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各個角度分析動畫電影

發布時間:2023-06-16 17:26:39

『壹』 如何評價動畫電影《紅豬》

動畫《紅豬》和《東京教父》是在兩個不同的時代下創作的。此外,它是由兩個不同風格的動畫導演宮崎駿其人和敏創作的。敏是繼宮崎駿其人、大雄、押井守之後享譽國際的第四代動畫大師。敏的動畫作品徘徊在現實和幻想的邊緣。敏的動畫傾向於成人化,其復雜的故事和深刻的主題與社會相結合,使成人更容易接受。

總的來說,兩部動畫片雖然主題不同,表現形式不同,但都很好地展現了自己想要的效果,成功地塑造了人物設計,完整地展現了一部精彩的電影。

『貳』 對動畫電影的分析主要從幾個方面開始切入

我覺得情節是最重要的
其次是畫面,背景是否唯美啊符合故事情節啊等等
還有人物、主人公的形象是否符合他的性格
動漫區別於電影、電視劇的地方就在於它有一定的想像空間或者說是誇張的表現手法,不像電影、電視劇那樣的真實。

『叄』 有關動畫電影研究論文

作為文化傳播手段之一的動畫電影,已經越來越受到觀眾們的喜愛,它作為一種文化、一種影視文字,同樣不能免疫於全球化的潮流。下面是我為大家整理的,供大家參考。

篇一

《 淺析色彩在動畫電影中的表現 》

[摘 要] 隨著現代科學技術的不斷 發展,特別是動畫電影的產生,為現代人們的生活留下了無數的 藝術享受。從美國動畫電影到日本以宮崎駿動畫電影為代表的動畫產業以及中國剛剛起步的動畫電影,都離不開色彩元素的表現。本文從多個色彩角度方面進行分析說明,更加體現出了色彩在動畫電影產業中所起的重要作用。

[關鍵詞] 色彩;動畫電影;表現

當我們在電影院觀看動畫電影時,無不對薯燃這些創作者的作品贊嘆不已,拍手叫絕。那又是什麼吸引著每一位觀眾,打動著每一位觀眾的心靈呢?是聽覺 語言和視覺語言共同造就而成,色彩無疑是動漫電影視覺語言元素的編碼和造就者。自然界中離不開色彩,生活中離不開色彩,現代動畫電影同樣更加離不開色彩。

動畫電影自從成為電影的一大門類後,完成了從黑白二維無聲片到立體音效三維彩色動畫片的逐步演進過程,到了今天,色彩成為動畫電影中極其重要的視覺元素。一直以來,色彩為動畫電影刻畫角色的情感;營造場景 環境的氛圍、增進劇情、豐富畫面、加強真實感、提高動畫電影本身的欣賞價值起到了關鍵的表現作用。

現代 社會是科技、資訊高速發展的時代,動畫電影更是每個國家資訊科技產業發展的風向標,但是每個國家又有著自己的地域風格、自己的表達方式和自己的技術水平,這都通過色彩表現得淋漓盡致。下面本人將對動畫電影中的色彩表現作出以下分析。

一、動畫電影與實拍電影中色彩的不同表現

實拍電影受自然環境、外界因素的影響在色彩表現上具有一定的局限性,而動畫電影則不同,它帶有強烈的主觀色彩,可以根據故事情節、人物性格、場景布局任意發揮。實拍電影中的色彩表現,是通過攝影機的移動,來客觀記錄景物和角色活動變化的,也就是說,這種拍攝方式要求遵循,自然的光影法則和色彩變化規律,其色彩表現是現實生活中色彩的真實寫照。

當然,同樣實拍電影中也有許多具有強烈的主觀色彩因素的典型例子。例如,國產影片《紅高粱》《英雄》等;國外影片《辛德勒的名單》當中所表現的,整部影片中始終是黑白畫面處理,只有在集中營中出現的猶太小女孩,畫面處理成了穿著紅色衣服,非常鮮明突出,讓觀眾突然覺得有了希望同時又感覺到了德國納粹的血腥,這里的色彩主觀處理起到了畫龍點睛的作用。法國影片《天使愛美麗》中,愉快的色彩畫面處理,也摻雜了主觀色彩的表現方法,充分烘托出了法國人天生嚮往浪漫、美好、輕松的生活場景。雖然以上提到的幾部影片多少都在色彩處理上做出了誇張,但是它還是不能脫離現實生活的束縛。

動畫電影在色彩處理上就更加自由,不守拘束,可以天馬行空,因為其中的色彩都是創作人主觀設計出來的,通過逐格拍攝的手繪畫面,或者是電數如虛腦製作的二維、三維影像,來完成更大的表現過程和想像空間。可以通過色彩處理對每部動畫電影中的人物性格進行最大的誇張;對場景進行最細微的描繪,最有利的烘托、渲染;為人物感情、 心理變化、劇情發展做出到位的鋪墊。例如,動畫電影《獅子王》中辛巴、丁滿、鵬鵬一起生活、共同長大的場景處理,橙色的辛巴、黃色的丁滿、紅色的鵬鵬分別在變化中的紫色調、藍色調、綠色調背景中出現,寓意著在這段日子中它們的生活是快樂的、安逸的,同時也為以後的沖突情節埋下了伏筆。

二、色彩在動畫電影中的視覺平衡

視覺平衡指的是在動畫電影中,色彩在鏡頭移動時的位置、大小、形狀變化,所要達到的給觀眾留下的視覺感受和心理感受。最典型的例子:中國早期的經典動畫片《大鬧天宮》當中橡掘,天神馬監軍與孫悟空的一段打鬥場景,馬監軍和孫悟空穿的都是紅色的衣服,在白藍色的天空下非常醒目。在整個場景的色彩處理中,馬監軍剛出現的時候盛氣凌人,但是最後被孫悟空打敗,其色彩面積由大到小,位置由上到下地變化處理,而孫悟空的色彩面積處理是由小到大的變化。在這一變化中,充分反映出孫悟空的英勇和愛憎分明的性格特徵,從而也符合了廣大觀眾的心理要求。

再如中國動畫電影《寶蓮燈》中,二郎神發怒時製造的火山噴發的畫面,岩漿從中間位置噴發出來,從遠到近流向最下方,直到最後充滿整個畫面,其色調變成一片火紅。象徵著大災難已經到來,從視覺上造成強烈的沖擊力,心理上構成了一種同情感和恐怖感。

三、色彩情感在動畫電影中的 應用

色彩情感一般都會表現在色調上,不同的色調處理會讓人產生不同的心理感受,如何處理好色調來表達設計意圖,成為動畫電影中重要的技巧之一,下面就對幾部經典的動畫電影進行分析。美國音樂動畫電影《幻想曲2000》,一段音樂故事中描繪著象徵生命的女孩與代表黑暗勢力的火山抗爭的故事。當春天到來時,萬物慢慢蘇醒,畫面整個充滿了淡綠色,顏色隨著女孩在空中飛舞慢慢擴大,隨著音樂的歡快節奏,女孩製造了無數美麗的鮮花,顏色更加豐富了,變得五彩斑斕,女孩的心情很是舒暢、愉悅。但是就在這時,她飛到了火山口處,色彩頓時變成灰黑色,氣氛變得陰森、恐怖,突然之間一雙火紅的眼睛睜開,火山噴發了,霎時間整片綠色大地變成了一片火海,也把整個劇情帶進了 *** ,過了一會兒鏡頭直接切換成灰色調,死氣沉沉,萬物沒有一絲生機,觀眾的心情也會隨之進入最低谷,在找那個女孩的身影,悲傷的女孩慢慢出現,喚醒了一棵將要死亡的植物,立刻色彩又有了生機,從淡綠色到深綠色,再到五顏六色,綠色填充了整個畫面,森林又恢復了以往的生機勃勃。色彩變化隨著劇情的波瀾起伏在不斷地變化,可想,如果沒有這些色彩,其中的精彩劇情又該如何展現。

在國產動畫片《大鬧天宮》中,玉皇大帝指派托塔李天王李靖帶領十萬天兵天將捉拿孫悟空時,把花果山團團圍住的時候,整個畫面色調由原來的明快,變為灰暗,陰影從天而降,陰雲中出現了里三層外三層的天兵天將,哪吒三太子與托塔李天王李靖氣勢洶洶地出現在畫面的中央。從情感上表現出了 *** 派的氣勢和勢力之強大,從而在心理上給觀眾造成了一種壓抑感,讓人不得不為孫悟空捏把冷汗,觀眾情緒隨著劇情變化而緊張起來。

四、色彩對比在動畫電影中的體現

色彩有了對比才有了層次,才豐富了畫面。繪畫離不開色彩對比,設計離不開色彩對比,同樣,動畫電影也離不開大與小、多與少、明與暗、遠與近、冷與暖、輕與重、粗糙與細膩等一系列色彩對比關系。我們要用對比的眼光看待整個世界的萬事萬物,才會發現自然界中的色彩真是千差萬別、豐富多彩。

動畫電影中的色彩對比主要指的是,運動畫面中的色彩平衡及其和觀眾在心理上產生的相對感受,所研究的范圍也是指在一定的環境、空間里,運動畫面所需要表現的對比關系。通過強烈的色彩對比視覺效果,來達到電影所需要刻畫的人物、景物、場景物件的性格特徵和氣氛烘托。沒有色彩對比,動畫電影也就變得蒼白無力,不能很好地吸引觀眾。

如美國動畫電影《埃及王子》,在埃及王子逃亡的一組鏡頭中,用的就是色彩對比關系,從而表現出時間的過渡。色調從黃綠色的沙漠到黃色、再到橙色、到紅紫色、藍紫色、藍色。色彩對比由暖色調逐漸過渡到冷色調,同時也表達出埃及王子在逃亡過程中的艱辛和時間的漫長。在電影當中更為典型的色彩對比情節是,運用黑色、藍色與橙色的補色對比關系,來表現其中人物的人性分裂。同樣是

一個人,面部色彩一半是藍色代表著邪惡、非正義的一面;另一半面部色彩是橙色,代表著正義、光明的一面。最後藍色與橙色分離,同樣也預示著正義與邪惡的分裂,各奔東西。 在日本導演宮崎駿的動畫電影《千與千尋》中,電影一開始的一組色彩對比畫面,小女孩千尋和父母,從陽光明媚的樹林慢慢走近一個城門里,色彩由明快變得晦暗,使得整個故事節奏變得緊張、神秘起來,也預示著千尋的一段奇妙旅程即將開始。在美國動畫電影《小馬王》中,小馬王被關進火車里的一段劇情中,悲傷的小馬王在經歷一段幻境畫面時,運用黑、白色相互交替的手法,在白雪茫茫中化成馳騁的白馬,再在深色背景中飛奔,充分體現出小馬王內心嚮往自由的美好願望,同時也暗示著它並不甘於現狀,想改變它的命運的態度,觀眾的情緒也被這一場場畫面的交替所感動。

五、色彩調和在動畫電影中所起的作用

有了色彩對比就需要色彩調和來調節和滿足不同場景、不同人物、不同故事情節的波動起伏變化。色彩調和是指兩個或兩個以上的色彩做有秩序、協調、和諧的組合,能夠使人產生愉快、歡喜、滿足的感覺。

動畫電影中的色彩調和所研究的范圍是指,在一定的空間 環境中,如何運用畫面的色彩調和,來達到觀眾在 心理上的愉悅。當然動畫電影中的色彩調和與前面所提到的色彩對比是相對而言的,沒有對比就沒有調和。從美學角度分析,凡是美的事物總是和諧的、統一的,這種和諧統一就是構成世界上一切美的事物的基本法則之一,在統一變化中達到和諧是任何對比、矛盾畫面最後處理的歸宿。

我們在進行動畫電影製作時,也要考慮到角色在畫面中的色彩、大小、遠近、動靜等對比關系如何協調。如在中國早期動畫電影《哪吒鬧海》中,四海龍王為了報復到處危害百姓時的一組鏡頭,火紅色的龍王在深藍色的大海背景下,面積由大到小,直到最後占據整個畫面,表現出了龍王的個性霸道、可惡,同時從面積調和的角度分析,從視覺上給人一種強烈的沖擊力,但是,由於畫面是在不斷變化的,所以總體感覺上色彩是平衡的。還有在小哪吒出世的一組鏡頭中,整組鏡頭都是暖色調,只有在蓮花瓣上出現一些紫紅色,在整個暖色系裡面加入少許冷色呼叫以調和,再加上全景中有穿冷色衣服的僕人做陪襯,更加顯得小哪吒形象可愛、活潑。再如,龍王在對待人們上貢時的一組場景,畫面全都是冷色調,這與龍王的無理、傲慢個性相互統一,更加體現出了它的可惡一面。但是在畫面中偶爾也會出現面積較小的暖色加以調和,使得觀眾的視覺不至於太過疲勞,起到了點綴的作用。

綜上所述,從色彩理論的方方面面在動畫電影中的表現做了一系列的剖析,這就說明想讓每一部動畫電影無論從電腦特效,還是美學角度都達到很高的境界,色彩創造出了視覺與 藝術的完美結合。當前對比國內外動畫產業,中國動畫市場還有很大的 發展潛力,這就需要我們作為一名設計專業 工作者去思考,如何在今後能夠加入到國內動畫產業中貢獻自己的力量。

篇二

《 動畫電影和實拍電影的比較 》

引言

動畫電影和實拍電影之間到底存在著怎樣的異同關系,高科技影像製作手段的發展給動畫電影和實拍電影帶來了怎樣的變化和融合。

動畫電影和實拍電影的區分

在這里我之所以用動畫電影和實拍電影這種淺顯的稱呼來區分二者的關系是有原因的。我國在電影種類的劃分上分出了四大片種,它們分別是故事片、動畫片、紀錄片以及科教片,可見動畫也是歸屬於電影范疇內的。在其它的國家裡也有把動畫片算在故事片范圍之內的,比如像美國就把電影分為紀錄片、故事片和先鋒派三種,而動畫片就包含在故事片當中。他們之所以這么劃分的理由是從二者的本質上來講的,因為一般的動畫片和故事片都是具有一定故事情節的影片,所以這么劃分也不無道理。其實電影分類並沒有一個什麼明確的標准,只要是在道理上能講的通,怎麼分類都是可以的,所以本文為了避免出現這種在影片種類劃分上而產生的歧異,就直接用了動畫電影和實拍電影這兩種淺顯易懂的稱謂來區分二者的關系。在過去我國一直把動畫電影作為美術范疇中的一種藝術形式,「美術片」一名由此得出。雖然動畫藝術在視覺元素中借鑒了好多美術上的東西,但是究其本質我們不難發現動畫電影和實拍電影一樣也是以畫面和聲音為媒介,在銀幕上運動的時間和空間里創造形象的一門藝術。動畫電影所具有的這個本質特徵恰恰就是電影藝術的本質特徵,所以動畫藝術還是應該歸納在電影范疇內作研究並找尋其規律。然而動畫電影在電影范疇中無疑又是極特殊的一份子,因為其在製作手段上與實拍電影迥然不同,所以我們不能簡單的把動畫電影和實拍電影的關系說成完全一樣或完全不一樣。我們得在「電影」這個大家庭下,來分析動畫電影和實拍電影這對本質相同外貌卻迥然各異的親兄弟。

一、動畫電影與實拍電影之間的異同

1、本質上的異同

動畫電影和實拍電影都是電影范疇中的不同片種,二者都是以畫面和聲音為媒介,在銀幕上運動的時間和空間里創造形象的一門藝術。這使得二者在電影的基本理論上都是相通的。所以我們要想在電影美學、電影哲學、電影的蒙太奇理論、電影的攝影以及電影的聲音等這些電影最基本的元素去比較二者的不同是行不通的,必須得回到二者如何不同的出發點,也就是在製作手段上來進行比較。二者的製作手段恰恰就決定了二者在本質上究竟有何不同。我們在下文就重點論述一下二者究竟有何本質的不同。

2、關於逼真性的異同

實拍電影在視覺表現上所呈現的逼真性是動畫電影或其它藝術手段無法企及的,這種逼真性主要是外在的逼真性。實拍電影在視覺表現上所呈現的逼真性包括兩點:一是能夠紀錄現實的人和事物,二是還紀錄了現實的人和事物的運動和發展,所以這種逼真性使其它的藝術手段只能望其項背。動畫片是以繪畫或其他造型藝術形式作為人物造型和環境空間造型的主要表現手段,間接記錄了現實世界的人和事物的運動和發展。人物造型、環境空間造型等都是來源於現實生活中的造型,只不過是經過誇張、神似、變形的手法來加以表現。動畫電影還是反映了一定的生活本質,所以說動畫電影和現實比起來其在畫面上是不具有逼真性的,但是其在表現內容上卻是具有一定的逼真性的。畫面的逼真性就是實拍電影和動畫電影二者最大的不同之一。

在動畫電影中還有一類叫做真人實拍動畫電影,在逼真性這個問題和實拍電影也存在一定的不同。首先,從製作手段上來說,實拍動畫用的是逐格拍攝手段或者是抽幀的手段來完成的,運動上呈現給人的是一種非自然的運動頻率,讓我們感到並不逼真,但這卻是實拍動畫所追求的運動方式。其次,從實拍動畫的表現內容上來說,多以誇張的手法來表現人物的行為或動作,主要就是來表現現實中不可能實現的看似荒誕的內容,不是去刻意追求實拍電影所具有的那種逼真性的藝術形式。

3、關於假定性的異同

1.實拍電影在視覺表現的逼真性上具有假定性。這一點包含了兩個方面:第一個方面,畫面展現的最終不過是現實的影像,而絕不是現實本身。就拿賈章柯導演的《三峽好人》來說,通過這部影片反映了一群人的生活狀態,絕非韓三明本人。視覺上雖然很逼真,但是這種逼真性上就具有假定性。第二個方面,畫面展現的立體空間和運動本身就是一種幻覺。我們在電影銀幕上看到的立體空間是一種光影營造出來的假象,電影銀幕本身就是只有高和寬二個維度的平面。電影上的運動就是通過一幀幀靜止的畫面進行快速播放而產生的幻覺,是具有假定性的。

2. 蒙太奇將現實的連續時空分切後重新組合,形成了電影時空,這種時空是虛擬的假定時空;蒙太奇連線靜止的形象所形成的運動感是假定性的運動感,動畫電影和實拍電影在蒙太奇上的運用是完全相同的。

3. 鏡頭角度和景別的選擇等的運用,滲透著創作者的主觀意識;在這一點上動畫電影和實拍電影是手段不同本質相通,沒有什麼本質區別。

4. 聲音與畫面的部分結合方式是打破現實中視聽邏輯的非現實性結合,在這一點上動畫電影和實拍電影也是相同的。

5. 銀幕形象、故事結構、感情意境都是藝術家對現實的選擇、提煉以及個性化的創造,並受樣式和風格的制約,動畫電影和實拍電影也都具有這一特性。

6.動畫電影比起實拍電影來說在這方面還多擁有了一種假定性——高度假定性。

雖然動畫電影和實拍電影之間存在著很多的差異,但是,由於現在的高科技影像製作手段的發展使得實拍電影和動畫電影相互融合的元素越來越多,這讓我們不得不去進一步的深入分析,下面我們就從幾部電影中分析一下這個問題。

二、 高科技影像製作手段的發展使得動畫電影和實拍電影相互融合

1、 高科技影像製作手段的發展而帶來的改變

過去的實拍電影在對非現實一類題材的選擇上是很謹慎地,因為非現實題材在實拍電影中光靠道具是很難完成的。但是高科技影像製作手段極度發達的今天使得電腦動畫技術也融入到了實拍電影中,例如《阿凡達》、《指環王》、《加勒比海盜》、《罪惡之城》等。電腦動畫技術在其中的大量運用,才使得這些非現實的幻想題材隨處可見、天馬行空的想法得以實現,這就是電腦動畫製作技術對於實拍電影的幫助之處。既然這種以動畫形式出現的角色和場景大量的出現在實拍電影中,那麼我們該怎麼定位這些電影是實拍電影還是動畫電影抑或二者兼有?

第一種情況就是上面舉例的那些片子。它們有一個共同的特點:雖然電腦動畫製作技術在它們每部片子里都大量的運用,但是電腦動畫技術沒有發揮自己的高度假定性的特點,而是配合實拍電影去追求逼真性,努力營造一種逼真感,使其能融入到實拍的部分中去。所以這種型別的電影從本質上來講還是應該歸類到實拍電影中去。電腦動畫技術只是作為後期手段,去輔助片子的完成其實拍中無法完成的具有逼真性的畫面。

第二種情況就是像《黑暗掃描器》這類的片子。雖然這類的片子在一開始是用了實拍的方法拍攝的,但是經過了後期的處理和修改,其在畫面上呈現了動畫的風格,也就是在畫面上追求的是一種高度假定性。所以這類的片子還是應該劃分在動畫電影的行列里。

第三種情況就是像《加菲貓》以及《精靈鼠小弟》等這種實拍和動畫相結合的方式。這種型別的電影,他們既發揮了實拍電影的逼真性的特點,也不避諱動畫電影高度假定性的特點。使二者有機的結合到了一起。

高科技影像製作手段及其發達並且還在繼續發展的今天,我們已經得到了太多得驚喜。未來的電影究竟是能發展到何種地步,已經是我們不敢想像的了。

結論

動畫電影和實拍電影這對「兄弟」一直在保持著自己的特點發揚著自己的優勢的同時,也在不斷的汲取對方的養份,使得現今的電影製作手段是越來越豐富了。但是二者之間不管怎樣的融合,二者各自的特點是永遠不會變的。實拍電影追求的是逼真性,動畫電影並不追求逼真性而是去發揮自己的高度假定性。這就是二者在本質上的不同。

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『肆』 動畫片《三個和尚》的藝術特色

《三個和尚》這一動畫電影帶有中國特色和民族個性的風格,是中國動畫片的典型代表和中國動畫造型的輝煌。這一動畫片造型的單純化、符號化、幽默感,准確生動地賦予人物以特有的性格和氣質。只有掌握豐富多樣的表現手法,才能在造型設計中做到真正意義上的隨心所欲、隨意賦形,從而塑造更有競爭力的優秀動畫形象。動畫的造型就是以美術理論為基礎的審美訓練,既包括人物和景物造型又包括動作造型,它在整個動畫片中佔有極為重要的地位。好的動畫造型要有很強的藝術性,只有這樣才能充分傳達出故事情節和人物性格,更好地塑造人物形象,吸引觀眾,使人在嬉笑娛樂中得到精神滿足,同時還能帶來強大的商業利益。

『伍』 動畫電影賞析角度

2002年,第52屆柏林國際電影節金熊獎、第21屆香港電影金像獎最佳亞洲電影獎這兩個耀眼的獎項全部頒給了一部動畫長片,出自日本動畫導演宮崎駿之手的《千與千尋》,2005年,宮崎駿本人也被授予了威尼斯電影節終身成就獎。動畫片作為一種特殊的電影類型,伴隨著其低齡定位的固定印象常常被置於電影學術視角之外。10年前,宮崎駿以其作品動畫長片《幽靈公主》打破動畫界為兒童觀眾製作電視動畫短片的時代,紅遍亞洲電影院線;10年後,《千與千尋》以動畫這一類型片形式史無前例地在柏林電影節上獲得最高獎項;這足以留給我們許多思考:顯然動畫片作為電影的特殊類型之一,看似單薄的畫面、出自畫筆或電腦軟體的人物也能超出我們想像地成功承載導演試圖傳達的思想、成功傳遞人類特有的感情,動畫電影在票房與藝術上都取得了一定成就,並逐漸走出淺薄單純的刻板印象,在審美與藝術價值上得到了承認。

一、具有分析意義的動畫電影及其美日兩大風格

根據動畫電影的表現風格與文化影響,人們普遍認為全球動畫電影中執牛耳的美國與日本動畫電影是兩種具有明顯不同風格的流派。動畫電影的生成機制依賴於人在腦海中的想像與筆在白紙上的描繪,由於背離了傳統電影的真實本性,歷來以幼稚、簡單等刻板印象在各種電影學術視角的邊緣徘徊,這種印象的形成與沃爾特·迪斯尼及他的迪斯尼王國通過系列改編自世界童話的動畫電影在全球大眾通俗文化中產生的重要影響緊密相關。從1923年迪斯尼的第一部有真人參與的動畫電影《愛麗絲在卡通王國》開始,諸如《美女與野獸》、《獅子王》等經典動畫影片屢屢在全球取得票房成就,在皮克斯、夢工廠等動畫工作室出現之前,奧斯卡最佳卡通片獎項長期為迪斯尼所獨占。以迪斯尼為代表的美國好萊塢動畫生產線歷來以兒童為主要觀眾群,考慮到美國復雜的電影分級制度,動畫影片往往迴避時事主題與性主題等成年人才能理解的內容,以改編、創編經典童話故事為主,並且始終貫穿著好萊塢對電影技術的崇拜。如最新賣座電影《功夫熊貓》中,其導演與敘事力量已經完全為CG動畫造型所帶來的震撼所取代,製作商也坦言其生產路線就是製造「針對兒童的夢幻」,其終極目的是讓家長掏錢購票,領著孩子走入電影院享受一次娛樂。

與美國動畫電影具有的「兒童化」、「超級英雄」、「3D」等風格關鍵詞相比,日本動畫電影就有著更寬泛的路線。從上世紀50年代起就開始在日本社會普及的動畫產業如今擁有非常廣泛的觀眾覆蓋面,如2007年日本本土電影票房排行中動畫電影就占據半壁江山,這些票房冠楚大多是具有各種不同目標觀眾與風格的本土動畫電影,特別是知名連載電視動畫的劇場版:如以兒童為觀看對象的《寵物小精靈》、《哆啦A夢》;還有講述清純戀愛內容的《秒速5厘米》等以少女為觀看對象;以及熱血格鬥主題的《海賊王》、偵探類《名偵探柯南》等以青少年為觀看對象;其次才是《美食總動員》這部皮克斯作品[1]。日本作為全球動漫大國,其總人口中視閱動漫的比率高達87%,居全球之冠,動漫產業成為其第三大產業[1];從上世紀70年代開始,日本動畫電影就開始了「輸出」之旅,而日本動畫電影在全球范圍內贏得廣泛關注與贊譽多要歸功於目前日本國內公認的動畫界三大權威:宮崎駿、押井守和大友克洋。這「三大權威」所製作的動畫電影以構思復雜、思想深邃、主題哲意為共同特徵,在世界范圍內擁有大批擁躉,其中大部分是成年人。宮崎駿自《風之谷》後便在亞洲享有盛譽,2002年更是憑借《千與千尋》一舉贏得全世界矚目,其作品就此邁入全球關注的時代。押井守則是以根據日本科幻漫畫教父士郎正宗的漫畫原著改編製作的《攻殼機動隊》電視動畫片與動畫電影成名,在全球范圍尤其是美國產生了強烈反響,2004年製作的《攻殼機動隊》第二部劇場版《Innocent》在戛納電影節上展播,2008年以《空中殺手》與宮崎駿一齊角逐威尼斯電影節。而大友克洋早在1988年就以由自身創作的連載漫畫《阿基拉》改編的同名動畫電影驚艷於西方世界,這部承前啟後的作品甚至深刻影響了整個西方的科幻電影思想[2],2004年他製作的《蒸汽男孩》也在當年威尼斯電影節上展映,並成功在國際市場發行。雖然三人的作品風格各異,但目前從影片國際發行數量、所獲國際獎項這些標准來看公認宮崎駿是最有影響力與代表性的。

電影分析的角度來說,電影作為一個獨立自主的藝術作品,它可以衍生一個在敘事結構上以及視覺、音響上建立意義,並對觀眾產生特殊效應的文本[3]。雖然傳統電影分析的視角並未將動畫電影置於其中,電影藝術的論述著作中也常常僅將動畫作為一種影片類型寥寥簡介,但是以宮崎駿及其系列作品為代表的日本動畫電影具有顯著的美學特徵與導演風格痕跡,具有與商業電影對應的票房成果;在影片主題構思、創作水準、藝術效果、視聽音像、目標人群上都具有了超越迪斯尼經典改編童話動畫電影的高度;其進入國際市場的高品質作品以深沉的內容哲思與獨特的畫面風格獲得了觀眾與影評人的認可。如此2002年《千與千尋》才獲得了除柏林電影節大獎與香港金像獎以外,當年第75屆奧斯卡金像獎最佳長篇動畫電影獎、紐約電影批評家協會最佳動畫片獎、波士頓電影批評家協會特別獎、第30屆Annie Awards長篇動畫片電影獎、導演獎、腳本獎、音樂獎、第9屆好萊塢電影節最佳動畫片獎、紐約電影批評家協會最佳動畫片獎、日本電影大獎導演獎動畫片電影獎等幾乎所有動畫電影評選的獎項[4]。這樣一部動畫電影能超越國界得到藝術與市場同時好評,為動畫電影這一常常被電影學術界忽略的類型具有放入電影思想與文化視域進行解析的價值做出了旁證。

二、日本動漫產業語境下的宮崎駿電影賞析

日本動漫產業市場除了數量繁雜眾多的印刷出版物,還包括動畫電影、動畫電視片和動畫音像(錄像帶、DVD)與周邊產品。在這個巨大的市場內產品內容無所不包,目前全日本有400多家動漫製作公司,科幻、靈異、偵探、戀愛、格鬥、人際關系、倫理批判、個人奮斗等各種題材與內容的動畫產品每天在這些公司中生產出來,其中也不乏暴力、血腥、尚武、頹廢、色情、肉體刺激等充滿負面內容的動畫作品。在這樣一個龐大蕪雜的環境內,靠觀眾以自身脆弱的感知與判斷在消費中來辨別動畫產品的良莠實在過於勉強,但也正是因為這樣,宮崎駿、押井守和大友克洋這「三大權威」所代表的這部分深刻、人性化、富有哲思並激勵感悟的動畫電影作品才得以以標桿的位置豎起日本動畫電影的發展旗幟。「動畫電影作品」與立足於短期收益的「動畫電影商品」是不同的,並不是說提倡只觀看欣賞權威導演的作品,但是對於日本動畫電影的消費與賞析,必須首先選擇在內容與思想上有品質與品位,其次是能傳遞出一定的導演通過世界觀、價值觀設定所欲表達的創作與人生理念的電影。

對於本文欲討論的日本動畫電影主要代表人物宮崎駿,其作品無論是美學視域還是導演的作者角色都具有十分鮮明的特色,尤其是成立個人主創的吉卜力動畫工作室後,其個人風格在所有作品中一貫延續,並且在這背後還能看到日本民族文化性格的輪廓。

1、「吉卜力」的作者印章

「電影作者論」的命名者、倡導者、實踐者是法國電影新浪潮的主將「三劍客」之一的弗朗索瓦·特呂弗;電影作者角色的倡導與實踐意義始終限定在三個層面之上:通過編導合一賦予導演在影片視聽構成與總體風格的掌控權利;將文學研究中的作家作品論研究方式實踐進入電影評價,以導演作品的視角考察其電影;以導演作為劃分並指稱電影作品的方式,取代此前的主演明星或大製片廠的標示來勾勒電影現象與電影作品[5]。「電影作者論」與其說是一種理論,不如說是一種態度,導演在堅持藝術理想與平衡大眾口味之間取捨,持續培育自身的風格。

原作與編劇、編劇與導演在電影作品內容的理解上產生矛盾與沖突是十分常見的,製作人與投資方提出修改意見也常有發生,編導的沖突與磨合在動畫領域中主要表現在原作與腳本間、製片人與導演間。宮崎駿的吉卜力動畫工作室創立之初推出的動畫電影《魔女宅急便》就是根據小說家角野榮子的原作改編,因為影片加入魔女奇奇失去魔力的情節,曾被原作者認為有違展現魔女奇妙生活的作品精神而遭到強烈反對[2],雖然最後雙方做出了改編的妥協,但無疑原作者的意圖是導演意圖的干擾因素之一。或許是出於這一原因,宮崎駿創辦的吉卜力工作室至今只製作了《魔女宅急便》與2004年《哈爾的移動城堡》兩部由原著小說改編的電影,其餘作品的原作、腳本、導演、人物設定、分鏡全由宮崎駿一人完成,配樂設計也是由合作數十年的老搭檔久石讓完成。吉卜力工作室的合作製片人德間康快、高田熏等人則是以有名的從不幹預導演的任何製作工作而與宮崎駿保持了長時間的合作關系。可以說在宮崎駿吉卜力工作室的作品中,真正實踐了「導演作者」的自覺意識。宮崎駿作品的主要題材與重復主題也是十分明顯的,以《風之谷》聞名於世的關注自然,批判戰爭與破壞的「環保教父」頭銜在其後的《幽靈公主》、《天空之城》中得到反復印證;每部影片中必然出現的「飛行」場景;每部影片必然出現風格細膩的水彩寫實風格自然景觀;絕大多數影片主角都是特定年齡段的青少年;絕大部分鏡頭由細致的手繪畫面製作…這些主題與表現上的特點已經形成導演本人的獨特烙印,成為宮崎駿的個人風格標志。

可以說,即使沒有任何真人明星演員,宮崎駿及其吉卜力動畫工作室通過系列動畫影片已經建構了一個完整的「宮崎駿世界」,打上了本人鮮明的藝術烙印,在很長的一個時期「吉卜力出品」甚至成為票房的保證,每部影片都是當年日本國內票房冠楚。即便是常被人忽視的動畫形態,只要打破「給兒童看」這個藩籬,導演也能實踐自己的藝術意圖,甚至由於人物、背景、色彩等畫面設定上的自由性還能更方便的以一以貫之的方式實踐導演個人的主題與風格追求。

2、寫意的美學追求

寫意本是與「工筆」相對的中國畫技法,強調以簡練的筆墨寫出物象的形神,從而表達作者的意境。簡言之,寫意是以看似簡單的筆觸體現出描繪對象的精髓。宮崎駿的動畫電影畫面線條都十分簡單,無論是人物還是背景近景等,都是以手繪原圖為基礎製作出來的2D畫面,畫面立體感全部依賴色彩表現,主色調突出,色彩柔和豐富。但所有的宮崎駿電影都以流暢的視覺觀感與明亮的色彩成功傳達出影片的情緒,令觀看者腦海中久久留下那簡單卻純凈的意境。以任何美術研習者都能具備的技巧繪畫製作的電影如何給人們產生觀看的愉悅?這就是寫意的境界。

動畫藝術本身是綜合性的,它包括造型、動作、語言、繪畫和聲音等表現手段。這些手段又以不同的方式在動畫形象上集中表現,構成了獨特的審美價值[6]。宮崎駿的寫意手法就在於動畫形象的整體意境描繪上。蘇珊·朗格在《藝術問題》中提出,一部繪畫作品打動觀眾的方式在於以畫布、色彩等物質事物達到一種平衡的形狀,從而組成一個蘊含著畫面要素的能動關系、充滿著張力與馳力的空間,即所謂的藝術作品的「幻象」[7]。借鑒這種分析畫作的觀點來分析宮崎駿電影中的畫面,即是以色調、角色造型、表情細節、背景設計等合力營造出整體的獨特「畫風」空間。比如《龍貓》中的大龍貓,以簡單的灰色調與毛邊橢圓造型,配上尖耳朵大嘴巴與富有變化的眼睛和鬍子,並添上與巨大身材不相稱的小爪子與尾巴這些細節,寥寥幾筆背後是深厚的畫風積累,成功塑造出具有毛茸茸質感又富有童趣的造型;龍貓出現的場景設計在臨近森林的農田中或者是樹上,以淺綠這種生動活潑的色調為主要背景,既有細膩得連經絡都畫出來的樹葉,又有以簡單化高光與明亮色彩背景化交代的農田,再加入幾束陽光投射的光線細節描繪,便將畫面襯托的生機勃勃。宮崎駿式「幻象」的營造在於對畫面傾注的充沛情感,以寫意的手法描繪角色,但是又利用畫面的每個細節同時向觀眾傳遞關於角色的情緒,因而成功營造出獨特的浪漫主義意境。

宮崎駿本人比較排斥電腦技術,他堅持在其製作的動畫電影中不使用任何電腦技術,看似簡單實則深厚的寫意意蘊才是他真正打動觀眾的美學理念。

3、民族文化的輪廓

同樣是「毛茸茸的巨大生物」,可以將龍貓這一角色與迪斯尼2001年製作的影片《怪獸公司》中的主角毛怪做個對比;皮克斯在設計表現「毛怪」這一主角時所採取的是全球最先進的3D技術,毛怪身上的絨毛多達300萬根以上,為了詳細表現出每根絨毛,並且在動作上同時表現出重力感與靈巧度,皮克斯花了近兩年的時間專門開發了一種用於建模設計的電腦軟體[8]。製作方花了巨大的代價試圖表現一隻「可以亂真」的怪獸,影片中以毛怪的動作為表現重點,解救小女孩阿布的情節安排緊湊令人印象深刻,但其角色性格與心理的刻畫反而略顯牽強。而輪廓化二維化的龍貓雖然沒有一句台詞,卻以鄉間森林中憨胖可愛的精靈形象留在了每個孩子的心中,「龍貓」一詞與「巨大柔軟憨胖精靈」建立起了意指鏈,影片播出後龍貓形象的毛絨玩具在整個亞洲大受歡迎,至今仍在生產。也許這兩位主角甚至這兩部動畫電影的審美差異折射出的也是東西方之間的審美差異,以漢文化圈為代表的東方文化中歷來貫穿「天人合一」的理念,從觀看畫面時的視覺習慣到把握概念時的認知習慣,東方文化都傾向於從「整體」上著手,具有追求整體和諧的習慣;尤其是宮崎駿的美學理念向來在於以柔美舒緩的筆觸營造整體意境,以欲言又止的含蓄與意境美觸摸觀眾的心靈。而發軔自歐洲的西方文化則以「人物對立」的理念來統攝其世界觀,視覺習慣上關注主要部分,概念把握上關心結論,西方觀眾尤其是美國觀眾也更習慣接受主角在畫面中心不斷地行動、打鬥。

藝術無時無處不與主體、社會及其文化等深刻地聯系在一起,它總是某種社會文化類型的模型。文化在賦予一個民族以表達方式時,也賦予了該民族觀察這些藝術的眼光。在宮崎駿的所有作品中都深深浸潤著日本社會文化的審美特性與個性輪廓。

(1)日本社會與平民主角

在《菊與刀—日本文化的諸模式》中,本尼迪克特認為日本是一個強調團體與一致,以「恥感」為道德標準的社會,各自擁有固定的角色與責任、傾向合群低調的人群就像同質的汪洋。低調與寡言的日本人面臨著職業與家庭的角色責任,背負著社會既定的壓力。「中庸」作為儒家思想的核心要素之一被完整移植到了日本社會,並在此之上置入「國家神道」的信仰核心,個人主義在這個社會是不被提倡的。在這種提倡團隊精神與社會規則的社會精神下,我們在以宮崎駿為代表的日本動畫電影中看不到天賦異稟的美國式超級英雄,片中的主角都是凡人,普通的中小學生少女少年,連魔女都是穿著灰袍自食其力(《魔女宅急便》),即便有位見義勇為的飛行員也是一頭豬(《紅豬》);嚴格來說他們根本不算英雄,他們只是通過戰勝生活與心靈的挫折重新找到自信,幫助了身邊的人也幫助了自己。

也正是因為如此導演在每部影片中並不僅是講一個故事,而是將故事中每個角色的性格、心理細細鋪陳開來,讓觀眾目睹著身邊的平凡人與普通孩子如何在成長的荊棘路中發生變化,找到自己的方向。「平民主角」源於社會文化性格對個人英雄的摒棄,給觀眾帶來的是心靈的貼近與更多的自我感觸。毫無疑問在觀感撼動性沖擊與心理撫慰式感觸間,宮崎駿所選擇的是後者。

(2)自然神靈與和而不同

日本社會的主要特點是多種宗教並存[9],與此對應的便是多神的觀念。多神觀念的源頭是日本原始宗教神道教,神道教認為萬物有靈,崇拜自然界諸神,日本各地可見的神道神社就多出於山嶽信仰而修建。敬畏山嶽、河流、森林等自然神靈雖然看起來與現代社會的開發背道而馳,但多神與自然神靈的觀念伴隨著人類學傳承而滲入了日本的民族文化。《龍貓》的創作就直接源於宮崎駿本人幼年聽過的傳說;而《千與千尋》的原片名為《千與千尋的神隱》,「神隱」就是日本文化中用來表示孩子突然不見或失蹤的說法,意為被神靈藏起來了;在宮崎駿的作品中,自然神靈的存在理所當然。

在對自然神靈的崇拜中目睹的是摧殘自然的現狀,被稱為「環保教父」的宮崎駿常常在影片中展現人類對信仰的漠視與大自然沉默的報復,也許不只是對於環境惡化現狀的危機感使然,導演更想從自然神靈與現代社會和諧存在的理想圖景中召喚那逝去的尊敬自然的崇敬之心。不論是《幽靈公主》中人類與森林生靈血淋淋的戰爭,還是《千與千尋》中各路神靈悠然自得的異世界,「和而不同」是導演在其所有作品中設定的一以貫之的世界觀,在這種世界中徜徉的觀眾也能回味起日本民族敬畏自然的時代。

(3)含蓄深遠的淡雅之美

「含蓄」可以說是概括以儒文化為代表的東方文化美術、文學理念的關鍵詞之一。表現在影片的審美領域,即是「其中深意,欲說又止」的敘事方式,以及傳承自「物哀」情結的婉轉淡雅氣氛的營造。

宮崎駿動畫電影常常在120分鍾以上的時間里陳述一個完整的世界觀架構,並安排一段極其復雜的劇情,在人物關系與背景架構交代清楚後,影片便圍繞一個核心情節展開,但高潮的鋪陳舒緩,主題立意深遠,導演有意無意不交代徹底的一些細節為觀眾留下了無盡的回味與想像空間。如《幽靈公主》中著名的結尾台詞「一起,活下去」,又如《千與千尋》中帶著些許悵然的千尋離開異世界的腳步,再如《天空之城》中載著生機緩緩升空的大樹之城等等,沒有「從此幸福快樂」的結論讓人安下心來,這種欲說還休的敘事方式以及一些刻意的細節懸念交代,類似於繪畫中的「留白」技法,於空白處留出想像的空間,邁入這處空白的觀眾以自己的方式參與導演的世界,這與好萊塢動畫電影的直白單調相比是一種別樣的體驗。

「物哀」則是由《源氏物語》在日本社會所開啟的一種審美意識,淡淡的哀傷,婉轉的情意自公元1世紀以來就隨著一代又一代的詩人、散文家、物語作者流傳了下來[3],就連日本的國花櫻花也是充滿著繁茂枝頭轉瞬即逝的哀婉與悲傷,而日本作家川端康成也是以小說《古都》、《雪國》中物哀、風雅、幽玄這一獨特美感與日本文化的內在精神而獲得了諾貝爾文學獎。可以說浸潤在日本文化中的藝術家無不受到「物哀」情結的影響,宮崎駿的作品當然也不例外,即便具有充滿異域文化的場景設計,影片的情節內容等仍是十足的東方味。如《天空之城》中孤獨的機器人伴隨著大樹上的都市飛向太空,《幽靈公主》中為了各自生存註定要斗爭下去的雙方,《紅豬》中寧願變豬、常常留給吉娜期望與等待的波魯克等等情節的安排,充滿著無奈與感傷。而體現在人物關繫上,導演則常常描繪一種少年少女間的朦朧傾慕或嚮往之情,人物細膩的表情、目光移動與面紅向觀眾訴說著心中情愫,婉轉淡雅,甚至根本不曾言說過的情感以無聲勝有聲的方式有力感染觀眾,以意蘊取勝。

三、結語

作為人類想像的產生物,動畫電影這一類型與傳統電影源起同步,目前不少優秀動畫電影都能以深刻的思想與意蘊在藝術與市場上取得巨大成功,同時不少動畫電影導演還能以獨特的作者意識使動畫這一形式在更大范圍內產生影響,因此我們有必要從客觀的立場與審美角度出發,在與傳統電影平等的視角下對動畫電影給予應有的關注與解析。有趣的是,隨著全球電影廣泛使用進而依賴CG技術,流行商業電影的畫面開始有了追求「以假亂真」境界的傾向,也許押井守曾預言過的「所有電影都將成為動畫」的時代真的並不遙遠

『陸』 影視動畫影片分析的介紹

《影視動畫影片分析》從借鑒學習的角度選取了13部風格形式各具特色的美國動畫作品,它們都是美國動畫電影的翹楚之作,更是美國動畫多元特點的代表作品。力求通過這些豐富多彩影片的分析,從各個角度來為大家勾畫出一個美國動畫電影創作的整體線條,並從劇作、人物造型、動畫設定、鏡頭畫面、CG技術、動畫色彩、動畫音樂以及市場營銷、衍生品的開發等不同的視角,分析這些影片的成敗得失。

『柒』 《大魚海棠》電影精神分析

《大魚海棠》這部卡通電影獲得第15屆布達佩斯國際動畫電影節最佳動畫長片獎。我們從精神分析的角度來解析下這部電影。

《大魚海棠》敘述的是一個小女孩成長成為女性的過程。

從剛開始,很多種大魚進入雲層,然後又在天空中飛翔,更加靠近男性的精子進入女性的體內的感覺。然後在水中孕育成魚,又變化成人類的這樣一個感覺。

模擬了早期男性與女性這樣一個受孕的過程,然後生產的這樣一個過程。

生產出來離開母體之後,在成人禮之前有這樣一個階段,他們處於一個比較天真,爛漫的體驗之中。

這樣的體驗就是他們可以看到周圍的世界,內心存在著比較強烈的探索的慾望。

二來他們有一種能賦予外在世界的情感,在電影之後還加強了這種感覺。他能夠讓植物很快就生長出來,結出果實,這跟孩提時候的孩子對外界的感觸是比較相似的。

接下來我們可以看看,他們有這樣一個水域海天之門,然後從水的管道上去,然後天空之中有前後分開,或者是左右分開的這樣的感覺。

這就模擬了我們早期的記憶,個體離開子宮,從產道到另外一個世界的感覺,而且背後是一個老太太,拿著一個魔法杖,我們就可以想像一下,像一個接生婆,或者一個醫院里的一個護士或醫生。

後期我們可以看看,這樣種種的比較,種種的核算,然後最終選擇到另外一個世界去。到另外一個世界去的時候,他們同樣沒有法力的。

這樣一個世界,就跟以前的世界做了決裂,這才是一個真正的成人禮,而之前的成人禮可能只是一個短暫的探索。

那接下來我們談談,在這個短暫的探索之中,椿和另外一個男性在水中,有比較近距離的關系。這樣子的關系可能更加側重於一個男性和一個女性,或者說一個男孩跟一個女孩在初始有這樣一種性愛活動的時候,有這樣一個少劑量的血的過程。

初始性愛對女孩來說有少劑量的血流出來。當然在這電影之中,用一種比較唯美的方式表現出來。

而在這個背後可以看到,比較危險的人類布置的網織可能是一個影子或者借口而已,而在現實發生的是這樣一個男性和一個女性的這樣一個關系。

在這個體驗之中,我們可以看到,一方面她可能想擁有一個男性的關系,另一方面她也處於一種矛盾之中。

她回到屋中迎接的是自己的母親,而且她這時候感覺到比較內疚的,比較對不起自己母親的。而這種感覺轉移到另外一個地方,對不起另外一段關系,這段關系就是鯤這條魚。

接下來我們看看她和鯤的關系,這條魚可能在比較小的時候比較依賴於她。成長之後跟她的關系更加個人化一些,更加唯心一些,而不是一個真實的關系。

她和一個男性的這樣一個關系,可能是她想要維持自己內部平衡的這樣一個關系,並不是能夠真正的欣賞自己作為女性,作為母親的這樣一個角色。

而是通過獲取男性身上一部分信息來達成一個和諧和和解的關系。

說到這里我們再看一下,其實她和父母的關系,母親好像稍微近一些,而父親好像比較遠的,有一些模糊的,有一些輕描淡寫。可能在這樣一個現實生活之中,她就要努力達成這樣一個平衡的關系,彌補這樣一個關系。

但是她用的這樣一個方法,依舊是她母親教給她的,其他女性教給她的,而是重復著其他女性一個不是那麼有效的方法,所以到最後她和男性的關系不是那麼融洽,這個關系可能是虛構出來的。

我們都知道,如果你和一個陌生的男性建立起這樣一個關系,他怎麼能夠和你建立起來這樣一個關系呢?

椿對身邊的湫這個男性,也是置之不理。你就是我的哥哥,而湫始終介入不了這樣一個界限。

這樣的一個感覺就像自己的母親跟父親的關系是比較接近的,他的父親可能插入不到跟母親的連接之中,湫也自始至終也介入不了這樣一個關系之中,他和大魚的這樣一個關系之中。

從影片的題目來看,大魚和海棠似乎象徵著一個男性和女性。電影之中,他的爺爺和奶奶有比較穩固長久的愛情,這個可能是她比較理想化的父母的關系,也是現實中她要追求的,要達到的這樣一個關系。

但是在這影片的最後,她好像沒有跳出這樣重復的關系,沒有達到這樣理想的關系之中,依舊是一個比較刻板的關系之中,出現的是一個完全陌生的男性,而這個男性可能從此以後,對她不聞不問,介入不到他的體驗之中。是不是她自己,在女性身上是否有意的封鎖了一方面的感覺,就像她和湫的關系一樣,選擇性的忽略了湫的犧牲和幫助。

『捌』 如何去評判一部動畫的優劣,從哪幾個方面,專業角度,謝謝!

從日本方面來講
首先導演很重要,象是宮崎駿、押井守、大友克洋、今敏等,他們的動畫就代表了一部分號召力。
不論是從故事、製作(包括原畫,動畫,監督,配音,音樂,公司)等等都具有高的水準和突破性。
特別是出的一些紀念版什麼的,都是策劃了好幾年的。
美國的話,迪士尼、藍天工作室、夢工廠都是不用說的。
最近歐洲的動畫也不錯
像是法國、西班牙水準也很高。

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