电影如何表达不安

⑴ 如何给《午夜巴黎》这部电影予以正确的解读

美国导演伍迪·艾伦因拍摄多部口碑及票房极佳的喜剧片被众人所周知，他的电影充满艺术感，把现实生活与电影艺术相结合，刻画人物真情实感的同时还能顾及美感。伍迪·艾伦导演通过普通人真实浪漫的生活反映内心的矛盾感，是喜剧电影中不可忽略的新锐力量。

2011年上映的电影《午夜巴黎》是伍迪·艾伦自编自导的电影，是喜剧与奇幻交织相辅的剧作结构。影片对于生活的哲理，内心的矛盾与不安，以独具匠心的表现形式呈现在观影者面前，激起观影者内心层层波澜。伍迪·艾伦也凭借这部电影成功斩获第84届奥斯卡金像奖的最佳原创剧本奖，在豆瓣赢得8.2超高分。

观影后我看了很多影评，发现大多人是从“故事内容”和“成长历程”两个方面进行解读，然而这部影片的最大价值并不凸显在此处。

所以今天我将从影片的表现手法，电影主题和情感表达方式等多角度挖掘本影片的独特魅力。最后在第三部分，我会结合自己对电影的思考谈谈关于现实生活的几点建议。

③每个时代都有自己的浪漫，与其追逐，不如发现。

吉尔和阿娜意外穿越到19世纪的巴黎，而这里正是阿娜所向往的时代，她决定留在这里，不再回到自己的年代。吉尔看到阿娜的决定，逐渐放下自己的天真，开始反思自己是否真的做错了。他开始修改自己的小说，最后连海明威也夸赞他的小说，这其实意味着吉尔真正可以面对属于自己的时代，脱离曾经束缚自己的事物。

在我看来，每个时代都有自己的浪漫，而吉尔在其中找到了属于自己的浪漫。终其一生，都有很多快乐时光，比如找到一份好工作，找到爱你的伴侣，经济物质充裕，这些快乐都是我们能够追逐到的美好，与其生活在获取的时代，不如发现未来属于你的成就和浪漫。

因为，一旦你真心实意的感受到时代的乐趣，你会全身心沉浸于其中，快乐也终将越来越多。就像王小波说：“我们拥有今生今世是不够的，还需要一个诗意的世界”，而这个世界，就是当下的世界。

总结一下：

观看完《午夜巴黎》，既让人感叹艺术如此神奇，同时又引发观影者对于人生的价值沉思。也许我们每个人都存在隐形的“现实世界”和“完美世界”，但如何将这两种关系进行自我肯定，自我升华才是真正的要点，这也是这部电影的独特魅力所在。它带给我们思考与追问，也告诫我们只有在不断的困境中进步，才能离答案更进一步。

⑵ 电影的情感表达手法方式

这有很多方面啊，可以从屏幕的宽窄，布景，剪辑，镜头的类型，是否违背摄影基本规则，场景的光线，色彩的调度，舞蹈，音乐等角度出发，更直白的就是剧本和演员。比较深刻一点的电影都常会使用象征意义的手法，从观众的第一直觉入手，不过那种电影导演的个人感情色彩都会太浓重了，票房不会很棒，而且很多地方只有刻意去看的人才能看懂象征意义。举几个例子。比如，违背了摄影180度鸟瞰的规则会加重了场景的混乱感以及观众的焦虑，在混乱或痛苦的场景里加上轻快的音乐，会使镜头缺乏真实感，用俯视的镜头会显得主角无害又渺小，相反的，仰视的镜头则会突出人物的高大威猛，为了刻画和突出人物形象，有些导演不会让观众看到主角做出某些可能会破坏主角在观众心中的形象的事，而采取暗示或象征的手法，这样便保存了电影的完整性。等等我就不说了。
我想楼主问的应该是古典主义的电影吧，现实主义的电影基本没有情感，而形式主义的主题蒙太奇又过于个人化。我觉得古典主义电影要表达的情感就像初中生学的课文的中心思想一样，简单直白，但拍电影就是个复杂的工程了。好导演应该就能拍出好电影吧。我是这么想的。

我好像有点跑了。
我没看过哈姆雷特，只看过简介。

⑶ 摄影师必看的十部电影

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是惊心动魄的视觉效果。那么，摄影师选择电影的基本条件和原因究竟是什么呢？首先，最重要的是用光的角度和环境。其次是场景的选择。为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。

这些电影大多可以买到正版的DVD，但也有些有些极其罕见，这也显示出它们的珍贵。

1. Baraka（天地玄黄）

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。

这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。

据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。共耗费四百万美元。对于这部无需支付演员的高额出场费的电影来说，投资是相当可观的。如此高投入的另一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

Baraka中的场景，是任何一个摄影师都梦寐以求的。前一分钟你还在为短尾猿那极似人类的脸而浮想联翩，后一分钟就来到了日本积雪的富士山；来不及细味印度恒河边的火葬仪式，又在叙利亚寺庙前徘徊驻足。这是一部值得一看再看的电影，因为其中的内容如此丰富，浮光掠影的浏览根本无法完全吸收。

除了风景之外，导演还利用电脑程控技术，拍摄了大量延时镜头，以反映曼哈顿和东京街头的繁忙场景。这固然是动态影片的特点，但是静态照片摄影师能不能考虑使用延时曝光效果来表达一些忙碌的景象呢？

随这部电影上市的还有一本精美的画册，详细的记录了电影拍摄的种种有趣的经历。同时附有大量的彩色和黑白照片。

电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是

如果非要说这部电影有什么不足的话，它的创意和拍摄手法似乎和1983年的一部名为《Koyaanisqatsi》的电影颇为雷同。有意思的是，《Koyaanisqatsi》的导演和摄像也是这位Ron Fricke。

正如这部电影颇为怪诞的片名一样，这是一部献给所有懂得，并愿意欣赏视觉艺术的人士的杰作。

2. Barry Lyndon（乱世儿女）

电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是

在看这部电影之前，先请教各位一个问题：那就是：谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的21世纪，这样的东西恐怕也无处寻觅吧。或许，全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那一块。

这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，不知为什么流落到了库布里克手中。他将这块镜头稍加改装后，安装到了摄象机上。f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，而没有任何其它的人造光源。

有了这样的拍摄利器，这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。但是值得注意的是，影片有意识的采用大量的“中心构图”，尤其在室内场景中，总是用柱子、门窗、桌椅等物品标明画面的中心点，而那里也正是即将展开的场景的中心，是摄影机想要引导观众关注的中心。从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影讲述的是18世纪的欧洲，当时英普同盟和法奥俄同盟正打得不可开交。一文不名的爱尔兰无赖、穷小子Barry，由于机缘巧合，结识了一个富有的寡妇，并藉此挤入了上流社会。但他为了追求贵族爵位而和勋爵决斗，最后被驱逐出英国。或许这部电影该译作《欧洲版鹿鼎记》更合适。

在这部电影中，主角Barry Lyndon的扮演者Ryan O'Neal很好的把握了小无赖自由自在，毫无道德压力的心情。他本人和这部电影也获得了最佳电影艺术学员奖，最佳艺术导演奖，不列颠最佳电影奖等一系列奖项。在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。

3. The Conformist（顺从者）

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影可说是大导演Bernardo Bertolucci的扬名立万之作。虽然情节编排没有选用传统的“开始——经过——结尾”模式，但是，摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。虽然拍摄于35年以前，但是，今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，那就是：跳出陈旧的框框，创造自己的风格。

这位来自帕尔马的Bertolucci导演，后来拍摄了家喻户晓的《末代皇帝》，自己也拿到了当年的奥斯卡最佳导演奖。他的其他作品还有《遮蔽天空》，《巴黎的最后探戈》等等。

4. Day of Heaven（梦断情天）

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。在这些时间，微弱，温暖的日光使物体显得分外美丽。但是对于电影摄像师来说，常常由于剧情和资金预算的限制，而无法选择“魔幻时刻”。很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。

唯一的特例是这部拍摄于1978年的《梦断情天》。这部电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。导演马利克难得的聘请到了当时的两大著名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。

总之，这部电影的情节甚为离奇，也多少经不起推敲。但是，无法掩饰的是它杰出的视觉效果。以下是Nestor Almendros在电影杀青后的感想：

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

“马利克告诉我，他要拍摄一部注重视觉效果的电影，通过视觉效果讲述故事。很多人并没有意识到视觉效果的重要性，许多导演也把更多的精力放在演员上。但是，这是一部用视觉效果说话的电影。这部电影讲述的是电发明之前的事，没有电灯，因此光线常常很弱，完全依赖由窗外透进来的光线，这就是当时人们的生存状态。”

“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。有时，我们每天只能拍摄20分钟。但是这确实物有所值，影片效果非常美丽，浪漫。”

5. Dreams（梦）

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。全剧由八个梦组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。

抛开小日本的民族性不谈，这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。很多摄影家受困于应接不暇的商业工作或“上层意见”，而无法充分发挥自己的灵感。但是我认为，作为艺术工作者，摄影家总要尽可能的追逐自己的灵感吧。从摄影家的相机中出来的，不应仅是现实的反映，还应该努力反映心中的构思。本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。

总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

6. 末代皇帝（The Last Emperor）

这又是一部贝特鲁齐的电影。对于全世界任何一个导演来说，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。

故事从1950年冬天开始讲述起：清王朝废帝溥仪，作为战犯从苏联被押回中国。火车抵达中苏边境的满洲里火车站后，溥仪认为此去性命难保，便溜进卫生间企图割腕自杀。中国战犯管理所所长发现情况有异，急敲卫生间的门。敲门声使溥仪陷入了回忆……

   

色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。有人说，这部电影的真正主角不是尊龙，而是摄影师Storaro。例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，这时的色调以桔红色和明黄色为主。（溥仪在回忆录中也说过，小时候，由于他身边的绝大多数物品都是代表帝王的黄色，因此他认为所有东西本来都是黄色的。）而在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……

1998年，贝特鲁奇出版了一本书，《The Last Emperor: Multiple Takes》。在这本书中，他详细的阐述了在《末代皇帝》中的色彩运用心得。作为一个静态摄影师，应该知道：照片的色调至关重要，它极微妙又难以把握，甚至能在不经意间引导观看者的心情。

另外值得一提的是，虽然在故宫取景的电影和电视剧有很多，但是能真正拍摄出故宫的宏伟庄严的却没几个。虽然是意大利导演的作品，但是，《末代皇帝》足以给我国的众多“清宫戏”做典范。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

该片在西方上映后。立即掀起了“中国热”。1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。

7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）

作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。

欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄

这部电影获得了数不清的荣誉：十届香港电影"金像奖"十大华语片之一；意大利第四十四届威尼斯国际电影节"银狮奖"、国际影评人学会大奖、天主教影评人协会大奖、金格利造型特别奖、艾维拉诺塔特别奖；获美国第六十四届奥斯卡"金像奖"最佳外语片提名；意大利全国奥斯卡"大卫奖"最佳外语片大奖、最佳外语片女主角提名（巩俐）；意大利米兰电影协会颁发观众评议本年度最佳外语电影第一名大奖。

8. The Third Man（第三个人）

感谢数码技术的应用，使这部电影有机会制作成DVD，成为黑白年代不朽的回忆。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

在拍摄手法上，这恐怕是电影史上第一次将摄像机安在角落拍摄，以表达不安和焦虑的心情。同时，有意识的广角畸变和浅景深镜头，也加重了影片冷酷的基调。大量光影的使用，有效地调动了观众的注意力。整个影片像梦魇一样震撼，且过目难忘。

与前几部彩色电影相比，这部黑白电影是不是显得有些过时？但是如果你仔细看完这部影片的话，你会重新体会到黑白光影的魅力——单色的魔术。这部电影曾荣获嘎纳电影节金棕榈奖，第23届奥斯卡最佳摄影金像奖，英国电影学院最佳影片金奖，并被评选为英国电影史上最佳影片第一名。

9. Visions of Light（光的影像）

像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样

严格来说，这并不是一部电影，应该说是“关于电影的纪录片”更合适。在这部电影中，我们也能发现以上介绍过的多部影片。例如《梦断情天》的摄影师Nestor Almendros，他在临死之前接受了这部电影的短暂采访。还有《末代皇帝》的摄影师Storaro等人。

从某种意义上说，是导演控制摄影师的拍摄手法。例如，《Rosemary's Baby》的导演Roman Polanski，在接受采访时多次提到，有时仅仅需要将摄像机多移动几个厘米，就能使影片的效果得到巨大提升。《In Cold Blood》的导演Conrad Hall，在1967年接受采访时，提到当年是如何选择并搭建了一个牢房，里面囚禁的是Robert Blake扮演的杀人犯，他即将走上绞刑架。雨水不停地打在铁窗上。Hall发现，如果摄像机放在某个特定的角度，雨滴的阴影看上去像Blake脸上的泪水。这个镜头后来成了影院中的催泪弹。

这部电影由数百个电影片段组成。影片结束后，你一定会深深地被摄像机背后的灵感和魔法打动。而静态摄影师也将从中获益匪浅。这是一部摄影科教片，数百个片段将指导你如何用光，如何选择合适的色调，如何使你的片子成为经典。

可以从中获得许多教益。从摄影家的角度欣赏

这部电影按年代划分为三个部分，第一部分是无声电影年代。第二部分是带旁白的黑白电影时期。第三部分是彩色电影时期。影片最后讨论了如何利用不同的色彩调动观众的情绪。

10. Winged Migration（鸟与梦飞翔）

这是一部关于野生动物的纪录片。相信很多摄影家都有过拍摄飞鸟的经历吧。长焦加连拍？那只是小儿科。让你看看这个疯狂的法国导演是如何拍摄飞鸟的。

   

凭借上百万美元的经济支持，导演Cluzaud雇用了四百五十人的拍摄队伍。拍摄工具包括热气球，小型滑翔机，甚至伪装成飞鸟形状，内藏摄像机的小型飞机。在第一年内，他们基本不拍摄，只是跟着鸟到处迁徙，和这些鸟混得很熟，使得这些鸟对他们不再警觉。之后的两年，他们的拍摄团队（其中包括五十人的鸟类专家）跟踪这群飞鸟，穿越四十个国家，并将所有结果浓缩在98分钟的电影中，平均每225分钟素材只取一分钟。效果自然极为真实感人。

DVD版本附送50分钟的幕后花絮。从中看到，摄制组不惜时间，驯化了一批小鸟，使它们习惯飞机的轰鸣声，用于拍摄在航空母舰和工厂那几场戏。摄影师需要和初生的小雁培养感觉，模仿它们的鸣叫，跟它们一起游泳，让它们认为摄影师它们的一员。正是这种不可思议的耐心的感情培养，才有了那些如此近距离而又真实的镜头展现给我们。作为一部纪录片，《鸟与梦飞行》在法国能达到250万人次的票房，并不是偶然的。绝美的画面，得体的配乐。震撼人心的镜头，就是一部完整又完美的交响乐。

⑷ 电影《隐形人》是如何做到一切景语皆情语的

一切景语皆情语，这一句话是我国的著名的大师王国维先生曾在他的名作里边《人间词话》中说过的一句话，《隐形人》这一电影合理了运用了景语，也就是空镜头。

一.合理运用阐释故事发生的背景

这一部电影，用了好几个空镜头的展现，阐释了故事发生的背景，《隐形人》这部电影实际上是在讲科技对人类的作用 ，它非常好的阐述了景语在人们生活中的真谛，利用景语的方式来抒发人的感情，这是影视作品中常用的方法，景语指的是空镜头就是在电影作品中的景物镜头，在画面中只有景物，没有人物。

一切景语皆情语，利用空镜头体现人物的情感，空镜头是无声的语言，是电影画面的重要表现方式之一。

通过《隐形人》中空镜头的正确运用，影视作品中呈现出来的人物动作神态，营造了氛围，升华了主题......

《隐形人》体现了人物的内心世界，表达了电影的主题。

⑸ 电影的影评中视听语言要怎么写

同学你好，我们以《七宗罪》的开头做一个范例：

《七宗罪》是大卫芬奇导演33岁的长片作品，其成熟的视听造诣让人称赞，我们用最粗浅的视角，去尝试解读芬奇老师是如何用视听语言构建人物。

（本文涉及剧透）

电影中，主人公赛默塞特，我们简称S，是一个出色的警官，做事一丝不苟，思维缜密，刑侦技术高超，有一颗为美国人民服务的心。可人到晚年，无法根除的罪恶让他在即将退休的年纪心力交瘁。而米尔斯，我们姑且叫他M吧，掐指一算也就30出头，在地方上颇有建树，一时间让他忘乎所以，自以为自己是超级警察，其实性格急躁冲动，做事毛手毛脚。机缘巧合，这一“SM组合”便相遇了。

简单介绍人物之后，我们来对比影片，看看芬奇老师是如果悄悄塑造人物的。和文字不同的是，视听语言要紧扣视觉和听觉的表达，画面的信息量是具象且丰富的，加之有人类生活的经验，很多表达不言而喻，深谙此道的人便可以得心应手去创作。

《七宗罪》镜头五

M便接了个电话，从衬衣的口袋里掏出一支钢笔，随意的记在手心里。还记得上文里S的钢笔放在哪吗？整齐排列在桌子上。不能说导演刻意做对比，他只是把一些细节通过人物动作和美术陈设展现出来。删去这些细节或许对情节不会产生太多影响，但是会让故事与人物的逻辑更加合理。这便是视听的魅力。

视听语言包括很多方面，景别、角度、运动（摄影机运动）、照明、色彩、语言、音响、音乐，剪辑等，但所有的电影元素都是为人物和故事服务，如何突出人物性格形象，如何交代故事情节，如何让观众有代入感，才是电影各元素的目的。