见。可是冷漠的背后却唱着无边无尽的火焰,那就是对枪的痴迷,对梦想的执着。这里,另一个优秀演员方中信出演一个敬业优秀的警察,也是一个枪手,但是他对枪的感情完全比不上张,枪对他而言只是一个工具。而张国荣是把枪当作生命与希望,已经达到人欠合一的境界,谁是真正的枪王,答案不言而喻。
一开始,很难相信张国荣能出演这样一个略带神经质,如此默然,又有几分残酷的反派的角色。但是看完之后,才知道,张国荣完全可以突破自己,出演更多有挑战性的角色,他的演技不容忽视。看到这里他有点死灰色的眼睛,看到他望着周围世界时冰冷的眼睛,再看到他看见自己心爱的枪的时候,目光中焕发出来的夺目光芒,我才知道,他把自己藏在枪的世界里,他是在另一个世界放飞自己的理想。
张国荣经典电影回顾之剑之道
“任何人都可以变得狠毒,只要你尝试过甚么叫嫉妒。”——《东邪西毒》
《东邪西毒》
导演:王家卫
主演:张国荣 梁朝伟 张学友 梁家辉等
“很多年之后,我有个绰号叫做西毒”。这句话我们已听得太多,可我还是不介意再说一次,因为说话的人已经不无法为我们再说一次了。在黄沙满天的沙漠,留起胡子,满脸沧桑的欧阳锋,抛去射雕中的狠毒与无情,在寂静的屋子里,独自品尝落寞。
在画外音的映衬下,他手起,剑落,抬头,冷笑。“任何人都可以变得狠毒,只要你尝试过甚么叫忌炉,我不会介意他人怎样看我,我只不过不想别人比我更开心。”开心与伤心,总是一线之间;“我知道要想不被人拒绝,最好的方法是先拒绝别人。”接受与拒绝,也只是转念之间。其实,欧阳锋只是个敏感的男人,他害怕被人抛弃的痛苦,于是,选择自己离开。望向白驼山,他记得曾经爱过一个女人奈何,转身离去,躲得只是自己!“告诉我,你最喜欢的女人是哪一位”?一个伤心的女人问道,他这次可以轻松地回答,可是,心中却是又一阵的寂寞。问世间情是何物?只叫人生死相许。
三年前,我认为王家卫最好的电影是《重庆森林》,三年后,我认为是《东邪西毒》。在王家卫的这部看似沉闷,实含沉思的电影里,包含了太多的孤独和寂寞。张国荣在这里的表现依旧出色,从开场时的锋芒毕露,到中间的冷漠淡然,再到独白时的真情流露,火候把握的分毫不差,将一个孤独,骄傲,追悔,痛苦的伤心人欧阳锋,诠释的丝丝入扣。决不逊与同场竞演技的梁家辉,梁朝伟,张曼玉等人。
在他37岁的时候说过,“当你不能够再拥有,你唯一可以做的,就是令自己不要忘记。”这次,要换成我们来说了!
《白发魔女Ⅰ、Ⅱ》
导演:于仁泰
主演:张国荣 林青霞
于仁泰的一首爱情挽歌。风风雨雨的江湖,混混沌沌的乱世,残杀了一段海枯天荒的爱情!曾经苦守的承诺顷刻间灰飞烟灭,昔日绝代佳人转眼中青丝成雪……江湖。风流倜傥的名家子弟卓一航偶遇妖娆妩媚的邪派妖女练霓裳,二人暗生情愫,直至刻骨铭心地相爱。翻云覆雨,惊天动地。他们都爱得刻骨爱得张扬爱得苍穹震动爱得丧灭心智,结果,终究还是爱错了!名门正派怎能与魔教共存于世?杀戮,血流成河。本以为亘古的爱情在腥风血雨中摇摇欲坠。爱情一旦沾染了斑斑血迹,便成为了一种凶残伤人的怪物,爱得深,伤得深。如同张国荣的一首低沉凄苦的《红颜白发》,诉尽了爱情枯寂咸涩的味道。
影片通过大量的激情镜头来渲染爱情的真挚,然后用极其残酷的对比来诠释爱之深,恨之切的涵义。电影色调时而绚烂华丽,时而灰暗阴郁。张国荣自《胭脂扣》后又一次与这种敢爱不敢怒的角色相遇,演得当然驾轻就熟,丝丝入扣。一颦一笑都流露出人物本身的性格,那种孤决华美那种顾影自怜那种痛苦挣扎都在瞬间映入其眼角,跟其相比,电影中的“白发魔女”林青霞的表演却显得要逊色的多,缺乏一种绝望的惨厉,只知道声嘶力竭地怒吼。可惜的是张国荣仅仅凭借那首与电影浑然天成的歌曲《红颜白发》获得了一个台湾金马奖的“最佳电影歌曲奖” 。
《东成西就》
导演:刘镇伟
主演:梁朝伟 梁家辉 张曼玉 钟镇涛 张国荣
“影片的明星阵容令人瞠目结舌,网罗了当时香港大多数的一线巨星。大家八仙过海各显神通,互飙各自的喜剧才华,梁朝伟的“西毒”欧阳锋力压群雄,成为该片中最经典的一个角色。张国荣在电影中演“东邪”黄药师,色大胆小。这大概也是张国荣演艺生涯中最为轻松的一个电影形象,既不沉静也不忧郁,感情纠葛也以喜剧的方式加以处理,也许他多演演这类角色,结果也许不是现在的这个样子吧。
《东成西就》是一部一闹到底一俗到底的搞笑荒诞影片。 这部电影从幕后制作班底到幕前明星都是王家卫《东邪西毒》的原班人马。据说这部电影是导演刘镇伟为了弥补好友王家卫晦涩难懂的《东邪西毒》在票房上惨败而所做的一个补救措施。和《东邪西毒》一样,影片的人物都源自于金庸先生的《射雕英雄传》,不过这两位对金老的原著压根就没打算尊重,两部电影各自立于艺术和商业的两极,《东邪西毒》大玩电影手法,影像支离破碎,人物关系错综复杂,而这部《东成西就》则疯狂堆彻喜剧元素,几乎是胡子眉毛一把抓,导演似乎不愿意放弃任何一次逗乐的机会,可以说该片是“香港式”搞笑手段的集大成者,电影中的很多搞笑桥段经常被刘镇伟本人以及其他一些导演照搬到其他港产喜剧中,其中就包括周星驰的那部《大话西游》!所以《东成西就》被很多人冠以“后现代”头衔,当年的票房收入也颇丰,多少弥补了《东邪西毒》在商业上的失败。从此,“拿奖找王家卫,赚钱就找刘镇伟”成为香港影坛的一段流行的调侃之言。
影片的明星阵容令人瞠目结舌,网罗了当时香港大多数的一线巨星。大家八仙过海各显神通,互飙各自的喜剧才华,梁朝伟的“西毒”欧阳锋力压群雄,成为该片中最经典的一个角色。张国荣在电影中演“东邪”黄药师,色大胆小。这大概也是张国荣演艺生涯中最为轻松的一个电影形象,既不沉静也不忧郁,感情纠葛也以喜剧的方式加以处理,也许他多演演这类角色,结果也许不是现在的这个样子。
《倩女幽魂Ⅰ、Ⅱ》
导演:程小东
主演:张国荣 王祖贤 午马
影片改编自蒲松龄的原著小说《聂小倩》,不过跟香港的很多改变名著的电影一样,基本上是借用了原有故事的整体框架,然后自由发挥。由徐克幕后主脑的这部电影集武侠、神怪、惊悚、搞笑、爱情于一身,开创了香港特技神怪片的先河。影片主干虽是一段凄婉的人鬼恋情,叙述的是书生宁采臣和野鬼聂小倩之间发生的一段危险而真诚的爱情。但在表现手法上在当时却相当另类,加上视觉效果的登峰造极使得这部电影几乎引领了香港鬼怪片的一个时代,其后诸如此类的电影在香港泛滥成灾。
张国荣在电影中饰演“宁采臣”一角,闪现了其处理喜和悲两种不同情感的演艺才能。其实让张国荣饰演一个文弱的古代书生倒也颇为恰当。嬉笑狡黠可以看作是对现实的一种宣泄和逃离,真情流露则可看成是其戏外的性格彰显。不过影片的商业气息太过浓烈,“借鸡下蛋”似的把爱情的话题当做电影视觉效果的一个载体,使得电影中爱情故事的主人公有种貌合神离的稀疏感,从而让该片的演员完全成了电影视觉的配角。这也是所有香港演员面临的一个状况,那就是不管是谁都不可能每次都能演一些与自身贴近的角色。今天是大侠,明天可能就是杀手,也许再过很多天才能演到自己。
张国荣经典电影回顾之情之道
“汗兵已略地,四面楚歌声。君王意气尽,贱妾何聊生。”——《霸王别姬》
《霸王别姬》
导演:陈凯歌
主演:张国荣 张丰毅 巩俐
电影的最后,一曲唱完,虞姬在乐曲中慢慢抽出霸王腰间的长剑,手腕一抖,“呛然”一声,宝剑出鞘,一束强光从剑尖与鞘口的间隙射出,画面一亮,一人倒下,虞姬终别霸王。
许多年以后,人们可能会忘记这部电影;可是千年的时光,却斩不断虞姬对霸王的情丝。
男怕夜奔,女怕思凡,蝶衣就是从一句“我本是女娇娃”开始,寻找她一生的霸王。从小时冬夜共枕,到合唱“霸王别姬”,她就知道,自己要当一辈子的虞姬,跟在霸王的身边。于是她戏入人生,人生入戏,于是她不疯魔不成人生。于是她在单飞独演《贵妃醉酒》时,倒在台上的是玉环的身子,脸上却是虞姬的绝望。
“汗兵已略地,四面楚歌声。君王意气尽,贱妾何聊生”。是呀,君王意气尽,贱妾何聊生。虞姬总是从一而终。于是,戏里戏外,虞姬总是不免要死在霸王的怀里。
在电影的最后,一曲唱完,虞姬在乐曲中慢慢抽出霸王腰间的长剑,手腕一抖,“呛然”一声,宝剑出鞘,一束强光从剑尖与鞘口的间隙射出,画面一亮,一人倒下,虞姬终别霸王。最后一刻,蝶衣将道具剑换成自己最爱的一把随着自己成长的古剑,剑锋如月,月冷如刀,死在此时,死在此地,别过爱人,却也无悔与己。
在陈凯歌的这部夏纳最佳影片里,他以梨园为背景,用京剧为外衣,讲述了一个为情所困,为爱痴迷一生的人,程蝶衣。这里,唯一的主角,无疑就是张国荣,而程蝶衣就是他的化身。他的音容,他的身段,他的水袖,都告诉我们,什么才是一个真正的戏子。蝶衣这个角色,是完全属于张国荣的,也是他最经典的角色,别人无法超越的角色。记得当年夏纳电影节上有位评委曾将张国荣评为最佳女主角,可见这个角色的魅力之一二。
36岁的张国荣,这时开始洗去尘埃,步入生命中的另一个阶段,也开始演绎更多的角色。
可是,现在他却选择离开这个世界,就像蝶衣一样。想一想,他和他所演的蝶衣,竟然有许多的相像之处。
国荣不在,蝶衣何处?当爱已成往事,往事不要再提!
《胭脂扣》
导演:关锦鹏
主演:张国荣 梅艳芳
李碧华的一部女性宣言,关锦鹏一种深藏的情怀,张国荣和梅艳芳的一次惊艳组合,使得在当年很多国际电影节上都能看到这部电影的身影。
三十年代香港的风月世界,青楼妓女如花爱上了人称十二少的纨绔子弟陈振邦,二人交往直到谈婚论嫁的地步。由于身份地位悬殊,婚事遭到陈家反对。为了跟如花在一起,十二少脱离家庭与如花同居,两人以胭脂扣定情,决定一起吞食鸦片殉情。如花在地府等了五十年仍然不见十二少,只有到阳间找寻,才发现十二少原来未死,在人间苟活了五十年,如花心恢意冷,交换胭脂扣,孤身一人回地府……《胭脂扣》整部影片幽暗凄绝,清冷华丽,结尾更是百感交汇,情动如潮,令人触目怆然。
这部电影是张国荣表演的新高,他把一个痴情但懦弱的富家子弟“十二少”刻画得入木传神,角色散发着高贵气质,有种让人敬而远之的华美。而在影片最后张国荣的出场可谓惊倒四座,老泪纵横的十二少空茫地瞪着找回人间的如花,眼神中透露着难以言说的复杂情感,有后悔、有惊恐、有惭愧、有羞恼、有无奈甚至有愤怒。张国荣也凭借此片第三次被提名香港电影金像奖最佳男主角,但却莫名其妙地输给了《七小福》中的洪金宝,着实让人大跌眼镜,不知所谓。此后,“十二少”的高贵成为张国荣现实生活中的一种外在表征,似乎他真是一个“入戏很深”的演员。
《风月》
导演:陈凯歌
主演:张国荣 巩俐
十四岁的忠良在一次逼不得已的情况下,让其姐姐吞食砒霜变成植物人。几年以后,忠良长成一个风流倜傥,擅长敲诈女人的钱财的“拆白党”,但对姐姐的挂念依然如昔……《风月》通过一个禁忌的爱情故事,对伦理道德进行了一次深刻的反思。不过与《霸王别姬》相比,《风月》明显欠缺一种刻骨铭心的宣泄。电影剧本的前身是叶兆言的小说《花影》,经过王安忆的雕琢,然后由陈凯歌亲自操刀导演,摄影杜可风美术设计张叔平主演张国荣巩俐……阵容之强劲一目了然,但就如此的阵容最后折腾出来的却并不能算是一部完美的电影,影片虽再现了那个年代富贵家族的糜烂和衰落的过程,但故事却显得相当矫情空乏,电影触及了旧社会的种种陋习,妄图再现那个沉沦社会里堕落的人性,无奈因为太过认真,从而显得有些刻板。
张国荣饰演的“郁忠良”又是一个跟自身贴近的角色,讳莫如深、心态繁复。在颓废中孤守内心的那一份最为热烈的情感。在杜可风美仑美奂的镜头里显得格外的阴郁虚空。凭借此角张国荣荣获第33届台湾电影金马奖“最佳男主角”提名 。
《夜半歌声》
导演:于仁泰
主演:张国荣 吴倩莲 黄磊
《夜半歌声》是翻拍三十年代的一部同名电影,于仁泰在电影情节并未做原则上的改动,只是弱化了原片中强烈的抗争主题,而着重于描写艺术和爱情的感染力。
故事发生在二三十年年代,歌星宋丹平在小城十分受欢迎,同时他又钟情于前卫进步舞台歌剧,他和少女杜云嫣恋爱,但杜云嫣的父亲却不同意,强行将她许给了权贵,杜云嫣偷偷的私会宋丹平,于是权贵赵公子便一把火烧了剧院,但从此剧院中开始出现鬼魅般的夜半歌声。十年后,一个小剧团的到来揭开了真相,一场动人的爱情悲剧上演。
电影在叙事和场景上都下了功夫,一层层的将恐怖的故事剥离出一段悲凄的爱情来,在气氛上犹其做的出色,由于这是一部老电影的重拍,所以气氛的处理很重要。电影不仅把握好了戏剧性情节的细微,并在舞台剧式的表演上有着继承和创新,使电影有了现代气息,张国荣唱的主题曲也在气氛的烘托下十分动人。
在气质上,张国荣很适合演这种悲剧的艺术家,他的才华,表演,歌喉都表演的很有张力,甚至那种年代的特有命运色彩都写在了他的脸上。同时,吴倩莲和当时的内地新人黄磊都表现不错。
《红色恋人》
导演:叶大鹰
主演:张国荣 梅婷
《红色恋人》是一个内地革命题材的电影,由新锐导演叶大鹰执导,这是一部颇具争议的电影。争议之处在于电影中地下党员的形象问题,和以前的地下党员形象不同,《红色恋人》中对知识份子的地下党员靳不仅有有着革命者精神表现,同时又用很大的笔墨去描述他的情感世界,在某种程度上是对革命时期共产党员形象的一种突破性表现,也自然的带来争议。
电影描写了三十年代的上海地下党组织领导靳和秋秋以夫妻的名义在上海秘密从事党的工作,靳曾受伤,而残留在他颅内的弹片致使他患有间歇性狂燥症并产生幻觉,发病时便将秋秋当成他死去的妻子,秋秋为他的这种感情感动并爱上了他。本喜欢秋秋的美国人佩恩也被他们的这种事业和感情打动,并决心帮助这对恋人。秋秋在父亲的圈套下被捕,靳为了秋秋而去当局交换秋秋,最终被杀害,而秋秋也在生下一个女儿后难产而死,佩恩带着他们的女儿回了美国。本片对地下党员表现的突破有还是正面的,更有血有肉,做为戏骨的感情戏也处理的非常动人,叶大鹰的功力虽有不足但电影的表现力还不错。
本片的另一个争议是由张国荣来出演片中的靳,并带着香港口音普通话在电影中出现,但基本上张国荣把握了这个角色,让人了解共产党英雄形象的另一面。其实三十年代的人物形象张国荣在《夜半歌声》、《新上海滩》、《风月》中的有过表演,而《夜半歌声》和《新上海滩》中的角色都有着革命的一面,对于《红色恋人》来说,应该也不算奇怪。
《春光乍泄》
导演:王家卫
演员:张国荣 梁朝伟 张震
可以说这是华语电影中最出色的一部同性恋题材的电影,也是王家卫最为被人称赞的一部电影,一种超然世外的爱情态度。
电影描写了一对流浪到阿根廷的同性恋黎耀辉和何宝荣的故事,两个人一同去找那个大瀑布,在布宜诺斯艾利斯,他们分分合合,在那句致命的“不如重新开始”中演绎一个没有结局的故事。在被赋与过多的寓意的本片,细致的描述了一种纯粹的爱情,王家卫刻意的抛掉其他因素,让梁朝伟和张国荣在地球的另一面体验猜忌、争吵、纠缠、解脱、欲望、哀伤、任性……让人忘却这是一部同性恋电影,尽管电影很大胆的刻画了一些性爱镜头。全片那种阴暗的光影之下表现了十足的压抑心态,至到大瀑布的出现而一片空灵,也许太多个人气质左右这部唯美至极的电影。
王家卫因《春光乍泄》获得了戛纳电影节的最佳导演奖,而梁朝伟则则在香港电影金像奖上得到影帝的殊荣,唯张国荣似乎被人遗忘。其实《春光乍泄》应该说是张国荣最简练通神的一个角色,透着一种蚀骨的真实,举手头足都可以说一种大巧若拙的回归,当然,获不获奖,都对他不重要了。
《星月童话》
导演:李仁港
演员:张国荣 常盘贵子
一场车祸中,分离了一对幸福的人,她看着血泊中的爱人,伤心来到香港。一日的电梯中,她遇到一位和爱人十分相像的男人,她和他擦肩,他和她邂逅。他表面上看是一个黑社会分子,其实他是一个卧底的警察。双重的身份,四伏的危机,他把自己隐藏在坚强背后。为了自己的命运,他和她走到了一起,他也发现自己很像她以前的情人,一段微妙的感情开始蔓延。他们一起逃亡,他们一起奔跑,他们还能一直这样在一起吗?
李仁港的电影里,彩色很少,用的多的,是黑白两色。他的电影很有自己独特的风格,从原来的《94新独臂刀》中无奈的悲剧,到《星月童话》中奇异的情感,都是那样的宿命。两个外表相像的人,两个性格不同的人,两段同样真实的情感,合在一部看似普通的电影里。
张国荣在这部电影里扮演了两个角色,开头的商人,温情脉脉,往日风采,信手拈来;后来的警察,带点狂野,不羁,又如真实的他。他的表演还是那么张力十足,游刃有余。
看到这部电影,没来由得想起一首老歌,“似是故人来”,里面的女主角在自己的爱人归去后,能再遇到与爱人相像的人;而我们在张国荣逝去后,能再见到这个陪伴我们多时的故人吗?
“星月童话”,张国荣的飞翔终于变成一个童话,挂在天空,变成星星和月亮,照着这个他曾经住过的大地。“前世故人忘忧的你可曾记得起,欢喜悲伤老病生死说不上传奇”,他把自己的一生变成永远的传奇,只是,每当我再次听到这首歌时,我会想到,似是故人来,今夜,我来,你来不来!
《恋战冲绳》
导演:陈嘉上
演员:梁家辉 王菲 张国荣
一个大盗,一个警察,一个女子,在冲绳的阳光下会面了。他喜欢她,他也喜欢她,可她喜欢的倒是会是哪个?是猫捉老鼠,还是风花雪月,都是一场游戏一场梦。随着电影开头轻快的音乐,一双脚在地上舞动,来来回回,静止定格,都是张国荣的风韵。在日本的冲绳,带着眼镜的荣年轻阳光如二十年前,他告别白衣,开始追逐粉红色的菲。三个人的纠葛,你来我往,纷纷不断。
这又是陈嘉上的电影,一种很清新的感觉,一场跳跃的爱情小品,在冲绳灿烂的阳光下,开始洋溢。延续六年前在《锦绣前程》中陈嘉上,梁家辉和张国荣的精彩合作,这次又多了一位另类如精灵般的歌手和演员,王菲。梁家辉的演技自然不用多说,王菲的演技早在《重庆森林》中就有自己独特的发挥,这里她再次展现她的演戏才华,一个空灵的女子跃然而出,而张国荣的大盗早已经脱出之前《纵横四海》中略显年少的影子,演技更加娴熟与自然。三个优秀的演员加上一个优秀的导演,注定这是一场好戏。
在海边的露天小店前,海风清吹,空气中飘荡着一首不知名的英文歌曲,深情异常,菲在柜台后缓缓而行,荣在前面驻足而立,气氛中也带有几分的浪漫。
看着电影海报上的三个身影,王菲和梁家辉靠着一边,另一边的张国荣脸朝另一个方向,而王菲的手却偷偷握着张国荣的手。三个人,都风采飞扬,要御风而行,面带笑意。
“ 我突然间觉得我不再喜欢你,我也不知道为什么”?王菲在电影里面说道,世间情事,往往没有原因。
“世界上的事往往是始料
Ⅳ 如何评论迪士尼真人电影《丛林奇航》
作为今年最具合家欢特色的娱乐大片之一,《丛林奇航》上映后获得观众高度认可,票房与口碑表现十分亮眼。影片延续以往“巨石”强森作品的风格,让观众赞不绝口:“动作戏令人目不暇接,是一部可以放松神经,沉浸其中的快节奏视听盛宴。”
《丛林奇航》集结了豪华的明星阵容,由国际人气巨星“巨石”强森担纲主演。他在片中饰演的弗兰克船长,日常带领容易受骗的游客沿亚马逊河观光,充满幽默感。与“巨石”强森搭档的是近年凭借《寂静之地》大热的艾米莉•布朗特。
《丛林奇航》汇聚了探险夺宝电影的几乎所有精彩元素。近日片方推出的一套关卡图,更将主角寻宝路上的险象环生一一罗列。与惊险关卡相匹配的,是本片拳拳到肉又不失风趣的动作场面,和全速前进的剧情。
《丛林奇航》带领观众穿越到遥远神秘的雨林。为营造极致的真实感,创作团队不惜工本,在实景重现异域风情的城镇和港口,就连见多识广的强森也表示:“ 鬼斧神工的场景设计让我们充满灵感,进入片场就像彻底进入另一个世界!”
《丛林奇航》的灵感来自于迪士尼乐园最悠久的经典项目之一“丛林巡航”,连“巨石”强森都是其忠实粉丝,“我觉得拍摄《丛林奇航》电影像圆梦。我相信,这种圆梦的感觉,电影所创造的身临其境、踏上远大征程一般的感觉。”