請簡要概括戲劇表演和電影表演有哪些不同

㈠ 在大家看來，話劇和電影的區別是什麼

話劇演員在進行表演的時候，表演方式和電影演員也是有著非常大的不同之處的，這還是因為場地的不同所導致的。由於在一個劇場內表演，觀眾座位有前有後，演員必須誇大自己的舉止行動以及念白對詞的方式，這樣才能保證更多的觀眾看清感受到戲劇情節的力量。電影則不同，電影是提前製作好在銀幕上播出的，所以導演編劇演員都要等電影放映過幾場之後，才能夠得到觀眾和市場的反饋。電影銀幕會放大電影的視聽效果，所以電影演員的表演方式更趨向於真實的生活，用更加真實的表演方式來表達劇情和思想情感。

㈡ 影視表演與戲劇表演的異同

相同:都是用肢體語言詮釋劇情的意思,將自身融入其中,有感情的進行演繹;
而區別在於,舞蹈不需要使用更多的語言詞彙和表演元素,但是需要舞者能夠理解舞曲本身的意境所在,體會其中的涵義,有靈魂的舞蹈才是一個舞者所需要展示的;戲劇影視則是需要表演者用更多的語言表情去體現原有劇情的意思

㈢ 電影與戲劇的異同

電影和戲劇有著本質上的區別,電影是用畫面來表現內容的,運用的是蒙太奇表現手法,是「視聽語言」藝術。話劇則是運用舞台來表現內容，運用對話設置劇情沖突，場景只能用布景來轉換，舞台的空間很小，戲劇屬於文學范圍。

電視既不屬於電影更不屬於戲劇，電視是隨著電影演變而來，但是跟電影的拍攝方法還是有些差別，電影是用膠片，光感色彩都比較鮮明，表現的事物比較生動。

而電視劇則是運用錄象帶拍攝完成，其色彩質感遜色於電影。但是電視劇和電影本質上沒什麼區別。

電影，是由活動照相術和幻燈放映術結合發展起來的一種連續的影像畫面，是一門視覺和聽覺的現代藝術，也是一門可以容納戲劇、攝影、繪畫、動畫、音樂、舞蹈、文字、雕塑、建築等多種藝術的現代科技與藝術的綜合體。

電影是一種視覺藝術，用於模擬通過錄制或編程的運動圖像以及其他感官刺激來交流思想，故事，感知，感覺，美麗或氛圍的體驗。電影一詞是電影攝影術的縮寫，通常用來指電影製作和電影業，以及由此產生的藝術形式。

電影是由特定文化創造的文化文物。它們反映了這些文化，進而影響了它們。電影被認為是一種重要的藝術形式，是大眾娛樂的來源，也是一種教育公民的有力媒介。電影的視覺基礎賦予了它傳播的普遍力量。

戲劇，指以語言、動作、舞蹈、音樂、木偶等形式達到敘事目的的舞台表演藝術的總稱。文學上的戲劇概念是指為戲劇表演所創作的腳本，即劇本。戲劇的表演形式多種多樣，常見的包括話劇、歌劇、舞劇、音樂劇、木偶戲、皮影戲等。戲劇是由演員扮演角色在舞台上當眾表演故事的一種綜合藝術。

戲劇的起源實不可考，目前有多種假說。比較主流的看法有二：一為原始宗教的巫術儀式，比如上古中文，「巫」、「舞」、「武」三字同源，可能是對一種乞求戰斗勝利的巫術活動的合稱，即戲劇的原始形態。另一為勞動或慶祝豐收時的即興歌舞表演，這種說法主要依據是古希臘戲劇，它被認為是起源於酒神祭祀。

㈣ 戲劇表演和影視表演有什麼區別

傳統的戲劇是對人們生活的復刻，我們的世界每天都在和他人交往著，不斷的和周邊的人和物發生著關系。正如戲劇家莎士比亞在《皆大歡喜》中說的「世界是一座大舞台」，所有人男男女女不過是一些演員，他們都有下場的時候，也有上場的時候，一個人的一生要扮演著好幾個角色。」由此可見表演是與生俱來的，它並沒那麼神秘，它來源於生活。我們每時每刻都在生活著，只不過每個人扮演的是不同的社會角色，展現的地方也並非戲劇舞台。但是豐厚的生活經驗可以為專業的表演提供堅實的後盾，從而進行再創作。
戲劇藝術的表演要求，首當其沖的就是我們對演員的基本要求的「七力」和「四感」。觀察力、注意力、想像力、感受力、思考力、適應力、表現力以及真實感、形象感、幽默感和節奏感。
其次，就是戲劇和影視劇的一些不同之處。
話劇演員是在虛擬的舞台和規定的情景內進行表演創作，這就要求話劇演員的創作在假定的舞台上要有很強的信念感，要相信自己所在假定的環境中，並真實的去感受舞台上的一切。
戲劇演員是在舞台上，要用自己的全身行動去表演，完全要融入到規定情景中，和影視的區別是，當站在話劇舞台上時，因為演員距離觀眾有一定的距離所以很多面部表情和細小的動作看的不是很清楚，所以在話劇舞台上必須要放大這些細小的動作，才能使觀眾感受到演員所要傳達的東西。
戲劇表演的生活化並非是要用生活去代替表演，再現一切生活內容，它是以生活原型為基礎，經過選擇、提煉，再現生活中的人物性格的藝術，展現手法要相對誇張一點。
時空局限是戲劇藝術的特點，在正式演出時，一旦開始就不會停下，直到演出結束為止，從而也就造成了戲劇的連續性。
戲劇演員在舞台上進行創作，注重的是外部整體感，因為舞台是固定的，要根據場景的假定性來使觀眾相信。戲劇演員在台上分析調度、空間結構，讓舞台愈加真實。因此戲劇演員更注重的是舞台整體，而不是個體。

㈤ 電影與戲劇的區別是什麼

電影、電視、戲劇、動畫、多媒體雖同屬於綜合藝術，但它們在審美特徵上也有差異。如戲劇具有舞台性，必須在舞台上演出，具有劇場反饋效應等，電影、電視呈現在觀眾面前的，不是演員的當場表演，而是在銀幕、熒屏上的連續不斷的活動畫面，畫面組接(蒙太奇)是其創造藝術形象的獨特語言和主要手法。電影、電視也有區別。前者場面可以很寬闊，後者穿堂入室，進入家庭，帶有更多的靈活性，更加逼近生活。三者各有其特點，不能互相替代。

電影藝術。

㈥ 電影與話劇的區別

1、表達形式：

話劇指以對話方式為主的戲劇形式，於19世紀末20世紀初來到中國。主要敘述手段為演員在台上無伴奏的對白或獨白，但可以使用少量音樂、歌唱等。

電影，是由活動照相術和幻燈放映術結合發展起來的一種連續的影像畫面，是一門視覺和聽覺的現代藝術，也是一門可以容納戲劇、攝影、繪畫、音樂、舞蹈、文字、雕塑、建築等多種藝術的現代科技與藝術的綜合體。

2、傳入中國的時間：

1920年，以上海新舞台上演蕭伯納名劇《華倫夫人之職業》和民眾戲劇社的成立為標記，話劇正式走上中國舞台。在整個20世紀20年代，「戲劇」這個稱謂基本等同於後來的「話劇」。

由1896年至二十世紀二十年代，雖然外商在中國電影市場占據了壟斷地位，但亦阻止不了我國電影活動的開始。1903年，德國留學生林祝三攜帶影片和放映機回國，租借北京前門打磨廠天樂茶園放映電影。

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話劇是一門綜合性藝術，劇本創作、導演、表演、舞美、燈光、評論缺一不可。中國傳統戲劇均不屬於話劇，一些西方傳統戲劇如古希臘戲劇因為大量使用歌隊，也不被認為是嚴格的話劇。

電影具有獨自的特徵，電影在藝術表現力上不但具有其它各種藝術的特徵，又因可以運用蒙太奇（法語：Montage）這種藝術性突躍的電影組接技巧，具有超越其它一切藝術的表現手段，而且影片可以大量復制放映。

㈦ 戲劇和電影的區別

影片的特殊風格將一個古老的疑問再次呈現在我們的面前，戲劇和電影的區別究竟在那裡。
一個完美的例子是台灣導演瀨聲川的《暗戀桃花源》。在被那種有點酸的文藝腔征服之後，我們也許都在奇怪，那種巨大的震撼力究竟來自於那裡。戲劇的無力之處和電影的盲點相結合，於是我們看到了錯置的時間也看到了電影所拙於表現的多聲部現象。而在格林那威這里，問題轉化了，戲劇與電影變成了彼此削平的關系，電影借戲劇之屍還魂，在瀨聲川那裡的融合變成了格林那威的裁汰。這大概是兩種美學的不同處理方式。前者是互為體用，而後者是以一方來矯正另一方，不過這種矯正很難說就是導演的真實的理念，因為往往是這樣的，出於矯正的目的而採取的方法通常是一種策略。而對於格林那威來說，戲劇的外殼和舞美，也只是他顛覆主流電影的戰術之一。

㈧ 戲劇與電影，電視劇的共同點與不同點

電視表演藝術和戲劇、電影表演藝術在創作任務的要求上應該說基本上是共同的。那麼，電視表演藝術的特點是否與戲劇、電影表演藝術有著相同之處呢?它們之間又有哪些不同之處呢?電視表演藝術與戲劇、電影表演藝術在其最主要的特點上應該說與戲劇、電影表演藝術是完全相同的。這一特點就是它們都是一種「化身成角色」的藝術。

前面已經談到無論是戲劇、電影還是電視表演藝術的創作任務都是要創造出活生生的、有血有肉的人物形象，並使之具有審美的價值。而這一創作任務的完成則只能是通過演員自己粉墨登場，通過自己現身說法，設身處地去扮演角色，最終達到「化身成角色」這樣一個途徑來達到。 「化身成角色」之所以成為戲劇、電影和電視表演藝術的最為主要的特點，是由於它指出了戲劇、電影和電視表演中所要解決的最主要的矛盾：即演員是以其自身為載體，使之變為劇本中之人物，表現出另一種性格，成為另一個人物，最終以此為媒體，使觀眾從中領會其審美之價值。

我國的戲曲表演藝術家對於演員創造的特點有一句十分精闢的藝訣。這句藝訣就是：「是我非我，我是我，我亦非我；裝誰像誰，誰裝誰，誰就像誰。」從這句藝訣中，它論述到了「是我」——演員在進行創造，而所創造出來的角色，則已經是「非我」了，而所謂「非我」也就是說化身成為角色了。雖然作為角色的載體的我還是我，但他已經成為角色，而並非原來的演員的「我」了。另一方面，它又從演員的創作任務角度提出要「裝誰像誰」，無論誰扮演角色，都應該達到「神情畢肖」的境界，也就是要達到「進入角色」，「把自己和所扮演的人物融為一體」，並且把他「再體現」出來，達到「裝誰就像誰」的程度。從這一幅對聯似的藝訣中，我們可以看出：它把表演藝術是由演員來扮演角色，而最終必須是化身成為角色的這一特點十分辯證地表述了出來。

由於戲劇、電影、電視表演藝術都具有由演員來扮演角色，並且要「化身成角色」這樣一個主要的特點，因此也就必然出現在戲劇、電影和電視表演藝術中相同的另一個特點， 即演員在創作中是運用自己的身體和心靈來現身說法，在自己的身上塑造出藝術的人物形象這樣一個創作特點。

電視表演和戲劇、電影表演一樣，還有一個共同的特點，就是他們的創作永遠是在虛構與假定的條件下進行的。盡管電視劇在攝制的過程中和電影一樣可以更多的在真實的環境中進行拍攝，但它也不可能完全是真實的。例如：即使在真實的環境中拍攝戰爭場面，用的也不可能是真槍實彈；而雨中的場面，則往往是得用灑水車來完成。何況電視劇的拍攝也不可能完全離開攝影棚里的虛假的布景。在一些室內連續劇的拍攝中就更是如此。而更為主要的是無論戲劇、電影還是電視劇中的戲劇情境則完全是虛構的，演員就必須要能夠把這種虛構變為令人可信的真實。演員之間明明是同事，但在假定的情境之中則可能成為父子、兄弟、姐妹、夫妻、君臣、仇敵、情侶等等。還有那生生死死、是是非非、恩恩怨怨的虛構的故事情節，都需要演員把它創造成為藝術的真實。因此，電視表演和戲劇、電影表演一樣可以說都是一種「弄假成真」的藝術。這就要求演員要能夠「以假當真」，「假戲真做」。只有這樣才能使觀眾信以為真。

然而在電視表演中，有些特點則與戲劇表演不同而與電影表演相似。它們與戲劇表演不同之處首先是電視和電影演員與戲劇演員在藝術創作整體中的地位與作用有著不同之處。在戲劇中，演員可以說是中心，戲劇演員的表演是藝術創造整體的完成。在戲劇演出中，導演的構思主要是通過演員的表演來實現，所以在演劇藝術的創作中，往往會聽到「導演應該死在演員的創造之中」這樣一句話。舞台美術等藝術部門的創造，盡管在當代的演劇藝術中獨立的表現某種蘊涵的成分越來越大，但仍然不能離開為演員的表演創作服務這一前提。在舞台上，只要大幕一拉開，演員就成為一個演出的主宰，演員表演的優劣，往往就決定了一個戲的成敗。所以人們也就把戲劇稱之為「演員的藝術」。演員因此也就成為戲劇演出的中心。

電視和電影的藝術創作則與戲劇有所不同，它們卻是以導演為中心，因此人們稱它是「導演的藝術」。由於一部電視劇或者是一部影片的完成是靠整體的屏幕或銀幕造型，演員的表演只是這整體的屏幕或銀幕造型中的一個元素。導演在進行創作的構思和體現自己的構思時，就不能只是「死在演員的創造之中」，他所要考慮的必須是整體的屏幕或銀幕造型。

電視與電影表演與戲劇表演的不同之處還在於審美意識上的差異。不同的藝術品類自然有自己與眾不同的美學素質。在戲劇表演中，演員追求的是舞台表演美，而電視與電影表演中演員追求的則是畫面造型之中的鏡頭美。

突破舞台局限的首要因素是攝像機和攝影機，由此而產生了它的紀實的特性，以及蒙太奇、再造時空和運動的畫面。攝像機和攝影機是屏幕和銀幕造型中極為重要的元素，具有一種獨特的創造力，它們的參與就成為電視和電影表演美學中必須要考慮到的一個重要組成部分。

戲劇演員在舞台上表演時由於考慮到與觀眾的距離，不可避免的要有適當的誇張甚至是變形，例如京劇的表演就因為最初是在野外的檯子上演出而逐漸形成它的不僅在表演上，而且在服裝與化裝上都十分張、並以變形的方式來表現生活的特徵。話劇表演比起京劇表演來說雖然已經接近生活了，但是由於是在劇場中演出，考慮到觀眾的欣賞要求，無論是在聲音、語言、形體和表情上仍然有一定程度的誇張成分。有時一些十分誇張和變形的動作，如慢動作等，都需要自己去完成。而這些特點運用得充分、得當恰恰就構成了戲劇演員表演上的舞台美。

而在電視劇和電影的拍攝中，攝像機與攝影機則突破了舞台的封閉性與觀眾固定的視角，可以從各個角度去拍攝演員的表演。它不僅可以把演員放在極遠的背景上，也可以非常近距離把演員的某——部位如面部、眼睛、手和腳等拍成特寫。由於攝像機與攝影機誠實地記錄下鏡頭前的一切，所以它也就會無情地暴露出缺陷，能夠識別出年齡，使一切虛假的東西都一覽無余。但是，另一方面，攝像機和攝影機也可以製造出騙局。例如可以選擇適當的方位和角度來美化或醜化被拍攝的人與物體；利用光學鏡頭的不同性能

和膠片感光乳劑的化學性質，可以使被攝的物體變形；演員正常的行走或跑動，經過加工，可以變成快速的動作或是慢動作。因此，電視演員與電影演員一樣，要去適應攝像機的獨特的創造功能，掌握在攝像機前表演的特殊要求，創造出符合電視審美要求的屏幕形象。
電視、電影表演和戲劇表演在審美意識上的差異，決定了電視與電影演員必須要學會與攝像機或攝影機合作。特別是攝像機與攝影機的紀實的特性，要求演員應該是通過酷似生活中的自然形態的表演最終達到化身成為角色。同時又要時時考慮到攝像機與攝影機的特殊的創造功能，適應它、並且盡可能地去利用它，使自己的表演在屏幕造型或銀幕造型時能夠展現出一種「鏡頭美」。

另一方面，戲劇、電影和電視作為綜合藝術雖然都必然是集體的創作，都需要在整體協調的創作中才能完成。但是，戲劇演員在舞台上進行表演時相對地來說具有一種獨立性和自主性。一個戲一經排演完成，搬上舞台，演員完全是獨立自主地在舞台上進行表演。而電視與電影演員就不可能完全如此。電視與電影表演最終的完成是在剪輯台和音畫合成階段。演員在前期所拍攝的鏡頭在某種意義上說只是給導演的屏幕和銀幕形象的創造提供了原始的資料。導演和剪輯師則還要對這些材料進行加工、修正、升華，最終創造出完整的屏幕或銀幕形象。有時演員本人十分滿意的鏡頭可能被剪去了，而有些原來看來並不十分精彩的場面，經過導演與剪輯師的創造性的加工、修改，反而十分出色。即使在多機拍攝、同期錄音的電視劇的拍攝中，演員的表演的完成實際上仍然掌握在導播的導演的切換之中，最後也還是要經過導演與剪輯師的加工與創造。因此，在電視表演中，演員不可不注意自己的表演在電視和電影這一綜合藝術中的區別與戲劇演出的創作中的特殊性。
此外，由於電視、電影的製作過程與戲劇的創作過程有著明顯的不同，也造成了電視表演與電影表演上的另一個特點：即電視表演就不像戲劇表演那樣在創作中有連續性。戲劇演員一般來說是按照時間的順序來表演他的角色。在戲劇演出中演員可以在兩個多小時的時間里，按照劇情發展的順序來創造自己的角色，在這個順序之中努力使人物性格的發展連貫、有層次、有起伏而且前後和諧統一。但是，在電視和電影表演中，由於受到時間、地點、氣候、經濟條件等種種因素的限制，拍攝不可能是按照故事情節的順序來進行的。例如：人物50年前和50年後的戲由於是在同一個外景地，往往就會安排在同一個時間里拍攝。而在戲里雖然是三兩分鍾之後發生的事，但是由於場景在不同的地方，就可能要停一段時間才能拍攝。電視與電影在製作過程中的這種特點，就必然使演員的創作無法連續進行。

還有，這種不連續性還表現在電視和電影演員必須是在短暫的、獨立的時間單位中進行表演，而不像戲劇表演那樣可以在規定的時間里，不用間斷地塑造他的角色。在電視劇拍攝中，一個場面或一個鏡頭最長的也不過十來分鍾，最短的甚至只有幾十秒鍾。但是拍攝的時間往往可能需要幾個小時甚至是幾天的時間。每一個鏡頭拍攝之前都要設置機位，布光照明，把一切保證拍攝成功的技術要求都准備好之後，才可能開始拍攝。但是只要攝像機一開動，演員就要能夠馬上進入角色，把這幾十秒鍾或者是幾分鍾的戲真實生動地表演出來，並且還要做到恰如其分，恰到好處。如果在拍攝這一鏡頭時出現了技術性的故障，就需要演員重新拍攝這一鏡頭。有時可能要多次在等待之後反復地來拍攝同一個鏡頭。這種拍攝的無連續性，就要求演員在表演中充滿了即興性，能夠迅速、准確地進人人物的規定情境，把握住人物感覺和分寸，這樣才能使人物形象前後銜接，思想連貫。

目前，實際上已經沒有什麼只演戲劇或者是只演電影或電視的演員了。一個真正的好的演員，應該也既可以演好戲劇，也可以演好電影與電視劇。要想做到這樣，他就應該了解戲劇、電影和電視表演的這些異同之處，使自己適應它們的特點，創造出准確、鮮明、生動的藝術形象來。