德國電影大嗓門背景音樂

① 美國有哪些好看的愛情電影

1、羅馬假日

歐洲某國的安妮公主(奧黛麗·赫本 Audrey Hepburn 飾)到訪羅馬，國務煩身，但她又厭倦繁文縟節。一天晚上，身心俱疲的她偷偷來到民間欣賞夜景，巧遇報社記者喬(格里高利·派克 Gregory Peck 飾)。二人把手同游，相當快樂。公主更是到喬的家中作客並在那過夜。

2、雨中曲

無聲電影時代，演員的形體遠遠比聲音重要。琳娜(簡·哈根 Jean Hagen 飾)就是憑著討好的外形，和唐(吉恩·凱利 Gene Kelly 飾)成為大受歡迎的明星搭檔。

然而，隨著技術的發展，有聲電影問世，這就難倒了聲音及其難聽的琳娜。無論如何訓練，她都不能把台詞念得漂 亮。於是，唐請來了聲音甜美的凱西(黛比·雷諾斯 Debbie Reynolds 飾)，讓她做琳娜音樂劇幕後的配音者，令琳娜的演出聲名大振。而走紅的琳娜更加目中無人。

3、愛在黎明破曉前

美國青年傑西(伊桑·霍克 Ethan Hawke 飾)在火車上偶遇了法國女學生塞琳娜(朱莉·德爾佩 Julie Delpy 飾)，兩人在火車上交談甚歡。當火車到達維也納時，傑西盛情邀請塞琳娜一起在維也納游覽一番，即使傑西翌日便要坐飛機離開。與傑西一見鍾情的塞琳娜接受了傑西的邀請。

4、愛在日落黃昏時

九年前，傑西(伊桑·霍克 Ethan Hawke 飾)與席琳(朱莉·德爾佩 Julie Delpy 飾)在火車上不期而遇，怦然心動。在維也納渡過瘋狂而又浪漫的一夜後，他們在日出前分手，並相約在維也納重逢。

九年之後，傑西已成為暢銷書作家，而席琳則是法國環保組織成員。傑西在新書里娓娓道來的，正是九年前的浪漫夜晚。

在巴黎促銷新書時，傑西與席琳在書店相遇，然而他們只有一下午的時光相處，日落之前，傑西要乘飛機趕回美國。兩人在午後的巴黎街頭散步，在美麗的護城河上泛舟，無所不談，興致勃勃。可是就像命運的捉弄，快樂的時光像煙花一樣醉人卻短暫。

5、土撥鼠之日

菲爾(Bill Murray飾)是個氣象播報員，每天除了在攝像機前給觀眾做風趣幽默的天氣預報外，每年的2月2日他還要前往一個名為普蘇塔尼的邊境小鎮，報導當地的土撥鼠日慶典。

② 關於歐美主流的音樂類型

。。。。實在不好意思。。。
「節奏布魯斯」(R&B)在20世紀40年代中期出現的時候,它甚至還沒有名字。但這個詞才一出現，它就迅速廣泛地傳播開去。時至今日，R&B已經成了黑人流行音樂的代名詞，盡管它更多的是作為一種區別於說唱樂(Rap)、靈魂樂(Soul)、都市歌(Urban)的音樂種類被特殊的聽眾和唱片界人士提及。早期的搖滾樂
就是以R&B為基礎的，它是由受流行音樂影響的「鄉村和西部音樂」延展而來。R&B不僅僅是在布魯斯和搖滾樂之間的一種重要的過渡音樂，它還是布魯斯和靈魂樂之間最重要的音樂分支。
當然，布魯斯無疑是R&B的一個重要組成部分，但爵士樂元素也同等重要。最早的R&B藝術家就是來自「大樂隊」(Big-Band)和「搖擺爵士」(Swing-Jazz)領域。在「二戰」前，爵士樂遠比今日風行，那時它是一種為跳舞而演奏的音樂，但是在樂隊中通常會有歌手。「二戰」期間，許多重要的爵士樂藝術家開始發展「上乘爵士」(Be Bop)和「酷爵士」(Cool Jazz)，這種跳舞元素更少的爵士樂。然而受戰時的經濟、軍事等因素的影響和約束，「大樂隊」開始逐漸減少。但聽眾們，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美國社區的聽眾，他們仍然希望聽到可以跳舞的音樂。於是音樂家們為了適應聽眾，就做出音量更大、使用更多的電聲樂器，並且以「回復」(Riff)為主的「布吉音樂」(Boogie)。
最初開始流行的R&B風格通常是指「跳躍布魯斯」(Jump Blues)。它不僅吸收了爵士樂里的搖擺節奏和以號為主的編配方式，而且吸收了布魯斯里普遍使用的回復段與和聲結構。這種風格最重要的先驅也許要算卡布·卡洛維(Cab Calloway)。在「跳躍布魯斯」中，歌手的聲音更加刺耳，節奏更快，樂器的演奏也不一樣——鋼琴的彈奏力度更大，薩克司的聲音更加長而尖銳。
最重要和最具流行性的「跳躍布魯斯」明星是路易斯·喬丹(Louis Jordan)，他的唱片在黑人聽眾和白人聽眾里取得了同樣的成功。而且他還深深地影響了查克·貝里(Chuck Berry)。許多早期的「跳躍布魯斯」表演者都是來自洛杉磯，因為那裡在「大蕭條」和「二戰」期間形成了龐大的黑人社區。40年代末期，更多的城市開始有了自己的「跳躍布魯斯」明星。洛杉磯的獨立唱片公司「專業」(Specialty)和「阿拉丁」(Aladdin)通過出版「跳躍布魯斯」唱片，不僅填補了大唱片公司在這個領域的空白，而且使自己獲得了成功。喬·里金斯(Joe Liggins)、泰尼·布雷德紹(Tiny Bradshaw)、阿莫斯·米爾博恩(Amos Milburn)、卡米利·霍華德(Camille Howard)，這些如今大部分已被完全忘卻的藝術家，當時都在「跳躍布魯斯」方面獲得了巨大的成功，並成為他們時代最風光的黑人音樂家。
「跳躍布魯斯」後來轉變為幾種不同的風格。那些被稱作「大嗓門們」(Shouters)的演唱者在「大樂隊」拘謹的演唱方式里加入了更具活力的「福音音樂」(Gospel music)和「靈魂樂」(Soul)。「胖子」喬·特納(Big Joe Turner)是在堪薩斯的一支爵士樂隊開始他的藝術家生涯的。他是R&B和「爵士樂」的雙重傳奇人物，他不但輕松地由「爵士樂」轉向R&B，甚至還創作了一些早期的經典搖滾樂歌曲。另外，維諾尼·哈里斯(Wynonie Harris)、羅伊·布朗(Roy Brown)、羅伊·彌爾頓(Roy Milton)、納皮·布朗(Nappy Brown)也是40年代末到50年代初「大嗓門們」里的重要音樂家，盡管他們沒有特納那麼有名。
50年代開始的時候，「種族」(Race)音樂曾被《告示牌》(Billboard)雜志的傑瑞·維克斯勒(Jerry Wexler)用來重新命名R&B。作為「大西洋」唱片公司的A&R，傑瑞把「跳躍布魯斯」推廣到了流行音樂聽眾和青少年當中。早期的「大西洋」唱片公司的明星們[魯斯·布朗(Ruth Brown)、萊文·貝克(LaVern Baker)、「漂流者」(Drifters)、查克·威利斯(Chuck Willis)]的唱片維持了這種對「跳躍布魯斯」的偏愛，但他們的節奏、回復段、歌詞都開始接近後來的搖滾樂。事實上，貝克和威利斯還曾依靠一些受年輕聽眾喜愛的歌曲在早期的搖滾樂領域取得了不同程度的成功。50年代初期到中期，搖滾樂開始嶄露頭角。一些和R&B有著明顯區別的音樂類型大顯身手，它們依靠自身的力量對流行音樂文化發揮著不同的巨大影響。比如「街頭布魯斯」(Doo Wop)樂隊、「電聲布魯斯」、「新奧爾良R&B」等。這些音樂在搖滾史上延續的影響力甚至超過了更早、更有爵士味的R&B。
相當數量的藝術家在50年代裡不僅存活了下來，而且通過出版R&B唱片獲得了成功和認可。艾克·特納(Ike Turner)、艾弗利·喬·亨特(Ivory Joe Hunter)、菲·亞當斯(Faye Adams)、維諾那·卡爾(Wynona Carr)、「胖媽媽」桑頓(Big Mama Thornton)、「胖子」梅百利(Big Maybelle)，這些人都不是純粹的布魯斯藝術家，但他們的音樂也不是搖滾樂。而布魯斯歌手鮑比·「藍色」·布蘭德(Bobby "Blue" Bland)、小帕克爾(Junior Parker)、小彌爾頓(Little Milton)雖然把「電聲布魯斯」和「靈魂樂」結合在一起，但他們也不能被稱作純粹的搖滾樂歌手。偶然有象強尼·奧蒂斯(Johnny Otis)、「嚎叫的」傑伊·霍金斯(Screamin'Jay Hawkins)、韋博特·哈里森(Wilbert Harrison)這樣的歌手能在搖滾樂聽眾群贏得承認，也是通過他們最通俗易懂的歌曲。哈里森的《堪薩斯城》(Kansas City)就是一首廣為流傳的「跳躍布魯斯」歌曲。
一些50年代的歌手開始使R&B比以前更加大眾化——加入明顯的「福音音樂」和教堂音樂元素。時至今日，我們依然可以記起那些偉大的名字：雷·查爾斯(Ray Charles)、詹姆斯·布朗(James Brown)、傑克·威爾森(Jackie Wilson)、小威利·約翰(Little Willie John)、強尼·艾斯(Johnny Ace)、傑西·貝爾文(Jessie Belvin)，以及克萊德·麥克菲特(Clyde McPhatter)。作為「靈魂樂」的教父們，這些人中有的後來在60年代成為了「靈魂樂」的超級巨星，比如查爾斯和布朗；而另一些則由於時代的變遷和不能解決的個人問題從此退出了音樂舞台，比如麥克菲特和約翰。
對於R&B來說，如今被賦予的紀念性意義和遲到的喝彩聲並不能改變當初它所面臨的窘境——早期的R&B唱片很難被全部的新聽眾所接受。而40年代和50年代的R&B歌手及唱片公司更多的是將注意力放在娛樂性方面，並不是致力於推廣多元化的藝術作品。因此在R&B的全盛時期，人們聽到的歌曲都是由相似的和聲、進行模式以及編曲構成。不過，盡管R&B從誕生之初至今已經改變了許多，但它依然保留了搖滾樂、靈魂樂和說唱樂中極其重要的部分，並且在音樂的背後發揮著作用。
推薦唱片：
1.合輯(Various Artists)《「布魯斯名家」第五輯：「跳躍布魯斯」經典》(Blues Masters Volume 5:Jump Blues Classics)(Rhino)
最棒的「跳躍布魯斯」選集，包括「胖子」傑伊·麥尼利(Big Jay McNeely)、維諾尼·哈瑞斯(Wynonie Harris)、泰尼·布雷德紹(Tiny Bradshaw)、「胖子」喬·特納(Big Joe Turner)等人的作品。另一張「布魯斯名家」系列裡的唱片《更多的「跳躍布魯斯」經典》(More Jump Blues Classics)具有同樣的高水準。
2.合輯(Various Artists)《「布魯斯名家」第十四輯：更多的「跳躍布魯斯」》(Blues Masters Volume 14:More Jump Blues)(Rhino)
和上面這張唱片具有相同的水準。收錄了路易斯·喬丹(Louis Jordan)、「胖子」梅百利(Big Maybelle)、菲·亞當斯(Faye Adams)等人的作品。
3.「胖子」喬·特納(Big Joe Turner)《「大」，「糟」和「藍」：「胖子」喬·特納選集》(Big,Bad&Blue:Big Joe Turner Anthology)(Rhino)
就象特納本人的經歷一樣，這套三張裝專輯包含了從「大樂隊」爵士樂時代到搖滾樂誕生期間數十年的作品。它見證了R&B的發展歷史。
4.路易斯·喬丹(Louis Jordan)《路易斯·喬丹精選》(The Best Of Louis Jordan)(MCA)
喬丹在40年代到50年代間錄制了許多膾炙人口的歌曲，沒有哪張專輯能把所有的好歌一網打盡，但這張精選是最棒的。
5.合輯(Various Artists)《「大西洋」節奏布魯斯 1-4輯》(Atlantic Rhythm&Blues Vol.1-4)(Atlantic)
「大西洋」是對現代R&B做出最大貢獻的唱片公司。這是那套一直出版到1974年為止的七張裝唱片的部分——收錄了1947-1962年R&B向搖滾樂全面轉變之前的代表歌曲。
6.合輯(Various Artists)《「專業」的故事》(Specialty Story)(Specialty)
「專業」也是著名的早期R&B和搖滾樂獨立唱片公司。這套五張裝唱片對於「非專業」人士來說，的確有些多，但毋庸質疑的是其中的偉大藝術家和作品。它甚至還選有早期的搖滾明星小理查德和拉里·威廉姆斯的作品。
7.魯斯·布朗(Ruth Brown)《節奏化搖滾：魯斯·布朗精選》(Rockin'in Rhythm:The Best of Ruth Brown)(Rhino)
「大西洋」早期的聲譽大部分是靠這個歌手建立的，這張唱片囊括了她在50年代的所有好歌。
8.拉文·貝克爾(LaVern Baker)《火焰上的靈魂：拉文·貝克爾的精選》(Soul on Fire:The Best of LaVern Baker)(Rhino)
一個在R&B向搖滾樂進化過程中起了重要作用的歌手。
9.「漂流者」(The Drifters)《讓「布吉伍吉」搖滾：最佳精選(1953-1958)》[Let Boogie-Woogie Roll:Greatest Hits(1953-1958)](Atlantic)
「漂流者」 的第一張唱片，克萊德·麥克菲特(Clyde McPhatter)亦參與其中。他們其實也可以被稱作是一支「街頭布魯斯」樂隊，但仍然有很強的「跳躍布魯斯」痕跡。
10.艾克·特納(Ike Turner)《我喜歡艾克：艾克·特納精選》(I Like Ike:The Best of Ike Turner)(Rhino)
這張專輯里的歌曲大部分來自50年代，是R&B和「電聲布魯斯」的綜合體。
11.雷·查爾斯(Ray Charles)《靈魂的誕生》(Birth of Soul)(Rhino)
一套三張裝唱片，收錄了50年代期間查爾斯在「大西洋」時的作品。
12.強尼·奧蒂斯(Johnny Otis)《「首都」年代》(The Capital Years)(Capitol)
作為樂隊領袖和音樂家，奧蒂斯在R&B領域取得了巨大的成功。50年代末他還在搖滾樂方面取得了成就。這張唱片是他最優秀的歌曲選集。
13.小威利·約翰(Little Willie John)《狂熱：小威利·約翰精選》(Fever:The Best of Little Willie John)(Rhino)
最多才多藝的R&B歌手之一，對詹姆斯·布朗(James Brown)產生了巨大的影響。
14.克萊德·麥克菲特(Clyde McPhatter)《深海舞會：克萊德·麥克菲特精選》(Deep Sea Ball:The Best of Clyde McPhatter)(Rhino)
這是那些他在50年代末離開「漂流者」後所做的最好的歌曲。
15.詹姆斯·布朗(James Brown)《革命的根源》(Roots of Revolution)(PolyGram)
一套用來追溯歷史的雙張唱片，收錄了布朗1956-1964年間的歌曲。它將我們從「硬核R&B」(Hardcore R&B)帶到了「瘋克」(Funk)誕生的邊緣。

BLUES
布魯斯
布魯斯（又譯藍調）是一種基於五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另一個特點是其特殊的和聲。布魯斯起源於過去美國黑人奴隸的聖歌、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和頌歌。布魯斯中使用的「藍調之音」和啟應的演唱方式都顯示了它的西非來源。布魯斯對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、大樂隊、節奏布魯斯、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代的古典音樂中都含有布魯斯的因素或者是從布魯斯發展出來的。在詩歌里這個詞常被用來描寫猶豫情緒。

布魯斯（英語：Blues，藍色、藍色的）一詞是與「藍色魔鬼」（Blue devils）一致的意思，意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治·科曼就寫過一部名為《藍色魔鬼，一幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀里這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克里斯托弗·漢迪的《孟菲斯布魯斯》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。

提起現代音樂就不能不講Blues,它是居住在美國的黑人在困苦的底層生活中創造出的音樂風格,發源於20世紀初密西西比河的三角洲地帶，早期為人們勞作時的勞動號子,後來逐漸影響了世界流行音樂的發展軌跡,現在象ROCK'N ROLL(搖滾)及R'N B(節奏布魯斯)等字眼早已為你所熟悉了吧?這兩種音樂里所使用的Blues音階是你在學校的音樂課里所學不到的,但是每天你從大街上走過,從音像店裡傳出的聲音早已使它深入你心......

上個世紀的20年代，Blues以它個性的歌詞、和諧的節奏以及憂郁的旋律迎合了某些人而逐漸興起。Blues音樂中包含了很多詩一樣的語言，並且不斷反復，然後以決定性的一行結束。旋律的進行以和弦為基礎，以I 、IV、V級的3個和弦為主要和弦，12小節為一模式反復。旋律中，將主調上的第3、5、7級音降半音，使人有著苦樂參半、多愁善感的感覺沖擊。

雖然Blues音樂中主唱是焦點，但是以吉他為主的樂器即興演奏也非常精彩,樂器演奏者可以超越和弦的界限隨意發揮，除了旋律的憂郁動聽外，還包括小刀刮擦聲和滑棒使用的聲音，以及模仿主唱的哼唱聲。在將Blues音樂流行化的過程中,Eric Clapton是一個成功的樂手和歌曲創作者,如果你沒聽過,那麼現在就開始感受吧！

Blues音樂發展到今天，已經被納入主流音樂的行列，他的許多元素被更多的運用到搖滾樂及流行音樂中。但是傳統的Blues音樂還是有著強大的實力，這個領域的音樂家有B.B.King、John Lee Hooker、Etta Baker、Junior Wells和Buddy Guy等等。

JAZZ

爵士樂是在布魯斯和拉格泰姆的基礎上，融合了某些白人的音樂成份，以小型管樂隊的形式即興演奏而逐漸形成的



爵士樂的發源地--新奧爾良（New Orleans）

爵士樂於19世紀末、20世紀初誕生於美國的南部城市新奧爾良。19世紀初，法國人統治著新奧爾良。由於管理非常鬆散，許多非洲黑人從美國南方的奴隸主手下逃到新奧爾良享受"自由黑人"的身份。再因通婚自由，非洲黑人與法國人的結合出現了大量的混血黑人，人?quot;克里奧爾人"。到了19世紀末，新奧爾良的居民中除了白人、黑人外，剩下的就是克里奧爾混血黑人。南北戰爭前，克里奧爾人享有與白人同樣的地位，接受良好的教育，包括古典音樂教育。南北戰爭後，由於實施新的種族隔離法，迫使他們與黑人為伍。黑人的非洲音樂傳統與克里奧爾人的古典音樂訓練相結合，對爵士樂的產生起到了良好的作用。

新奧爾良對黑人一直採取比較寬容的態度。當其他城市歧視黑人，壓制黑人音樂發展時，新奧爾良仍然允許黑人在大街上以彈唱謀生。新奧爾良也是美國當時惟一實行公娼制度的城市，許多妓院、賭場、娛樂場所給黑人提供了大量的謀生機會。此外，新奧爾良曾是美國的管樂器製作中心，管樂器很便宜，幾乎任何黑人都很容易得到一個二手貨，因而小型管樂隊隨處可見。由於這些原因，使爵士樂在新奧爾良這片土地上得到了充分的醞釀，以致迅速地發展起來。



盡管現代的唱片界有時將爵士樂劃分為傳統爵士樂和現代爵士樂兩類，其中傳統爵士樂是指採用了4/4拍的行進性的管樂隊演出相關工作的爵士樂，而現代爵士樂是指採用了貝斯演奏跳舞音樂的爵士樂。這種劃分有時會顯得毫無疑義，如果那這種標准來衡量，人們幾乎無法判斷肯尼·金是否比比賽希爾·泰勒的音樂更應屬於現代爵士樂。其實傳統和現代這兩個相關的概念予以劃分爵士樂的種類並不確切，這造成了一些既具現代風格又包含了傳統風格的優秀作品無法分類的問題，因為爵士樂將近一百年的發展歷程是連續不斷的。各種風格流派也有其相互的聯系，大體來說可以劃分為以下十九種風格：



Ragtime（拉格泰姆爵士）

New Orleans（新奧爾良爵士）

Standards（主流爵士樂）

Classic（古典爵士）

Dixieland（迪克西蘭爵士）

Cool Jazz（冷爵士或西海岸爵士）

BigBand（大型樂隊爵士）

Swing（搖擺爵士）

Bop（波普爵士）

Latin（拉丁爵士）

Brazilian Jazz（巴西爵士樂）

Avant-Garde （前衛爵士）

Post-Bop or Mainstream Jazz（後波普爵士或現代主流爵士）

Third Stream（第三流派爵士）

Hard Bop（硬波普爵士）

Free Jazz（自由爵士）

Fusion（融合爵士）

Crossover Jazz（交叉風格爵士）

Vocal Jazz（人聲爵士）

ROCK
搖滾
歷史上第一首被打上搖滾烙印的作品是美國的白人音樂家Bill Haley在20世紀50年代中期錄制的《整日搖滾》（Rock Around the Clock）。那個時候的Bill Haley穿著筆挺的西裝，而且還打著領帶，頭發梳得油光發亮，如果這樣的一個人走在大街上，或者站在現在的舞台上演唱這首歌，一定沒有人會認為他是在唱搖滾，可偏偏歷史把它定義成第一首搖滾作品。這也沒什麼奇怪，原來人們還覺得天是圓的地是方的，原來人們還覺得地球是宇宙的中心呢！我們可以把它當作是時代和我們開的一個玩笑。這樣說來，其實任何具體的定義似乎也都是相對的，因為時代在變，人們的認識領域也在不斷地隨之拓展、改變。

世界上最難的就是為某種事物下一個定義,因為這需要描述的准確、精練。而世界上最容易的也可以說是為某種事物下一個定義，因為你完全可以以自己的理解方式和認識程度給出一個概念。所以很早以前，在國人的傳統意識中，一頭長發加上皮夾克就是搖滾。然後有人認為，搖滾就是吉他上的SOLO，貝司上的低音，架子鼓上的節奏。現在有人說搖滾是一種精神，可是，也有人說這些都不對。於是帶著越來越多的疑惑，我開始翻看有關著作和資料，找到了下面一些所謂的搖滾專家們所給出的定義：

格雷爾·馬庫斯是聞名遐邇的搖滾名著《神秘列車》的作者，他認為搖滾無非是「一種美國文化」，比如埃爾維斯·普萊斯利無非是「把作為美國人的感受戲劇化，把這種感受的含義、價值和美國生活的利弊作形象的表達」。

卡爾·貝爾茲則在他那本《搖滾故事》中視搖滾為「民間藝術」，一種下意識的俚語表達方式。

查理·勒特稱搖滾為「城市之聲」，認為它是都市少年們創造的新音樂吶喊。

喬納森·艾森則在《搖滾時代》中稱搖滾為「對西方文化之偽善的反叛……是一種深刻的顛覆形式」。

戴夫·哈克《物有所值》中用馬克思主義的階級斗爭學說分析搖滾，認為它是「工人階級文化」；而保爾·約翰遜則在《新政治家》重視搖滾為資產階級的陰謀，其目的是招安潛在的革命者，使他們「沉溺於其中而麻木不仁，懶散不堪並脫離實際」。

理查德·戈爾德斯坦在《搖滾之詩》中則認為，搖滾最重要的特點仍是對青春活力的肆無忌憚的揮霍……

說到這兒，我想起了美國黑人音樂家Chuck Berry用他的作品給搖滾樂下的定義，這同樣是一首50年代搖滾樂誕生初期的作品Johnny B，Good。它講述了一個彈吉他的年輕人走向成功的故事，它以敘事的手法給搖滾樂加上了一個十分誘人的光環，搖滾樂可以讓一個普通人走向成功與輝煌。這個普通人可以沒有任何的樂理知識，不懂音樂，只要他有理想，只要他勇敢地把自己心裡想的唱出來，只要他願意。另外還特別值得一提的是，在美國發射給外星生物的一艘飛船上，這首歌還作為人類文明的精華被刻錄在一張光碟上，用以表達地球人的文明成果。

在眾多搖滾的類型中，重金屬是在音量，男子氣概和戲劇化風格上最為極端的。在重金屬聲音的體裁上有很多的變種，但是他們都通過在喧吵的效果，失真吉他的演奏（通常演奏重復段）和簡單，重擊旋律上盡量取得共識。重金屬自從它存在那天開始就不斷引起爭論---批評家從傳統上抨擊了那種故意吸引大部分青少年的舞台劇效果，還有一些保守的組合經常抗議他們所感到的包含有害，邪惡意味的歌詞。盡管有重重困難，重金屬從它的誕生就還是成為了穩定流行的搖滾音樂形式，有足夠的能力去適合這個時期，仍能保持它完美的未被侵蝕的核心吸引力。盡管如美國在聲道選擇上的叛逆的形式，重金屬在很大程度上還是英國的創造物。最初重金屬的種子是在60年代英國藍調運動中被播下的，特別是在那些發覺已很難適應美國藍調naturalng的樂隊中。這種韻律更加沒有規則，增強了電子樂器的使用成為更加重要的特點，特別是通過像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group這些創新的樂手。然而，正如可提出證據加以證明的那樣，最初真正的金屬樂隊是Led Zeppelin。最開始，Zep演奏藍調曲調比任何人都更為沉重和喧吵，並且通過獲取許多音樂源極很快創造一種以大規模，有質感為代表的重型搖滾。更少精細但是可能更大影響力的是Black Sabbath，他的黑暗，沉悶的吉他重復段創造了一種幻想中的世界末日，充滿了毒品，死亡和超自然的迷惑。接下來被Zep和Sabbath所丟棄的這種風格，很多美國的樂隊在70年代把重金屬更改為更易接近的的形式；Alice Ccooper和Kiss易記的曲調和殘暴的舞台表演；Aerosmith的sleazy boogie；Van Halen的浮華吉他引子和狂熱的派對搖滾。在70年代末期，一些隱藏的英國樂隊號成為英國重金屬新浪潮（包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead）開始演奏金屬更為快速，傾斜和使用更多恐嚇。他們的出現為80年代新的美國金屬---鞭撻金屬提供了影響力，這個新事物定性於對金屬新主流流行的突破，它的出現是以Def Leppards Pyromania為代表的。金屬在80年代的輝煌期里是最為享受的，由於大量的glammed-up流行金屬樂隊，除了鞭撻金屬樂隊激烈演奏復雜的重復段外，有時會融入些柔美的聲樂作品。像Metallica和Megadeth這樣的鞭撻樂隊形成了狂熱的歌迷從而在車庫脫去了他們流行金屬外衣的同一時間推動他們進入了主流。90年代的主流金屬以一種新的叫做另類金屬的混合物為中心，它（在它有效的商業形式上）通過hip-hop和工業的繁榮期結合了grinding trash和grunge的影響力。其間，地下以更粗糙，陰冷的風格成長，產生了兩種類似的，起源於鞭撻的風格，被叫做死亡金屬和黑暗金屬，他們創作了一些最為重要的研磨，劇烈，超速的音樂和金屬世界從未展示的graphic shock tactics。

Alternative Metal（另類金屬）

在其初始期，另類金屬以相對於那些可直接分類音樂的不同尋常的敏感形成了自己的風格。重金屬是這種音樂的核心，但是這些樂隊太不規則了，應且他們的影響力對於適合地下的鞭撻金屬來說太折衷了，所以他們主要的樂迷都是些喜歡重型吉他搖滾的人。然而，在車庫音樂幫助另類金屬更豐富從而獲得了大量聽眾，特別是當更多的有闖勁的樂隊逐漸考究他們的音色後，另類金屬開始成為90年代重金屬中最流行的風格。當它表現出幾乎最少重金屬分類類型的時候，它的形式和80年代早期的另類金屬就很不大相同了。同時，大部分倖存下來的硬核朋克樂隊都已轉入到了金屬領域的潮流，推動了地下重吉他搖滾樂隊在別處找尋靈感。最早的帶有重金屬風格的另類金屬分為前衛搖滾（Janes Addiction, Primus），車庫朋克（Soundgarden, Corrosion of Conformity），噪音搖滾（the Jesus Lizard, Helmet），瘋克（Faith No More, Living Colour），說唱（Faith No More, Biohazard），工業（Ministry, Nine Inch Nails），迷幻音樂（Soundgarden, Monster Magnet），甚至是世界音樂（later Sepultura）。這一切的演變並沒有在一個特定的場景下發生，只是不斷增長的想去嘗試已經形成的那種越來越依靠樂器的純演奏形式。一些這樣的樂隊終於在大眾中獲得了很大的影響力，特別是通過巡迴演出，並且他們還為在1993-94年逐漸顯露的另類搖滾奠定了基礎，形成了以Rage Against the Machine 和Korn為代表的說唱金屬，以Tool為代表的不協調音樂，以White Zombie為代表的重。。。。和以Nine Inch Nails為代表的流行突破。這些樂隊將成為在剩餘的90年代期間連同Pantera那種有別於任何鞭撻金屬樂隊的粗厚，溶解的即興重復風格在聲音的製作和另類金屬類型的風格上最具影響的力量。像很多另類金屬樂隊，Pantera是嚴肅的，陰冷的和內在的，但是他們示範了關於此如何具有男子的氣概。在90年的中後期，大部分新的另類金屬樂隊開始玩起了把單一鞭撻，說唱，工業，硬核朋克和車庫混在一起的風格。這種新的聲音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特徵和劇烈進攻，因此更多地依靠工作室錄制完成它所展現的力量；然而，它俘獲青少年那種隱藏的主流金屬所代表的男子氣概，從而成為一種商業崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit這些有時配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore內容的樂隊是這場新運動中最大的明星，並且在這十年的末期，無數新的樂隊開始表演那種類似80年代後期微金屬分支的帶有成年性質暴力行為（ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude）的風格。

Indie Rock（獨立搖滾）

獨立搖滾這個名字是從「獨立」這個詞來的，這個詞代表了按照自己樂隊的思想去做和發行唱片時小份額，低預算的特性。雖然大部分獨立種類的音樂是靠主公司的牌子來進入市場，佔取銷售份額的，但是他們做決定的過程仍然是依照自己想法的。同樣的，獨立搖滾可以自由的探究聲音，情感和歌詞的主題，無需迎合大眾的口味---大眾和個人口味的利潤是不一樣的（盡管他們是這樣做的，畢竟，還是想在商業中停留）。它根深蒂固於80年代的美國地下和另類搖滾，雖然自從那時開始地下搖滾樂已經開?/

③ 安靜的音樂和飆唱功的音樂，哪個更受歡迎

安靜的音樂更受歡迎。
因為安靜往往伴隨著許多的情緒，也許有孤獨，一個人寂寞地抽著香煙，也許有甜蜜，情侶兩人會心相視，默默無言，總之不同時的心情，放一首適合的音樂，是對場景無限的放大，是對心扉最好的打開。
一個人的時候，我喜歡戴著耳機，放一杯茶水，坐在陽台，端一本書，細細研讀，當旋律從耳邊流出，心情會得到舒緩，連書本里的文字也變得生動起來，我推薦幾首適合讀書時聽的歌曲吧。《dream catcher》,《tenderness》,《neptune》，這三首，是小編在讀書時最愛播放的歌曲，舒緩的旋律，文字的悅動，讓每一刻讀書的時光，都變得無比美好。
而其實更多的時候，我們一個人的時候，伴隨的情緒是孤獨，是寂寞，每個人都有，這里小編也推薦幾首歌曲，告訴大家，小編是如何來用音樂找到自我的。
《片羽時光》，周筆暢的歌，沒有她一貫的搖滾作風，有的只是安安靜靜的時光，旋律動人，詞曲美妙，是對時光最好的詮釋。
《單人旅途》，這是一首許嵩的歌，一個人，總少不是一個人的孤獨，當這種情緒無法排遣的時候，那就用音樂把它唱出來，古人以詩明志，我們同樣，可以用旋律，表達自己的孤單。
《寂寞》，這是一部青春電影《我們都是壞孩子》的主題曲，由容祖兒演唱，後來有一個女孩，叫西單女孩，把這首歌唱出了更高的心境。