有没有讲动画如何制作的电影

Ⅰ 3d动画片是怎么制作出来的

使用了3D动画制作技术制作完成。
动画是一门艺术，而动画师则是艺术家。他们可不是通常意义上单门学派的艺术家，而是集诸多职业素质于一身的综合性艺术家。他们不但要熟练掌握泥塑、雕刻、美术、摄影、表演等技艺，甚至还要了解数理化生等学科，才能成为一流的3D动画师。
与任何3D动画制作工艺的流程一样，3D动画师在一部动画片制作过程中所担任的，是一个辛勤且苦命的技工。首先要有原画设计图，动画师才能根据设计图制作出3D人物和场景。艺术总监拿出设计图纸后，动画师就仿佛泥塑艺术家灵魂附体一般，开始对着电脑屏幕蹂躏一个虚拟立方体——行话叫“建模”。这就好比泥塑艺术家在捏泥人，只是人家用的是手和刻刀，而动画师用的是鼠标和键盘。
及至动画师眼圈发紫时，角色形态基本就出来了，这时艺术总监就会让动画师“上材质”。所谓“上材质”，就好比是泥塑艺术家给泥模子上染料。但泥塑艺术家用的是笔，而动画师用的是3D制作软件。这可是个细活，需要不断修改，细致绘画，反复在3D模型上绘制。
材质上好之后，下一步工作则是“绑定骨骼”。“绑定骨骼”又是什么？顾名思义，就是给做好的3D模型安上骨骼，让3D模型运动起来。因为现在完工的只是一个上了色的“泥塑”，一动就会“折胳膊断腿”。这时动画师暂时变成了一名提线木偶制作者，为3D模型安装能动的关节和骨骼。可角色都已捏好，又怎么安装关节呢？没关系，电脑和3D制作软件没有什么不可能实现的。绑定的过程，就好比外科医生给肌肉撕裂患者进行骨骼肌缝合，其复杂程度和“恶心”程度可想而知，此处不再赘述。
骨骼“装”好之后，就该来“调动画”了。直到这时，动画师才开始制作动画片的精髓，让“静态”变成“动态”。
如何让动画角色的运动更为自然更符常理呢？动画师不得不进行职业转换，暂时成为一名“演员”，亲自把动作演练一番，让自己感受角色，并与角色融为一体，用细腻的感觉和精湛的技艺细心调制模型的各种QQ刷钻动作。
当动作基本完成之后，就要进行最后一步了：把模型放在高配置的机器上“渲染”，说白了也就是让电脑把3D模型和场景变成一帧帧静止图片的过程。这是一个相当耗时的过程：动画模型做得越精细，渲染一帧的时间也就越长。《功夫熊猫》一帧耗时4小时，而一秒钟动画片可是24帧啊！待一帧帧的静止图片被渲染出来后，再用软件把它们连在一起，一部3D动画基本上就呈现在我们眼前了。
随着动画作品质量和时长的提升，以上这些制作绝对不可能由一个人来完成，所以动画企业必须进行流水作业，专人专项，各负其责。所以说动画是艺术，但动画制作却是工业，而且属于高端制造业，这可不是做一枝笔或者一块橡皮那么简单。
而国内在游戏和3D动画和网络游戏的双重渲染下，3D动画热潮越来越高，3D动画产业的崛起已成不可否认的事实，而动漫培训和游戏培训火爆可见一般，国内急需建立完善的游戏动漫教育体系！

Ⅱ 动画片如何制作

日本动画片制作过程
PluM-笙澧
2008-09-05 17:41:21 来自: PluM-笙澧

1、策划
2、制作经费
3、动画前期一:脚本
4、动画前期二:导演的工作
5、动画前期三：分镜图和副导的工作
6、动画前期四：人物设计和人物设计师的工作
7、动画前期五：机械造型设计和背景设计的工作
8、动画前期六：色彩设计及色彩指定的工作
9、动画中期一：构图,原画和原画指导
10、动画中期二：动画师
11、动画中期三：着色/上色人员
12、动画中期四：特效及特效人员
13、动画中期五：摄影及摄影效果
14、动画后期一：剪接
15、动画后期二:音响1：配音及声优
16、动画后期三:音响2：音乐，效果音及合成
17、试映,宣传,行销

第一回：制前作业第一步的前一步

普通在进行所谓的动画制作之前，常有一段为时不短(或有点痛苦)的「制前作业」(英文:Pre-Proction 日文:准备段阶)。制前作业是指要开始制作的准备工作.但是制前的前面呢?

制前的前面是「策划」(日文:策划段阶)

「策 划」又分为两种。第一种是在每一年度的策划会议里，动画公司的老板(英文:boss, excutive procer, 日文:社长, 策划)或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出,如果没有那就开始进行「有时长有时短有时痛苦有时快乐」的权利交涉。如果您在动画的片头一开始看到「原作」这两个字大都 是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演(英文:Director,日文:监督)或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日 梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写策划书然后交给老板过目。幸运的，策划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主...啊，不是，赞助商来一起响应伟大的策划。如果您在动画的片头看到「原案」二字大都是属于这类型。

交涉成功或策划通过后

让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动 画公司基本上都没有独立制作动画作品(不管是TV或OVA)的经费,因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商(*1)看他们有没有兴趣投 资。如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品(*2)没有市场价值,那么那企划100%不会再见天日。
相较于原案,原作(*3)的动画企划通常会比较容易通过赞助商那一关。因为原作基本上已有固定的顾客群(*4),赞助商们比较有心理上的保障而愿意投资将原作改编成动画而由贩卖相关产品来回收投资。

那么企划以什么样的形式提出给赞助商呢?
以 美国的制作公司来说,他们会先制作Pilot Film。所谓Pilot Film是指作品的精华短片,那是提出给赞助商说服他们投资时的主要利器。但是在日本,动画公司通常没有制作Pilot Film的经费往往是以纸张形式的企划书或脚本呈交给赞助商。因此在制前作业之前可能脚本就已经完成了。因为越让赞助商了解原案作品的"有趣之处"就越能 打动赞助商的心而得到制作经费。

第二回如何计算制作经费

理论上的计算程序很简单。
假设某一家影视公司估计一部动画作品(指一部30分钟的DVD)可卖1,000套,再假设一张DVD卖4,000日币,

1000套 x ¥4000 = ¥4,000,000

那4百万日币就是制作经费。分给各制作部门的经费通通包含在这4百万日币中。例如我们之后会介绍的动画导演,人物造型设计师,分镜图人员,主镜动画师,基层动画师,音乐设计,色稿人员,编辑人员,包装设计...等等等等。

这 样说来,计算经费好象很简单。但是实际上,如何估计一部动画作品可销售多少套那就要靠影视公司制作人的销售经验,动画导演的知名度,人物造型设计师设计人 物的魅力和声优的热门程度。这些人为因素使得估计制作经费成为一件不是简单的事。例如某有名的导演导的动画电影每一部都成为日本电影票房纪录还会在国际影展中得奖,那幺赞助商给他的制作经费就会高出其它作品很多。制作经费充裕之下他就可以多加镜头的张数,请较有名的声优(或演员)和音乐制作群来提高商品的 知名度和宣传效果。如果是一位没有「业绩」的新人,那幺经费就可能比较少了。因为影视公司没有比较的基准(新人的业绩)所以对这新企划的投资会比较谨慎。

第三回动画前期一:脚本

从 左边的分析图来看,我们已大致在前几回说明了制前作业之前几个重要的步骤。从这一回开始,我们将要开始逐一说明制前作业的流程。 如图可见,第一个也是最重要的步骤是「脚本」。所有的人物设计(*2),机械设计(*3)和美术设计(*4)及导演均要照着脚本来构图。因此在不管是什么样的企划,脚本在制作过程中占了相当重要的角色。

我们在第二回中提过脚本可能在企划案阶段就已经完成。那样的情况下,企划通过后脚本 是否再度修正呢? 这要看制作人和导演的意见。在左边的图中可见到制作人(*5)三个大字。负责一部动画作品成败与否是制作人。因此,如果制作人对脚本有意见(不够吸引人..)脚本作家(*6)就要修改脚本。当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时,脚本的修改也是必然的。再者,虽然导演不同意初步脚本而制 作人认为没有必要修改的话,脚本就不会被修改。

一般的动画公司都没有专属脚本作家,大部分是请自由身分作家(这些作家们有的是作SOHO 族,有的是和几位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)来写稿。不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。 不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。

脚本的写作并不是一件简单的事。不同于小说的是所有的人物动作及感情 都需要以旁观者的身分详细描述,例如一个角色很生气, 由于每一个人生气的方法不同所以不仅要描述他如何生气也要非常详细地描述他的动作来说明角色的个性和特征(例如:太郎火冒三丈=太郎握紧了拳头,眼睛咪成一条线,额头的汗如何如何的滴下,头上的火如何冒三丈...)。 脚本特殊的写作方式使得一位小说家有时并不能成为好的脚本作家。而好的脚本作家也不多见。

第四回 动画前期二:导演的工作

导 演是整个动画制作群的领队。日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。目前出名的导演们成为导演的过程都不相同,有些是从电影业界转行,有些是从 动画师做起,也有些是脚本作家兼导演,也有些是一开始就从事导演工作。大致上来说.动画初期时代的导演大部分是从制作管理(*2)参予动画制作多年后升格做导演或电影业转行开始。但随着时代的迁移,目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。但是由于导演决定一 切,工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演。而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始,只要有心,成为导演并不是困难的事。

以下为导演们实际工作的大略内容:
1、制前作业:
* 和脚本作家及制作人敲定脚本
* 分别和人物造型设计师、机械造型设计师、美术设计师开会将各设计案定稿
*制作分镜图(*3)(有时是副导演制作)
2、制作过程中要和副导演(*4)们谈每一集的制作方向
3、制后作业:
* 和剪接师编辑影片
* 指导声优们及音响导演制作出理想的效果
* 影像及音效合成。
4、参予所有的宣传活动

第五回 动画前期三：分镜图和副导的工作

以 下为日本的分镜图(欧美多为横向的表格,您可以在美国的Cartoon Network网站中的Studio Tour的「Animation」项目中略知一二)。分镜图简单的来说是「以图像呈现的脚本」。画分镜图的时间靠制作日程表的不同而有长有短。平均26分钟动画的分镜图要花3个星期完成。分镜图不需要很正确的将人物造型画出来,只要能让之后的工作人员看的懂就可以了。尽管如此,分镜图师还是需要事先练习每 一部作品人物造型和了解作品的特色才让原画师(*3)靠着分镜图正确的画出每一集副导演所需的镜头。

常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。

副 导演基本上分担导演的重担。不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列,导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。因此每一部动画系列都设 了副导的位子来管理每一集的动画制作。而导演多半负责重要的第一集及最后一集。副导的工作内容除了不负责制前的脚本,设计稿和制后的宣传活动之外,基本和导演相同。但由于导演是整个作品的总指挥,因此在副导负责每一集的制作之前,副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。

第六回 动画前期四：人物设计和人物设计师的工作

动画制作是一个需要密切配合的团体活动。因此 一部好作品除了有好的脚本,经验丰富的导演,当然,具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。在本单元的第一回我们曾解说过动画作品有两种-原作及原案。人物造型的设计也因此而有不同。

将 原作漫画改编成动画时,因为人物及服饰已经定型,所以并不需要再多加设计。可是为什么每一原作动画还是标明了「原作人物设计」及「动画人物设计师」呢? 第一,漫画是静态的作品,因为格数少所以人物的线条及服饰可以复杂来加深作品的美感及印象。但是制作动画时,如忠于原作人物的线条会使作画的时间加长而延长制作时间(及更多的经费),所以需要将原作人物的线条简化。第二,漫画人物因为不必着色,所以不必将每一线条连结。但是动画需要着色,所以必须改良原作 人物造型将所有的线条连结以便着色人员(*3)上色。第三,有一些原作漫画人物造型并不适用于动画作品。为了制作效率,着色上及动画造型上的理由,原作动画需要另外聘用动画人物设计师。

原案动画的人物设计是比较需要创意及困难的工作。原案人物的设计案在交给人物设计师设计时都只是文字及导 演口头上的指令(*4)。所以设计师只有靠脚本及自己绘图的能力来凭空设计出能够衬托出作品故事魅力并令人印象深刻的人物。此外还要考虑到制作效率的问题而不能画出线条太复杂的人物。因此,就算资深的造型设计师也有可能花一段时间(*5)才能定稿。

制前作业的人物设计完成后的人物设计图 (请参考「冥王计划」网站里所列出的人物造型设计)。将分发给原画师来进行每一个镜头的制图作业。一个人物的设计图分为三种:服饰设计图,脸部表情设计图及局部装饰设计图。所有的设计通常分为正面,侧面,背面,及特殊表情(生气,悲伤或微笑等等)以便原画师仿真。

如何成为人物设计师呢?根 据AIC的资深设计师们的说法：「很简单啊。一直练习一直画就可以了!」...嗯...事实上不是那么简单。同样的一个人物,每一个人画出来的风格都不同,有些吸引人,有些就看来平淡无奇。实在要如同他们所说的需要一直练习和磨练才能显出不同的风格。而且光是女性角色或只有动物画的很好并不一定能作为动 画人物设计师。人物设计师的重要条件是要能广泛的画好作品指定的每一种人物,也就是说设计师的绘画能力要很有弹性的能应付每一个作品的要求。如果能充分应付制作公司的要求,再加上自己设计的原创人物够吸引人,就能成为众所瞩目的动画人物设计师。

人物设计师们需要的工具可以由上的照片看出。 制图桌,铅笔,橡皮擦和一叠白纸是最基本的配备(有点废话...^_^;)。另外镜子是必需配备,因为人物的动作及部位有时需要看镜子里的自己来素描。其它的参考书籍及制图工具完全看每个人物设计师的需求,在这里就不详细描述了。

第七回动画前期五：机械造型设计和背景设计的工作

多年前还没有专门的机械造型设计师。大多是由人物造形设计师兼任或由比较擅长电器机械之类的动画师设计。从「宇宙战舰大和(Space Battle Ship YAMATO)」之后到「钢弹勇士(高达)GUNDAM」才真正定位专业机械造形设计师。

机 械设计师在动画制作上必须考虑到很多因素来设计每一部动画要求的机械造型。第一要在平时做很多的功课以满足接踵而来的多样的设计要求。第二要考虑到制作的 日期及进度而设计「适当」线条的机械造型。所谓「适当」线条是因为如果线条多的话，虽然机器人或宇宙船看起来很COOL, 但动画师们画好一个镜头的时间会相对加长。可是线条太少的话，机械人又看起来太简单没魄力,因此作设计时适当的线条是很重要的。最后是对每一个动画世界的 考察而了解并设计出能满足导演要求的机械战士或宇宙船。

要作为机械造型设计师的条件是必须有工业设计方面的知识及非常非常喜欢机械(例如汽车,摩托车,飞机,船...只要是金属做的)。

背 景设计师比起机械造型来历史相当悠久，早从黑白卡通草创时代开始就有专业的背景设计师。背景设计师基本上要画的「又好、又快、又美」。那是我在这个单元一 再提到的原因，动画制作的时间有限没有很多时间慢慢画，因此受欢迎的专业美术背景设计室动作都很快而且能应付紧迫的交稿日期。如何成为背景设计师呢? 这和作人物造型，机械造型师相同，要很爱画画而且躺着画也能画的很好(有点夸张,但动画业的时间很紧凑，能够在任何情况下一次OK的设计师虽然很少但相当 受欢迎)。至于技巧或工具方面,你可以在本网站的连结页里的背景设计公司「Corporation Kusanagi」里的「HowToPaint」专栏里找到绘制背景的所需信息。

第八回动画前期六：色彩设计及色彩指定的工作

所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩(头发,各场合衣服或机器人外壳的颜色..等等)。色彩设计必须配合整篇作品的色调(背景及作品个性)来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。

多 年前还没有使用计算机上色(*3)时，是使用水彩颜料在白纸上来进行色彩设计(如左图)。水彩颜料的色彩多半不由各制作公司自行调色，都按颜料公司提供的色卡和现成的色彩种类来设计。不自己调色的原因很简单，因为色彩设计之后要由着色人员们来上色，如果自己调色的话，要各上色人员调出一样的颜色是很困难 的。当然导演要求及经费允许情况下，制作公司可以要求颜料公司制作出所需的颜色再瓶装分发给上色人员。由于颜色的种类在色彩设计过程之前已经由颜料公司指定了，因此多年前色彩设计师均兼任色彩指定人员。而许多动画的色彩也看起来都一样。

现 在的动画色彩设计及色彩指定都使用软件来进行(如右图)。各公司使用的软件(日本较盛行的动画专用软件为animo和RETAS!PRO)都不同，只要是处理影像的软件都可以进行色彩设计。要注意的是，各软件处理色彩的方式不同因此在交付给上色人员时要指定同样软件来着色。也由于制作方式的数字化以及选色 的自由，使得目前的色彩设定选择范围加大及定出更为细腻多变化的色彩。

色彩设计师和色彩指定师都由基层着色人员开始。经过一年到两年的时 间(按个人资质能力不同)升格为色彩设计师或色彩指定师。色彩设计和色彩指定人员最大的不同在色彩设计只要设定基本颜色(普通日照下的颜色,如左图)。配色人员要另外和副导演详细设定出其它光线下和各集所需的颜色(黄昏,夜晚,特殊光线..等等。) 作为动画的色彩设计及色彩指定要具有影像处理色彩的知识。因为各摄影器材显示的画质色彩不同，不全盘了解之下作设计及指定的话,在电视屏幕上显示的颜色会和在计算机屏幕上的效果大不相同而减少作品的魅力。因此基层的上色人员要花一年到两年的时间熟悉实际作业过程后才能升格作色彩指定师进而成为色彩设计师。

到目前为止制前作业以大致介绍完毕,以后的单元将分次介绍制作过程中的原画,动画,及着色人员。

第九回 动画中期一：构图,原画和原画指导

在分镜图和所有的人物设计和背景备齐后，必须有人将所有的材料放在一起画出放大的详细分镜图以便后续动作。执行这项工作的是构图人员。

第十六回 动画后期三:音响2：音乐，效果音及合成

Ⅲ 如何制作动画片

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Ⅳ 动画片是怎么制作出来的

动画片制作流程：

1、故事板：导演根据文字剧本绘制出类似连环画的草图，将剧本描述的动作表现出来。故事板在绘制镜头的同时，动作、台词、时间、摄影指示、画面连接等都要有相应的说明。

2、设计：设计工作包括角色设计、场景设计、道具设计和镜头画面设计等，设计应按照严格的标准进行，以便下一制作环节的工作人员参考方便。

3、原画分镜：制作动画也有专门的分镜纸，上面有印好的矩形格，在这些格里画出动画每个场景的大致布局（背景、人物）并要在一旁用文字注明这个场景中人物的动作和台词。

4、配音剪辑：动画片和电影一样需要剪辑，但剪辑相对较简单，将逐个镜头按顺序结合在一起，适当删减没用的部分，在各镜头结合处编辑结合方法后即可。

动画片的特点

动画所指的是由许多帧静止的画面连续播放时的过程。无论其静止画面是由电子计算机制作还是手绘，抑或只是粘土模型每次轻微的改变，然后再拍摄，当所拍摄的单帧画面串连在一起，并且以每秒16帧或以上去播放，使眼睛对连续的动作产生错觉（因为视觉残像所造成）。

通常这些的影片是由大量密集和乏味的劳动产生，就算在电子计算机动画科技得到长足进步和发展也是如此。

Ⅳ 动画电影是如何制作的

我认为随着多媒体影视产业的发展，越来越多的作品使观众享受到了无与伦比的享受。一个部门的视听盛宴不仅让观众感到高兴，而且带动了中国整个多媒体产业的快速发展。而三维动画就是其中之一。为了让人们感到困惑，或者刚刚开始相互接触来理解，以及那些认为他们真的非常接近三维虚拟世界的人，让我简要地介绍一下三维动画的基本过程。

基于这一原则，我们可以理解，我们在回放中看到的一切都不是真实的，而是以在你面前连续播放图片的形式出现的。由于人眼具有视觉保留的特点，一幅图像的印象并没有消失，屏幕上出现了一个略有差异的下一个屏幕，并将连续的印象连接起来形成一个活跃的胶片。

Ⅵ 动画片怎么制作出来的

动画制作是一个需要密切配合的团体活动。动画片制作大体流程如下：

1、角色设计

将原作漫画改编成动画时，因为角色及服饰已经定型，所以并不需要再多加设计。但是制作动画时，如忠于原作角色的线条会使作画的时间加长而延长制作时间和花费更多的经费，所以需要将原作角色的线条简化。

2、背景设计

依据作品会有机械造型设计。机械设计师在动画制作上必须考虑到很多因素来设计每一部动画要求的机械造型。第一要在平时做很多的功课以满足接踵而来的多样的设计要求。第二要考虑到制作的日期及进度而设计“适当”线条的机械造型。

3、色彩设计

所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩。色彩设计必须配合整篇作品的色调(背景及作品个性)来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。

4、分镜图

常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。

5、构图

在分镜图和所有的人物设计和背景备齐后，必须有人将所有的材料放在一起画出放大的详细分镜图以便后续动作。执行这项工作的是构图人员。

6、配音

在作品制作初期就由制作人和导演开会后指定的音响指导分派工作给各音效部门来进行音乐制作。决定人选后,将脚本分派给饰演各角色的声优们之后安排时间进行录音。参加录音的是制作人、制作管理、导演、音响指导及副导在录音室录音。

7、效果音合成

除了动画人物的配音人员出色的演技之外，音效及主题音乐也是另外一个吸引人们观赏的要因。音乐多半请专业的作曲作词家制作。音乐的制作规模以预算而定，大规模的可能请到有名的音乐家和交响乐团来演奏主题曲，小规模的可小到一人用计算机混音完成。

到这部动画基本制作完成接下来就是试映、宣传和销售了。

(6)有没有讲动画如何制作的电影扩展阅读：

动画制作分为二维动画制作、三维动画制作和定格动画制作，像网页上流行的flash动画不属于纯二维动画；二维动画和三维动画是当今世界上运用得比较广泛的动画形式。动画制作应用的范围不仅仅是动画片制作，还包括影视后期、广告等方面。

著名动画大师：

1、美国：华特·迪士尼、蒂姆·伯顿、尤瑟夫·巴贝拉、约翰·拉塞特、马克·奥斯本、汤姆·麦克格雷斯等；

2、日本：手冢治虫、岸本齐史、宫崎骏、大友克洋、押井守、高畑勋、久保带人、尾田荣一郎、今敏、新海诚等；

3、中国：万氏兄弟、特伟、徐景达、钱家骏、戴铁郎、靳夕、孙立军、贾否等；

4、其他国家：西维亚·乔迈（法）、林亚伦（韩）、尼克·帕克（英）等。

Ⅶ 动画片是如何拍摄成电影的

浅谈动画片中镜头画面的设计
镜头画面设计，这个在实拍故事片中耳熟能详的名词，在动画电影中也一样有着举足轻重的地位。近年来大家也开始关注动画片制作中这个较为重要的环节。我论述的镜头画面设计这个主题，是我个人对动画观念的一种认识。镜头画面设计在这里只是作为我在论文中的一个代名词。镜头画面是电影视觉流程中最基本的单位，同样是动画片中构成的基本要素。它涉及的东西非常广泛，比如：在文学分镜头中，镜头画面设计要参与到画面叙事，安排镜头组接；在分镜头中，镜头画面设计又要设计好镜头的调度；在设计稿中，镜头画面设计又担任着画面构图、光影等设计工作；在动画片前期录音中，镜头画面设计者还得考虑旁白、对白、音乐等因素。由于动画片的本质所决定，整个影片成功的关键都在于前期制作的工作中，所以镜头画面设计对于整个动画片来说是尤为重要的。

从我个人而言，我认为动画片的镜头画面设计应该综合分镜头、美术设计和一些设计稿的工作。

一、 溯本求源

动画片镜头画面设计作为动画创作中的一种，也是以艺术设计的形式而存在的，而动画本身和绘画也有着深深地渊源。回溯到远古时期，山洞中茹毛饮血的祖先们用他们那极富有创造力的双手，描绘了最早的绘画--岩画。可是聪明的祖先渐渐发现，在单独的图画中只能表现自己心中最美的一瞬间，却无法表达瞬间产生的过程，这个瞬间产生的过程就是时间差带来的影像需求。30000年前一个西班牙画家拿起了神来之笔--第一次把连续的动作画在同一作品中，可以说这是具有伟大意义的。（见图1）

[[image1]]（图1）[[image2]]（图2）

这种用静态绘画表现连续动作的作品也许可以算是世界上第一个动画意味的画面设计；之后，到了2000年前，埃及画家们又对动画进行了新的尝试。（见图2）

把一张画放在一个固定的地方，在图上可以看出有着不同的动作，会让人感到这些肢体的不同姿态是在表达一种意境；在1826年，根据视觉原理，希腊人Joseph Plateau完成了一个真正的动画设计，在一个环形的滚轴中，几幅有着不同姿势的马，当人们把滚轴转起来时，马跑起来！从这当中来看，如果让我来分类的话，我想：美术可以分为"动"的美术、"静"的美术。当然，在这里"动"和"静"只是相对而言，所以油画、版画、国画等现代美术绘画所要表现的只是一种"静"的美术，而动画则与之不同，它所要表达的是一种"动"的美术。

我们再从另一个角度来看--动，就是 1895年，法国人卢米爱尔这位天才由照相术的演变而发明了电影。1907年美国人，斯图亚特·勃拉克顿发明了"逐格拍摄法"摄制了最早的动画片。我们可以看出这两伟大事物的本质是何其的相似：他们都是根据"视觉暂留"的原理以来达到"动"的效果。我们同时也知道动画属于电影的一种形式--"动画电影"，但动画也有它自己的特点，它的存在是故事片等实拍电影影片在某些程度上所达不到的；而从另一个方面来讲动画又离不开电影，动画片中许多的镜头画面设计都是得益于电影，有的甚至模仿电影。

由于，动画与绘画、电影的渊源，动画片具有了绘画性和电影性。作为动画片视觉流程中最基本的单位，镜头画面设计不仅需要有深厚的美术绘画功底，而且需要地运用各种电影语言的技巧。

二、镜头画面设计

什么是镜头画面设计？

要谈镜头画面设计，首先要谈什么是镜头画面？像我们所知道的那样："镜头是画面构成的基础，每一个画面无不是镜头最终的外在体现。镜头是画面的潜在形式，镜头也是构成画面的最基本的元素。"
镜头和画面是相辅相成密不可分的，但从艺术倾向来说可分成倾向绘画的画面设计和倾向电影的镜头设计。在这里所讲的镜头设计和画面设计，它们只是我个人在分开论述时的两个名称，我认为它们之间并不是并列关系，也不是对立关系，而是相互影响、相互制约溶为一体的。

1. 镜头中的画面设计

动画片的镜头画面设计最终是以银幕为载体出现的。如果把银幕看作是画面，那么镜头画面都是围绕银幕这个画面来设计的。对于镜头中的画面设计，我主要从三个方面来讲：

首先，构图。构图是画面的精髓，自然也是镜头画面设计的重点。构图可分为静态构图和动态构图。

我先来讲静态构图。静态构图更加倾向于绘画。绘画中对画面设计构成的定义是："画面构成是指在四边形的画面中，绘画者为了表现主题时所进行的图形配置"。而电影中对构图的定义是："为表现某一特定的内容和视觉美感效果，将镜头前被表现的对象以及摄影的各种造型因素有机地组织，分布在画面中，以形成一定的画面形式。" 构图就是要在每一个镜头画面中体现一种画面布局，一种画面结构。从定义上看来，电影与绘画构图除运用形式外，还是有相通之处的。它们二者都是在四边形的画面中，为了表达自身的主题，而对画面中的所有的造型因素进行一种合理的配置。比如1998年梦工场出品的《埃及王子》中，美术风格相当的鲜明。有一场戏：摩西和雷蒙斯在外面闯祸后，来到大宫殿向父王认错。（见图3）

[[image3]]（图3） [[image4]]（图4）

如图可以看到：宏伟的气势，震撼的画面，让人瞠目。在这里画面构图就采用了传统绘画的散点透视图法，以强调突出古埃及宏伟建筑，而近景的大殿的建筑物由舞台似的幕幔构成。这样，在全景构图中效果非常（图3） 强烈，并产 生了位置上的空间感和对比感。著名画家法库尼的作品《催眠师》也是用舞台空间形式来作为一种绘画构成。《埃及王子》中的这个镜头画面设计者把古埃及的繁华建筑物构入大殿的远方，这组镜头的设计已经把视觉中心体现得很透彻，这样一幅完美的画面就此产生了，我们可以说它是一件艺术品，在观众的心理留下极为深刻的印象，可见构图在影片中的作用是很大的。当然这件艺术品自然也有它的视觉中心，几何中心。就以视觉中心来讲，它是根据西方的"黄金分割率"的分法或中国的传统绘画中的"九宫格"的分法构成画面中的四个交叉点，两种图形四个点的位置略有不同，但基本上是一致的。这个视觉中心在《埃及王子》一片中这个近景镜头也被很好的利用了。（见图4）

此片的画面设计在设计中是（图4） 有绘画的倾向，但是与绘画本身还是有差别的。镜头画面和绘画都是同属于视觉效果的作品，但最后传播途径不一样，所以设计时也不一样。绘画是以画纸、画布为媒介传播给观众的，而电影则是以银幕为媒介传播给观众的。绘画作品可以长时间的观摩，研究作品；可在一般条件下，看动画片的观众却不行，他们只能由设计者带有强制性、安排在一定的时间内来决定观众看什么，所以作为镜头画面设计者来说很"幸运"了。而这一点对于绘画设计者来讲是办不到的，如果《埃及王子》一片中都用"大宫殿"的构图，而且都用长时间的定格，很难想象那制作出来的影片将会是什么样子，对于观众而言将是以一种什么样的眼光来对待？

所以作为动画片中的镜头画面设计者来说，除了设计像《埃及王子》中的"大宫殿"镜头的静态构图外，还必须得注重动态构图。
动态构图是指："在画面构图中，造型因素和造型结构，甚至摄影机处于运动状态中，画面构图组合会发生连续或间断的变化"。动态构图是由三种动态所产生：

（1）摄影机固定，画面中元素在运动；（2）摄影机在运动，画面中元素不动；（3）摄影机在运动，画面中元素也在运动。
动态构图是电影所特有的，而绘画作品是不能表现的。我还以《埃及王子》为例。在《埃及王子》的镜头设计中，有这么一组动态的镜头画面设计。（见图5）

[[image5]]（图5） [[image6]]（图6）

有摹仿电影中升降机的效果，镜头由摩西脸部特写开始，拉到摩西的全身，直至摩西被烟雾所弥漫的全景，设计者模拟实拍摄影机运动的效果，在这个镜头中运用动态构图，由一个镜头表现人物的（图5） 表情和人物所处的环境，以达到设计者对于这一场景的气氛效果的渲染，这时的镜头画面设计在影片中参与了叙事，并且突出了画面运动的流畅性。
另外，有些时候动画片为了加强某种效果，把画面作倾斜处理，把人物成对角线关系处理在画面中。这在镜头画面设计中是很常见的。如《埃及王子》、（见图6）

日本的动画影片《MEMORIES》、香港的动画影片《小倩》等等。
最后，作为影片设计者之一，镜头画面设计者设计构图时，应注意整部影片的风格，如中国的动画影片《三个和尚》和《鹬蚌相争》 （图6） 等，设计者把中国的国画、民间装 饰画溶入到画面设计中，虽然影片运动镜头运用的不多，但是其中静态构图却非常讲究，成为动画片中具有中国风格的经典动画片之一。
其次，是色彩。在美国迪斯尼动画制作过程中，有一个程序是专门做色彩气氛图的，在这里色彩只作为画面的一个因素来讨论。色彩是视觉冲击力最强，心理效应最深刻的画面构成因素。动画片的色彩是最丰富的，因为设计者在画面中所创造的一切元素都是由自己来定的颜色，不像故事片电影拍摄中，主观色彩都受被拍摄物体本身的色彩所影响。动画片中的色彩要更主观一些，更有创造力一些。当然，这些情况只是在主流影片中，而在非主流影片中，如果导演有自身的追求，把一切客观性的基础都抛开，那就得另当别论了。

要讲色彩，首先要知道色彩对于人的心理有一种基本的效应，简单的说：在高兴、喜庆等好的倾向时，色彩效应就该是明快、亮丽的色彩；而在悲伤、忧虑的时候，色彩效应多是沉闷、阴暗的颜色。当设计者根据文学故事情节来定色调，冷暖色调的对比是渲染气氛、烘托环境的最佳方法。比如美国动画影片《狮子王》中，木法沙统治时代的荣耀石和土狼成群时的荣耀石进行对比，影片设计者把暖色调、冷色调分别设计在同一块荣耀石中，给观众的心理感受是完全不同的：前者给人以宏伟、振奋的感觉；后者给人以破落、颓废的感觉。设计者另外再加入音乐、音效等一系列元素来烘托，对比就更明显了。还比如美国动画影片《大力神》中，有一场大力神海格利斯和多个蛇头怪兽决斗时的场景，冥神凯地斯在台上观察底下的一切。决斗前和海格利斯胜利以后的色彩对比，（见图7）

[[image7]]（图7）

这只是在镜头画面中一个或多个镜头画面对色彩的运用。同样整部影片也有色彩对比倾向。色彩在这里是情绪的表达。
又如动画片《花木兰》中设计者考虑到影片 是以中国传统故事为题材，而中国大都喜欢用藏青、黑灰、土黄、土红等颜色。这些颜色均被很好的运用到影片中来，所以《花木兰》整部影片的色彩反差较小。为了表现古代中国的故事，人物、服装、道具的色彩做了暗部选择和处理，通过这些色彩定位，从而奠定了全片充满着东方气息的视觉基调，成为影片成功的一个重要因素。而同样是迪斯尼的动画片《狮子王》的色彩却完全不同，全片特别是影片上半部都运用强烈的色彩对比，这和非洲大草原的地理位置大有关系。色彩在这里受题材的影响，已经成为风格化的处理。

此外，色彩在镜头画面设计中，还和构图等其它元素共同渲染气氛，在某些时候，构图中需要对某些物体进行加强或削弱，色彩可以加以变化以达到这种效果。

Ⅷ 动画片电影是怎么制作的

动画片制作分工极为细致，通常分为前期制作、中期制作、后期制作。前期制作又包括了企划、作品设定、资金募集等，中期制作包括了分镜、原画、中间画、动画、上色、背景作画、摄影、配音、录音等，后期制作包括剪接、特效、字幕、合成、试映等，主要制作流程如下：1、故事板，导演根据文字剧本绘制出类似连环画的草图，将剧本描述的动作表现出来。故事板在绘制镜头的同时，动作、台词、时间、摄影指示、画面连接等都要有相应的说明； 2、设计，设计工作包括角色设计、场景设计、道具设计和镜头画面设计等，设计应按照严格的标准进行，以便下一制作环节的工作人员参考方便；3、原画分镜，制作动画也有专门的分镜纸，上面有印好的矩形格，在这些格里画出动画每个场景的大致布局（背景、人物）并要在一旁用文字注明这个场景中人物的动作和台词；4、配音剪辑，动画片和电影一样需要剪辑，但剪辑相对较简单，将逐个镜头按顺序结合在一起，适当删减没用的部分，在各镜头结合处编辑结合方法后即可。

Ⅸ 动画电影是如何制作的

我们可以将过程分为几个步骤：企划、文字剧本、故事脚本、造型与美术设定、场景设计、构图、背景、原画、动画、品管、影片描经、定色与着色、总检、摄影与冲印、剪接与套片、配音、配乐以及音效、试映与发行。
总体设计阶段：
1）剧本。任何影片生产的第一步都是创作剧本，但动画片的剧本与真人表演的故事片剧本有很大不同。一般影片中的对话，对演员的表演是很重要的，而在动画影片中则应尽可能避免复杂的对话。在这里最重的是用画面表现视觉动作，最好的动画是通过滑稽的动作取得的，其中没有对话，而是由视觉创作激发人们的想象。
2）故事板。根据剧本，导演要绘制出类似连环画的故事草图（分镜头绘图剧本），将剧本描述的动作表现出来。故事板有若干片段组成，每一片段由系列场景组成，一个场景一般被限定在某一地点和一组人物内，而场景又可以分为一系列被视为图片单位的镜头，由此构造出一部动画片的整体结构。故事板在绘制各个分镜头的同时，作为其内容的动作、道白的时间、摄影指示、画面连接等都要有相应的说明。一般30分钟的动画剧本，若设置400个左右的分镜头，将要绘制约800幅图画的图画剧本——故事板。
3）摄制表。这是导演编制的整个影片制作的进度规划表，以指导动画创作集体各方人员统一协调地工作。
设计制作阶段：
1）设计。设计工作是在故事板的基础上，确定背景、前景及道具的形式和形状，完成场景环境和背景图的设计和制作。另外，还要对人物或其他角色进行造型设计，并绘制出每个造型的几个不同角度的标准画，以供其他动画人员参考。
2）音响。在动画制作时，因为动作必须与音乐匹配，所以音响录音不得不在动画制作之前进行。录音完成后，编辑人员还要把记录的声音精确地分解到每一幅画面位置上，即第几秒（或第几幅画面）开始说话，说话持续多久等。最后要把全部音响历程（即音轨）分解到每一幅画面位置与声音对应的条表，供动画人员参考。
具体创作阶段：
1)原画创作。原画创作是由动画设计师绘制出动画的一些关键画面。通常是一个设计师只负责一个固定的人物或其他角色。
2）中间插画制作。中间插画是指两个重要位置或框架图之见的图画，一般就是两张原画之间的一幅画。助理动画师制作一幅中间画，其余美术人员再内插绘制角色动作的连接画。在各原画之间追加的内插的连续动作的画，要符合指定的动作时间，使之能表现得接近自然动作。