世界三大电影制作的

㈠ 世界三大电影工业基地

说到电影工业基地，许多人都会想到现今最著名的好莱坞，然而很少有人真正的了解过好莱坞。下面就由我介绍世界三大电影工业基地，有时候我们也许不仅仅是看电影，还可以了解了解电影在哪生产的?

世界三大电影工业基地

1 好莱坞

好莱坞(Hollywood)，又称荷里活，位于美国西海岸加利福尼亚州洛杉矶郊外，依山傍水，景色宜人。

“好莱坞”一词往往直接用来指美国的电影工业，由于美国许多著名电影公司设立于此，故经常被与美国电影和影星联系起来，好莱坞是世界闻名的电影中心，每年在此举办的奥斯卡颁奖典礼则是世界电影的盛会 。

好莱坞不仅是影视娱乐明星工厂，也是全球时尚发源地，世界上众多商品是由于好莱坞的电影而成为奢侈品顶级品牌。好莱坞顶级品牌俱乐部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是顶级品牌运营组织，是一个名副其实的全球顶级品牌俱乐部。

然而当今的好莱坞已经风光不再。尽管还有一些后期制作工厂、电影技术支持公司和几个大唱片公司仍然位于好莱坞，但昔年奠定好莱坞辉煌的各大电影公司却只有派拉蒙一家还留在好莱坞。电影业绝大多数最富有和最成功的创作人员早在几十年前就离开了好莱坞。从四、五十年代开始，好莱坞逐渐走向衰落，从一个风景如画的住宅、创作和旅游麦加蜕变为熙攘喧嚣、淫乱低级、充满罪恶的闹市，到处充斥着低俗的旅游纪念品商店、毒品贩子、乞丐、游民和妓女，到八十年代末这片衰败景象达到谷底。

因此，再创好莱坞辉煌成为90年代的洛杉矶市长办公室的头等政治大事。具有讽刺意味的是，1992年的暴乱和1994年的地震使洛杉矶得到了联邦政府的大量拨款，使好莱坞的重整成为可能和必须。重建计划颇见成效，自1993年以来，犯罪率下降了21%，肮脏破败的街道焕然一新。许多地标建筑被重修，包括好莱坞大道6712号的埃及大剧院。年久失修、具有传奇色彩的电影宫殿。

埃尔·卡皮坦大剧院，也由迪斯尼公司出资重新装修，成为迪士尼在洛杉矶的橱窗影院，是全美票房最高的单银幕影院。还有其他几十个工程也都破土动工，包括新建的好莱坞娱乐博物馆和好莱坞历史博物馆。加上原有的好莱坞山上的好莱坞标志、好莱坞大门、3.5英里长的明星大道、中国大戏院门前的明星脚手印、好莱坞蜡像馆、好莱坞制片厂博物馆以及好莱坞纪念公墓等招牌景点，好莱坞每年仍吸引着上千万游人，在此消费约十亿美金。看来，金丝镇的辉煌大有卷土重来之势。

风景名胜

杜比剧院

杜比剧院位于美国加州好莱坞的好莱坞大道上，2001年11月9日启用，是奥斯卡金像奖颁奖礼的举行地点。直至2033年，奥斯卡都会在杜比剧院举行颁奖典礼。

杜比剧院，原名柯达剧院，2012年2月更名为“好莱坞高地中心，2012年5月更名为现名。

中国剧院

好莱坞最重要的景点之一就是位于好莱坞大道上的中国剧院，以知名明星的手印、脚印吸引各国游客到此一睹明星足迹。中国戏院在1927年5月开幕，以其中国式建筑的外观得名，69呎高的青铜色屋顶高入云霄，戏院内部也以中国艺术概念所设计。

比华利山

当年的名流巨贾离开好莱坞之后，大都搬到了比华利山，使之成为洛杉矶地区最豪华最富有的住宅区。

日落大道

日落大道一条商业街，它距离市中心1小时车程，位于Sunset出口和Fairfax大街附近。

这条街地处西好莱坞，时髦的服装店，饭馆及咖啡厅鳞次栉比。而一到晚上，这里又是另外一番景像，各种夜总会，迪厅吸引了成群结队的年轻人来到这繁华的霓虹灯下。在这条街，你能见到很多的好莱坞明星，但各个营业场所离得比较远，你有必要打的或借一辆车前往。

环球影城

位于洛杉矶市区西北郊，好莱坞是世界著名的影城，20世纪初，一些制片商开始在这里拍片，到1928年已形成了以派拉蒙等八大影片公司为首的强大阵容。三四十年代以来，好莱坞成为美国的一个 文化 中心，众多的作家、音乐家、影星就住在附近的贝弗利山上

星光大道

好莱坞星光大道(Hollywood Walk of Fame)是条沿着美国好莱坞好莱坞大道与藤街伸展的人行道，上面有2000多颗镶有好莱坞商会追敬名人姓名的星形奖章，以纪念他们对娱乐业的贡献。第一粒星于1960年2月9日颁赠予琼安·伍德沃德(Joanne Woodward)。截至2013年6月20日上面共有2500颗星。

野外剧场

建于1922年的这个圆形剧场位于好莱坞北端，是一个百色的演唱会专用场所，你经常都会在电视或电影看到这个圆形剧场，甲克虫乐队也曾在此演奏。

每年7月初到9月初这里有一个野外音乐会，由洛杉矶乐团和好莱坞野外剧场交响乐团共同演奏。到了周五和周六，你还可以在这尽情欣赏电影音乐，流行音乐以及爵士音乐等多种音乐的演出。

比华利山饭店

比华利山饭店是世界电影界最喜爱的聚会场所。饭店占地12英亩，沿着棕榈掩映的日落大道呈条状铺开，整个旅馆呈粉红色调，被业内称为“粉房子”，由豪华套间、舞厅、酒吧、咖啡厅以及高级别墅套房和各色园林所组成，整个设计是文艺复兴时代的风格。

派拉蒙电影城

卓越(派拉蒙)电影公司所拥有的好莱坞仅存的片场位于Melrose大街上。这里有为一般人提供的游览路线。这条路线需时两个小时，你无需预订门票，只要在Gower街上的入口处购得门票按指定时间进行参观即可。

公司

二十世纪福克斯：20th Century Fox Film Corporation (NewsCorporation)

华特迪斯尼公司：The Walt Disney Company (independent)

哥伦比亚：Columbia Pictures (隶属SONY)

狮门影业公司：Lions Gate Films(independent)

新线影业：New Line Cinema(隶属时代华纳)

派拉蒙电影公司：Paramount Pictures (隶属维亚康姆)

环球影片公司：Universal Pictures(隶属通用电气公司)

华纳兄弟：Warner Bros. Pictures(隶属时代华纳)

温斯坦公司：The Weinstein Company(MGM distributes films)

顶峰娱乐：Summit Entertainment

梦工厂：DreamWorks Pictures(被维亚康姆收购)

米拉麦克斯影业：Miramax Films(被华特迪斯尼公司收购)

米高梅：Metro-Goldwyn-Mayer (被索尼电影娱乐公司收购)

雷电华：RKO(Radio Keith Orpheum)

塞缪戈温电影公司：The Samuel Goldwyn Company

塞尔兹尼克国际影业公司：Selznick International Pictures

联艺：United Artists(被米高梅收购)

顶级品牌俱乐部

好莱坞不仅是影视娱乐明星工厂，也是全球时尚发源地，世界上众多商品是由于好莱坞的电影而成为奢侈品顶级品牌。好莱坞顶级品牌俱乐部HOLLYWOOD SUPER BRAND CLUB，是顶级品牌运营组织，是一个名副其实的全球顶级品牌俱乐部。

2 宝莱坞

宝莱坞的制片厂外景宝莱坞(Bollywood)是对位于印度孟买电影基地的印地语电影产业别称。宝莱坞时常被误解为所有的印度电影，而实际上，它只代表部分印度电影产业。宝莱坞是世界上最大的电影生产基地之一，拥有数亿观众。

印度人将“好莱坞”(Hollywood)打头的字母“H”换成了本国电影之都孟买(Bombay)的字头“B”，因而把“好莱坞”变成了“宝莱坞”(Bollywood)。

宝莱坞也被称作是“印地语(Hindi)的影院”，其实乌尔都语(Ur)诗歌在这里也相当常见，同时英语的对白和歌曲所占的成分也正在逐年增加。不少影片中的对白中都有 英语单词 短语 ，甚至整个 句子 。一些电影还被制成两种或三种语言的版本(使用不同语言的字幕，或者不同的音轨)。[1]

宝莱坞和印度 其它 几个主要影视基地泰米尔语- Kollywood，特鲁古语(Telugu)，孟加拉语(Bengali) - Tollywoord，坎拿达语(Kannada)和马拉亚拉姆语(Malayalam)等构成了印度的庞大电影业，每年出产的电影数量和售出的电影票数量居全世界第一。宝莱坞对印度以至整个印度次大陆，中东以及非洲和东南亚的一部分的流行文化都有重要的影响，并通过南亚的移民输出传播到整个世界。

影片类别

宝莱坞的电影通常是音乐片。几乎所有影片中都有 唱歌 跳舞的场面。印度的观众期望他们的花费物有所值，影片的表演者通常被称作"paisa vasool"，即“钱之所值”的意思。歌唱和舞蹈、三角恋爱、喜剧再加上超胆侠的惊险场面：一起混和在一部三个小时长的，包含一次幕间休息的，华丽铺张的表演之中。这些影片称作“masala”电影，以印地语代表混和香料的“masala”一词命名。如“masala”香料一样，这些电影实来是各种东西的混和体。

影片的情节多是通俗闹剧，里面有很多些公式化的成分，比如命运不佳的情侣，愤怒的父母亲，腐败的官员，绑匪，心怀阴谋的恶人，沦落风尘的善良女子，失散已久的亲人和被命运分开的兄弟姐妹，戏剧性的命运转折，还有方便的巧合。

当然也有些影片有着多些的艺术追求和复杂些的剧情(比如Satyajit Ray、Mrinal Sen、Guru Dutt、Shyam Benegal、Hrishikesh Mukherjee和Gulzar等人的电影)，但这些电影往往在票房不敌口味更大众化的电影。然而，宝莱坞正在转变。他们希望看到不同的印度电影。

应该指出的是，符合大众口味的电影中也有不少是有价值的，或者作为精雕细琢的娱乐片，或者以其自身的方式有着艺术上的成就。宝莱坞电影的任何一个影迷都能够列出一系列超过普通masala电影的影片来。

剽窃指控

受到制作周期短和预算少的限制，一些宝莱坞的作者从西方成功电影中直接借来情节甚至场景，一些作曲者也从西方电影乃至其他印度电影中抄袭音乐旋律。多数对西方电影的抄袭都不会受到惩罚，因为西方人对此基本上一无所知;而且，许多印度观众本身也不熟悉西方电影和曲调。宝莱坞电影中终究存在多少抄袭是个广受争议的问题。有些人说是零星存在，有些人说相当频繁。

奖项

印度银幕杂志Filmfare在1953年举办了第一届Filmfare奖(Filmfare Award)。该奖后来成为宝莱坞的奥斯卡奖。杂志的读者进行投票，最后的颁奖在一个众星云集的盛大仪式上进行。该奖与奥斯卡奖一样常被指责对影片商业成功的关注超过影片内涵。

其中受欢迎的一些奖项包括：

Zee Cine 奖

Star Screen 奖

星尘奖

这些奖项都有精心设置颁奖仪式，歌舞表演，有明星和崭露头角的新星参加。

以吸引海外的印度和外国观众。几次典礼分别在阿姆斯特丹、新加坡、英国和南非举行。

1973年以来，印度政府出资赞助了“国家电影奖”(National Film Awards)，由国家出资的电影节管理局(Directorate of Film Festivals - DFF)颁奖。DFF所面向的不光是宝莱坞电影，还包括其他地区的电影和独立电影/艺术电影。颁奖典礼由印度总统主持，所有人都因此而渴望获奖。

影响力

很多人说，宝莱坞的电影形式单一，内容自娱自乐。看一部觉得新鲜，看第二部就觉得雷同，只有印度人才会如此推崇不已。但是对全世界来说，宝莱坞就像印度最美丽的一张名片，展现了印度人独特的魅力。而今，印度的电影明星们在世界名流的圈子里风头日健，不少好莱坞明星开始往宝莱坞发展。宝莱坞明星的婚礼上，可以请到美国前总统克林顿夫妇和英国女王伊丽莎白;就连美国总统到访，还传出了宝莱坞第一美女没空见布什的消息，可见印度宝莱坞的影响力，越来越大了。

3 香港电影

香港电影(Hong Kong Film)是华语电影的先驱者。华语电影是分割成四个地方发展的：香港电影、大陆电影、新加坡电影和台湾电影。在1997年回归之前，香港已发展成为华语世界(包括海外华人社会)以至东亚电影的制作基地之一。几十年来，香港一直是电影工业基地之一和电影出口地之一，人们把它称做“东方好莱坞”。

起源

1 897年电影开始传入香港。

1898年开始有商业性电影放映。

1901年出现第一家电影院喜来园。

1909年，上海亚细亚影戏公司在香港拍摄了影片《偷烧鸭》。

1913年，黎民伟和美国人布罗斯基合办了香港第一家制片机构──华美影片公司，摄制了 故事 短片《庄子试妻》。

1923年，黎民伟又和他的兄弟等创办了香港第一家全部由香港人投资的制片机构──民新影片公司，

1925年上映了它拍摄的香港第一部长故事片《胭脂》。

电影制作

香港的纸片模式，专业分工、组织结构虽比中国内地、台湾地区完善，但较之好莱坞仍显得随意机动，工业化程度远不够严密有序。

第一，按照好莱坞的工业规则，电影一旦开机便需按部就班，不能随意更改剧本、变动进度。然而香港的电影导演，比如徐克、杜琪峰等，他们的拍摄 方法 却大不相同：在保证按时交片的前提下，现场即兴发挥、随拍随改、有时停工有时赶拍。这种做法恰恰是香港电影黄金时代最正常的作风习惯。

第二，香港尽管也有不少以导演强势创作著称的影片。

第三，香港电影素以拍摄迅速为特色。要说香港的拍摄速度有多快，1960年代，香港的粤语戏曲片就有“七日鲜”的纪录，到了上个世纪90年代这个纪录几乎被追平，吴镇宇导演的《9413》，只用了10天时间，而他主演的《古惑女》，也只用了12天。香港电影之所以要拍摄快，主要是为了赶档期，既赶明星的档期，更主要的是为了院线的上映档期，港片兴盛的时候，院线需要大量的港片填充各个档期，尤其是每年的 春节 贺岁档，更是必需有巨星坐镇。

香港电影的主要类别有武侠片/动作片/功夫片、喜剧片、警匪片、黑帮片、文艺片、鬼片、情色片等等。

电影节

香港电影金像奖

香港电影金紫荆奖

香港电影评论学会奖

亚洲电影节

香港国际电影节

亚洲电影大奖

现状

现在内地的观众普遍反映香港电影没有过去的好看，首先是演员就没有以前的那样吸引人。香港目前新生代的女明星没几个能独挑大梁，2015第34届金像奖最佳新人提名中，王菀之占了三个提名，可见香港电影新人演员已经到了匮乏的地步。这和过去张曼玉、林青霞、叶童、袁咏仪、王祖贤她们争芳斗艳的时代已经是天壤之别，好的女演员实在是太少了，拍一部电影都找不到什么好的女演员配戏。

男演员呢?香港电影众所周知是以动作片打天下，现在的男演员演戏好的还是有不少，可是能打的就很少了。目前已经不年轻的甄子丹仍然是一枝独秀，他的新作《叶问3》也已开机，但很明显，甄子丹之后就很难再找到动作新人。像洪金宝、成龙那样从小练功的武打演员，现在香港新生代明星中实在是太少了。毕竟洪金宝他们的年月，当时的父母还愿意把小孩送去学武，这在今天看来已是很稀罕的事情。极度缺乏巨星和人才，缺乏创意是香港电影面临的首要问题，如果香港电影想要再度辉煌，就必须有一大批新的电影人才给香港电影注入新的活力，就好像1979年发起的香港电影新浪潮运动一样，只有这样，香港电影才能起死回生。

现在香港电影一年当中都很难有30部电影开机，新演员就更难说出头，王家卫的《一代宗师》之所以能在金像奖上获得12项奖杯，也是因为竞争中太弱的缘故，如果是《一代宗师》放到1990年代，就很难拿下这么多奖杯了。

缺乏新人，缺乏新作，倚靠中国内地拍摄电影，香港电影其实已经融入了内地电影，以后逐渐就是中国电影了，香港电影和内地电影的区分越来越不明显。或许，香港电影不是走向了没落，而是走向了融合。

㈡ 世界著名的电影奖项有哪些

戛纳电影节（坎城电影节）金棕榈

戛纳国际电影节（英文：Cannes International Film Festival，法文：Festival De Cannes），亦译作坎城国际电影节，创立于1946年，是当今世界最具影响力、最顶尖的国际电影节，与威尼斯国际电影节、柏林国际电影节并称为欧洲三大国际电影节，也称世界三大国际电影节，最高奖是“金棕榈奖”。

威尼斯电影节金狮

威尼斯国际电影节（Venice International Film Festival），是每年8月至9月间于意大利威尼斯利多岛所举办的国际电影节，它与法国的戛纳国际电影节及德国的柏林国际电影节并称为欧洲三大国际电影节（世界三大电影节），最高奖项是金狮奖。威尼斯电影节创办于1932年，是世界上历史最悠久的电影节，即世界上第一个国际电影节，号称“国际电影节之父”。在电影黄金年代（30年代—60年代），威尼斯电影节是诸多电影大师的摇篮。

柏林电影节金熊

金熊奖是柏林国际电影节的最高荣誉，从1952年开始颁发。主要授予最佳故事片、纪录片、科教片、美术片等。金熊像雏形是女雕像家雷尼·辛特尼斯于1932年设计而成的，自1951年开始为获奖者颁发的的金银熊像，正是在她的原创基础上制作而成并一直沿用到1959年。从1961年开始，原先柏林熊抬起致意的右臂变为左臂，和其他各处那些欢迎来到柏林的大熊塑像一致起来。

商业电影节奥斯卡小金人

奥斯卡金像奖，正式名称是美国电影艺术与科学学院奖（Academy Awards，简称学院奖），世界著名电影奖项。奥斯卡金像奖是美国一项表彰电影业成就的年度奖项，旨在鼓励优秀电影的创作与发展，囊括了各种电影类型，有20多个不同的奖项，也是世界历史最悠久的媒体奖项，已成为全世界最具影响力的电影奖项。

拓展资料：

中国电影大奖

台湾电影金马奖

台湾电影金马奖（Golden Horse Award）创办于1962年，是台湾地区举办的电影奖项，为了促进台湾地区电影制作事业和表扬对华语电影文化有杰出贡献的电影人而设立。金马奖每年举办一届，1964年与1976年曾停办。金马奖是台湾为促进华语片制作事业，对优良华语片以及优秀电影工作者所提供的一项竞赛奖励，奖励了许多优良华语影片及优秀的电影工作者，成为华语影片制作事业最崇高的荣誉指标，对华人电影事业，有很大的帮助和鼓励。金马奖至今已举办五十四届，参赛作者主要是华语发音或华人制作的影片。

香港电影金像奖

香港电影金像奖（Hong Kong Film Awards，HKFA）是香港及大中华电影界最重要的奖项之一，创立于1982年，每年由香港电影金像奖协会组织与颁发，旨在鼓励优秀香港电影的创作与发展的奖项，是香港电影业界年度最重要的活动，一般于每年4月中旬在香港文化中心大剧院举行颁奖典礼，颁发包括最佳电影、最佳导演、最佳男女主角在内的21个奖项。香港电影金像奖与中国电影金鸡奖、台湾电影金马奖并称“华语三大电影奖”。

中国电影华表奖

中国电影华表奖简称华表奖，全称：政府优秀影片奖，创办于1994年，由国家新闻出版广播电影电视总局主办，是中国（内地）电影界的政府奖，体现党和国家对电影事业的热情鼓励和大力扶持。与中国电影金鸡奖、大众电影百花奖并称中国电影三大奖。华表奖奖杯采用的是北京天安门城楼前的华表造型，每年由国家新闻出版广播电影电视总局对前两年度完成的各华语影片进行评选。2009年起加设优秀境外华裔演员、导演奖，以鼓励港澳籍电影人。

大众电影百花奖

大众电影百花奖创办于1962年，由中国电影家协会和中国文联联合主办，由周恩来总理发起的电影大奖。百花奖代表观众对电影的看法和评价，并由观众投票产生奖项，因此又被称为“观众奖”。百花奖之所以用“百花”命名是为了体现“百花齐放、百家争鸣”的文艺方针，奖杯为铜质镀金花神。百花奖也是中国历史最为悠久和最有群众基础的电影大奖。大众电影百花奖与中国电影华表奖、中国电影金鸡奖并称中国电影三大奖。自2005年起，金鸡奖与百花奖隔年评选一次，合称金鸡百花电影节。

中国电影金鸡奖

中国电影金鸡奖于1981年创办，是中国大陆电影界权威、专业的电影奖，由中国电影家协会和中国文学艺术界联合会联合主办，因当年属中国农历鸡年，故取名中国电影金鸡奖。金鸡奖评奖委员会是由中国最具权威的导演艺术家、表演艺术家、电影剧作家、摄影家、音乐家、美术家，以及电影理论家、教育家、事业家共同组成，因此又被称为“专家奖”。2015年，金鸡奖全新开放政策，凡是在大陆取得龙标（上映许可证）的华语电影都可以参加金鸡奖评选，不再具有地域保护。

戛纳电影节

㈢ 世界电影流派的划分

电影流派，指电影根据独特风格而进行分类的派别。自二十世纪二十年代开始形成，具有较大影响的电影流派大致有五种：

早期现代主义——欧洲先锋派电影；

苏联电影学派——诗电影与散文电影；

好莱坞商业电影——类型电影；

意大利新现实主义电影；

法国新浪潮电影与近期现代主义流派等。

(3)世界三大电影制作的扩展阅读：

世界电影流派的分类：

表现主义

德国表现主义Expressionism。表现主义(Expressionism)此字原为艺术史与批评的专用语，意指不再把自然视为艺术的首要目地，以线条、形体和色彩来表现情绪与感觉作为艺术的唯一目地。

表现主义电影则发源于1920年的德国，此种电影中的演员、物体与布景设计都用来传达情绪与心理状态，不重视原来的物象意义。《卡里加利博士的小屋》(1919)即以运用这种手法而闻名。

之后德国表现主义的风格影响到默片时代的一些好莱坞电影与1940年代的黑色电影，其它如希区柯克与奥森．威尔斯亦受表现主义的影响。

形式主义

形式主义Formalism。文学、艺术或戏剧中专强调形式与技巧而不强调题材的表现手法。起源于1915年的俄国，因为莫斯科语言学圈及诗语言学会的成立，反对俄国革命前处理叙述材料的传统方式，转而重视艺术语言形式的重要性，逐步影响到当时的各艺术领域。

在电影表现或分析上，形式主义强调不同形式的运用可以改变材料的内涵，剪接、绘画性构图与声画元素的安排都是形式主义电影工作者的兴趣所在，如1920年代的普多夫金、爱森斯坦等均是此种主义的支持者。

1930年代中期遭斯大林主义的压迫而停止在俄罗斯的发展，但对后来的结构主义与符号学有很大影响。

印象主义

印象主义Impressionism。1920年代法国的电影创作者路易．狄吕克团结一批有才气的导演，如亚伯．冈斯、哲敏．杜拉克等与一些在商业电影上已取得成究的电影导演，想在影片公司老板出于商业考量而拍摄的影片中进行改革，以提升在一次世界大战后日渐衰微的法国电影。

但其努力没有得到制片们支持，1924年狄吕克死后运动即告失败。一些人走向商业片，另一部份则走向前卫派道路。

由于狄吕克的一些理论与创作概念与后来法国前卫电影运动有紧密联系，所以印像派电影大都被认为是前卫电影的前奏或直接归入前卫电影。重要作品有冈斯的《车轮》(1922)、狄吕克的《狂热》(1921)杜拉克的《西班牙节日》(1919)等。

超现实主义

超现实主义Surrealist film。1920年兴起于法国，主要是将意象做特异的、不合逻辑的安排，以表现人类潜意识的种种状态。

路易斯．布纽尔的《安达鲁之犬》可以算是早期超现实主义电影的经典作品。

而超现实主义电影的兴起旨在反抗写实主义与传统艺术，领导人安德烈．布列东的一篇宣言中提到：「一种纯粹的心灵自动作用，在此作用之下，试著以语言、文字或其它任何方式，来表现思想真正的运作情形。」

后来超现实主义成为实验电影与地下电影的重要源头，如美国的玛雅．黛伦与肯尼斯．安格。商业电影中超现实主义并不是主要派别，只出现在个别导演的电影中，如伍迪．艾伦。

新写实主义

新写实主义Neorealism。二次世界大战后在意大利兴起的一个电影运动。主要代表人物有罗贝多．罗赛里尼、狄西嘉、鲁奇诺．维斯康堤等。

这类的电影大主题大都围绕在大战前后，意大利的本土问题，主张以冷静的写实手法呈现中下阶层的生活。

在形式上，大部份的新写实主义电影大量采用实景拍摄与自然光，运用非职业演员表演与讲究自然的生活细节描写，相较于战前的封闭与伪装，新写实主义电影反而比较像纪录片，带有不加粉饰的真实感。

不过新写实主义电影在国外获得较多的注意，在意大利本土反而没有什么特别反应，1950年代后，国内的诸多社会问题，因为经济复苏已获抒解，加上主管当局的有意消弭，新写实主义的热潮于是慢慢消退。 《天堂电影院》是其代表影片。

法国新浪潮

法国新浪潮New Wave。原本是没有严格界定的新闻性用语，指1958与1959年间一批法国新导演所拍摄的格调清新，频频获奖的首部作品。后则被广泛运用，概括了法国1950年代末、1960年代初期的新电影制作与创作倾向。

这些新导演有很多都是《电影笔记》杂志的影评人，如高达、楚浮、夏布洛、侯麦、李维特等。他们崇尚个人独创性，表现出对传统电影的高度自觉，并用其作品体现「作者论」的风格主张，不论是题材还是技法都与传统电影大相迳庭。

混合利用传统电影类型与好莱坞导演风格，来实验剪接与结构上的新形式。由于重视拍摄的自由度，往往只凭纲要性的脚本拍摄，喜欢即兴与自发的拍摄方式。而其主题上则带有存在主义的色彩，如亚伦．雷奈的，《广岛之恋》与高达的《断了气》均是这类影片。

新浪潮这个词自从1950年代末至1960年代初与法国结缘后，常被拿来形容其他国家新兴的电影制作活动和电影复兴现象。如捷克、匈牙利的新电影，1960年代的波兰与1970年代的德国新电影。

㈣ 介绍一下世界三次电影运动。

第一次电影运动：欧洲先锋派电影运动 （1917年----1928年）

一、法国印象主义派（1917---1928）第一个先锋派

中心人物：路易.德吕克 创作了《西班牙的节目》《流浪女》1922 发表《上镜头性》

代表人物：谢尔曼.杜拉克《西班牙的节目》1919 《微小的布德夫人》1923

马塞尔.莱皮埃《黄金国》1921 阿贝尔.冈斯《车轮》1923 让.埃普斯坦《忠诚的心》1923

主要贡献：

1、开掘题材拓展电影心理叙事的表现，作品题材选择适合描写人物心理活动的。

2、追求自然物象与人物心理和精神的对应，依据自然景象的瞬息变化的客观事实给艺术家的印象。

3、确立新的摄影技巧以适应人物心理和精神视觉表现

4、强调视觉节奏的表现与节奏剪辑的重要性，内部和外部节奏。

二、超现实倾向的各种流派：

纯电影美学试验：

1、法国立体主义流派：费尔南.莱谢尔《机器的舞蹈》强调图形形状的匹配和节奏性剪辑

2、抽象主义流派：亨利.希美特《纯电影的5分钟》

达达主义无理性的电影试验：

曼.雷伊《回到理性》第一部作品 雷内.克莱尔《幕间休息》充满幻想，又荒诞的达达主义，共同反理性的艺术主张。失去了现实性而变为了超现实性的。

超现实主义电影的绝对现实：

达达主义的超现实性美学追求最终导致了超现实主义电影的产生。是许多先锋派的最终归宿

谢尔曼.杜拉克《贝壳与僧侣》1927 刘易士.布努艾尔《珍珠项链》1929 《一条安达鲁狗》超现实主义的代表作品 曼.雷伊《海之星》1929

三、德国表现主义：1919---1924 受到先锋主义的影响

表现主义受到后印象主义的影响 代表作品 罗伯特.维内《卡里加利博士》表现主义造型风格，布景和背景情调一致，人物造型与布景一致，光线阴影，视觉造型为表现主义特征

《吸血鬼诺斯费拉杜》《三生记》《泥人哥连》

现实主义倾向：

室内剧：卡尔.梅育《最卑贱的人》编剧《卡里加利博士》编剧之一

利用布景，主题和环境发生变化，但还是无情的命运，不用表现主义而用现实主义的方式表现

街头电影：现实主义创作态度 利用布景 感兴趣的是社会环境而不是心理状态。

四、前苏联的蒙太奇学派：与共产主义社会主义与阶级并行，社会与经济

受到未来主义和构成主义的影响。

1、 库里肖夫“实验工作室”普多夫金操作。莫兹尤辛德三个没有表情的特写镜头

2、 维尔托夫的“电影眼睛派”拍记录片，反对剧本，演员，摄影棚。但用改变运动速度和奇特摄影角度来观察生活，进行选择的记录，非现实主义的态度。蒙太奇的并列和配合。

3、 柯静采夫和塔拉乌别尔格的“奇异演员养成所”

4、 爱森斯坦的理论与创作： 《战舰波将金号》1925 敖德萨阶梯

杂耍蒙太奇 后来创作了理性蒙太奇（夸大蒙太奇作用，被否定） 建立蒙太奇理论

5、 普多夫金的蒙太奇叙事：《母亲》 《圣彼得堡的末日》 《成吉思汗的后代》

强调剧本创作；强调演员的基础作用；（与库里肖夫的“电影模特儿”与爱森斯坦的“类型演员区分开来。）蒙太奇作为电影艺术创作的基础，创立联想蒙太奇。

普多夫金强调镜头的组接，分镜头突出细节的重要性。而爱森斯坦则强调蒙太奇的冲突。

五、记录主义电影的发展

1、维尔托夫的“电影眼睛派”机械主义的记录本性出发。实景拍摄，偷拍，抢拍。后来法国新浪潮运动受其影响创造出记录片和故事片结合的样式。

2、德国抽象派华尔特.鲁特曼《柏林交响曲》1927 受到维尔托夫的影响。

3、20年代末法国先锋派几乎成了记录主义派。阿尔贝托《只有时间》1929 让.维果《尼斯现象》 让.班勒维《章鱼》《海蜇》《水甲虫》将水中的动物用几何图形拍出来，如康定斯基和毕加索的画。

4、尤里斯.伊文思 《雨》

5、英国 约翰.格里尔逊《飘往渔船》

6、罗伯特.弗拉哈迪 《北方的纳努克》演员与记录片形式。

7、德国的场面调度，法国的摄影和苏联的蒙太奇剪辑，拍了法国影片《圣女贞德的受难》默片的结束。

第二次先锋运动意大利新现实主义运动 二次世界大战以后

代表作品：

罗西利尼 ： 新现实主义与战争关系《罗马不设防的城市》 《游击队》 《德意志零年》《欧洲51年》 《意大利万岁》

维斯康蒂： 以《沉沦》获得新现实主义之父的称号。 《大地在波动》现实主义和唯美主义结合，但后来《受难的人们》《威尼斯之死》则完全追求唯美主义了。

德.西卡： 与柴伐蒂尼的合作（杰出的剧作家）《偷自行车的人》最具有代表新现实主义作品。 《孩子们注视着我们》《擦鞋童》 使用非正式演员的自由风格。

德.桑迪斯：《罗马十一时》将新现实主义推向另一个高峰。使用摄影棚和正式演员与非正式演员混用，与罗西里尼《罗马不设防的城市》部分相同。

新现实主义的美学特征：1、记录性 2、实景拍摄 3、长镜头的运用 4、关于非职业演员的运用 5、结构形式（追求简单朴实的结构） 6、地方方言的运用

新现实主义的继承：脱离现实主义

费里尼：追求浪漫主义《道路》《卡比利亚之夜》《八部半》最具个性化的作品。剪辑空间跳跃。

安东尼奥尼：模糊现实，强调主人公的主观感知。《奇遇》《放大》《红色沙漠》有非现实超现实的色彩。自然色彩随心理的变化。

第三次电影运动：法国“新浪潮”与“左岸派”五六十年代

新浪潮---作者电影

1958年诞生,特吕弗《淘气鬼》夏布洛尔《漂亮的塞尔琪》

1959年幸福年，特吕弗《胡作非为》 1960年高峰 1961年没落年。除戈达尔《如此生活》

“新浪潮”巴赞推崇为精神之父。一、电影是现实的渐进线。 二、场面调度的理论。

创作特征：

与意大利新现实主义有共同的东西，但是新浪潮有强烈的个人色彩，而新现实主义则是有重大的社会性。

主题：非政治的电影；否定传统的道德观念

摄影方法：侧重电影的照相性，侧重画面的新鲜感，拒绝功能主义或学究式的画面。

音响：大量的自然音响，真实感

剪辑：长度、节奏。快速剪辑，镜头之间之间衔接。时空跳接。长镜头的使用增加真实感。

从新浪潮后，特吕弗和夏布洛克的长镜头，戈达尔的跳接与快速剪辑。

表演：非职业演员，不知名的演员。

总之对传统的电影语法毫不在意。

左岸派----作家电影

代表作品：

阿伦.雷乃《广岛之恋》《去年在马里昂巴德》1961 亨利.高尔比《长别离》1961

阿兰.罗伯-格里叶《横跨欧洲的特别快车》玛格丽特.杜尔《音乐》1966《黄太阳》1970

侧重内心的描写。他们是文学和戏剧的革新派。

受到影响：

1、 接受了弗洛伊德的性心理学和潜意识学说的影响，表现人的真实。

2、 接受了萨特的“存在主义”的影响，表现人与人，人与社会，人与人之间的关系。

3、 伯格森“真觉主义”影响，强调非理性感受进入意识深处，强调知觉认识社会。

4、 受到布莱希特的影响，对现实进行曲折的表现，以沟通内心的幻想。

主要的特征：

主题：偏爱回忆，遗忘，记忆，试图把人的这种精神过程搬上银幕；描写人的责任性和自罪心，记忆总与历史事件相关。《广岛之恋》中。

导演：从记录式的现实主义然后再转向纯精神的现实主义中去。

剪辑：最重要的美学革命。《去年在马里昂巴德》百分之七十效果来自剪辑。其一，取消传统电影的间歇法，如化入化除，取消过渡镜头，用跳接对时空，事件的人为压缩；其二，镜头位置的颠倒；其三、镜头的并列运用，先后不衔接甚至对立；其四、循环剪辑，有意识的重复。

音响：左岸派导演比新浪潮修养更高，所以对音乐和音响的细节考虑比较多。

表演：舞台演员充当，有意识拉开人与人的距离，采用间离效果。

摄影：没有统一的风格，但不用谷达尔的肩扛式。讲究画面构图和布光，特别是雷乃得推镜头别具特色。

两者的区别：

1、 成分看：新浪潮制作者大都是巴赞《电影杂志》的评论员，由自己走上影坛。左岸派则是左翼作家团体的文人。所以修养要比新浪潮高。

2、 时间看：新浪潮始于50年代末期，左岸派要比它的导演早，雷乃1948年就开始。

3、 年龄上：新浪潮小伙子，而左岸派则是中年了，所以经历与阅历要比前者高

4、 主题和手法：新浪潮有强烈的个人传记色彩，而左岸派则是普遍意义的全人类性质的主题，作者电影多采用第一人称，而作家电影多采用第二，第三人称，甚至混乱人称。而且有强烈的文学，戏剧色彩有艺术的假定性远远超过新浪潮。

5、 拍摄地点：前不反映重大历史，所以多在巴黎，而后者在全世界拍摄。

6、 美学追求：新浪潮向生活靠拢，向真实深入，而左岸派感兴趣的是人的精神活动，人的思想，人的内心。

7、 制作周期：新浪潮以潦草的，半即兴的拍摄，所以周期短，而左岸派则以仔细着摸得方式，周期较长。

8、 影片通过检查：前者内容简单，不涉及政治，因此一般顺利通过（除了戈达尔《小兵士》）

但后者由于背景较为复杂，所以要遇到麻烦。

左岸派采取鲜明的立场直接干预生活，把赤裸裸的社会现状搬上银幕，触发观众的的情感与选择，所以左岸派是五六十年代的先锋派。

四、法国诗意现实主义 三十年代

法国诗意现实主义的先驱：初期 30年代

雷内.克莱尔：（梦幻的）有声电影的初期《巴黎屋檐下》1930《百万法郎》1932 《七月十四日》1933 四部曲。 《自由属于我们》是这时期最优秀的作品，喜剧风格影响了卓别林《摩登时代》传送带这场戏。

让.维果：（唯美的）《零分操作》1932 《驳船阿塔朗特号》1934

诗意现实主义的发展：高峰 1934---1939 黑色现实主义，揭露社会黑暗

雅克.费戴尔：《大赌博》一个演员配两个角色。《米摩沙公寓》1935 《英勇和狂欢节》1936

叙利恩.杜威维尔：《大卫高尔德》1930 《西班牙殖民地集团》1935 《同心协力》1936

马塞尔.卡尔内：（悲观的）《珍妮》《雾码头》《北方旅店》《太阳升起》《夜间来客》《天国的子女们》

让.雷诺阿：（写实主义大师）《堕胎》《母狗》《布杜落水遇救记》《托尼》与爱森斯坦合作编剧，景深镜头的使用。独立制片的开始。

《大幻灭》和平主义的作品。淡化情节，使作品趋于记录，形成了写实主义风格。声音处理一、四种语言的混合运用；二、影片中的语言和对话同时表明着不同人的身份。三、音乐的处理，主导影片的动机。

《游戏规则》死亡的价值。移动摄影，以及深焦镜头。

诗意现实主义的后期 1939后

让.格里米庸：《为了一分钱的爱情》《皇家华尔兹》《奇怪的威尔多先生》《驳船》《天空属于你们》

雅克.贝盖尔：《古比红手》《安东和安东奈特》《金盔》《阿里巴巴和四十大盗》

诗意现实主义的贡献：

1、 更新现实的观念。最奇特，最具特色的方面。

2、 景深镜头的运用与确立，他的实践为巴赞的“场面调度”的理论得到了证实，景深镜头的运用，对于“电影本体论”的发展影响很大。

3、 发挥电影中文学的力量。

误识：

1、 忽视电影艺术的视听性。

2、 艺术群体对个体的冲击。

㈤ 我国成为世界第三大电影生产国是在哪一年

我国成为世界第三大电影生产国是在2010年.中华人民共和国国务院新闻办公室官网发文：2010广电蓝皮书发布中国成全球第三大电影生产国。电影产量增加，全年故事片产量达到456部，从而跻身全球第三大电影产量大国。所以我国成为世界第三大电影生产国是在2010年。广电蓝皮书是中国广电唯一政府背景的蓝皮书。

㈥ 世界三大电影制作基地是哪里

1、好莱坞，位于美国洛杉矶市，对于一个喜欢看电影的人来说的，这无疑是个知名的地点，每年从里面走出来的大片数不胜数，像是奥斯卡影奖的影片，也大多数出自好莱坞，对于大多数的电影演员来说，好莱坞就是他们的圣地，能从里面脱颖而出，演员生涯就是成功了。

2、宝莱坞位于印度孟买，每年产出的电影数量和售票数量都数一数二的，如今宝莱坞发展是十分迅速的，不仅仅在数量上，在质量上的提升也是让全球人民都在有目共睹的，从前的宝莱坞拍的大多都是歌舞剧类型，但是现在的类型也越来越多，像是动作片，枪战，黑帮之类的扩大了宝莱坞的市场。

3、中国的横店影视城，是全球最大的影视拍摄基地了，每年从这产出的电影电视剧数量着实不少，在横店有一句话是这样的，导演只要带好几个必要的主演，其他的都能给你配齐，由此可见，横店有多厉害了！

(6)世界三大电影制作的扩展阅读

模式影响

从1996年初建到2013年，17年，横店影视城有了一个名号——“中国好莱坞”。一个小乡村，以工业起步并致富，但却因一个副业闻名全国，这个奇迹还一路被众人见证。奇迹背后，业内人认为是“横店模式”让其有了不同凡响的规模。

横店影视城现已有广州街、香港街、秦王宫、清明上河图、明清宫苑、梦幻谷等18处影视拍摄基地。在这些基地里已拍摄了如《鸦片战争》、《英雄》（电影版、美剧版）、《无极》、《雍正王朝》、《画皮》（电影版电视版）、《西游降魔篇》等1200多部影视剧。也因此，横店被业内人士称作“中国好莱坞”。

资料显示，从1996年初建到2013年的17年里，横店集团开辟荒山32742.48亩，其中，2005年为纪念中国工农红军长征胜利七十周年而兴建的红军长征博览城的垦荒面积达到9000亩。新项目投资15亿的上海滩基地也正在紧张建设中。

㈦ 什么是电影流派世界三大电影流派及其特点

这三个流派指的是意大利新现实主义流派，法国新浪潮流派和新德国电影运动流派。三个流派不是并行而是相继出现在电影史上的，时间相差大约十年左右。由于国家和时代不同这三大流派都有自己与众不同的特点。
但其思想倾向和理论主旨都是一样的，那就是求“真”，因为三大流派产生的初衷都是为了反对好莱坞那种虚伪、豪华、理想化的拍片方式。他们求“真”的方式就是刻画内心、表现人生、多用长镜头等。但使用这些方式时，各流派之间的标准是不同的，因为他们对“真”的理解是一个发展的过程。

㈧ 20世纪30年代三大影片公司主要指

20世纪30年代三大影片公司主要指的是天一影片公司、联华影业公司、明星影片公司。

1、天一影片公司

天一影片公司是中国电影制片机构，由邵氏兄弟(邵醉翁、邵邨人、邵仁枚、邵逸夫）于1925年6月在上海虹口横浜桥成立，专门从事影片的摄制与发行。

邵醉翁任总经理兼导演，二弟邵邨人负责制片兼编剧。三弟邵仁枚、六弟邵逸夫负责去新加坡、马来亚开拓南洋市场。

2、联华影业公司

联华影业公司是1930年由罗明佑主持合并华北电影公司、民新影片公司、大中华百合影片公司和上海影戏公司等多家公司而成立的。

联华公司成立后，借鉴好莱坞的制片管理经验，采取独立制片的管理方式，即内部各厂自筹拍摄电影，激发了合作各方的积极性。随着日军入侵，公司开始摄制抗日题材的影片。

后来联华公司开始在有声电影的制作上与欧美一争长短，于是加大投入，订购收音机，培训有声片制作人。1935年，其发行的《渔光曲》在莫斯科国际电影博览会上获得荣誉奖，成为首部在国际上获奖的中国电影。

3、明星影片公司

1922年3月中旬，张石川在上海贵州路上创立明星影片股份有限公司，是中国电影史上最重要的制片公司之一。1923年其制作的《孤儿救祖记》在商业和艺术上的成功，奠定了明星公司的基础，标志着国产影片至此开始逐渐走入正轨。

1936年的明星公司已经居中国电影工业之翘楚。以较快时间内拍摄了《狂流》﹑《春蚕》﹑ 等一批以反帝反封建为主题的影片﹐成为左翼电影运动的基本阵地。

中国电影产业最初的发展：

中国电影第一个产业时期是1922年—1937年。在世界电影诞生的第二年，1896年电影现身于上海开始，中国本土的电影业便从商业放映起步了。

在经过蹒跚学步的萌芽期之后，到上世纪20年代，已经开始向私营化的产业发展，当时社会的资本环境与行业内的准备日渐成熟，民族工商业获得了空前的机遇得以迅猛发展，个人/社会资本，更准确地说是“游资”的逐渐充盈，使得很多资本家们投资的目标开始瞄准电影这一新兴行业。

在这个行业里，人才和技术上的储备正在丰满，张石川、郑正秋、罗明佑、黎民伟和后来的邵氏兄弟等一批电影人都是从摇篮期走过来的先驱者，他们各自不同程度地涉猎了电影行当中创作、制片甚至发行、放映几个方面，所积攒下来的经验使之成为上世纪二三十年代的电影中坚。

在技术上，初期设备使用和摄制过程都要依靠外国技术人员，但有了像罗永祥、董克毅、吴蔚云等最早的一批技术人才的加盟，这一局面很快就被打破。

具备了上述条件，以1922年明星公司成立为标志，电影公司迅速增长，到1924—1926年达到了高峰，据统计中国共开设有175家电影公司，仅上海一地就有141家。

以上内容参考：网络-中国电影史

㈨ 世界三大影视制作中心

全球影视工业的格局现状
1、全球影视工业中心：美国好莱坞
2、第二梯队：亚洲的印度宝莱坞，欧洲的法国（因为有欧罗巴的存在，姑且列入，呵呵）；
3、第三梯队：亚洲的韩国日本（这两此起彼伏，这几年韩国比较繁荣），非洲的尼日利亚尼莱坞
4、其他：中国，英国，德国，泰国（很抱歉，泰国这几年都要比中国猛），伊朗，俄罗斯，可以列出很多来，中国就是在这一大堆中间。