电影就是世界

㈠ 电影的作用是什么我们为什么需要电影

一部好的电影给你更开阔的眼界，让你更多的用脑思考，而不是单纯的追求视觉刺激。电影的意义就如同生活的意义，生活的意义在于生活本身，电影的意义在于电影本身。电影里的哲学，比书本更有趣，比生活更明了。电影让人类延长了近三倍的寿命，它让人明白了许多穷尽一生都无法明白的道理。用不同角度看待人生，接受你终究平凡的现实，却永不放弃追求理想，心地善良，热爱生命，享受当下。也许，明白了这些，你就领悟了人生的真谛。可以激发人最大的想象力和自己达不到的生活体验。安平觉得小时候在电影上第一次看到大海，那种感觉是很不一样的。电影帮助我们了解山外山，天外天。通过导演的引领，观众能够有多方面的生活体验，这是电影能够给予观众的最大礼物。相比之下，我们也能说也只有电影这门艺术能够给出如此真实以及接近生活的体验。她有一种锁定镜头的天赋与灵气，与角色相融一体，气场大、能量足，盈盈于四周，静静地站在那里，只抬一眼望着你，便能叫你心神荡漾。

㈡ 好莱坞电影只是指美国电影还是包括著世界电影

好莱坞电影只是指美国电影还是包括著世界电影？

好莱坞在美国洛杉矶，好世唯莱坞电影只能说那片制作群体的出品物，只能算美国电影的代表。包括不了世界电影，但有不少世界影人加入。

美国电影就是指好莱坞电影吗？

好莱坞只是几个巨头电影公司的在加一个地方的总称，这么一算 ，剩下的只有独立电影了。占有量80%左右吧

美国电影与好莱坞电影的问题？？？？？？？？？？？？？？

1 除了现在的6大电影公司之外，洛杉矶本地还有大大小小的电影公司近千家，这还不包括很多以接大公司散单，外包专案的小型工作室。洛杉矶之外在纽约也有很多电影公司。不过相对，商业电影的核心在洛杉矶。
2 好莱坞电影只是美国电影的一个组成部分，甚至不能概称顶尖的电影都是好莱坞的。因为好莱坞电影值得的大型制片厂，公司生产的电影。有很多优秀的电影都是独立制片，或者小型工作室的产物，并不归属好莱坞电影范畴。
3 国际艺人签约好莱坞电影公司就算进入了，但是不一定签署经济约，只要签署片约就算。
4 奥斯卡是由美国学院奖衍生出来的，所以所有奖项除了最佳外语片外都是要求由美国电影公司生产，但不一定就是模稿好莱坞电影。就如同2楼所说的类似国内金鸡奖，所以非美电影公司生产的影片是不能报名参加最佳外语片单元以外的奖项的。
注：
现在所谓6大是 20世纪福克斯20th century fox，派拉蒙paramount，索尼哥伦比亚三星sony columbia picture，迪士尼walt disney，环球universal。皮克斯是迪士尼下属，梦工厂发行隶属于派拉蒙。

美国电影是不是都叫好莱坞电影呢

不一定，好莱坞电影一般泛指大电影公司出品的电影，独立制作的电影和地下电影不包括在内。

法国电影（这个杀手不太冷）是不是好莱坞电影，好莱坞电影一定是美国电影吗

《这个杀手不太冷》（原题：Léon，美国上映片名：The Professional）是一部1994年的电影，这是一部好莱坞电影。
《这个杀手不太冷》由法国导演吕克·贝松编剧及执导，也是他首部往好莱坞发展拍摄的电影。由让·雷诺、盖瑞·欧德曼及娜塔莉·波特曼主演。本片主要拍摄地点是纽约。
好莱坞（Hollywood），本意上是一个地名的概念，港译“荷里活”，是全球最著名的影视娱乐和旅游热门地点，位于美国加利福尼亚州洛杉矶市市区西北郊。现“好莱坞”一词往往直接用来指美国加州南部的电影工业。

007电影是好莱坞电影还是英国电影

标准的好莱坞电影
因为是好莱坞的米高梅公司投资的
那个国家的公司投资的就是那个国家的
和演员、导演、拍摄地点啥的都没任何关系

好莱坞电影为什么能够对世界电影

朋友你想问的是好莱坞电影为什么能够领先世界么？因为美国作为世界第一大国，他的实力也体现在文化输出上，所以能够引领世界电影市场。从技术角度，他的电影工业非常成熟。背后还是一个国家的综合国力。

好莱坞电影到底赚了多少，美国电影协会被

中国的电影市场虽然很大，但是对好莱坞票房影响有限，好莱坞主要的票房收入还是北美市场，很多奖项的评比标准也是看北美市场的反响的

好莱坞电影美学特点及其对世界电影发展的影响。

旧好莱坞（也称经典搜码培好莱坞）阶段大约从1930年经济大萧条开始，到1960年冷战初期结束，其间跨越了二战和战后几个重要的历史时期。在经济上，旧好莱坞经历了从电影专利公司（MPPC）到大制片厂制度的确立过程，在艺术上，它确立了所有型别片的模式，这一模式直到新好莱坞阶段仍然是不可忽视的因素。
（一）旧好莱坞的戏剧电影美学特征
旧好莱坞电影创作遵循着一种戏剧电影的美学原则，其基本特征体现在三个方面：
即戏剧化的故事结构，型别化的人物形象和自然流畅的连续性剪辑。
1．经典好莱坞电影在结构故事和展开情节方面明显地以戏剧化作为基础：故事情节充满戏剧的冲突，故事结构完整封闭，故事发展逐次递进直到结尾的 *** 并总离不开大团圆的结局。如《卡萨布兰卡》《魂断蓝桥》。
2．在戏剧化故事情节结构模式确立之后，好莱坞经典叙事的人物形象构成也自然呈型别化的倾向。根据戏剧冲突原则，人物形象被确立为正反两个阵营，正面人物和反面人物。例如西部片总有代表正义和法律的警长及贪婪野蛮的印地安人，警匪片有司法和犯罪的对峙。当然，在经典好莱坞叙事中，人物形象在遵循型别原则的大前提下又有无穷的取舍和 变化，但正反两方人物所构成的戏剧冲突则是好莱坞永恒的法宝。
3．好莱坞经典叙事系统的核心是前面已经提到的连续性剪辑，连续性剪辑代表了好莱坞经典叙事的特征，既是对戏剧化故事和型别化人物的发展，又是好莱坞制造梦幻和欢笑的基本前提，因为自然流畅的连续性剪辑为观众提供了一个简洁方便而又真实可信的银幕世界。由于经典叙事系统的剪辑旨在实现逼真性的要求，所以景别使用的顺序便具有了特殊涵义：先是建制镜头展现整体环境和人物，然后是中景的镜头交待人物的动作和反动作，再切入近景镜头（包括特写）将人物面部表情的重要性直接呈现给观众，最后还得回到全景镜头来结束段落叙事或重建新的时空关系。
4．好莱坞大团圆结局作为经典好莱坞叙事系统的重要组成部分，在许多好莱坞主流影片中扮演着画龙点睛的作用。简单来说，其有两个方面的涵义：其一是回圈型或封闭型故事结构；其二是达到成功和完美的幸福结局。例如在奥逊.威尔斯的不朽杰作《公民凯恩》开始时，镜头从报业大亨极尽豪华的“天堂庄园”的大门和大门上 “禁止入内”的警告牌缓缓移入，最后则用一个慢慢拉出庄园大门的反向镜头结束全片，在影片的叙事结构和镜头语言上完成了封闭型的回圈。
（二）关于旧好莱坞的型别片
20世纪30—40 年代是美国好莱坞的全盛时期，这期间在好莱坞影片创作中占统治地位的是型别电影，型别电影就是按照不同的型别（或样式）的规则要求创作出来的影片，实质上它是一种艺术产品标准化的规范。这种规范的电影的实质就是运用一切能够抓住观众视觉和心理的电影表现程式，它常常要比个人构思的有意识追求艺术的影片更能反映出观众的兴趣和道德标准。型别片是好莱坞制片制度的产物，它从商业和票房的角度进行影片生产，并在大量的艺术实践中建立并完善了一套电影创作方法。
型别片的主要特征体现为：
1．情节公式化2．人物定性化3．银幕叙事标准化（型别片大都采用单一的线性结构，以时空转换为顺序,以事件发展为线索，较少使用闪回，交叉蒙太奇手法，而着重讲述单向发展的故事）4．视觉形象图解化（如古堡或塔楼象征危险，幽暗的森林隐藏着灾难，实验室里汩汩作响的试管则孕育著罪恶等）
型别片在经典好莱坞时代的发展经历了形成期，成熟期和衰退期。其复兴期则出现在新好莱坞时代。经典好莱坞的型别片包括西部片，警匪片，歌舞片，恐怖片等。
50年代到60年代，由于电视产业的发展以及其他的政治经济等社会方面的原因，经典好莱坞的型别片出现了衰退。
好莱坞电影自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界电影工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。
经典好莱坞电影基本成型于上世纪十年代。当时观众的欣赏口味偏向于古典叙事风格，有声技术的运用也使电影中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞电影浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求电影必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。型别电影在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、型别化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的型别片得以在世界影院中大行其道。
西部片作为最“美国化”的型别片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现著善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。
《正午》讲述的是小镇警长凯恩即将离任，并在当天迎娶未婚妻。就在两人的婚礼进行当中，凯恩被告知被自己抓捕的恶棍已经出狱，并极有可能在一个多小时后联合另外两名枪手回镇上报仇。面对危险时刻，镇上人人自保，不肯向凯恩伸出援手。凯恩在心灰意冷中无奈迎战，并侥幸获得胜利。最后凯恩将警徽扔在地上，在小镇居民尴尬的目光中与未婚妻离开了小镇。影片的叙事极其符合经典好莱坞时期奉行的古典主义叙事，即三一律叙事。影片发生在一个较为封闭的西部小镇；时间精确地被得到控制（甚至片中时间就等同于片外观影时间）；剧情流程也是标准的开端到结局，且恰到好处。《正午》追求情节性与完整性，使用封闭式的故事结构，建立了一个令人信服的虚构的物化世界，并生动地刻划出警长凯恩这个有血有肉的硬汉形象，上述的所有元素均是经典好莱坞时期电影风格的标签。《正午》上映后获得了巨大的成功，获得次年奥斯卡最佳男演员、最佳剪辑、最佳配乐和最佳歌曲四项大奖。
然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞电影。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于型别化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。
《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮氾滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。电影的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期电影的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的义大利新现实主义运动和五十年代的法国电影新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞电影的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。
1999年萨姆•门德斯的《美国美人》即是一部典型的新好莱坞电影。影片围绕42岁的美国中产阶级莱斯特和他身边人们的生活展开，其中揭露了美国社会的许多问题，是一部充斥着黑色幽默与辛辣讽刺的影片。影片塑造了莱斯特这个当代美国的边缘英雄形象。从《正午》中的警长凯恩到《美国美人》中的莱斯特，好莱坞电影中的英雄形象在半个世纪的时间中发生了巨大的变化。当然，归根结底他们都还是英雄，只是经过时间的变迁，英雄已经从捍卫美国传统价值观中的正义、善良、勇敢的保护神，变化成在畸形社会重压下的美国中产阶级家庭灰色生活中的另类叛逆者。莱斯特虽然在片中有着许多负面描写，但是他却并不是十恶不赦的坏人，影片为莱斯特的行为作了有力的解释，使人能够认同他的境遇，而他在社会压力下的所作所为一定程度上也满足了观影者潜在的反叛心理。《美国美人》中这种假贬实褒的处理是新好莱坞时期描写人物的典型手法。这些影片中的主人公不再是善恶分明的型别化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。
《美国美人》淡化了戏剧化叙事，或者说是将戏剧冲突进行了分散。《正午》中一个主要矛盾贯穿始终的叙事方式在《美国美人》中嬗变为几个矛盾事件并行发展：中年危机，社会压力，毒品问题，青少年问题……影片从这些美国社会问题入手，以网状结构代替了传统的线性结构，推动着这个关于“美国的美”的故事向前发展，直达 *** 。《美国美人》代表着新好莱坞电影的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞电影较之以前更加具有社会意义与深度。
新好莱坞电影还受到欧洲电影的深刻影响。商业电影艺术化、艺术电影商业化成为这一时期电影发展的一个趋势，许多欧洲艺术电影的处理方法被用于好莱坞电影中。《美国美人》对于镜头、色彩、光线等细节的处理精彩而独特，颇具作者电影的风采。而影片中传达出的对于社会的关注也传承了新现实主义和新浪潮的血液。
从《正午》到《美国美人》，从经典时期到新时期，电影在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞电影却悄然占据了观众的视线。《美国美人》在72届奥斯卡颁奖礼上获得包括最佳影片在内的多项大奖，这说明新好莱坞电影已从当年的边缘逐渐成为主流。好莱坞电影通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界电影工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。

《哈里波特》是好莱坞电影？还是英国电影？

好莱坞电影
判断一个电影的出产国都是以最大的那个投资商的注册地为准
而不是以演员和主要创作人员
哈利波特是美国好莱坞的时代华纳公司投资拍摄的，因此是好莱坞电影
采用英国演员是因为这部作品的原作比较英国化，只有用英国演员才能演绎出来那种味道，现在电影制作早就国际化了，演员来自五湖四海也很正常
就像《平民窟的百万富翁》不算印度电影，而算英国电影一样

㈢ 哪些电影给人很大的启发

我们每每看一部电影，都会从其中品味一些大道理， 一部好的电影不仅在于他演员的演技好，而且还要在于它能够反映一些 社会 现实，从这些现实当中我们又能够感悟人生，然后激励着自己前行。我觉得优秀的电影就必须做到以上几点，而不是那种衡水的剧情索然无味。也不是为了利益而去拍这部电影，一部电影应该作为一种艺术，应该朝经典去发展。在很多的励志电影当中，总有一些电影非常的经典，不知道他家有没有记住的， 比如说《阿甘正传》就是其中一部，可以说是非常成功的电影之一了。

首先我们要讲的就是《肖生克的救赎》，这部电影可以说是很多人的精神支柱， 在九五年的时候，不管从哪个方面来讲，情节安排的都非常到位，而且主题也相当鲜明，演员的阵容相当强大，在音乐和背景的作用下，这部电影就获得了奥斯卡的提名。在这部电影当中，当安迪在与雷当晚扒出监狱的下水道和排水沟脱下衣服的那一刹那， 伸开双臂拥抱着自由风暴时，我相信观看这部电影的很多观众都热血沸腾啦！

还有一部电影，我觉得也是相当有感染力的，勇敢的心。 这部电影讲的就是抗日就是军的故事，主题属于那种严肃庄重的类型，但是场面非常宏大，在音乐和一些视觉上面都令人非常的震惊。

以上就是我为大家推荐的两部励志电影，希望你们也去看一看，一定会有不同的感受

《天狗》讲述的是一个平凡护林人用生命捍卫森林的感人故事。主人公李天狗是个战斗英雄，在战场上打残了一条腿，复员后被分配到偏远的国有林场当护林人。他一贫如洗却刚正不阿，因恪尽职守、不为利益所动而被当地名声显赫的权势人物、人称“三条龙”的孔家兄弟视为眼中钉，从而遭受了被停水、停电、妻子受辱、孩子失踪等一系列的非人折磨，最后在“三条龙”蓄谋已久的械斗中被打得奄奄一息。

但这一切都没有磨灭他心中坚守的责任感和淳朴的信念，为了国家不损失一棵树，他在生命垂危之时奋力举起了那枝正义的老枪！三兄弟倒下了，正义胜利了！但天狗却从此再没能站起来。。。。。。 走出影院，我的脑海里还闪现着天狗的几个眼神，它们间接地展现了天狗的内心世界，富大龙的表演可谓出神入化。

《夏洛特烦恼》给我有很大的触感：

影片的大概情节是这样的：一个叫夏洛的人，去参加一个同学的婚礼，然后在卫生间里昏睡过去，之后做了一段梦，醒来后，就决定要好好跟自己老婆过。这就是电影的主线。电影中，先是学生跟老师在教室里打架，之后就是一段又一段意识流般的瞎扯淡。一个梦境，完全没有了现实的约束，完全可以有天马行空的情节，让人拍手称快，让人兴奋、惊奇的情节。就是有了这些剧情才吸引我们观看完全集。

电影里的梦境是一个非常普通的、寻常的梦：一个人飞黄腾达了，成了明星，然后失去了自我，作出一些出格的事，之后，不再是明星，生活一落千丈。这样构思是多么的通俗、粗俗、庸俗，简直俗不可耐！拿这样一个构思来作为一个梦的主线不仅仅就是为了闹腾的欢！这不也表现出了，大部分 社会 底层人的梦想吗？

整个剧情下来，让我比较有触感的是男女主人公的 情感 路线。不要为了一些不切实际的事情而伤害自己身边的人，其实在你身边的才是最合适你的人，才是追好的。不要等失去了才懂得珍惜。

电影多数都会反应或者表现出一些生活中的问题。或者表达哲理上的或者精神上的一些启发或者观点！

李沧东导演的《燃烧》于2018年5月16日在戛纳电影节首映，获得场刊最高评分3.8分。之后电影的评论文章陆续出现，赞誉主要集中在演员的表演、场面的调度、叙事的虚实处理上，当然也有一些不同的声音，认为这部电影故作神秘，实际上是一部平庸之作。

作者电影的属性

导演李沧东在1992年进入电影界之前，已经是韩国知名作家了，电影只不过是他换了一种表达方式，以摄影机为笔，以画面为文字，完全阐释特吕弗对电影作者的定义。

作者电影以导演独特的个人表达为最突出特点，区别于大众化的表达。

分析作者电影，找到适用于普遍创作者的创作方法是不现实的，但是杰出的电影作者不仅仅可以影响普罗大众，还可以在艺术观、创作方法论上影响创作者。

电影世界是丰富的，包括票房的主体的商业片，也有深刻小众的文艺片，还包括不少的实验性电影。

有人只创作商业片，以电影票房为唯一追求，对文艺片嗤之以鼻；有人只做文艺片，认为去做商业片是妥协和媚俗；也有的人沉迷于观众不超过一百人的实验电影。

对于所热爱的事物，过于沉浸其中，可能会产生“这就是世界全部”的错觉，它会成为遮住我们看清世界的那片树叶。

当我们来写一部商业电影时，市场是必然要考虑的，人物及人物关系的设计、讲述故事的方式都需要追求新颖，切合观众的期待。

这类的创作之始，剧本各个方面的设计，都是远离私人化而贴近大众化的，人物应该是大众认可的，人物关系应该是有戏剧空间的，故事应该是对观众有吸引力的。

商业电影最终会在电影院里接受观众的检验，有些对市场充满信心的电影，可能一败涂地，而一些有着保守预期的电影可能会带来极大的惊喜。

对于电影编剧而言，抹掉个体经验而揣摩大众喜好的写作可能是不好的体验，相比来说，作者电影的导演是幸福的，他们所拍摄的，都是自己最想拍的故事。

小说式的叙事

电影《燃烧》是在银幕上用小说的方式讲了一个故事。

小说叙事有两个方面的特点：一个是自由，第二是读者的参与感。

电影《燃烧》的故事改编自日本作家村上春树的《烧仓房》，借鉴了美国作家福克纳《烧马棚》中的父子关系。

电影《燃烧》的镜头跟随男主角钟秀，讲述他与惠美的相遇，惠美的出现是他黯然生命中的一道阳光，因惠美去非洲他们暂别，当他再次与惠美想见时，惠美身边出现了本。钟秀爱上了惠美，又无可奈何地看着惠美与本交往，当惠美突然失踪后，钟秀跟踪本，试图找寻惠美的下落。本的身边出现了一个新的女孩，单纯，孤独，是惠美的同类，女孩与本的交往，就是惠美生命最后时光的重演。钟秀根据逐步发现的细节，推断出惠美被本谋杀，葬身燃烧的塑料棚中，压抑的钟秀把本约出来，用本杀人的方式杀死了他。

电影没用使用全知视角，而是贴近人物，让人物一步步解开事情的真相，充分表达人物的情绪，追求流畅的叙述。

钟秀跟踪本调查惠美消失之谜的过程，叙事中出现了不少暗示线索，本身边出现的新女孩，暗示惠美消失前的经历。影片中又有不少留白、表达人物情绪的镜头，叙事节奏非常适合观众沉浸其中，跟随钟秀一起，参与对惠美的寻找。

叙事之下的事实，充满了多种解读的可能，虚实并没有绝对的界限，电影可以解读成本是一个连环杀手，他每隔两个月就用杀死一个女孩，并通过烧塑料棚来毁尸灭迹。电影也可以被解读成这是钟秀小说里的世界，刚交往没多久的女友与富二代交往，他束手无策，只能通过小说对现实的重写，来想象惠美在本那里的经历，最终杀死了本。

贫困的文学青年与超级富二代因为一个女生成为情敌，电影《燃烧》的故事创意并不罕见，而且有大量网络小说写的就是这个内容，可以说这是一个小说作者脑海里很容易就出现的想法。谁的故事好看，这就要看谁写出了新意，电影中富二代在烧塑料棚的掩盖下每两个月杀一人，如此表现一个变态杀手是新的，另外，钟秀能够克制的观看自己喜欢的女生与情敌的交往，描写出了三个人在场中那些细微的情绪起伏，也是故事的动人之处。

世界如谜语

钟秀还没开始写小说的原因是，这个世界对他来说就像是谜语一样。

钟秀并不了解惠美，惠美说的他们共有的经历，钟秀是没有记忆的。所以他才会打听惠美老家附近是不是有一口井。他打听井的下落，是为了认证惠美的身份，她到底是不是作为曾经的小学同学的那个惠美。他不了解惠美，所以才以非常尴尬的姿态去见证惠美和本的交往。

钟秀和本属于两个完全不同的阶层。钟秀出身农村，在首尔兼职为生，父亲又被判坐牢，他的生活一片灰暗，本却不用工作，豪宅里煮意面，两个生活截然相反的人因为惠美有了联系。

钟秀和本代表的两个阶层的关联，在现实世界中发生的概率极少，它只存在于这个电影故事里。换句话说，电影特意制造了钟秀和本的关联，带着现实里我们常设计的疑问，通过故事来看两个人之间的反应。

钟秀和本之间有隔膜，钟秀不理解本何以年纪轻轻就能很轻松住在豪宅里，而本能与钟秀聊的话题，也仅仅是钟秀的小说写的怎么样了，严重的隔膜让两个人无话可聊，导演通过故事试图让两个阶层的人去碰撞出更多也没明显的效果。钟秀怒杀了本，终结了这个对话的所有可能。

人心、阶层等的隔膜，让剧中的人物处在压迫之中，有贫困的压迫，也有精神困顿的压迫。人物被挤压到狭窄的空间内，无暇对世界思考，才会产生世界如谜语的感慨。

电影《燃烧》完成了一次对当下青年人精神世界的描写，也试着去探究人与人之间愤怒发生的原因，兼具现代性和 社会 批判性。但是我们也应该明白，这是艺术家思虑，换一个国度，或者十年之后再看这些问题，其实都不是问题，用发展的眼光看问题，很多问题都在发展中得到解决，也不能因为道路的曲折，就否定未来的光明。

就谈谈最近又刷了一遍的《死亡诗社》吧，片中的诗歌老师Mr. Keating其实真的好棒，我觉得他是真正唤醒灵魂的那种教育者，让孩子对生活再次有了激情，想要活的精彩，活出自己，但奈何孩子们还要抵抗来自于父母，学校和 社会 的限制，无法抗衡之时，就像一棵树断掉了，片中一个孩子就自杀了，幸运的是，其他同样受到鼓舞的年轻人没有放弃

影片叫人深思，如何做对孩子来讲才是最好的，也许每个人都是笼中之鸟，只是笼子有大有小，在外面一些的，想帮助里面的鸟儿，将希望传递给他们，可如果不能帮他们打开笼门，则可能出现片中惨剧，不仅要给孩子欲望，还要给他们力量，给他们对生命的珍惜

教育是一棵树摇动一棵树，一朵云推动领一朵云，以下文章是我对此理念的一点想法，欢迎阅读探讨

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感谢特邀，我印象比较深的是《我左眼见到鬼》这部电影，一看片名估计大家都会觉得是 搞笑 电影，确实，这是一部被片名耽误了的 搞笑 又催泪的好电影。

这部电影我理解比较深的主体是――7天是否能留下刻骨铭心的爱情？当爱人逝去，生者将如何自处？

首先介绍一下故事的大概内容：

故事的女主叫何丽珠（郑秀文饰），是一个普通人家的女子，出身并不好。她在加勒比海度假时邂逅了富家公子徐礼人，才认识七天，二人便闪电结婚。然而男子后来在潜水中不幸丧生。何丽珠没有很快忘掉丈夫，而是沉浸在阴影中不能自拔。

很多何丽珠的朋友，亲人，甚至她的婆婆都觉得，她和男主只是认识七天能有什么深厚的感情，还不是看中他的钱。

她尝试几次自杀都没成功，从而导致她可以左眼见到鬼，这叫王劲威的鬼一直跟在何丽珠身边，保护她，逗她玩，时时搞怪。何丽珠开始时嫌他烦，然而和他相处过程中，却屡屡得到他的帮助和劝慰。

后来，这鬼投胎后她才终于明白，原来这自称王劲威的鬼魂就是她的丈夫，剧中也几次暗示。为了让她早日从悲痛中走出来，为了让她继续生活下去，丈夫久久不愿去投胎，扮作王劲威来到她身边帮她解开心结，让她积极向上面对生活。

当她陈述那过去的事情，说到她的丈夫时，鬼魂王劲威始终在游泳池不愿露出脸，实际是怕她看到他的眼泪。而王劲威确有其人，就是帮她修车的飞机驾驶员Sam。真正的王劲威从小就倾慕何丽珠，何丽珠和丈夫认识的那一天，王劲威和女朋友也在加勒比海。

这部 搞笑 但是实则催人热泪都电影，让我觉得也许人世间真正爱情的模样应该就是，即使只是7天，也可以是一生的刻骨铭心。我想永远照顾陪伴你，但我已经没有机会，那就让你把我生命的精彩一起延续下去。世事无常，生死有命，愿我们珍惜每一个还在你身边的爱人，即便无缘相伴到最后，也愿我们为爱情留下最美的样子。

希望大家也会喜欢这部电影。

给人启发的电影有很多，但是又因人而异的喜欢。

我这里给你国内外各推荐一部吧，

首先国内：《万箭穿心》

《万箭穿心》原本是方方创作的一篇中篇小说，讲述了一个武汉女人李宝莉悲剧的一生，于2012年改编为电影。

这部电影是算得上国产电影的上乘作品了，正如上图上所说，爱是把双刃剑，有时候帮助孩子的成长，但同时会成为一把锋利的血刃，最后伤害的是自己。

这部电影是我在上中学时我们的语文老师推荐的，让我们自己私下去看看，我就去看了。这一看，对我印象及其的深刻，六七年过去了，我依然记得剧情以及电影中那浓浓的压抑的氛围。

女主角宝莉是一个极其世俗的女子，她斤斤计较，喜欢讨价还价，热心肠，暴脾气。而其丈夫马学武是一个典型的读书人，对妻子忍让百般，但是内心是拒绝的，他对粗鄙的妻子忍耐已久。终于是有一天与女同事出轨了。这一出轨却被宝莉发现了，宝莉向相关部门举报有人卖淫嫖娼，毁了丈夫的前途和声誉，致使丈夫马学武跳江自杀了。为了供儿子上学，养婆婆生活，宝莉一人苦苦支撑整个家庭，她挑起扁担，帮别人挑行李，赚可怜的薪水。然而最后儿子高中状元，发现亲爸死因，要和她断绝关系。

其实这部电影最精彩的就是开头就开篇点题说到宝莉的新家是凶宅，那房子处在七八条路汇聚的中心，在风水上叫万箭穿心。。然后电影结尾正照应了开头，宝莉的一生就像多米诺骨牌，一步错步步皆错，过度的计较，过度的溺爱孩子，反而让孩子成为了伤害自己的人。儿子怨宝莉逼死了丈夫，仿佛完全忽略了是他爸爸先出轨的事实。十年的辛勤，一心为儿子考大学而努力，一心为扶持这个家而努力，换来的却是儿子的背叛，把自己赶出了家门。宝莉那时的心情不正如万剑穿心嘛。

这部影片具有很强的教育意义以及浓厚的感情色彩，个人觉得真的很适合去看看，会给你不一样的启发。

接着呢，我准备给你推荐的是一部国外的电影：《阿甘正传》

电影根据自温斯顿·格鲁姆的同名小说《阿甘正传》改编而成，于1994年拍摄成为电影。我相信你肯定看过这其中的片段，不论抖音还是快手，我们时常能看到阿甘奔跑的视频，然后配乐是《追梦赤子心》------向前跑，迎着冷眼和嘲笑 。阿甘就是这样的，从小阿甘就是个智商只有75的低能儿。在学校里为了躲避别的孩子的欺侮，听从一个朋友珍妮的话而开始“跑”，跑着躲避别人的捉弄。在中学时，他为了躲避别人而跑进了一所学校的橄榄球场，他在球场奔跑的速度比专业运动员还快，就这样他跑进了大学。大学毕业后，阿甘又参军入伍，然后去了越南战场。在那里，阿甘有俩位朋友，热衷捕虾的布巴和令人敬畏的长官邓·泰勒上尉。在战争结束后，阿甘作为英雄受到了约翰逊总统的接见，聚会上，阿甘见到了想念已久的珍妮，他喜欢珍妮，并且爱她，但是珍妮已经堕落，而且珍妮并不爱他。阿甘经历了世界风云变幻的各个 历史 时期，纯朴而善良。

《阿甘正传》，很激励人心，爱情友情亲情都很励志很感人。

阿甘是个低能儿，他母亲告诉他“你与普通人没有什么不同”。阿甘进入小学后，遇到了一生的挚友和真爱珍妮，为了躲避别的孩子的欺侮，听从珍妮的话开始跑。上帝给你关上了门，肯定给你打开了窗户。阿甘没有浪费上帝给他的特长，一路跑，跑进了大学。大学毕业后阿甘参军入伍前往越南参加战争。在战场上，阿甘的快跑让他躲过了危险。可是阿甘为了救助战友又返回了战场，可惜巴布还是牺牲了，上尉丹截肢开始自暴自弃。而阿甘却实现了梦想，并感染了丹上尉，丹上尉获得了新生。

阿甘做义务园丁时又邂逅了珍妮，并开始了一段美好的生活。而珍妮还是离开了阿甘，阿甘开始跑，又一次成了名人。后来阿甘收到了珍妮的信，见到了珍妮和自己的儿子，原来珍妮得了不治之症。最后阿甘带着珍妮和儿子回到家乡。珍妮在亲人的陪伴下度过了最后的时光。

阿甘一生都是积极向上，即使弱智却自强不息，靠着上帝赐予的“飞毛腿”开始了不停的奔跑。阿甘一路成为橄榄球巨星、越战英雄、乒乓球外交大使、亿万富翁，都是他不放弃，努力奋斗的结果。

有人说阿甘是傻瓜，可是我觉得她不傻。聪明人做了傻事，才是傻瓜；傻瓜没有做傻事，就是不傻。

哪些电影给人很大的启发？很高兴我能回答这个问题 下面我来推荐三部给大家看看

一、《肖申克的救赎》电影里两位主角安迪跟瑞德在牢房里发生的一系列故事，以及安迪如何想尽办法救赎自己的狱友。这部电影最令人感动的是安迪对自由的坚持与不屑。电影给人最大的启发就是无论你身处何方、何时何地、情况有多糟糕都不要放弃，保持一颗永不放弃的心。从这些现实当中我们又能够感悟人生，然后激励着自己前行。我觉得优秀的电影就必须做到以上几点，而不是那种衡水的剧情索然无味。也不是为了利益而去拍这部电影。人生必看电影之一，快去找来看看吧。

二、《犬八公的故事》本故事由真实事件改编，故事主要讲狗跟人之间的感情。男主收养了一条狗非常乖巧听话，狗狗每天都在车站等候主人下班，突然有一天男主在外上班意外身亡了。狗狗已经习惯在车站等候主人，即使主人已经不在了。爱狗的朋友，可以看一下这部电影，情节很感动。我对这部电影启发最大，看完后我都领养了一条狗。狗狗会把一生都寄托在你身上，不养狗的人是体会不到的这种感觉的。

三、《摔跤吧！爸爸》这部电影根据真人真事改编的，一个印度女子如何拿到摔跤金牌。他爸爸是退役的摔跤手，为了将女儿培养成职业摔跤手并拿金牌，爸爸一边做魔鬼教练一边做慈祥的父亲，一边做慈祥的父亲。电影里呈现一连串的感人场景这部电影给人最大的启发，我觉得还是父爱多一点。说白了就是当爹不容易

我觉得周星驰的电影，总是能给人很多笑声，也能给人很多眼泪，很多人都说周星驰的电影，需要看好几遍才能明白其中的心酸，（喜剧之王），讲述一个人小角色的无奈，做的很多事情都得不到认可，哪怕没有什么钱，只为求一日三餐，都是那么的被人看不起，被人不理解，最清楚记得一段，有一句台词，我养你啊，表达了很多人的无奈，虽然遇到了爱的那个她，不一定能给得了对方幸福，虽然虽然故事的结局还算不坏，可是现实中有用多少人因为自身不得志，失去了那个想相守一生的人，（大话西游）这部电影三部，可是我觉得其实只有一部，因为一句台词，如果重新给我一次机会，我会对那个女孩子说三个字（我爱你），非要在这个爱上面加一个期限，我希望是一万年。这句话在现在来说也是让我们现代的很多人留下了眼泪。

㈣ 人类为什么要看电影或者要拍电影

我们每个人生活在当今的自我世界中。看书看电影玩游戏，可以让我们了解过往的历史，探索未来的世界，甚至可以让我们沉浸在一个虚拟的空间，想象出来的环境。更重要的是，它们会让我们理解在同一环境下为什么每个人因为不同的成长背景，性格，所表达出的不同的观点。

电影对我来说，就像一场不愿醒来的梦、一次短暂的逃离。看电影也也算是一种发现吧，能发现很多有才的导演，演技实力在在线的演员，能发现很多有趣的事情。对于我自己来说也是一种提升吧，开眼界，涨审美。有时候看电影也是打发时间的一种消遣，短短的几个小时能什么都不用想，忘掉生活，抛掉烦恼，让自己能静下心去看一部电影。所以看电影何尝不也是一件乐事呢。

㈤ 贾樟柯：如何理解世界，理解人可能比理解何为电影更重要

每拍摄一部电影，都是处理各种繁杂事务的过程。导演基本上是一个每时每刻都在做出决定的工作。

每一个决定的瞬间，几乎都是下意识的反应，人们把这归结为一个词： 艺术感觉 。

但在创作的时候，在每一个下意识的反应背后，支撑导演反应速度和反应质量的，往往是日积月累的对电影的理解。

正如黑泽明导演所言： 我一直在寻找电影之美，但直到现在都没有找到。

犹如出家人的修行，电影是需要我们用一生的时间去理解的艺术。电影有其制作的工艺和技术，也有其创作的规律和观念。

在音频节目电影课中，我想回到一些关于电影的常识性的问题，跟大家分享一下我个人的理解。

这个节目不是一系列严谨的学术报告，也不涉及高深的理论，也不是电影秘史的钩沉，就是聊聊电影、聊聊天。

这个节目，仅仅是一个导演的电影学习笔记，仅仅是一家之言。即便如此， 我希望大家可以从中了解到一些电影常识，与我一起去理解、去寻找电影的美。

长按下方海报识别

进入贾樟柯的电影世界

电影理论 · 创作实践

到现在，我都觉得我个人的创作一直得益于理论的滋养。

我们在90年代读书的时候，像我在的北京电影学院93级，是所有的专业都招，有很多创作的专业： 导演、摄影、美术，教学偏重于创作实践。

而我是学电影理论的。当时，在同学里流行一种观点，认为学理论没有用，对于创作来说理论太遥远、太枯燥了。

其实那个时候我也分辨不清，因为刚接触到电影，对我来说， 我的专业是电影理论，这就是我该学的，其次才是自己去学其他专业的一些课程。

北京电影学院的课程设置很科学，我们在大一、大二有很多年级各系都要上的公共课，包括电影摄影，我们也学了两年。教过我们的老师有穆德远老师、赵非老师。我们在录音方面也有专业课，表演也有。

电影确实具有实践性的技术门槛，理论究竟能起什么作用？ 那时候不太清楚，毕竟它不像学习专业技术那么显而易见、立竿见影。

比如上导演课，什么是轴线？什么是跳轴？今天这堂课完了确实能学到具体的东西，但在创作时候会马上面临这个问题。摄影也是，学习胶片原理，掌握不同镜头的特性，这些知识有了之后，在实践中马上可以使用，可以印证它。

手绘摄影轴线图 轴线是所拍的画面中的虚拟线条

轴线规律是设置摄像机机位所遵循的原则，看是否“跳轴”

但是理论是虚无的，在实践中往往感觉碰不上，所以就觉得理论好像可有可无。然而随着电影工作的深入，我后来觉得， 如果把理论比作是软件的话，那些技术的课程就是硬件，它是保证电影物质呈现的创作基础。

电影理论首先带来几个层面的东西，一个就是对电影这个媒介的理解和认识，简单说就是何为电影？第二个就是 如何理解这个世界，理解人？ 我觉得后一个可能更重要。

前苏联与美国剧作理论的不同

关于第一点，媒介认识方面的理论，我想举一个叙事方面的例子。

我们读书的时候，电影的剧作理论一开始偏向俄罗斯式，也就是前苏联的剧本创作方法。

因为那时候我们剧作课的主任教员是王迪老师，他是留苏回来的，所以他强调 剧本的文学性 ，要可以发表，要可读，它得是一个文学作品。

王迪（1928-）1961年起执教于北京电影学院

开创了中国电影编剧科班教育模式，1994年获北京电影学院最高成就奖“金烛奖”

后来到了大二、大三的时候，就开始设立美国剧本方法的课程了。我记得有两个“胖胖的”美国老师来给我们做短期剧本训练，他们的教育方法跟思路就完全不一样。

第一堂课的时候，美国的老师就问了学生一个问题，说 “如果想让一个人的命运改变，你们觉得有什么方法？” 我们一时也不知道怎么回答。

那时候流行一句话叫“知识改变命运”，我就开玩笑回答说：知识。这其实有些 搞笑 的成分，同学们都在笑我。

老师跟我说：你讲得太笼统了，剧本需要具体的动作支持。

比如让你的人物离开家去外地上学，就可能改变命运；比如说让人物搬家，他会改变；比如生病，他会改变。他们举了很多例子，完全是另外一种剧本的创作思路。

我觉得前苏联和美国的两种创作体系都是高度理论化的。当你掌握了两种体系的不同理论时，并不一定说你要选择哪一种，而是说两套理论会融为一种属于你自己的方法。

叙事的反叛者

在前苏联式的剧本创作理论里面，从来没有谈过叙事的跟踪性，它的剧本气质偏向于抒情，基本上不强调叙事的效率。但是美国的剧本创作理论，第一点就是 跟踪性 。

何为跟踪性？ 就是一个观众从看电影的第一分钟被什么牵引，让他能够一直看到90分钟？ 是悬念、递进的情节，还是氛围？这个跟踪性是由什么造成的？

我觉得之后我大量的剧本写作，基础写作都是前苏联式的。

但是另外一方面，我又觉得我深受美国电影理论里那种叙事跟踪性的影响。这种叙事的跟踪性，需要你内在有一套办法，无论是建立起来，还是打破它，都会 让叙事变得具有自我生长性，最少会有递进感。

我曾经特别不满意我第二部电影《站台》的初稿。一开始我也不知道为什么，只觉得很多细节方面的回忆与想象写得很准确，但整体上总觉得缺点力道。

后来我想起美国剧作理论里面“跟踪性”的问题，我发现当时的剧本确实是缺乏跟踪性的。

电影到叙事中段就有一点像俄罗斯套娃，看着很丰富，但揭开一个其实跟第一个一模一样、再揭开一个跟第二个一模一样、揭开第三个跟第二个一样。同一个面貌，一模一样，只是从大变小了。

之后，我看到很多电影在叙事上都有一个通病： 推动性不够，一直重复，递进性不够，就像俄罗斯套娃一样。

这个时候，理论就变得很重要。所谓理论，就是前人对于创作经验的总结。

而这个理论，它不是信条，不是说理论要求有叙事跟踪性，你的电影就必须有跟踪性。你可以反它，但前提是你要懂这个东西， 你要理解创作的常规是什么。

当你成为一个叙事的反叛者，你应该有很清晰的认知，知道你到底在反叛什么，又为什么要反叛？

这不是乱来的，这就是理论认识在创作方面一个小小的指导，它给创作者带来判断时刻的参照。

精心的“判断”更多来源于理论支撑

我觉得无论是作为一个编剧，还是作为一个导演，特别是作为一个导演，很多时候做的是判断性工作。

小到同样的五个道具，你究竟挑哪一个？大到挑演员，再到叙事方式的决定、情节的取舍、人物的设置。导演无时无刻不在判断，而 在判断的时候，一部分靠直觉，更多的往往需要理论的支撑。

之后我有机会接触到很多同行，我发现 能够长时间保持比较高的创作水平和旺盛创作力的导演，往往都有自己的一套电影理论。

像已经过世的阿巴斯导演，可以说是一个电影理论家；像奥利弗·阿萨耶斯，他不仅是一个电影理论家，还是一个电影 历史 学家。再比如马丁·斯科塞斯，在零几年的时候，我去他的工作室做客，那时他正在剪辑《纽约黑帮》。

马丁给我看了一些片段，然后说他为了剪这几场戏，这两天一直在看爱森斯坦（Eisenstein）的电影和他的理论书籍。

我想马丁·斯科赛斯的电影语言跟爱森斯坦蒙太奇式的电影语言，差距还是很大的。但是他能够在做决定的时候，回到电影史，回到启发过他的导演们，寻找他现在的位置，寻找他此刻做出决定的依据。

从更大的层面来说， 面对纷繁复杂的世界，电影就是解释我们如何看待这个世界的载体。

我们必须带着自己看待世界的眼光和方法来进行创作，这些眼光和方法来自于更大的哲学层面，来自你的基础人文素养。

比如说你是不是接受过女权主义的一些理论？是不是在性别问题上有自己的判断和理解？你是否接受过新 历史 主义的方法？你在重新书写 历史 的时候，重视什么？

“新”电影会过时？

现代理论的学习，让我们更加贴近于人类目前理解问题、处理问题的前沿。

所以有的电影一出手，就是一部现代电影；有的电影一出手，就是一个保守的前现代电影，是过时的。

为什么会过时？因为你看待世界的目光是旧的、是陈腐的。

怎么保持一种新鲜的目光， 在于我们对于人类思考这个世界最新进展的理论的掌握，它要变成我们的创作软件。

通过这些理论学习，我们变成一个现代的人，我们的电影才会具有现代精神。 如果你对世界的认知停留在30年、40年前，相对来说你的精神可供当代人分享的部分就显得就落伍。

所以我觉得从根本上来说， 理论是一种自我建设。 当你不停地汲取理论，成为一个具有当代精神的人时，才能够保证你的电影是属于当代的。

你可以拍古代、可以拍未来，你也可以拍此时此刻，但是想让电影所贯穿当代精神，需要你本人是个当代人，否则就算你拿到一个非常有当代精神的小说原著，也可能把它改得缺乏新意。

比如说《赵氏孤儿》，我从九几年开始看过非常多的改编小说和剧本。同一个故事基础，但不同改变有不同的侧重点。

我记得有一本小说，我非常喜欢。它提出的一个核心观点是：仇恨应该被继承吗？

我觉得这很新颖。一个古老的中国戏曲故事，在一个新的翻写小说里，提出了一个新问题：要不要继承这笔血债？仇恨跟个体有多大关系？这就是一个新的思考。

当然，也有的改编跟几百年前的戏曲没什么区别，还是忠臣良将，那我们为什么在今天还要重复讲述它？这说明写作者本人的认知理论系统还是陈旧的。

这也就回到了本集的主题——电影的新与旧。

我觉得理论会帮助我们 成为一个拥有现代精神的电影工作者，或者说拥有现代精神的观众， 来继承前人理解世界的方法， 形成一种当下的观点。 这就是学习理论的重要性。

㈥ 为什么美国的顶尖科幻电影水平处于世界顶端

美国本身的科技毕蔽闹就是世界最顶端的，所以美国的科幻电影处于世界顶端很正常。首先，在电脑特效这块，美国的技术就是属于拔尖的，制作出来的特效比真的还真。其次，看美国历史就会发现，美国没有古代史并敬，建国历史很短，建国的时候，正处于工业革命手罩前后，所以他们一直在科技这条路上领先者。艺术源于生活，美国的科技就能提供给美国科幻电影更好的成长土壤，所以就一直处于世界顶端。