20年代電影如何拍攝

⑴ 電影是怎麼拍出來的

問題一：電影都是怎麼樣拍出來的啊 [轉]
首先當然是要有劇本，然後可能某家公司看上了這個劇本，然後買下來，交給某位�演，進行拍攝。當然也會有導演自己去選的。
前期的工作，你首先改劇本，小說是不可以直接當劇本的！劇本有特殊的格式，內容上也要修改絕晌友刪減。必須找專業的編劇來改。當然原作者會改劇本也可以承擔這份工作，這期間導演、製片都會參與。同時，導演，製片就一邊要找演員了。
演員到位，資金就緒，劇本改完，選定拍攝地址，你就可以開機了。但其中的交涉，協調，籌備，那是相當恐怖的，其中的黑暗心酸估計拍一部韓劇都富裕。
片場的話，導演主要負責拍攝，製片管理劇組的生活，當然兩人的工作偶爾也有交集和重復的地方。
片場的工種多的要死，主要的有攝像，場景服裝道具，化妝，燈光，機械，安保，生活。多到讓你認不過來呀！
拍的時候，一般就是按進度走的，因為在改劇本的時候已經把故事分成一個個的獨立個體，所以其實拍攝的時候，時間順序是打亂的。極有可能你的第一場戲就是結局時候的劇情，然後你接著演中間部分的內容，因為結局是在天黑，中間的劇情也有在天黑的內容。節省時間，節省精力，如果一塊布景要多次用到，那就再一次把用到該布景的戲全拍完。
演員的檔期也會影響拍攝。
可能A演員今天有檔期，但兩天就得走。B座今天也有檔期，但明天就得走。雖然A和B在結局時才爭鋒相對。導演就把A和B的對手戲提前到拍攝的第一天全部拍完，順便還把A其他的戲份趕起來，可能A在電影里有50分鍾的戲，他進組第一天就全部拍完（當然這是不可能的）。可以說，就是誰有空有誰先來，拍完你的那部分就走人。
其中用到那些鏡頭語言，拍攝手法。甚至於光暗效果這一些，你就自己查書吧。
全部拍完了，就把一堆膠片拿去剪輯，除了故事外，鏡頭語言和剪輯語言其實一般較能體現一個導演的風格。剪輯就是把雜亂的故事理順，事件按一條清晰的時間軸排列。導演會在眾多片段中挑挑揀揀，找到自己要的，扔掉不要的。最後就有了個毛樣，這個的時長一般是不定，可能90分鍾的電影，拍攝了300分鍾，初步剪完還有180多分鍾這個時候你可以選擇去做後期，也可以選擇繼續縮短。
後期一般就是加特效，音樂，除雜，配音，修改某些瑕疵，弄掉點一些穿幫的東西。
之後就可以報備審批了謹叢，審批下來，該刪刪該改改，之後再做個片頭片尾，就可以賣了。接下來就是發行商的問題了，也就是包裝推銷，分配利益的事。
其中真正具體的步驟，復雜到足以讓你淚不成聲，你要真有這么執著你可以去查一些電影拍攝的書，網上有沒有，我不知道，書店裡是一定有的！
版權費這並槐個真不好說，至少在國內是很低的。一般還是看名氣，有名的作家肯定多一點。沒什麼名氣的話，還是吃虧得多。編劇的工資也很低，有的分紅也不給的。那個文字校對，其實很原始，人工是必須的。

問題二：一部電影是怎樣拍成的？ 電影製作從大的來說，需要投資方，製片方，攝制方，編輯方，發行方。投資方出錢；製片方負責組織建組，解決場地、人員等具體後勤基礎問題；攝制方即攝制組，是電影製作的核心環節，後面會專門介紹；編輯方和攝制方一般是一體的，即前期拍攝與後期拍攝不能脫節，一般都是一個導演，有的是導演拍攝完成，會有專門的牛人負責剪輯，剪輯很有說道的；發行方一般就負責電影的包裝、宣傳、推廣、銷售等。
攝制方：影視製作技術類工種簡單的說就是 導、編、播、攝、錄、美，六個技術工種，配合演員就成攝制組了。導演負責攝制組的統籌，包括劇本解讀展現、現場控制、藝術把握、演員調度等等；編指的是編輯，編導，他們負責策劃，創意，一般在電影中，就是編劇人員，會根據文學原形等形成劇本化語言腳本，撰寫分鏡頭腳本等，把故事電影化，語言台詞化，糅合核心主題意義，一般他們定的劇本對後期剪輯意義不小，藝術獨立電影除外；播即電視製作中的播音主持人員，和導播人員，電影不存在這個工種，對應的是演員，演員要貫徹導演意圖，領會劇本核心並展現給觀眾；攝即攝象組，由攝像師和燈光師組成，配合環境特徵和影片需要設計燈光方案並完成拍攝，這是很講技術的工種，隨便一個小動作就可以導致你看到的影片感覺大不相同，也就是視覺語言的威力；錄指錄音，也很重要，錄音的好壞直接決定觀影感受，他們和攝構成技術核心，即完成了視聽語言的貫徹和展現；美指美工，美工負責置景，包括環境搭建、道具製作等，也包括化妝、服裝、環境定位等等。
以上的6大工種，包括後勤人員等，共同協力完成電影攝制。攝制好後還要進行後期製作，後期製作一般都是導演自己進行後期剪輯，有時候為了參展需要或者其他因素，會有專門的剪輯師，他們會根據拍攝的素材再編輯組織一遍，有時候故事就完全變了，感覺也不同，不同的剪輯風格作的片子也不同的，能拿獎的都很重視這個過程，所以你看奧斯卡的獎項設置，最佳導演外還有最佳剪輯獎。
之後剪輯完成就可以送去洗印加工廠沖印加工復制拷貝准備發行了。好像洗膠卷一個道理。
對了，你看看奧斯卡一般的獎項設置，就可以看到都有哪些主要工種過程了，有一些獎比如最佳視覺效果，說明在後期中，後期特效等也是有的電影不可少的環節，但這類就不是電影製作的必須環節了。

問題三：三D電影是怎麼拍的 3D立體電影的製作有多種形式，其中較為廣泛採用的是偏光眼鏡法。它以人眼觀察景物的方法，利用兩台並列安置的電影攝影機，分別代表人的左、右眼，同步拍攝出兩條略帶水平視差的電影畫面。放映時，將兩條電影影片分別裝入左、右電影放映機，並在放映鏡頭前分別裝置兩個偏振軸互成90度的偏振鏡。兩台放映機需同步運轉，同時將畫面投放在金屬銀幕上，形成左像右像雙影。當觀眾戴上特製的偏光眼鏡時，由於左、右兩片偏光鏡的偏振軸互相垂直，並與放映鏡頭前的偏振軸相一致；致使觀眾的左眼只能看到左像、右眼只能看到右像，通過雙眼匯聚功能將左、右像疊和在視網膜上，由大腦神經產生三維立體的視覺效果。展現出一幅幅連貫的立體畫面，使觀眾感到景物撲面而來、或進入銀幕深凹處，能產生強烈的「身臨其境」感。

問題四：電影里的那些 *** 場景，是怎麼拍出來的 有些演員願意為排 *** 場景獻身，有相當多的場景就是真接進行的。

問題五：在地球上製作出來的電影中的失重場景是如何被拍攝拍攝出來的？ 失重效果：以被動實現自由
如何表現失重效果，是任何太空題材電影最重要的，也是難點。一般電影人有兩種常規方法來實現。一種是真的失重環境下拍攝――顯然，這個很難實現，到目前為止，尚未有任何一部劇情片進入太空拍攝;而地球中失重的效果轉瞬即逝，短到根本無法支持演員完成一個失重表演。不過，如果有專門設計的飛機，能以向上隆起的拋物線拱(parabolic arcs)的方式高速飛行，理論上是可以在拋物線頂端前後形成一段時間的完全失重狀態，作為太空無重力情形的完美模擬。事實上，影片《阿波羅13號》中的失重場景就是如此拍攝的：劇組及演員乘坐美國航空航天局(NASA)提供的KC-135運輸機在高空以拋物線軌跡飛行，每次大概能經歷約23秒的失重狀態，足夠攝影機捕捉演員的某些動作。
可是，這種拍攝方式無法適用於《地心引力》，單是導演卡隆要求的動輒幾分鍾的長鏡頭失重效果，就是這種飛行方法在技術上無法實現的;何況片中要求的失重效果總時長更是借用飛機拍攝無法承擔的。
另一種退而求其次的方法，是模擬動作。在地球常規重力條件下實現這種「看起來像」的失重效果，最廉價的方式是水下拍攝，水的阻力效應使動作變得遲緩，可以實現太空中的懸浮與類似飛行的移動動作。《地心引力》也用到了水下拍攝，主要用於太空艙內的部分演員滑行鏡頭的特效參考，但其他絕大部分失重場景，都不是用這種方式拍攝的。首先，水下拍攝無法真實表現演員的表情――憋氣與努力睜眼的神情顯然和太空環境下的表演完全不一樣;其次，水下復雜的光影反射折射效應，也讓穿宇航服水下模擬太空作業變得不可能。
《地心引力》最終實現失重效果的手法，是最古老的娛樂手藝與最先進的電腦技術的結合：劇組找來舞台劇版《戰馬》的幕後高手，以大型牽線木偶操控方式，控制演員的肢體來模擬失重狀態下的動作。這套裝置有12根線連到演員身上四個系點，線的另一端則或者由三位專業木偶師操縱，或者由電腦程序控制的機械繫統控制，或者是兩者的結合。
卡隆和主演桑德拉・布洛克(Sa.n.dra Bullock)都在采訪中提到影片中最難拍攝的一幕：女主角好不容易回到太空艙、脫去宇航服像嬰兒一樣蜷曲著飄在空中的長鏡頭段落。實際拍攝時，布洛克坐在一個很小的自行車底座上支撐身體，一條腿則綁在裝置上幫助固定，而緩慢的四肢移動以及整個身體的翻騰漂浮動作就是由木偶師與程式控制線纜裝置協助完成的。這過程中，還得用電腦特效做出虛擬肢體來替代演員被綁住的腿，並做出與線控的身體其他部分匹配的動作。
這種線控方式，在本片中也主要用來拍攝太空艙內場景。那些穿上宇航服的太空行走場景，演員甚至都不用做任何肢體動作了――因為包括整個太空背景和宇航服本身，都是電腦生成畫面：演員只負責提供臉部表情，其餘的肢體動作，絕大部分由電腦動畫師完成。
無論是線控還是電腦生成動作，都是本片在處理失重效果的一個理念突破：既然無法以「原生」的途徑實現太空漂浮，那就以「絕對控制」外表表現形式的方式來體現無重力動作。
這種完全突破傳統思維框架的技術實現手段，也貫穿《地心引力》的製作過程。

問題六：電影中 突然把人像魔術那樣變出來是怎麼拍攝的？ 你好。你所說的伴隨著一陣煙後某人突然跳出來的特效多見於神話劇當中（《西遊記》和《新白娘子傳奇》中常有），這是一種比較老套的轉場特效，因為受技術所限，我們會發現有這種特效的劇目一般拍攝年代較久，其製作方法包括前期拍攝和後期剪輯，實際效果是合成的，並不是簡單拍攝，用非線性編輯軟體的後期剪輯製作比拍攝本身更重要。
如果你所說的畢業設計是拍攝一部短片，其中需要遇到該特效，拍攝方面需要煙霧發射道具。首先將攝像機固定，拍一段煙霧爆炸式出現的鏡頭，然後不要移動攝像機，在煙霧出現的地方拍一次某人從後往前跳一下的瞬間視頻。拍攝完成後用非線編軟體剪輯，（非線編軟體可以用Adobe Premiere、會聲會影等，這是比較常見的）。製作過程中，在第一段煙霧視頻的基礎上插入第二段視頻，在合適的位置覆蓋，再加入部分軟體原代的修飾效果就會做出來。
個人建議，煙霧效果不好拍的話可以去網上搜素材，或者去相關的影片中找，然後用非線編軟體截取。
都是畢業過來人，希望可以幫到你，祝好！~

問題七：電影里的全系技術是真的嗎？他們是怎麼拍攝的? 全息吧，應該是假的，目前還不能實現，拍攝過程中和平時一樣就是沒有了全息投影，全靠演員的演技表現出操縱系統或者是與人工智慧的互動。最後都是靠後期合成的。

問題八：電影中的長鏡頭是怎麼拍出來的 長鏡頭是一種拍攝手法，指的不是實體鏡頭外觀的長短或是焦距，也不是攝影鏡頭距離拍攝物的遠近，而是拍攝之開機點與關機點的時間距，也就是影片的片段的長短。用比較長的時間（有的長達10分鍾），對一個場景、一場戲進行連續地拍攝，形成一個比較完整的鏡頭段落。顧名思義，就是在一段持續時間內連續攝取的、佔用膠片較長的鏡頭。這樣命名主要是相對短鏡頭來對稱的。

⑵ 電影中的拍攝手法有哪些

一般的拍攝手法如下：

1、推鏡頭指攝影機向被攝物體推近或是用變焦距鏡頭逐漸拉長焦距，使觀眾有一個移近被攝物的感覺。

2、拉鏡頭則和推鏡頭正相反，造成畫面上的被攝物逐漸遠離觀眾視點的感覺。並逐漸擴展視野范圍。

3、搖鏡頭是指攝影機在原位置不變，通過機身的上、下、左、右、旋轉等運動，使畫面呈現動態構圖，產生巡視、環視周圍環境事物、揭示動態中的人物內心世界、烘托情緒的藝術效果。

4、移動鏡頭又稱「移動攝影」，將攝影機放在可移動的車輛或升降機上，對被攝物體作各方向移動所拍攝的畫面。

幾種特殊的攝影方法：

1、變速攝影：在拍攝時使膠片的速度高於或低於正常每秒24格的速率。產生「慢動作」和「快動作」的畫面效果，在現在的電影中是一種常用的攝影方法。

2、逐格攝影：也稱為分格攝影。使用「逐格電動機」驅動攝影機一個畫面一個畫面地逐格拍攝。如要表現花開、細胞分裂、日出等。

3、顯微攝影：將光學顯微鏡放大的影像用電影攝影機拍攝到膠片上。廣泛用於微觀世界的分析和研究。

4、航空攝影：用航空飛行器對景物進行電影、電視等的攝影方法。

5、水下攝影：將攝影機和人潛入水下進行拍攝的一種攝影法。

6、紅外線攝影：用紅外線為光源和用紅外線膠片的攝影方法。

(2)20年代電影如何拍攝擴展閱讀

電影攝影，電影是連續的畫幅，一個隨著一個在銀幕上出現而成的，觀眾們則由這些畫面再加上對白（或旁白）和聲音效果的幫助，把握了整個連續畫幅的「視覺暫留」的錯覺，按照發光速度與發聲速度的比例，這些連續畫幅進行的速度是每秒二十四畫幅。

電影攝影，通常是根據劇情的需要進行，首先要看它的主題表達方式和觀眾對象來決定題材而拍攝。

文藝片，對於光和影的格調要柔和高雅，攝影機運動率按主體方位變化應宜緩慢，帶有詩情畫意的深度感和節奏美。

武俠片，動作快速強烈，多用特寫短鏡頭，光與影的比差盡量顯著，色調對比宜強硬，處處描寫富有力與美的表現。

傳記片，畫面構圖要平穩；光、影、色與音效要有氣氛效果，以刻畫出劇中人物的形象、事物和發生的問題。

神怪片（包括鬼怪片），每一鏡頭按情理需要配以燈光色紙或濾光鏡改正，再加上特殊化妝及布景道具，以構成科幻神奇效果而增加恐怖氣氛。

歌舞片，鏡頭運轉宜輕松活潑；對於俯、仰、搖、跟、推、拉等運動取景，都是旨在表達主體韻律美，處處表現運鏡的開朗。

電影在進行攝影之前，攝影師應與導演、燈光師、布景師和特技師。（包括化妝師）先行協調，分工合作，任何人均應詳研劇本內容與中心意識，而後共同探討建議改進再來攝制。原引國際君友會王愛君文集《電影攝影》。

⑶ 怎樣拍一部電影

首先非常感謝在這里能為你解答這個問題，讓我帶領你們一起走進這個問題，現在讓我們一起探討一下。

1． 前期准備

劇本寫作 組織攝制組成員 准備工作

電影開拍前應有一個計劃並仔細籌備，劇本出來以後便有一個依據，製片主任要分門別類把劇中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的項目挑選出來，再將劇本印成若干份分發到包括布景設計師、置景人員、攝影、道具、服裝、運輸等各部門手中，請他們分析詳細計劃，然後制定拍攝計劃和預算。一部電影的賺與賠，在籌備期已經決定了八成以上，所以准備工作至關重要。

2． 影片拍攝 拍攝畫面並錄音

拍攝的成敗很大程度上取決於預先制定計劃時的認真程度與每一個人和每一件設備是否按時到達現場。製片組要確保通知各部門開工時間地點，並預先聯絡好拍攝場景和電源，為工作人員提供運輸工具以及飲食。總之，劇組的吃喝拉撒睡都要負責。為劇組提供群眾演員也是製片部門的職責范圍。

3．後期製作

後期製作包括停機後完成該片所必須的一切工作。停機後，工作只完成了20%，工作樣片還需要剪輯，音響效果需要錄製成聲帶，所有聲帶，包括對白、音響效果、音樂、解說等要混錄合成，字幕需要設計並拍攝，光學效果需要製作，底片要按照樣片搭配好，最後要送審，並合成拷貝洗印，然後發行。

4． 製片還擔任一項重要工作：拉贊助，此活動可貫穿整個製作過程。

————————煙火槍械————————

合法的非執法持槍者，可放炸彈打機關槍，炸什麼都可以，只要電影里需要。香港已經開始發放槍械師執照，大陸則由電影廠壟斷，你可到電影廠拜師。

————————電影特技————————

在影片攝制生產過程中，常會遇到一些難度大成本高或危險性大及難以在生活中拍攝的一些鏡頭和景象。由於常規攝制技術難以完成，這就必須用特技方法來完成。早期的電影特技使用一些常規的特技攝影的手法，除了快速攝影、慢速攝影、倒拍、停機再拍（畫面多次暴光）。

如今數字技術的發展，使電影特技的製作有了極大的飛躍。電子影像的形成、數字技術、計算機圖形學的發展為數字特技奠定了基礎，數字特技即利用計算機處理數字化後的音視頻信號的方法，來實現視覺和聽覺上的特殊效果。

在以上的分享關於這個問題的解答都是個人的意見與建議，我希望我分享的這個問題的解答能夠幫助到大家。

在這里同時也希望大家能夠喜歡我的分享，大家如果有更好的關於這個問題的解答，還望分享評論出來共同討論這話題。

我最後在這里，祝大家每天開開心心工作快快樂樂生活， 健康 生活每一天，家和萬事興，年年發大財，生意興隆，謝謝！

1． 前期准備

劇本寫作 組織攝制組成員 准備工作

電影開拍前應有一個計劃並仔細籌備，劇本出來以後便有一個依據，製片主任要分門別類把劇中每一人物、道具、特技效果和拍片所需要的項目挑選出來，再將劇本印成若干份分發到包括布景設計師、置景人員、攝影、道具、服裝、運輸等各部門手中，請他們分析詳細計劃，然後制定拍攝計劃和預算。一部電影的賺與賠，在籌備期已經決定了八成以上，所以准備工作至關重要。

2． 影片拍攝 拍攝畫面並錄音

拍攝的成敗很大程度上取決於預先制定計劃時的認真程度與每一個人和每一件設備是否按時到達現場。製片組要確保通知各部門開工時間地點，並預先聯絡好拍攝場景和電源，為工作人員提供運輸工具以及飲食。總之，劇組的吃喝拉撒睡都要負責。為劇組提供群眾演員也是製片部門的職責范圍。

3．後期製作

後期製作包括停機後完成該片所必須的一切工作。停機後，工作只完成了20%，工作樣片還需要剪輯，音響效果需要錄製成聲帶，所有聲帶，包括對白、音響效果、音樂、解說等要混錄合成，字幕需要設計並拍攝，光學效果需要製作，底片要按照樣片搭配好，最後要送審，並合成拷貝洗印，然後發行。

4． 製片還擔任一項重要工作：拉贊助，此活動可貫穿整個製作過程。

————————煙火槍械————————

合法的非執法持槍者，可放炸彈打機關槍，炸什麼都可以，只要電影里需要。香港已經開始發放槍械師執照，大陸則由電影廠壟斷，你可到電影廠拜師。

————————電影特技————————

在影片攝制生產過程中，常會遇到一些難度大成本高或危險性大及難以在生活中拍攝的一些鏡頭和景象。由於常規攝制技術難以完成，這就必須用特技方法來完成。早期的電影特技使用一些常規的特技攝影的手法，除了快速攝影、慢速攝影、倒拍、停機再拍（畫面多次暴光）。

如今數字技術的發展，使電影特技的製作有了極大的飛躍。電子影像的形成、數字技術、計算機圖形學的發展為數字特技奠定了基礎，數字特技即利用計算機處理數字化後的音視頻信號的方法，來實現視覺和聽覺上的特殊效果。

很高興回答你的問題，怎樣拍一部電影？

一個人拍電影是做不到的，如果當你心裡非常渴望拍一電影，你要找一個合適的夥伴，你兩個人開始探討，最好是對拍攝剪輯能力比較優秀的，那麼就容易多了，

當你們要有堅決的想要拍的電影，那麼就是想劇情和劇本，要知道很多傳媒公司有著雄厚的資金和優良的設備，因為缺乏足夠好的劇本，拍出的電影也無人問津，對於很多普通的草根而言，不在於設備和資金上的較量，只要劇本好用現有的東西也能拍出獲得稱贊的電影作品，

演員，對於拍電影來講，初期的合夥人有了，劇本也定下來，可總不能自導自演吧，很多導演指導演員行，但是自己上了演就總是演的變扭，所以找一個富有感染力的演員是決定一部電影好壞的關鍵。

君不見黃渤一個人演了一部電影，拉著一頭奶牛，所以很多時候並不是說我們電影拍的設備怎麼樣，劇本的角色多少，都不是主要的衡量標准，對於現在想拍電影的年輕人來說，你要把一種很微妙的 情感 是發揮的機制，拍攝角度和拍攝手法，需要跟隨自己的感覺，

對於電影來說，不完全是導演來安排場景，開始大家都沒什麼名氣，就是拍著電影玩一玩，大家可以很隨意的選擇表演的風格，往往這種風格是一些專業的劇組很難達到的，有時候攝影師是一部電影的第一位觀眾，從他的角度去為觀眾呈現的畫面，需要一種藝術氣息，這裡面需要找到性格比較有個性的人來做。

拍攝的資金問題，對於文藝青年來說，還沒有穩定的工作和經濟收入，即使有，相比這筆資金也不充足，尤其是拍電影這一塊，耗費的時間和精力，以及人員這些都需要支付成本的，所以有能力的話，能拉就盡量拉贊助。

首先，拍電影是一件非常復雜的事情。總的來說，我們寫的文章或繪圖可能很隨意，我們想寫一點。但是電影並不適合於與網路無關的電影或大型電影。這基本上是許多員工共同努力的結果。這也意味著拍攝是應該計劃的任務。奇跡只能出現在先前的概念中，一旦進入拍攝，它們就必須「適合」，並且必須按照計劃執行所有步驟。不是退縮，而是射擊，簡單的心血來潮可能不足以完成任務。

2.您必須先擁有一個劇本。劇本和小說不一樣。小說是文本藝術，它多次關注文本的藝術概念，使聽眾感到「大腦」。但是這部電影最終在觀眾面前發行，這具有很高的象徵意義，因此與電影的最客觀，最具體的描述相同，包括場景，道具，人物，線條等。創建腳本後，下一個考慮因素是「拆分腳本」。根據場景（特寫，特寫，中或遠），鏡頭移動，演員的位置，圖片構圖，場景布局等，分屏腳本的相似性更高。基本上，它可以用決定未來攝影作品的文字來描繪或繪制。 3.各種設計工作。

這就像重新創建場景設計，服裝設計，角色設計，道具設計等以前的想法一樣。在正式開始拍攝之前，許多電影將通過發布許多概念圖來朝這個方向努力工作。

4.選擇一個演員。不用說，除了動畫和非常具有開創性的藝術電影外，電影基本上不需要演員。 5.正式開始拍攝。已經確定了先前的腳本，子鏡像和各種設計工作，因此在拍攝時，演員的表演，場景布局和場景時間表方面必須清楚地遵循鏡子。每個場景都有很多真正需要開始的工作，例如規劃演員的位置，演員的表演，燈光，現場錄音等等。從准備到實際拍攝，最後拍攝只有幾十秒，但是實際拍攝可能需要一天。

6.完成後期製作後，您將需要向編輯器提供大量用於編輯的拍攝材料。當然，編輯也是明確計劃的。當編輯者選擇使用哪個鏡頭時，故事是一致的，故事是吸引人的，編輯可以確定電影的偉大和邏輯關系。編輯完成後，視頻材料將移交給另一個人進行進一步的後處理，例如為視頻著色。後效果，例如簡介，字幕或3D cgi效果。

7.使電影更好。以上是製作電影的實際工作，但是如果您想製作電影，那麼技能就不夠，畢竟電影也是藝術。

例如，鏡片和組合物可以表達主觀意識。相同的場景，相同的演員，不同的場景和構圖會給人相反的感覺。如果沒有特殊研究，還有更多而且很難理解這些電影語言。因此，僅了解工作流程還不夠。否則，我只能說所拍攝的內容與各種視頻應用程序的拍攝內容相同，並且是帶有情節的視頻。現在說電影是電影還為時過早。

8.沒有人可以拍電影。近年來，也許有太多人擔任過董事職務，以至於他們被誤認為「每個人都可以成為董事」，但許多人只是一個董事帽。例如，郭德綱實際上在進行卡通對話，我也想聽，但是我如何突然理解這部電影並成為導演？我們的老師一直提倡「尊重」工作尊重，不應被認為太有價值。因此，如果您對該主題感興趣，則可以慢慢學習並考慮對電影的了解。

電影這個東西，最首要的環節一個是製片，一個是主創。製片即是製片方，誰來安排劇組，聯絡場所和資助，這決議你的開支，非常首要；主創是中心，嚴厲來講包含導演、編劇和編排師三個。但編排本來還好，只需找有根本編排理論基礎和經歷的人來剪，都沒啥疑問，要害首先是劇本要好，其次是導演的才能，至於藝人，說白了即是出現故事的東西罷了，只需有扮演經歷和根本的才能的，都差不多。

1、劇本，自個編寫或找別人代編。主線一定要准備好，有哪些首要場景，怎麼確保聯接、照應。台詞設計好。假如有時間最佳有分鏡頭劇本，提前想好每個場景有哪些鏡頭，機位怎麼擺放、人物的根本動作。

2、視頻設備：尼康D7000，鏡頭是18-105的套頭，以及50 1.8G的標定。外接麥克是飛利浦的SHM1000，隨便接一個作用都會好很多。看你拍哪種微電影而定，一般的最少需求攝像機一台，想製造更精緻點的能夠加上燈火、收音器、輕型滑軌等。

3、做好劇員，安排好拍照次序。盡管視頻能夠補拍，可是氣候、光線、衣服、藝人心情等的改換，讓後期補拍難度較大，根本補即是補一個場景。所以盡量多拍幾遍，爭奪削減補拍也許。

4、拍照期間：盡量運用三腳架，確保視頻安穩。假如是需求加強緊湊感，能夠手持，讓鏡頭有呼吸感，對比簡單營建緊張氣氛。

運用手動對焦，或許爽性防止二次對焦。D7000盡管是有自動對焦功用，但根本是廢柴功用，會不斷發生拉風箱狀況，對焦緩慢。所以盡量少拍照物距的變化，用分鏡頭來替代。 留意景深。拍對話的時分，假如運用正反打，定焦頭的淺景深是必須的，留意不要跳軸。單機位拍正反打，只能是拍兩遍再做後期，有條件的話盡量雙機位吧。

留意麥克風離藝人的間隔。同期聲是對比省勁的做法，後期配音真實費事，所以盡量挑選指向性較好的麥克風，一起確保麥克風離藝人的間隔相差不大，並且關於說話聲音小的藝人，要恰當將麥克風放的近一些，或讓藝人恰當進步音量。

預演也記得要拍下來，很也許第一遍反而是最佳的。NG也不用早早停掉錄像，後期拿來做花絮也是很有意思的。

5．對台詞，磨練演技：在家可對鏡操練表情，若有煽情戲，多回憶往事醞釀心情。

後期製造：此環節直接影響影片的終究作用，建議找專業人士或專業設備解決。

目前微電影還不能獨立上院線，所以也就不存在審批的疑問，傳達方式只要網路。拍的話找電影公司當然更專業，不過微電影這個玩意兒，學生拍的不比入行N年的專業人士差——重點是理念和創造力

拍一部電影不難，拍好難。什麼電影才是一部好電影？在我看來，好電影要同時兼顧藝術性和商業性，即又賣座口碑又好，比如我喜歡的《讓子彈飛》。

拍好一部電影，要從以下幾個方面入手。

1,選擇劇本。

要懂得挑選或改變一個好的劇本。如《肖申克的救贖》

2,資金。

要會拉投資或自己出錢，支付員工工資和拍攝、發行成本，口才要好。

3,人才。

1,組建戰鬥力強的劇組，挑選優秀的製片人、監制、導演、編劇、化妝、道具、美術、場務等

2,組建優秀的演員團隊，挑選票房號召力強，演技高，職業態度良好的演員。

4，製作後期。

剪輯好電影，製造匹配度高的音樂、配樂。

5，發行。

選擇有實力的發行商，加強廣告宣傳。

最後說一句，拍電影看起來很難，但只要把拍電影的流程了解剖析，每個環節逐一完成，統籌兼顧，一定能拍出一部好電影。

首先要有自己想表達的東西

最重要的前提是 RMB

最核心是 劇組 （沒劇組你自拍啊）

劇組成員網路了解一下 還是我打這吧 省事

製片主任、現場製片、生活製片、外聯製片

導演組：導演、副導演、執行導演、場記

劇務組：劇務主任、劇務、劇務助理

美工組：總美工師、美工設計及服裝、道具、化妝等小組

錄音組：設錄音師和錄音員

重點 ！！！ 《 演員 》

以上是一個相對專業劇組的標配（基本）.

⑷ 20—60年代的電影主要用了哪些特效

根據網路資料

中國電影特效50年代處於萌芽階段 60年代處於自主研發階段
50年代 萌芽
1950年，根據中央電影事業管理局的指令，在東北、北京和上海電影製片廠分別設立了特效部門，由東北電影製片廠負責對各廠選派的特效人員進行基礎知識的專業培訓和實習。1953年，上海電影製片廠正式成立了工種齊全的特效科。1955年 《天仙配》首次研製並運用了「分色合成」的特效工藝。1956年 《沙漠里的戰斗》中首次應用了空間像逐格放映合成攝影工藝，黑白電影開始有了越來越新奇的畫面。
60年代 自主研發
上世紀60年代中國電影特效發展迅速，各家製片廠都在研發技術。1960年，為拍攝《寶蓮燈》開發出了分裂遮光器的特效攝影術，這一技術之後又在《孫悟空三打白骨精》中進一步完善。1963年，《紅日》和《水手長的故事》大規模地使用了模型攝影、動態配景接景等合成攝影，以假代真拍攝了大量有坦克和飛機的戰爭場面。60年代初期，北影特效部門製成我國第一套國產紅外線幕活動遮片合成攝影系統，並首次在影片《游園驚夢》中成功應用。
70年代 重生

⑸ 電影的畫面是怎麼拍出來的

一部電影鏡頭的運用有多重要，如何跳出定勢思維？

朝日傳媒給出了更多關於電影鏡頭的思考。

《天使愛美麗》(2001) 劇照

朝日傳媒

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宣傳片 宣傳片製作 宣傳片拍攝

⑹ 我想拍攝一部電影，需要的流程有哪些

1、選擇劇本

這是最重要的,一般是由製片人來選擇劇本，但是也不缺乏導演來選擇劇本的，但是導演在選擇了一部好的劇本之後就要說服公司以及製片人來為他投資，但是在21世紀的電影中導演是沒有劇本改編權利的，如果他在開拍前希望改變劇本就必須經過公司上層董事會的批准。

2、資金

電影的成本不僅包括導演，編劇，攝像，演員，場景，拍攝，後期，食宿行等的費用，而且包括市場營銷及宣傳的費用，通常市場營銷及宣傳費用等於拍攝費用或1/2的拍攝費用。每部電影根據概念和要求的不同，可以分為小成本電影，中型製作電影，和大製作電影。

小成本電影基本在1000萬人民幣以下，中型製作電影成本基本在1000-8000萬人民幣左右，大製作電影成本在8000萬元以上 。

國產小成本電影代表作《失戀33天》（約900萬人民幣，不含宣傳費用），國產中型製作電影代表作《人在囧途之泰囧》（約3000-4000萬人民幣，不含宣傳費用），好萊塢大製作電影代表作《阿凡達》（約6億美元，不含宣傳費用） 。

3、選擇導演演員

中國電影不會有選擇導演這種說法的，在一部電影里導演說的算，這就意味著他們不僅要對電影的質量負責還要對片場的其他方面負責，而國際電影製作中導演只需要負責好電影拍攝的任務。

在國際化的電影製作中是劇本選擇導演，而不是導演選擇劇本。 製片人在電影籌備時還要擔當起選擇演員的任務，在中國大陸這些都是由副導演來完成的。

4、明星陣容

在一部成功的電影中，不僅要有很棒的劇本,很好的故事情節，好的導演，最重要的是有大牌明星的參與，明星是電影中閃亮的焦點,也是電影票房的保障。

5、組建攝制組

攝影組包括：場記、化妝、道具、燈光、美術、後期指導、跟組剪接。

6、電影剪接

在美國的商業電影中,導演是沒有剪接權利的，都是由製片公司進行剪接，但是如果是一線導演的話,那就不同了。

7、發行商

商業電影中發行商和製片商不是一家，發行商是通過競爭來取得發行權，一部電影的好壞也可以通過看發行商來表現。

8、宣傳方式

就拿《強戰世界》來說，早在電影放影4個月前電影的廣告和宣傳海報就已經出爐。

9、電影國際發行

發放電影配音權,剪編權

10、參加電影節

(6)20年代電影如何拍攝擴展閱讀

前期製作

在前期製作（又稱「前制」）時，必須將電影設計並規劃完成，成立製片公司和製片辦公室。整個製作計劃要由插畫家和創作藝術家進行視覺化，並製成分鏡表。也會事先估計製片預算以控制拍攝電影所需要的花費。

製作人（Procer）將會僱用以下工作團隊進行前制：

導演 Director - 主要負責電影中的演出部份，以及管理電影中的創意部份。

助理導演（或稱「副導演」） Assistant Director (AD) - 管理拍攝計劃表，負責電影拍攝的其他工作後勤協調部份。

演員導演 Casting Director - 負責尋找適合劇本的演員。通常都需要進行演員的試鏡。主要角色必須很慎重的選擇，通常都依據演員的知名度和受歡迎的程度來決定。

場地管理 Location Manager - 必須尋找和管理電影的拍攝地點。大部分的電影都是在可以控制的環境下拍攝，例如製片廠的攝影棚（Sound Stage）；偶爾有必須在室外拍攝的部份，就必須出外景。

製片經理 Proction Manager - 管理製作預算和製作計劃。他/她也必須代表製片辦公室，向製片廠的行政部門或財務部門報告電影拍攝的狀況。

攝影指導 Director of Photography (DOP) / Cinematographer - 負責電影的攝影部份。他/她必須和導演、聲音導演（DOA）和助理導演（AD）合作。

藝術指導 Art Director - 負責管理藝術部門，要進行拍攝場景的搭設、服裝設計，以及提供化妝和發型的服務。

製作設計 Proction Designer - 建立拍攝場景、服裝、化妝和發型的的視覺外觀和整體氣氛、感覺。和藝術指導一起進行這些東西的製作。

分鏡插畫家 Storyboard Artist - 負責繪制圖片，來協助導演和製作設計指導與製作小組溝通彼此的構想。

音效指導 Director of Audiography (DOA) / Sound Director (SD) - 負責整部電影音效的部份。他/她必須和導演、DOP和AD合作。

音效設計 Sound Designer - 創作電影所需的新音效。

作曲家 Composer - 創作新音樂。

舞蹈指導 Choreographer - 創作並編出舞蹈和動作，通常是在音樂劇中使用。有些電影也會有「武術指導（Fight Choreographer）」。

二、拍攝製作

在拍攝時電影已經被計劃好了. 製片公司和製片辦公室已經設立，製片人將僱傭以下一些人員:

導演、助理、製片經理、攝影導演、藝術導演、劇本作者、混音製作、音效製作、作曲人、動作編導

三、後期製作

影片編輯負責剪切影片. 運用現代視頻技術,電影錄像過程導致兩個分類: 一個貫穿於整個電影, 另一種則混合著視頻和電影片段.

在電影工作流程中, 原始膠片 (negative) 被沖印和復制到 a one-light workprint (positive) for 用於編輯和剪接.

拍攝技術：菲林拍攝、高清拍攝

⑺ 20年代中國電影是如何從藝術探索走向商業競爭的商業電影的類型特徵和製作策略是什麼

20年代中國電影發生過一次"突轉",以1926年為界，中國電影從文藝片突然整體轉向商業片大潮。主要原因一是受美國好萊塢模式的影響，二是電影本身生存的需要，競爭機制決定了電影經營者轉型。三是本土文化作為片子養分所決定的，四是當時的電影工作者美學觀念的嬗變，決定了這次文藝思潮的整體轉型。

商業片是以票房收益為最高目的、迎合大眾口味和欣賞水準的影片。商業片往往採用的手段在題材的篩選一定是要奇觀化，製作班底則是明星制，投資上一定是大投資、大製作、大炒作，商業片是支撐整個電影業生存，盈利乃至發展的一種類型片抑或稱為模式。

⑻ 拍攝一部電影需要幾個步驟

1、首先是製片方找到一個願意投拍的劇本，與原作者簽署拍攝協議。

2、製片方尋找投資人，購買原著的拍攝權。

3、製片方尋找適合的導演、編劇等，組成劇組。

4、劇組成立後，編劇與導演編制分鏡頭劇本，副導演尋找演員，談好報酬；尋找合適的合作者，比如後期製作團隊、特技團隊等等。

5、投入拍攝。

6、後期製作，開展公映前的宣傳。

7、首映式。

8、公映。

9、分錢， 或者賠錢。

(8)20年代電影如何拍攝擴展閱讀

國家新聞出版廣電總局電影局為規范和改進電影劇本（梗概）備案和電影片管理制度，提高電影質量，繁榮電影創作，滿足廣大群眾的精神文化需求，推進電影業健康發展，根據《電影管理條例》對影片的內容和技術進行審查。

歐洲是國際電影節的發源地，現有24個國家，先後舉辦144個電影節。其中義大利27個，法國26個，西班牙23個，三個國家共76個，占歐洲總數的一半左右。

歐洲三大國際電影節，亦稱世界三大國際電影節，是國際A類電影節中最權威、最著名、最具影響力的三個電影節，分別為：義大利威尼斯國際電影節、法國戛納國際電影節、德國柏林國際電影節。

⑼ 影視畫面中拍攝鏡頭的技巧

什麼是影視中的長鏡頭
長鏡頭是指連續地用一個鏡頭拍攝下一個場景，一場戲或一段戲，以完成一個比較完整的鏡頭段落，而不破壞事件發展中時間和空間連貫性的鏡頭。

長鏡頭是指連續地對一個場景、一場戲進行較長時間的拍攝，所形成的鏡頭。
在拍攝長鏡頭時，通過攝象機的運動，形成多角度、多機位的效果，造成畫面
空間的真實感和一氣呵成的整體感。
它原為電影的拍攝技巧，產生於上世紀20年代。在電影發明之初，剪輯技巧還沒
成為專門的製作手段時，電影畫面大多是採用長鏡頭拍攝的。
長鏡頭最根本的在於鏡頭內縱深的場面調度產生的紀實性和整個影片節奏的起承轉合所體現的現實主義風格。當然，相對而言，講求景深內的場面調度會使鏡頭的時間變長、節奏變慢。看看侯孝賢等台灣導演的電影就相當明顯。
大景深長鏡頭：是一種採用深焦距拍攝的長鏡頭。是在長鏡頭內實現現場畫面調度的手段。
這種鏡頭常用來保持畫面時間和空間上的完整統一。
其作用為：
a.能以一個單獨的鏡頭表現完整的動作和事件，而其含義不依賴它與前後鏡頭的聯結就能獨立存在
b.強調長鏡頭在時間上的連續性和深焦距造成的完整的空間的作用，形成幾個平面互相襯映、互相
對比的復雜畫面空間結構
c.由於這種多層面和多元性的畫面，比然派生出多義性，使大家在欣賞影片時有相當大的選擇自由
並自由地對畫面形象的某些或全部含義做出自己的判斷和理解。
攝影長鏡頭的缺點
首先,質量上乘的長鏡頭價格昂貴.
其次,長鏡頭往往又大又笨重,在你整天背著它到處轉之後,就會有切身體會.
第三,鏡頭的焦距越長,照相機就必須把握得越穩定,以避免影像模糊.經驗准則是只有當快門速度至少等於鏡頭焦距毫米數的倒數時才能夠手持鏡頭進行拍攝.也就是說,當快門速度低於1/100秒時就不能手持100mm鏡頭拍攝,低於1/1500秒時就不能手持500mm鏡頭拍攝等等.在下一課中還會講到.為了確保得到銳利的影像,我們推薦設置更高的快門速度.我們推薦的設置值是鏡頭焦距的"兩倍".也就是說,當快門速度低於1/200秒時就不能手持100mm鏡頭拍攝,低於1/1000秒時就不能手持500mm鏡頭拍攝.因此,對於大多數遠攝鏡頭的拍攝工作都需用要使用三腳架.
第四,不管長鏡頭的光學系統多麼完美,拍攝遠處的物體時,影像總是處於充滿塵埃、陰霾和熱折射的大氣環境中。只有在非常罕見的清澈空氣中，才能獲得特別清晰的遠攝影像。
建議在練習的這個階段，除了照相機上已經配備的鏡頭之外，不必再購買任何鏡頭。以後成為"高手"時，可以考慮較長焦距的鏡頭。即使在那時，除非對超長鏡頭具有特殊的需求，並且資金也不成問題，否則我們建議不要考慮超過200mm的任何鏡頭。如果偶爾需要超長鏡頭，可以考慮添置一隻遠攝增距鏡。