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声音如何塑造电影时间

发布时间:2024-01-01 07:14:49

『壹』 电影声音的声音构成

电影的时空结构是通过视听因素体现出来的,因此必须将声音作为结构的一部分来设计,使它交织在结构之中。声音构成的设计应考虑几个方面:①作为主题或动机的作用;②在事件或情节发展中的作用;③在描绘环境气氛中的作用;④在刻画人物性格方面的作用;⑤在表达思想感情方面的作用;⑥在节奏上的作用。
人声、自然音响和音乐是声源的 3种不同形式,它们都具有传达信息、刻画人物、推动事件发展以及描绘环境、 气氛、 时代、地方色彩的功能,在声音构成中,这 3种形式根据创作者的不同风格,具有互换性和谐和性。例如,影片《邻居》没有用非叙事性空间的音乐,但这并不意味着这部影片没有提供使用这类音乐的可能性,故事片不一定要模仿歌剧的模式,一定以序曲为开场,或以终曲为结尾。在影片《黑炮事件》中,使用电子琴演奏的无调性的音乐与自然音响结合成有机体,贯穿全片,表达了影片的主题和感情。例如,扔黑炮子的那场戏是大卡车声接音乐接喷气飞机的轰鸣声。在影片《小城之春》中贯穿全片的女主人公的内心独白似乎是重复了画面上的视觉动作,但是它的语调起到了视觉画面所缺少的音乐性情绪的作用。
声音在电影中的功用 在相对时空结构方面 ①声音给电影带来了更为丰富的内在运动,使它增加了内在的理性思维运动──言语及内在的感情运动──音乐。从而使电影形成更为复杂的时空结构。从叙事形式的电影来说,声音可以使情节更为复杂曲折,人物性格更为丰富和完整,思想感情和情绪更加细腻。②光波和声波均属波动现象,它们具有相同的反射、折射、干涉与衍射等性质,因此声音和光一样,是塑造电影空间的主要手段之一。③由于光波与声波的波长范围不同,衍射条件不同,声音可以使在无声电影空间中无法直接表现的、看不见的声源直接表现出来(闻其声而不见其人),从而扩大了电影的空间。④声音进入电影的时空结构后,加强了镜头内的时空关系,丰富了镜头内的空间层次和涵义,同时也丰富了镜头与镜头之间的时空关系。由于声音的出现,两种时空关系、镜头内的时空关系以及镜头与镜头之间的时空关系之间的界限进一步地削弱了。⑤体现人眼视野的画框是框不住各方面传播的声音的。声音使画框内的空间和画框外的空间相结合,形成了新的电影空间连续体。⑥声音带来一个可以与事件或叙事时空同时并列的、全新的非事件或非叙事的时空(如解说词和评介性音乐),丰富了超叙事时空,从而形成同步的强调或非同步的对位,丰富了不同时空之间的变化关系。⑦在无声电影中由纯视觉因素体现出来的最小时间单位,在有声电影中又增添了声音的因素,因而使电影作品中的节奏结构成为类似复调音乐那样丰富多采和错综复杂的节奏结构。
在电影语言方面 ①声音的出现,使电影语言由纯视觉语言变为另一种全新的视听语言,这种语言以直接纪录(有别于文字的间接描绘)外部的视听世界为素材,从而增强了电影的逼真感,大大削弱了无声电影时期所形成的程式。②人的视听感官不同的神经传递速度所造成的视听神经差,使过去的纯视觉语言中的视觉因素在视听语言中改变了性质。③视觉因素不再承担表现声音的作用。④音乐摆脱了为视觉伴奏的从属地位,成为和其他因素具有同等价值的表现因素。⑤“无声”由原来无声电影存在的条件变为视听语言的一部分,它的作用如同乐曲中的休止符。

『贰』 电影《1942》的声音设计

电影《1942》的声音设计

影片《1942》讲述的是特定时期特定地点发生的灾难性历史事件。1942年河南发生了灾荒,千万民众背井离乡、流离失所。在逃荒的漫漫路途中,国民政府政府对灾民置若罔闻,日本人接二连三对其轰炸。灾民们在干粮早已吃完,连树皮、毒草都吃完的情况下出现了人吃人、狗吃人的凄惨事件,有的一家老小几口人眼睁睁地看着自己的亲人相继饿死却无能为力。灾民们逐渐变得麻木,似乎回归到了原始社会的物物交换生活方式,为了填饱肚子,可以变卖妻儿换取三斗小米,甚至放弃一切为人的尊严。这场灾难最终造成了300万人被饿死的空前惨况。

一、影片背景和声音设计的基调

运用现代数字技术产生强烈的视觉和听觉刺激来吸引观众已经是当今国内外商业电影大片的重要制作手段,因此,声音在影片中的作用也越来越重要。根据好莱坞的电影制作模式,一个专业的声音制作团队需要多人分工协作、各司其职,这主要包括:声音设计师、同期录音师、音乐录音师、拟音师、声音剪辑师以及混音师等,其中声音设计师在影片拍摄之前就开始进行影片声音的整体构思,把握和决策声音在电影中的作用,并且指导和参与到后期的整部电影声音的剪辑和混录过程。[1,2]目前,国内的电影声音制作团队也逐渐意识到了声音设计的重要性,[3-5]这一点从近年来涌现的多部叫座的影片中都有体现。

不同类型的影片,其舞美、灯光、摄影技巧以及声音设计的思路并不同。例如,歌舞片在声音方面主要通过唯美动听的音乐感染观众;动作片则重点构思各种动作音响的拟音设计;西部片在声音上主要通过音乐和音响相结合营造气势恢宏的场景感,等等。影片《1942》兼具历史片和灾难片两种类型,按照惯例,在声音表现方面往往会利用贯穿影片始终的气势恢宏或感人至深的音乐和精心设计的夸张效果的音响来震撼观众,例如影片《辛德勒的名单》《泰坦尼克号》《2012》等。然而,影片《1942》无论从演员的表演到摄影镜头的运用还是电影声音的设计都给人以自然、真实,虽然绝望但却不煽情的感觉,叙事的方式更像是纪录片风格。回顾整部影片的声音表现,不禁让人感叹导演和制作人员的良苦用心,不夸张、不煽情、看似纪录片的风格,但却娓娓道来、引人入胜、感人至深。整部影片在声音和画面的表现技巧上与目前利用强烈的视听刺激和各种炫技来吸引观众的主流趋势大相径庭,甚至背道而驰,但却赢得了更多的观众,打动了更多的人心。这种看似纪实性的表现方式,实则处处精心设计的声音表现方式值得我们仔细品读。下面,本文将按照目前比较科学的分类方法,将影视声音分为语言、音乐和音响三大类,[6]对影片《1942》的声音设计进行分析。

二、着重运用语言刻画人物的形象和内心转变

对于不同类型的电影,语言、音乐和音响三大类声音的偏重不同。通常情况下,灾难片着重通过大动静、刺激、震撼的音响拟音来震慑观众;历史传记片则通过大量原创的或田园式舒缓流畅或江河流水、平原峡谷般雄伟壮观的交响乐来表现大场面,让观众被景色或场景所折服。然而,影片《1942》则重点刻画语言。

该片的语言不仅起到基本的释义性作用,更重要的是塑造人物形象、刻画人物性格、表现人物的内心世界以及营造影片的真实感。根据影视语言的艺术属性,语言又分为客观语言和主观语言两类。[6]客观语言就是画面上演员表演时同步表达出来的语言,它和演员的口型一致,是观众看到影片当中某个人在说话同时听到的这个人的声音,主要表现场景和人物的真实性,有独白、对白和群声三种形式;主观语言是观众在观影过程中听到了一段语言但是画面上并没有看见这个演员在说话,声音和演员的口型不同步情况下的语言,常被用来表现角色的内心世界,或者在专题纪录影片中担任叙事的任务,有内心独白和旁白(或解说)两种形式。

影片《1942》片头就采用了一段第三人称的旁白,它可以有效交代整部影片的背景和人物关系,将观众快速带入到故事情境之中,这在《我的父亲母亲》和《泰坦尼克号》等影片中都得到过较好的运用。除此之外,影片中并没有跟随目前主流电影中采用新奇的构思,设计主观语言去吸引观众,而是完全采用了客观语言平铺直叙。这与影片的整体基调是一致的,尽可能客观、真实地反映那个时期的事实真相。当然,该影片在客观语言的设计上其实是煞费苦心、精心构思过的,这主要表现在两个方面:(1)所有逃荒的人物都采用河南方言表演;(2)几位主要演员的语言风格特点鲜明,几句简短的台词就将人物形象和内心世界刻画得淋漓尽致。例如,冯远征饰演的佃户瞎鹿,家境贫穷,他的一切举动都是围绕着吃,作为社会底层最普通的农民,木讷迟钝,但为了生存想法非常实际。女儿问他啥叫逃荒,他回答“出门寻吃的就叫逃荒”;在老东家拿出一小盆小米为他家救急之后,他又追上去开口想多要几升;他跟栓柱一起找走失的驴,发现驴已经被几个士兵给炖了,他也敢凑上前去跟对方讨要驴肉吃,结果为此丧了命。再如,王子文饰演的地主女儿星星,从小养尊处优,起初不理解父亲为什么要带着大家逃荒,跳下板车一句“我不和你们逃荒了”表现出一位清高、自信的少女形象;然而逃荒多天后粮食早已吃光,靠吃树皮为生,全家人饥饿难忍,再加上嫂子快要生孩子需要营养补给的时候,她默认了将自己一路上一直保护的家猫给杀了,一句“我也要喝猫汤”,将她内心的转变——为了填饱肚子可以放弃清高和骄傲赤裸裸表现出来;再到后来为了吃自愿将自己卖身,拒绝父亲的挽留,说:“你让我讨个活命吧,把我卖了吧……”至此,星星彻底放弃了自己的所有情爱和尊严。电影《1942》平实的语言表现风格、特点鲜明的台词设计使得每一个人物都性格鲜明、生动感人。

三、刻意不利用音乐煽情

电影音乐在影片中可以起到塑造人物形象、提示时代背景、刻画人物内心、推动情节发展以及渲染影片的情绪氛围等作用。现在,音乐在电影中所占的比重越来越重,在很多商业大片中,音乐几乎贯穿影片始终。这是因为,利用音乐煽情引起观众的共鸣是最有效的方法,有时片中的角色无需多言,音乐响起,观众的情绪就马上被带到故事的情境之中,时而痛哭流涕,时而欣喜若狂。然而,影片《1942》除了片尾曲之外,整个故事的发展过程中只有一两处出现片段音乐,而这仅有的几处片段音乐也未刻意煽动观众的情绪,只是淡淡地铺垫为背景。这也是我观影后的一处疑问。但是,随着影片的上映和观众的反应来看这并没有影响观众被感染的程度,而是所有观看过电影的人都被深深地震撼和感动。通过音乐来丰富影片的听觉感受固然是好,但是这部影片刻意地不用音乐煽情是由影片的整体创作思路和意图决定的:不刻意加入创作者的观点,让观众自己体会。因此,影片缺少音乐应该正是创作者刻意设计过的。

影片片尾曲《生命的河》歌词来自一位农村妇女创作的一首基督教赞美诗歌,由赵季平老师重新谱曲。“生命的河,喜乐的河,缓缓地流进我的心窝;我要唱一首歌,一首天上的歌,头上的乌云,心中的忧伤,全都洒落……”这首歌的原曲在基督教徒中广为传唱,旋律中的喜悦之情犹如歌词中所描述的头上的乌云、心中的忧伤全都洒落。然而,重新谱曲后的这首片尾曲从旋律上来说虽然更加优美动听,但是忧伤、沉重的心情无法释然,就如同片中的灾民面对一次次沉重的打击内心深处仍然没有放弃生的希望。

四、客观细致的音响表现

音响一般指影片中除语言和音乐外其他一切声音的统称。音响在影片中的作用主要是增加画面叙事内容的生活气息、烘托剧情气氛、扩大观众视野、赋予画面环境以具体的深度和广度。在科幻片、灾难片、战争片、动作片等多种类型片中利用夸张的音响营造恢弘的场面或者紧张的.气氛来吸引观众的影片数不胜数,例如《侏罗纪公园》《金刚》《唐山大地震》《2012》《珍珠港》《英雄》《十面埋伏》等。此外,对单调、机械的音响进行设计也可以用于营造影片的特殊氛围。例如,影片《十月围城》中用钟表指针走动的声音,起初是夸张放大,然后由慢到快,强调时间的紧迫,将观众的心紧紧抓住,营造出了紧张的氛围。

电影《1942》的题材很容易让观众在观影前联想到以往的观影经历,就如同上述列举的多部电影中的场景。然而,实际观影中才发现影片并没有在音响设计上刻意夸张放大或者突出表现,而是完全跟随画面,画面上看到了什么,就听到相应的音响声,客观同步地再现当年所发生的事件。影片的音响设计看似平淡,但要做到如此真实、和画面场景环境基本一致地去表现那些客观音响也并非易事。电影中的音响声多数是在拟音棚中通过道具模拟完成的。影片中小到小猫舔食,大到日本人的轰炸,每一处画面场景中应该有的音响声都表现了出来,并且不刻意夸张,始终配合着画面的表现,不喧宾夺主。这与影片整体的创作思路是一致的:不刻意添加导演或者编剧等创作者的个人观点,尽量客观再现事件,让观众去看、去体会吧!

五、结 语

影片《1942》的声音设计没有走现在主流商业大片的模式,而是以语言为主刻画人物的内心;不动用大量的音乐煽情;细致的音响制作但又不夸张、不突出,与画面相配合客观地反映场景中的内容。影片虽然没有刻意营造听觉上的刺激和震撼,但却足以动人。目前,在大量的主流影片将重点放在追求形式上的视听刺激,利用音乐和音响处处煽情的整体大趋势下,影片《1942》看似平铺直叙,实则精心设计的做法非常难得。这也不得不引起我们去思考,电影究竟应该依靠什么来吸引观众?电影的内涵究竟体现在哪里?电影带给观众的只是那影院里一两个小时的感动还是走出影院后内心更深层的思考?

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『叁』 电影中声音的作用 4/29

首先,声音在电影中的最大价值就是 模拟现实中的听觉感受 , 让观众身临其境 、感同身受。比如,画面是一片森林,声音就是去塑造一个空间上的听感。再比如《星际穿越》这部电影,很多人在看的时候会觉得“不舒服”,从声音设计的角度来解释就是,电影加入了很多特殊频率的噪声,从而让观众感受到穿越黑洞时的无助。

其次, 声音还可以为电影创造一些实际的功能 。比如,不想让画面看起来太血腥,可以通过声音去调动观众的生理反应,同样也能表现出暴力和残酷;再比如,受到影片预算的限制,雇不了那么多的群众演员,或者没有能力去很多地方实景拍摄,声音就要承担起营造影片地域感、社会感和时代感的功能。

此外,声音还可以 脱离画面,单独叙事。同一个声音会勾起观众的不同情感和回忆 ,比如,听到《新闻联播》的开场曲,就知道是傍晚的时间;听到留声机的歌声,就会让人有一种老上海的年代感。声音的这种“符号化”可以运用到电影中,起到塑造人物造型和情境暗示的作用。比如,电影《风声》里有一个司令的角色,经常拄拐杖。赵楠和团队在做声音的时候, 给拐杖加了一个听起来很特别的金属弹跳声,它成了这个人的标志 ,只要听到这个声音,观众就能想到这个人物。

『肆』 电影中声音的运用

电影中声音的运用

    关于电影中声音的综合应用,陈西禾同志的《接电影中声音的运用》一文(发表于《电影艺术》杂志1979年第2、3期)已作了极其全面而详尽的论述。本文只准备若干当前特别应予重视的问题加以阐述。

   空间感

  电影的画面是平面的二维空间,在视觉上它是依靠画面构图和拍摄对象之间的大小比例来造成立体的三维空间的幻觉。如果能充分利用声音这第五维度的各种空间关系的特点,如远近的关系、室内空间的混响特征和自由空间的种种特征,就有助于加强画面的立体感,甚至可以用声音来表现画面外的空间关系。

  其实,声音的远近关系早在有声电影出现的十年内就已经受到重视。1928年,格里菲斯在《亚伯拉罕.林肯》一片的一个远景镜头就表现了“从远处传来的声音”。1931年的德国影片《蓝天使》,随着开窗关窗,户外人声就有强弱变化。当然那还仅仅是一种粗糙的示意。随着技术的进步和艺术上的探索,声音空间感的运用越来越丰富多样,越来越逼真。例如,在七十年代的一部英国影片《十一月五日》中,警长一边说话,一边穿过三个房间,他的话声在每间大小不同的房间里的混响特征都是不一样的,使观众从声音里感到了运动。美国影片《公民凯恩》就是利用混响特征表现报业大王恩晚年在那空荡荡的宫殿式的住宅里的孤独。在一部表现法国抵抗运动的影片中,有一场面表现抵抗运动的战士与法西斯坦克交战。战士与坦克始终没有出现在同一画面之中,而且没有景次的差别,两者的空间空系全凭坦克履带声的远近表现出来。这些手法在国外的影片中已屡见不鲜。近两年,由于运用了道尔贝降噪系统,空间感更成为必不可少的要求了。美国导演奥尔特曼已经在几部影片中拍外景时运用八个声道和十几个无线话筒来进行同期录音,其效果也可想见。

  就录音设备条件来说,我们并不算落后,但是,由于对这方面不够重视,没有充分发挥设备的优越性。在艺术上没有要求,当然在技术上也就没有探索、试验,或者是有了要求而不晓得利用(据我了解,一些电声学研究机构在这方面是有研究成果的,我们电影却没有利用)。比如,去年上映的三部影片《樱》、《归心似箭》和《等到满山红叶时》,虽然注意到自由空间的回响,但是秃山上、深山老林里和三峡的江面上的声音听起来都是一样的回响,缺乏细腻的变化,这就失去了真实感。而在一部音乐家的传记片中,本应对声音做更细致的处理,但无论画面是什么景别,无论男女主人公相距多远,或者距离正在起着变化,无论是在江面上或竹林里,那琴声不知为什么始终处于前景,毫无变化。在另一部影片中,两人在大雾弥漫的山峰上的岩石间格斗,但他们的脚步声不仅没有透过迷雾传来的特征,反而是踏在空洞地板上的声音。又如法国影片《愤怒的人》中在大车库辨认撞毁的汽车的那个场面,一切细小的动作都发出那空荡荡的大车库的混响声,然而为这一场面配制的华语对白却是录音棚里纯净的声音,这使观众听起来感到非常别扭。

  声音还有延伸画面空间的作用。画面的空间怎样也超不出银幕的四框,如果使用各种不同透视关系的画外声音,就仿佛打开了银幕的画框。看不见声源的声音能产生特殊的效果。例如《青春之歌》中白莉萍公寓除夕的那场戏就成功地运用了这一效果。我们先看见白的一些朋友聚集在正房,聊天,唱《流亡曲》。崔秀玉抑制不住自己的感情,跑进耳房去。接着画面上出现白和林两人走进耳房来劝慰。这时画外传来正房的《流亡曲》,悲愤和绝望的喊声,砸酒杯的声音。这一效果(包括人声、音响、歌曲)不仅加强了耳房这一场戏的情绪气氛,而且使观众下意识地在脑海中看到了正房的那番情景,从而扩大了画面的空间,加强了纵深感。《愤怒的人》里,主人公尾随夜总会老板时,他处于银幕上的前景朝纵深走去,突然从他身后传来急促的脚步声,两个人从后面冲上来把他抓住。由于这脚步声空间感强,使人感到那两个仿佛是从观众厅扑上银幕似的。

  而印度影片《流浪者》墙后抓贼的那场戏则更增添了喜剧的效果。我感到,尤其在今天,当声音的表现可能性越来越丰富多样的条件下,画面的构图不应再局限于传统舞台框那种“封闭式”的处理:自成一个世界,与画框外隔绝,人物的注意中心始终保持在画面内;应当更多地用“开放式”的画面构图,打破舞台框,使空间变得更为开阔自由。而声音将大大有助于这样的表现,从而使画面更为逼真。

  传达信息

 说到传达信息,一般都认为就是台词,并且由此对这一承担着如此神圣职能的对话---影片的思想性,不敢轻易另作它用,并且深怕观众听不懂,或者没有听清。银幕上不论是正面或反面人物都是吐词清楚,涵义明确,连犯口吃毛病的人都少见。难道《等到天黑》里那个匪首故意含混不清的话语不正是多了一层涵义---优越于对方,稳操胜券?实则各种战争的影片中,有一场面是女主人公的渺小身影站在街心,陷入两旁驶过的坦克车队之中,一切都淹没在那震耳欲聋的坦克车声之中。它鲜明地道出了这部影片的主题思想。

  声音还可以作极其主观的运用。在瑞典导演伯格曼的影片《沉默》中有这样一场戏:姐、妹两人和妹妹的儿子在旅途中来到某一外国城市。街道上传来隆隆坦克声,似乎正在发生一场政变,儿子伏在旅馆窗口往下观望。他的母亲不愿听到这些声音,命他把窗关上。但在窗未关上之前,那些噪声突然没有了。这是从母亲的角度,主观上把一切声音都关掉了。接着是孩子的姨母对房间里收音机播送的音乐感到非常烦躁,于是她走到关上的窗前,这时,音乐声消失了,而街道上又传来了坦克声。当她转身往室中央走去时,乐声又显出来了。她走到桌旁把收音机关掉,音乐止。当然,这是少有的,表现主观音响的手法。

剧作功能

 声音(不仅仅是对话)既然可以表达信息,那必然可以直接参与情节之中,使它起到推动情节发展的作用,尤其是音乐,更可以直接揭示外部动作的内在规律。

  美国影片《翠堤春晓》有这样一场戏:作曲家斯特劳斯坐在钢琴旁为歌女克拉拉创作一首恋歌《当我们年青时》,他的妻子波尔蒂端着茶走进屋来。她想当然地以为那首恋歌是为她而作的。这使斯很恼火,流露出对她的冷淡与厌恶。波对这突如其来的变化感到不解。随后,当他的音乐朋友们在演奏这首乐曲时,克拉拉到来了。原来沉浸在幸福之中的波从克拉拉的神情突然悟到这首乐曲原来是为那个女人写的,她的丈夫有了新欢。我们从银幕上看到和听到这首乐曲的演奏以及波的面部表情的变化。就这样,这首乐曲不仅推动了剧情的发展,并且使冲突表面化了,歌曲本身也优美动听。如果去掉它,这场戏就得另作设计。

  这里顺便提一下,前面提到,为了插曲,画面被迫作大量图解说明,这是很笨拙的。看来问题在于插曲脱离了剧情,它往往出现在高潮以后,恰恰处在向低潮发展的地方,因此不仅没有起到推波助澜的作用,反而成了多余的东西。《天去山传奇》使用画外的歌曲时,画面上恰恰是男女主人公表面的无声场面,因此并不显得多余,而是烘托了情绪。

  时代感

  应当注意声音的时代感,尤其是音乐。在文化大革命期间的公园里出现手风琴手在拉奏《风流寡妇》是令人难以理解的。《枫》里出现了那一时期的“造反歌”:“拿起笔作刀枪,齐心合力打黑帮......”,顿时加强了场面的时代气氛。《早春二月》里小学生们唱的那首《云儿飘》,《闪闪的红星》中的《打倒土豪》都增添了时代气氛。不过肖涧秋弹的那首钢琴曲,无论从作曲技巧和人物的业余演奏技巧来说,都因不符合时代的实际情况而影响了那场戏的真实感。超越了时代和客观实际的艺术追求只能给人以虚假之感。正如录音师也很难为一个普通的单身干部所住的那间三十平方米的宽敞房间搞什么空间感,那就成了假上加假了。这里要提一下陶岚家的那架钢琴。在江南的偏僻小镇,气候潮湿,那钢琴怎能保护得那么好,居然没有一个走音的琴键,肖涧秋初来乍到,也没有弹一个音阶试试。在外国影片中走音的钢琴实在不少:《你永远在我心中》的钢琴的高音A是经常走音的;在一部苏联战争片中的钢琴有好几个音是走调的;在美国影片《忠勇之家》中,小妹妹在刚挨了一颗炸弹的家里的钢琴上为欢迎新婚哥嫂弹奏《婚礼进行曲》时,那架钢琴没有一个音是准的。在美国影片《斗牛》中,青年作曲家在郊区小餐馆的钢琴上合着广播里的节目演奏他的新作时,看来创作者不忍用走调的钢琴来破坏这首乐曲,因此搞了一个折衷办法:那架老钢琴有七个琴键的白装饰片已脱落,露出了黄色的木头。国外影片处处注意真实性的细节,而我们却太不讲究了。

  演奏音乐所使用的乐器和时代(以及民族、地区)也有一定关系,当然起主导作用的还是曲调。无论如何,古代历史题材的影片中用电吉他,恐怕难以为要求严格的观众所接受。不过用电子发声器来创造某种特殊的音响效果,那又另当别论。

  时间感

  利用自然界的声音或计时工具的声音来表现时间的迁移或季节的变换,这已是电影中司空见惯的手法。问题在于,一些手法一再重复,已落俗套。为什么不能进一步发挥想象力,探索现实环境中的各种声音特征来表现时间、季节呢?比如,在不同气候条件下声音传播的特征,不同时令的风俗习惯中的音响等等,都可以从艺术表现上加以利用。《早春二月》用火锅的咝咝声创造了江南腊月的气氛,构思新颖并有民族习俗的特点。《小字辈》用聒耳的蝉鸣来表现盛夏,吵得令人心烦,这不正是作者的意图吗?

  英国影片《相见恨晚》利用收音机播送一首熟悉的钢琴协奏曲来贯穿整部影片。故事采用了倒叙手法,在几次的闪回叙述中实际时间拉长了,当画面再次回到开场时的背景,这首乐曲已接近尾声。因此,它除了作情绪背景用以外,不使观众有了一个限定的银幕时间概念---演奏这首曲子所需要的二十分钟。

 声音运用得巧妙,还可以构成声音的闪回。例如,在美国影片《我们的黄金时代》中,战后失业的复员军人偶然来到停放战后报废的机骸坟场。他登上一架当年曾驾驶过的同一型号的飞机残骸,坐在轰炸手的座位上陷入了回忆之中。影片在视觉上并未表现回忆。摄影机静止地从外面拍摄那架已卸掉了发动机的轰炸机的正面。画面外响起了重型轰炸机的那四个发动机的共振声。这一音响渐渐被低音乐器所接替,形成了一段紧张的乐曲,同时夹杂着当年战斗中的喊话:“发现目标!”、“机翼着火了!”......就这样,在画面不变的情况下,声音把观众带回到战斗英雄的战斗过去,并与他现在复员后失业的困境形成鲜明的、具有社会批判意义的对比。同时在这段沉思的、具有内部紧张性的缓慢的短段落里,又避免了因使用一系列快速短暂的闪回镜头而破坏其节奏。

综合运用

  过去有一种观点认为音乐与音响效果不能同时使用。这条陈规早已被先进的技术和成功的艺术实践打破了。人声、音响效果、音乐,一切电影艺术效果所要求的声音都可以同时出现,并可作不同强弱的要求。这如同管弦乐的配器法,是个艺术处理的问题。只要在频谱上处理得当,仍可以清晰地听到各个“声部”。例如有一西方作曲家谈到,因为某一演员是浑厚的男低音,因此他注意到在另一音域中为他配上一段乐曲。利用不同的频谱区来处理不同的声音是一个较简单的技术问题(这是声音的掩蔽效应在实际录音中的应用),但能给创作者以充分的艺术表现的自由。在电影这门技术产物的艺术中,掌握一定的有关科学技术知识对艺术创作者来说是极其重要的。遗憾的是,我们有不少艺术创作者抱着耻于了解技术的态度,那么,他的表现手段当然也就大受限制了。

  英国影片《卡罗兰夫人》片头字幕的背景画面上是卡罗兰骑马奔驰的一系列镜头,声带上是奔腾的马蹄声,水塘的鸭叫声,同时还逐渐隐显了一段刻画女主人公命运的优美的抒情音乐。尽管两种声音是一缓一急,节奏不同,但效果极为统一,形成了对这个人物性格的两个方面的对位。另外一部表现凶杀的影片《黑色的圣诞节》,使用“平安夜”的圣诞节合唱,但配合着画面,在歌曲将近结束时远处出现了几声凄凉的犬吠声,顿时给圣诞节欢乐的节令气氛投下了阴影。

 我国新片《第十个弹孔》母子在监狱里见面的一场戏也把话声叠在音乐上,它在效果上出现的一些干扰,如大提琴的音域和话声太接近,那是技术问

两个例子

  下面先以美国四十年代一部较一般的影片《当差的妹妹》的开场为例,来尝试说明在影片中如何平衡使用电影中的人声、音响、音乐这三个方面。

  影片故事是好莱坞的俗套之一:一个穷家女向往登上乐坛,几经周折,终于被大老所赏识,并遇见才子,有情人终成眷属。影片的开场是在火车上,那些一心想登台的歌女得悉某名作曲家也搭乘这趟车,都想闯入他的房间,显显身手。作曲家十分恼火,黑人乘务员出了个主意,把这些人引开。结果女主人公安娜找错了房间,给一名推销员唱了一曲。

  片头字幕上响起了好莱坞所惯用的那种不合理地借自歌剧序曲形式的、歌颂安娜的爱情的主题音乐。当画面转入火车车厢内的情影时,音乐用小提琴的上行乐句过渡到主要是模仿火车节奏与汽笛声的音乐,并稍稍暗示出即将出现的“太阳孪生姊妹”的歌舞音乐的性质。音乐渐隐,火车音响出现,随着过道关门声及“谢谢”声出现了孪生姊妹,她们给人的视觉听觉形象体现了一个“俗”字:衣着打扮俗,操着南方德克萨斯州的土佬口音,语言不雅,音域高,音色尖,喉音重,节奏急促而跳动。黑人乘务员指给他们作曲家的房门。孪生姊妹按门铃(声),作曲家开门(声)。她们立即在过道里又唱又舞,节目是较俗的音乐厅歌舞,而且唱到最后一句两人都稍稍走调(有假定性音乐伴奏,强烈的火车节奏)。两人舞完后气喘吁吁(声)。作曲家婉言谢绝,把门关上(声)。他的声音是男中一高音,音色温和,声调很不耐烦。音乐一停就立即显出火车隆隆音响。孪生姊妹走后,作曲家开门喊“服务员!”他与黑人乘务员交谈时,除了隆隆车声外还传来长长的几声汽笛,衬着黑人的沙哑的声音,他吐字含混,男高音,节奏慢。安娜在另一节头等车厢背对摄影机沿过道走下去,经过两节车厢连接处,车声大作,进入下一节车厢关上门(声)后,车声又发闷了。安娜走进二等硬座车厢,迎面传来嘈杂人声。安娜保持背朝摄影机,沉默地在孪生姊妹旁坐下。那两人依然叽叽喳喳地在议论着作曲家。火车音响在继续。一名餐车服务员敲着预告午餐的木琴(1351)走过,孪生姊妹边说边离座去餐车就餐。当安娜在近景中转过头来露出她那美丽的侧面脸孔时,同时开口轻轻地叫了一声“服务员!”纯正的北方口音,音域较孪生姊妹低一些,音色柔和悦耳,语调从容(这是为一个歌星精心设计的视觉和听觉的亮相)。火车音响始终未断。服务员告诉她一个错误的房间号码。安娜敲门(声)他走进去时,传来房间内的乘客盖上玻璃盖的碰击声。安娜在两句话之后就抢机会唱起一首高雅的抒情歌曲。他的歌声一切方面都符合美声学(bella canto)的要求。在这首歌的引子之后立即加入了火车的节奏,并且在半途还暗示出火车进站、停车、离站的节奏变化。当作曲家到站下车,并在月台上停下来买报的时候,穿过月台上的各种噪声、车头放气声,从远处车厢里传来了安娜的轻微的歌声,并引起了作曲家的注意。作曲家一边和报贩说了几句,一边在倾听。他们的话声和画面是一致的--处于前景(!)。在车厢里安娜唱完后,立即出现火车的音响,一直持续到这场戏以关门声结束。

  就在这13分钟的开场戏中,声音的设计是多么的细致。首先,出场的五个人在音高、音色、口音、节奏上都有差别,并且在孪生姊妹和安娜的声音之间特意安排了俗与雅的对照,从而突出了安娜。两首歌共占三分半钟,第一首是为了衬托第二首,它保持观众兴趣的是它的“低劣”。第二首歌不仅“美”,并且还承担了戏剧性悬念,这是那作曲家在故事中四度错过安娜的歌唱的第一次。此外,虽然这部影片卖的招牌是那时的新兴女歌星迪安娜·窦萍的歌喉,但创作者却并不害怕按照剧情的要求(而不是音乐会上的要求)在月台上的镜头中根据画面中的场面调度的透视关系把那优美的歌声推到背景,而把处于前景的作曲家的话声合乎情理地摆在前景,并在前后景之间混杂了月台上的各种噪声,从而给人一种艺术的逼真感。至于对话、音响和音乐的关系,设计得也很细致。音响在没有音乐时始终持续着,并且表现出空间环境变化的音响特征。开门、关门、玻璃杯碰击声、喘气声等都一一表现出来。在有对话的场面中,音响依然持续着。而音乐出现时,虽然音响中断,但音乐依然在节奏上保持了音响特征。不过这是距今三十五年前的老片子,无论在技术上和艺术上都已落后和陈旧,声音显得单薄,假定性的音乐太多。

  这里在援引一个同时运用人声、自然音响和音乐来造成情绪气氛的转换的例子。

  美国影片《翠堤春晓》(1939年)中有这样一场戏:当歌女克拉拉终于让她所热恋的斯特劳斯留在维也纳,独自登船离去时,斯特劳斯站在码头上,百感交集。轮船起航时,船上的乐队奏起了当时已在维也纳流行的《当我们年青时》(斯为克所写的情歌),克拉拉随着乐声唱起了这首歌,最后一次向斯表示眷恋与惜别之情。歌声悠扬,随着轮船向多瑙河的夜雾中驶远,歌声也越来越远,最后和轮船的黑影一起消失在迷雾之中,余音缭绕。(可以设想,在这里如果不忍损害这位歌剧明星的歌声,把声音始终摆在前景,那怎么表现出影片剧情所要求的惜别之情呢?这是四十一年前的艺术水平。)透过夜雾远远传来轮船的一声低沉的汽笛……又一声……又一声,越来越远。斯特劳斯孑身踯躅在码头上。间或,背后驶过一辆晚归的马车,马蹄与车轮在石头路面上敲击出冷清的辚辚声。斯特劳斯久久徘徊直到天明。水平线上露出了太阳。画面外短暂地响起了暗示出《蓝色多瑙河》的动机的几个音符。斯特劳斯踱到水边,坐在石阶上沉思。背景上跑来一伙欢笑着的洗衣女,青春的欢笑声稍稍引起了斯特劳斯的注意。一个店老板端着木盆走出店来,哗的一声把一盆脏水泼在斯特劳斯近处的水面上。斯特劳斯一惊。闪烁着太阳光芒的水面上响起了斯特劳斯脑海中正孕育着的《蓝色多瑙河》的旋律。当这首乐曲完整地演奏出来时,画面上出现了多瑙河沿岸阳光明媚的秀丽的景色。一艘小火轮驶过,发出一声明朗而尖锐的汽笛声(和前面夜景里的低沉的汽笛声形成情绪对比)。接着出现一连串图解说明的画面,表现这首圆舞曲如何在世界各地受到欢迎,各民族的青年男女都随着乐声翩翩起舞。当乐曲演奏到那段轻快跳跃的乐段时,画面上出现了印刷工人踏着圆舞曲的节拍摇头晃脑地在印刷《蓝色多瑙河》乐谱的喜剧性场面。尤其是一名胖乎乎的青年工人鼓起腮帮子用嘴吹出一句断奏staccato的乐曲的形象,更带有喜剧性色彩。就在这短短的时间内,导演利用各种声音和画面巧妙地结合,紧紧地掌握住了观众的情绪变化。这样的处理是多么出色啊!

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『伍』 从镜头运用和声音形式分析电影节奏——浅评电影《放牛班的春天》

     

      摘要:在2004年法国上映的影片《放牛班的春天》,原名为《Les choristes》,又名《歌声伴我心》(港)、《唱诗班男孩》和《The Chorus》。该电影由克里斯托夫·巴拉蒂执导,由热拉尔·朱尼奥领衔主演,曾提名第五十八届英国电影学院奖、第62届金球奖和第77届奥斯卡金像奖。该影片中的镜头运用手法的合理运用和别出心裁的声音形式让作品在视觉和听觉方面呈现出的整体风格十分和谐,对其叙事结构的总体安排和构造起了重要的推动作用,因此强有力的烘托感和渲染力成为该影片节奏感的出彩之处。本文将主要从镜头切换和声音形式两方面来分析该影片的节奏中所蕴含的魅力。

      关键词:《放牛班的春天》;镜头运用;声音形式;电影节奏感

      《放牛班的春天》这部电影讲述了一位在音乐梦想上不得志的老师克莱蒙·马修,在窘迫的境遇下来到塘底寄宿学校当学监,同那里的校长、老师和孩子们等人相处,并最终用音乐温暖了孩子们的心,改变了他们人生轨迹的故事。

      影片中采用的是过去式插叙的叙事结构,通过已经成为著名音乐家的皮埃尔·莫朗杰来翻开由佩皮诺带来的马修的日记本来引起这一段往事的回忆和感概。

      在影片中,运用了多种镜头运用方式来构建起人物在情境中表现出来的个性和品质,也使得故事的叙述和情节的演进不再单调乏味。给人以舒缓为总基调的节奏感,便于情绪层次的抒发和推进,巧妙地引起观众的情感带入。

      除此之外,马修组建的孩子合唱团的歌声直接作为电影音乐的主要内容,既能保持当前情节的进展,又恰好可以让其成为一种具有象征意义的阶段性总结的情感符号。音乐在该影片中具有陪衬性质和烘托作用,同时也成为影片中的重要内容和素材。无论是作为桥梁还是作为基干,声音在该电影中的运用时机和呈现形式等方面都值得去探究和思考。

      一、丰富的镜头运用方式和生动的画面效果

        (一)多种类镜头运用

      《放牛班的春天》中运用了多种运动镜头来顺应叙事人称的切换以及故事情节的开展和过渡。

      摇镜头和移镜头在整部作品中应用的次数较多,主要出现在影片的开头和中间的转场,如莫朗杰得知母亲噩耗后转入参加葬礼,由白天活动转入夜晚马修伏案写日记和乐谱等等镜头,传达出拉长时空的效果,使情节上能够进行自然而灵活的过渡,也保留有记叙手法原有的风格和基调。

      影片中甚至还出现了甩镜头,即哈杉校长审讯蒙丹是否偷钱时激怒蒙丹,后沙贝尔抓住蒙丹,哈杉校长气急说要报警要蒙丹入狱那一幕,沙贝尔给马修递眼神时运用到了整部影片中唯一一次甩镜头,强有力地凸显出蒙丹偷钱事件已经发展到了无法挽回的糟糕地步,紧急的情节下留给人更多无奈的惋惜和无措,与之后蒙丹被警察带走出门时回头顽劣一笑的慢镜头形成一种鲜明的反差和讽刺,这种带给观众视觉上和感情上的突兀会激发起观众的深入探究和思考,对于寻找和理解影片旨意也是一种合适的契机。

      而主观镜头在影片中也成为一个亮点。莫朗杰母亲维奥莉特的美好容貌通过主观镜头表现出马修内心对她的青睐和欣赏,自然生动,富有现场感和真实感。在特写镜头中,更是将维奥莉特向着阳光扬脸微笑时候的每一道眼角皱纹都拍摄出了柔和的气质和韵味,并且因为镜头给的时间较长,观众很容易就能明白镜头中所展现的其实正是马修深情地看着维奥莉特而不自觉地被她的美丽所吸引时的“眼神”,从而顾及了电影中的审美价值的同时,也巧妙的将人物心理的代入感直接传达到观众那一方。

      把控和聚集一个镜头各方面的可利用的信息,就是使电影在稳定有序的进程安排上具有灵活机动的发展空间,在固定的时间段内尽可能多地做到细节饱满。这便是在电影节奏中镜头运动方面所要着重考虑的。

      而《放牛班的春天》这样一部影片,在主体内容上就规定了它必须要把镜头着重地放在马修指挥孩子们唱歌的段落上。其中的许多推镜头成功地把合唱团这一整体形象立了起来,并将马修和孩子们相处过程中情感的交流与培养穿插在合唱当中,避免了表现内容上的枯燥乏味,也借此加强了呈现效果上的感染力和表现力,让师生彼此心意相通、心情互晓的微妙默契通过推镜头发挥到淋漓尽致,努力放大想要分享给观众的感动。孩子们为伯爵夫人表演合唱的片段就是一个典型段落场景。

      (二)画面景别、画面角度和色彩基调的选择

      约瑟夫·冯·斯登堡导演曾说:“电影是一件艺术品:当视觉画面的流动遵循着可感知的节奏(有着特定的停顿和步调),且这些连续的画面在各个方面都关乎整体。”画面是构成电影的流动零件,而分析和理解画面就是解读好电影节奏的不可或缺的一部分。

      首先是画面景别。中景是叙事功能最强的一种景别,适合表现人物之间、人物与周围环境之间关系。该影片主要以人物对话为主要内容,交代各人物之间的关系,在主题思想上也注重“交流”“表达”“倾听”“理解”等双向或多向互动的概念,所以中景是该影片主要采用的景别。近景也是电影镜头中运用得比较多的一个景别,利用其着重表现人物的面部表情和有力刻画人物性格的优势,可以便于观众和人物进行情绪上的交流,由此产生的接近感也使细致画面给人以深刻印象。

      例如“抵抗运动”中的寝室合唱的片段。莫朗杰自学学会新乐谱中的独唱部分并骄傲向马修展示的神态和歪头动作,马修预想不到莫朗杰进步之大的惊喜眼神,以及对于莫朗杰身上自满情绪的些许无奈的撇嘴微笑,都是由于近景在两人之间的来回切换才得以呈现出师生之间细微而生动的感情流露。

      其次是画面角度。实际上画面角度和镜头的拍摄角度密切相关。在影片中较为经典的画面是孩子们在教室窗户边放飞写着送别字条的纸飞机来送别被哈杉校长开除的马修。当马修感动之余决定转身离开的时候,通过俯拍出来的画面传达出的,其实是孩子们眼睁睁看着尊敬而喜爱的老师带着的孤独、卑微却又倔强的背影离去时内心的不舍和心疼。由此看出,贴切的画面角度能够非常自然地引导观众思考的层次,使得影片的格局得到开拓和延展。

      最后是色彩基调。色彩的主观性运用可在剧作内容和叙事完整上起到有效的表现和强调作用。根据剧情的发展和人物心理性格的变化,设计不同的段落场景色彩,能推动叙事发展变化,明确剧作结构,增加画面形式感。【1】该影片在总体的叙事基调上呈现出的是偏暖的前进色,无论是故事的讲述方式,还是故事内容本身,都是给人以明朗的情绪和积极的想法的。

      影片中的许多画面视野还包含着关于自然元素的巧妙融合与设计。林荫路是其中一个重要的场景设置,而阳光穿过树叶缝隙形成的碎影营造出有温和质感的打光效果,间接地舒缓了人物之间的谈话节奏,有利于观众捕捉到“故事情节走向明朗”的暗示信息。这样的处理方式既属于影片在内容上的简省化说明,同时也有效地激发观众在欣赏过程中对审美艺术的感应能力。

      二、声音在影片中的多样化呈现类型及其相应的意义

      日本知名导演黑泽明曾表达过他所认为的声音在电影中应占有的态度和位置:“真正的电影的声音不仅仅是简单的、说明性的伴奏音,或在同步录音时捕捉到的自然的声音。换句话说,影片的声音并非简单地增加图像的效果,而是将效果放大两倍,甚至三倍。”声音在电影中的价值并不符号化,而在《放牛班的春天》这部影片中则更加明确地证实了这一点。

      (一)旁白

      旁白叙述贯穿了该影片始终,在营造马修这个人物的第一人称的视点上取得成功效果。特别是旁白的内容以日记体的形式出现,更让观众有度日记的身临其境的感觉。此外,旁白对于故事情节的补充和镜头的跟进也做到了准确简洁,实现了影视中画面和声音的有效沟通。在组织影片的内容的作用上,旁白叙述增强了多幅画面的拼接与过渡时的视觉震撼力。

      比如,当马修看到孩子们的合唱有了明显的进步时,决心要继续编写出新的乐谱。孩子们的歌声作为配乐,而马修的画外音为“五月,我又有了新的战果”。与此同时,画面接连出现孩子们日常生活和学习中的近景镜头,并对伯尼法斯梳头和佩皮诺作弊做了特写,让影片的氛围瞬时变得欢畅和愉悦起来。随后的孩子们在空地上滚轮胎和在走廊上放飞纸飞机的种种活泼生动的画面,被悠扬的歌声和旁白语调渲染得尤为纯净而烂漫。

    (二)歌声

      在这部影片中,歌声无疑是最打动人的一个声音元素。声音是表现质感、时间和温度的重要手段,而孩子们合唱的声音因为真实、丰厚、环绕而具有兴发感动的力量,而在场景中和其他声音形式的互相叠加使得受到触动的感觉更加丰盈和独特,由此大大增强了故事内容的可信度。与旁白相同,歌声在电影结构上也具备组织情节和转场的两个功能,作为一种剧情手段和转场元素而存在。

      另外值得关注的一个方面是在影片中孩子们唱出的歌词。主题曲中有这样一段歌词:“希望之光,生命中的热忱,荣耀之巷,海上的清风,海面上的清风,托起轻盈的飞鹭,从白雪皑皑的大地上飞来。冬日转瞬即逝的气息,远方你的回声飘离了,西班牙的城堡。在回旋的风中转向展开你的翅膀,在灰色的晨曦中,寻找通向彩虹的路,揭开春之序幕”。马修写出的歌词中到处洋溢着孩子们对于自由的向往和对于美好的渴望,再经由孩子们唱出自己的心声,传达到听众耳里的便是师生情谊交融在一起的天籁之音了。

     

参考文献:

    【1】郭曼.浅析电影创作中的主观色彩的运用及其作用[J].企业家天地:理论版,2009(12).

『陆』 影视声音在电影中有什么作用呢

一、声音在影视作品中的分类

1、人声

人声的音色、音高、节奏、力度。都有助于塑造人物性格的声音形象,然后才和视觉形象联系起来,形成一个完整的整体。在同一作品里,不同音色、音高、节奏和力度的人物声音形象所形成的总合效果,就仿佛是合唱一样。

2、音乐

音乐是人类文明史上经过数千年的发展, 其艺术形式已趋完善, 主要是由一些音乐人凭碰搭借一些乐器创作而成。音乐对于影视艺术来说则是一门年轻的艺术。

在无声电影时代,针对电影画面的内容与情节的需要,音乐的“声音”率先打破了无声的局面:当跨入有声电影时代后,影视音乐的创作更得以喷涌发展。

3、音响

音响是影视节目中除了人声和音乐以外的所有声音的统称。对于影视作品而言,音响是极其重要的一种声音元素。音响与人生、音乐在影视作品中是相辅相成、互相补充、互相结合以及表真、表意、表情。无论在内容上,还是形式上,音响都起到补充、烘托、流畅影片的作用。

二、声音在影视作品中的作用

1、还原逼真的作用

正是由于有了音响的加入。影视作品才更加接近完美。自从影视界有足够的技术将音响加入到作品当中去。影视就变得愈加亲切甚至更加真实。

2、深化人物形象的作用

音响在影视作品中具有积极的造型能力, 是塑造人物, 特别是刻画人物心理的一种重要手段。在影视作品中, 音响经常被用来强化早激或烘托人物的心理, 如用时钟放大的声音效果来表现人物的焦灼心理。用火车轮的轰鸣声来表现人物内心的激烈冲笑睁拿突等等。

3、表情达意的作用

音响不仅是对生活声音的还原。而且是对创作者思想情感的传达:在影视作品中,音响的运用往往可以产生含蓄隽永、意味深长的艺术效果。

(6)声音如何塑造电影时间扩展阅读

声音在影视作品中的组合:

1、声音的并列

这种声音组合即是几种声音同时出现,产生一种混合效果,用来表现某个场景。如表现大街繁华时的车声以及人声等等。但并列的声音应该有主次之分的,要根据画面适度调节,把最有表现力的作为主旋律。

2、声音的并列

将含义不同的声音按照需要同时安排出现,是它们在鲜明的对比中产生反衬效应。

3、声音的遮罩

在同一场面中,并列出现多种同类的声音,有一种声音突出于其他声音之上,引起人们对某种发生体的注意。

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